Der Name Bin Laden ist weltweit bekannt. Für die meisten Menschen ist er untrennbar mit Osama bin Laden, al-Qaida und den Terroranschlägen vom 11. September 2001 verbunden. Für Omar bin Laden ist dieser Name jedoch nicht nur Teil der Weltgeschichte, sondern Teil seiner eigenen Biografie.

Omar wurde 1981 als einer der Söhne Osama bin Ladens geboren. Anders als sein Vater suchte er später einen Weg, der nicht von Politik, Terror und Gewalt bestimmt sein sollte. Während der Corona-Pandemie begann er intensiv zu malen. Seine Bilder zeigen Wüsten, Pferde, Berge, Flüsse und Szenen des amerikanischen Westens.

Im Juli 2022 stellte er in der Normandie rund 30 Gemälde aus. Es folgten internationale Medienberichte, öffentlich genannte Preise und erste Verkäufe. Danach wurde es um seine Kunst zunehmend still. Heute lebt Omar bin Laden in Katar. Eine neue Ausstellung, eine dauerhafte Galerievertretung oder ein öffentlich nachvollziehbarer Kunstmarkt sind derzeit nicht belegt.

Was also wurde aus Omar bin Laden als Künstler?

Vom Lockdown zur Malerei

Schon als Kind habe Omar bin Laden gezeichnet und gemalt. Seine künstlerische Begabung führte er in Interviews vor allem auf die Familie seiner Mutter zurück. Seine Mutter habe gerne gemalt, ebenso eine seiner Schwestern; auch ein Onkel sei Künstler gewesen.

Während der Corona-Pandemie griff er erneut zu Pinsel und Farbe. Seine Ehefrau Zaina, die ebenfalls kreativ arbeitet, soll ihn dazu ermutigt haben. Während der Lockdowns entstand eine Serie von Bildern, die später internationale Aufmerksamkeit erhielt.

Omar arbeitete vor allem mit Landschaftsmotiven. Wüsten, Berge, Flüsse, Pferde, abgestorbene Bäume und Szenen des amerikanischen Westens gehören zu seiner Bildwelt. VICE beschrieb seine Arbeiten 2021 als von naiver Kunst geprägt: kräftige Farben, vereinfachte Formen und ein direkter, teilweise expressionistischer Farbauftrag.

Seine Motivwelt wirkt auf den ersten Blick überraschend. Einerseits malt Omar Landschaften, die mit seiner Kindheit und Jugend verbunden sind. Andererseits taucht immer wieder der amerikanische Westen auf – eine Welt aus Cowboys, Pferden, offenen Landschaften und scheinbar grenzenloser Freiheit.

Omar erklärte damals, dass er Westernfilme möge und Clint Eastwood zu seinen bevorzugten Schauspielern gehöre. Besonders der Film „Erbarmungslos“ spielte in seinen Erzählungen über Kunst und persönliche Erinnerungen eine Rolle.

Zwischen Tora Bora und Arizona

Eines der auffälligsten Merkmale seiner Malerei ist die Verbindung zwischen persönlicher Erinnerung und Orten, die er nur aus Filmen, Musik oder seiner Vorstellung kennt.

Ein Gemälde zeigt die Berge von Tora Bora in Afghanistan. Die Region ist eng mit der Geschichte seines Vaters verbunden, der sich dort nach den Anschlägen vom 11. September 2001 aufhielt. Ein anderes Bild, das Omar selbst als eines seiner Lieblingswerke bezeichnete, zeigt eine nächtliche Landschaft in Arizona: eine kleine Hütte, Kakteen und einen von Sternen übersäten Himmel.

Diese Gegenüberstellung macht seine Kunst biografisch aufgeladen, ohne dass jedes Bild automatisch als politische Aussage gelesen werden muss. Omar beschrieb die Malerei als Möglichkeit, Ruhe zu finden und in eine Welt der Träume und Fantasie einzutreten.

Seine Bilder lassen sich deshalb auch als Versuch lesen, eine eigene visuelle Sprache zu entwickeln – jenseits des Namens und der Geschichte seines Vaters.

„The Light“ und die Suche nach einem Ausweg

Besonders deutlich wird diese persönliche Ebene in seinem Gemälde „The Light“. Das Bild zeigt eine dunkle Straße, die auf einen hellen Horizont zuläuft.

Omar erklärte gegenüber VICE, er versuche darin, das Licht am Ende eines dunklen Weges zu finden. Ob man das Gemälde als autobiografisches Statement lesen möchte, bleibt offen. Bemerkenswert ist jedoch, dass Omar seine Malerei selbst mit seiner persönlichen Entwicklung und der Verarbeitung seiner Vergangenheit verband.

In seinen Bildern erscheinen offene Landschaften, Licht und Weite deshalb nicht nur als dekorative Motive. Sie können auch als Gegenbilder zu einer Biografie verstanden werden, die über Jahrzehnte von Gewalt, Flucht und dem übermächtigen Namen seines Vaters geprägt wurde.

2022: Ausstellung in der Normandie

Der bislang größte öffentlich dokumentierte Moment seiner künstlerischen Laufbahn folgte im Sommer 2022. Am 1. Juli 2022 wurden in der Arielle Brocante in Le Teilleul in der Normandie rund 30 seiner Gemälde präsentiert.

Die Ausstellung fand nicht in einem etablierten Museum oder einer international bekannten Galerie statt, sondern in einem großen Antiquitäten- und Brocante-Betrieb. Gerade dieser ungewöhnliche Ort sorgte gemeinsam mit Omars Familiengeschichte für große mediale Aufmerksamkeit.

Der Händler Pascal Martin unterstützte Omar bei der Präsentation und beim Verkauf seiner Arbeiten. Er berichtete damals von erheblichem Interesse. Noch vor der offiziellen Eröffnung sollen einzelne Bilder reserviert worden sein.

Martin sprach auch offen über den Einfluss des berühmten Nachnamens. Der Name Bin Laden ziehe Käufer an, erklärte er sinngemäß. Damit benannte er ein Problem, das Omar bin Ladens künstlerische Karriere bis heute begleitet: Die Öffentlichkeit interessiert sich für seine Bilder – aber häufig erst, nachdem sie erfahren hat, wer sein Vater war.

Was kosteten die Gemälde von Omar bin Laden?

Die 2022 genannten Preise geben zumindest einen punktuellen Einblick in den damaligen Markt für seine Arbeiten. Kleinere Gemälde wurden Medienberichten zufolge für ungefähr 750 bis 800 Euro angeboten. Größere Arbeiten kosteten etwa 2.000 bis 2.500 Euro.

Omar signierte einige seiner Bilder mit den Initialen „OBL“. Gerade diese Signatur verstärkte zwangsläufig die Verbindung zwischen seiner Kunst und dem weltweit bekannten Familiennamen.

Die damaligen Angebotspreise dürfen jedoch nicht mit einem dauerhaft etablierten Marktwert verwechselt werden. Dafür fehlen öffentlich dokumentierte Auktionsergebnisse, eine kontinuierliche Galerievertretung und eine ausreichend nachvollziehbare Verkaufshistorie.

Es ist zudem nicht öffentlich bekannt, wie viele der ausgestellten Werke tatsächlich verkauft wurden, wo sie sich heute befinden oder ob sie inzwischen erneut auf dem Kunstmarkt angeboten wurden.

Der Name als Belastung und Verkaufsargument

Damit entsteht ein bemerkenswertes Paradox. Omar bin Laden wollte als eigenständiger Künstler wahrgenommen werden. Gleichzeitig war es gerade sein Nachname, der seiner Malerei internationale Aufmerksamkeit verschaffte.

Ein unbekannter Künstler muss normalerweise zunächst Sichtbarkeit aufbauen, bevor sich Medien, Galerien oder Sammler mit seinen Werken beschäftigen. Bei Omar war diese Sichtbarkeit von Anfang an vorhanden – allerdings aus einem Grund, den er sich nicht ausgesucht hatte.

Die entscheidende Frage lautet deshalb: Können die Bilder von Omar bin Laden unabhängig von seiner Familiengeschichte betrachtet werden? Oder ist sein Nachname zwangsläufig ein Teil ihres Marktwertes?

Dieses Prinzip ist im Kunstmarkt nicht ungewöhnlich. Bekanntheit, Biografie und öffentliche Erzählungen können die Wahrnehmung eines Werkes erheblich beeinflussen. ARTTRADO hat sich bereits in dem Beitrag „Banksy, Stallone, Dylan: Warum im Kunstmarkt der Name mehr zählt als das Meisterwerk“ mit der Frage beschäftigt, wie stark ein berühmter Name den Wert von Kunst prägt.

Bei Omar bin Laden ist diese Verbindung jedoch besonders kompliziert. Sein Name steht nicht für eine vorherige Karriere in Film, Musik oder Unterhaltung, sondern für Terrorismus und eines der traumatischsten Ereignisse der jüngeren Geschichte.

Ist Omar bin Laden ein Celebrity-Künstler?

Omar bin Laden lässt sich nicht ohne Weiteres mit klassischen prominenten Quereinsteigern vergleichen. Trotzdem gibt es strukturelle Gemeinsamkeiten.

Auch bei Künstlern wie Johnny Depp oder Kanye West beeinflusst die öffentliche Bekanntheit, wie ihre Bilder betrachtet und bewertet werden. ARTTRADO hat diese Mechanismen unter anderem in den Beiträgen „Johnny Depp als Künstler – Talent, Hype oder teures Branding?“ und „Kanye West in Russland: Vom Künstler Ye zur politischen Projektionsfläche“ untersucht.

Der entscheidende Unterschied liegt in der Art der Bekanntheit. Depp und West waren bereits durch ihre eigene Arbeit berühmt, bevor ihre bildnerischen Werke größere Aufmerksamkeit erhielten. Omar bin Ladens Bekanntheit beruht dagegen fast vollständig auf seiner familiären Verbindung.

Damit wird seine Kunst unweigerlich von einer Biografie überlagertert, gegen die sie gleichzeitig einen Gegenentwurf darstellen soll.

Frankreich verhängt dauerhaftes Einreiseverbot

Nach der Ausstellung von 2022 blieb Omar zunächst in der Normandie, wo er seit 2016 mit seiner britischen Ehefrau gelebt hatte. Reuters bezeichnete ihn noch 2024 als Landschaftsmaler, der in der französischen Region Orne ansässig gewesen war.

Sein Leben in Frankreich endete jedoch im Oktober 2023. Die Behörden entzogen ihm seine Aufenthaltspapiere und forderten ihn zur Ausreise auf. Hintergrund waren Beiträge in sozialen Medien, die von den französischen Behörden als Verherrlichung des Terrorismus beziehungsweise als Unterstützung terroristischer Inhalte bewertet wurden.

Omar bestritt nach Medienberichten, den betreffenden Beitrag selbst veröffentlicht zu haben. Eine juristische Anfechtung der Entscheidung blieb erfolglos.

Im Oktober 2024 erklärte der damalige französische Innenminister Bruno Retailleau schließlich, zusätzliche Maßnahmen ergriffen zu haben, um eine Rückkehr Omars nach Frankreich dauerhaft auszuschließen.

Nach Berichten der Associated Press und französischer Medien lebt Omar bin Laden inzwischen in Katar.

Was wurde aus seiner Kunst?

Mit dem Umzug nach Katar verliert sich die öffentlich nachvollziehbare Spur seiner künstlerischen Arbeit weitgehend.

Eine neue, konkret dokumentierte Ausstellung für 2025 oder 2026 lässt sich derzeit nicht verifizieren. Ebenso wenig ist eine etablierte Galerievertretung bekannt, die seine Arbeiten kontinuierlich präsentiert. Es existiert auch kein eindeutig bestätigter öffentlicher Onlineauftritt, über den Omar regelmäßig neue Bilder vorstellt.

Das bedeutet nicht zwangsläufig, dass er nicht mehr malt. Es bedeutet lediglich, dass seine aktuelle künstlerische Tätigkeit öffentlich kaum dokumentiert ist.

Ungeklärt ist außerdem, ob Pascal Martin weiterhin mit ihm zusammenarbeitet, ob seit 2022 neue Werkgruppen entstanden sind und ob seine Gemälde noch direkt an private Sammler verkauft werden.

Ein Kunstmarkt ohne nachvollziehbare Strukturen

Gerade diese Informationslücke macht Omar bin Laden aus kunstmarktanalytischer Sicht interessant.

Er hatte eine öffentlich beachtete Ausstellung. Seine Bilder wurden zu konkreten Preisen angeboten und einzelne Reservierungen beziehungsweise Verkäufe wurden medial erwähnt. Gleichzeitig fehlt die Infrastruktur, über die sich ein Kunstmarkt gewöhnlich beobachten lässt.

Es gibt keine bekannte regelmäßige Messepräsenz, keine nachvollziehbaren Auktionsergebnisse, keine öffentlich erkennbare Werkdatenbank und keine etablierte Galerie, die Preise, verfügbare Arbeiten oder Ausstellungen dokumentiert.

Der damalige Markt scheint wesentlich über persönliche Kontakte, Medieninteresse und die außergewöhnliche Geschichte des Künstlers funktioniert zu haben.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht nur: Malt Omar bin Laden noch? Ebenso wichtig ist die Frage: Was ist aus seinem Kunstmarkt geworden?

Wer besitzt heute seine Werke? Werden sie weiterhin gehandelt? Sind in Katar neue Bilder entstanden? Arbeitet Pascal Martin noch mit ihm zusammen? Und plant Omar eine neue Ausstellung außerhalb Frankreichs?

Darauf gibt es derzeit keine belastbaren öffentlichen Antworten.

ARTTRADO versucht, Omar bin Laden zu erreichen

ARTTRADO möchte diese Lücke nicht mit Spekulationen füllen. Deshalb haben wir nach einer Kontaktmöglichkeit zu Pascal Martin recherchiert, der Omars Arbeiten 2022 in der Normandie präsentierte und damals eine wichtige Rolle bei der Vermittlung seiner Bilder spielte.

Über Martin soll eine Interviewanfrage an Omar bin Laden weitergeleitet werden. Dabei soll nicht erneut nur sein berühmter Vater im Mittelpunkt stehen. Uns interessieren vor allem seine Kunst und ihre Entwicklung.

Welche Bilder sind seit der Ausstellung 2022 entstanden? Welche Motive beschäftigen ihn heute? Malt er weiterhin Landschaften, Pferde und Szenen des amerikanischen Westens? Sind in Katar neue Werkgruppen entstanden? Werden seine Arbeiten noch verkauft? Und wie erlebt es ein Künstler, wenn der eigene Nachname international bekannter ist als das eigene Werk?

Sollte Omar bin Laden auf die Anfrage reagieren, wird ARTTRADO über seine aktuellen Arbeiten und seine weiteren künstlerischen Pläne berichten.

Vom Sohn Osama bin Ladens zum eigenständigen Künstler?

Omar bin Ladens Geschichte lässt sich auf zwei unterschiedliche Arten erzählen: als Geschichte über den Sohn eines der bekanntesten Terroristen der Welt – oder als Geschichte über einen Mann, der versucht, sich mithilfe der Malerei eine eigene Identität aufzubauen.

Beides gehört zu seiner Biografie. Seine Bilder machen diese Geschichte jedoch komplizierter.

Wer seine Arbeiten betrachtet, sieht zunächst keine offene Terrorpropaganda. Man sieht Landschaften, Wüsten, Tiere, Licht und weite Räume. Man sieht eine Bildwelt, die auffällig stark von Freiheit, Distanz und der Sehnsucht nach einem anderen Leben geprägt ist.

Gleichzeitig lässt sich kaum ignorieren, wer diese Bilder gemalt hat. Der Name Bin Laden öffnete Omar Türen zur internationalen Öffentlichkeit, obwohl er genau jener Geschichte entkommen wollte, mit der dieser Name verbunden ist.

Vielleicht liegt darin der interessanteste Aspekt seiner Kunst: Omar bin Laden wurde in eine Geschichte hineingeboren, die er sich nicht ausgesucht hat. Als Maler versucht er offenbar, eine andere zu erzählen.

Ob und wie diese Geschichte 2026 weitergeschrieben wird, gehört zu den Fragen, auf die ARTTRADO nun eine Antwort sucht.

Weitere Informationen

Titelbild: Eine Straße führt durch die Wüste auf den Horizont zu. Die Aufnahme dient als Symbolbild für Omar bin Ladens Landschaftsmalerei und die Suche nach einem eigenen künstlerischen Weg. Foto: Francesco Ungaro /Pexels.

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, zur Diskussion einladen oder in unseren Augen zu wenig Beachtung erhalten. Das 123. Werk der Woche ist „Mineral m20190630“ von Gerd Jansen. Die Arbeit entstand 2019 und gehört zur Werkgruppe „Der Schwarze Planet“.

Werk der Woche #123: Mineral m20190630 von Gerd Jansen

Schwarz, Weiß, Grau und ein gedämpftes Beige: Auf den ersten Blick wirkt „Mineral m20190630“ wie eine abstrakte Komposition aus unregelmäßigen Flächen. Einige Formen stehen aufrecht, andere scheinen sich übereinanderzuschieben oder gegenseitig zu verdecken. Harte schwarze Partien treffen auf helle Zwischenräume, schmale Konturen und organisch geschnittene Kanten. Obwohl die Arbeit vollständig auf der Fläche entsteht, entwickelt sie eine erstaunlich plastische Wirkung.

Das Werk misst 37 × 37 Zentimeter und verbindet Collage, Zeichnung und Malerei. Mit Passepartout beträgt das Endformat 50 × 50 Zentimeter und passt damit in einen handelsüblichen Wechselrahmen. Der Künstler selbst beschreibt den Charakter der Arbeit als „sehr plastisch“. Dabei handelt es sich allerdings nicht um einen zusätzlichen Werktitel, sondern um eine persönliche Einordnung innerhalb einer Auswahl von vier Arbeiten.

Gerade diese plastische Wirkung macht „Mineral m20190630“ zu einem geeigneten Werk der Woche. Die einzelnen Formen erinnern entfernt an Gestein, Schichtungen, Bruchstücke oder architektonische Körper. Eine eindeutige gegenständliche Lesart gibt Jansen jedoch nicht vor. Stattdessen zeigt die Arbeit einen Zustand zwischen Ordnung und Veränderung: Etwas hat sich zusammengefügt, könnte aber im nächsten Moment wieder auseinanderbrechen und eine vollkommen neue Konstellation bilden.

Verpackungen werden zu einer neuen Bildordnung

Für die Mineral-Arbeiten verwendete Gerd Jansen unter anderem Papiere und Verpackungen, die im gewöhnlichen Alltag in seinen Haushalt gelangten. Das vorhandene Material wurde zunächst in kleinere Einheiten geschnitten und anschließend in freier Weise neu zusammengesetzt. Teilweise zerschnitt Jansen die bereits entstandenen Collagen erneut, verschob einzelne Teile und klebte sie wieder zusammen, bis ein Quadrat von 37 × 37 Zentimetern entstanden war.

Erst danach wurden ausgewählte Flächen mit Acrylfarbe überarbeitet – überwiegend in Schwarz und verschiedenen Grautönen. Das ursprüngliche Verpackungsmaterial verliert dadurch seinen alltäglichen Zweck, verschwindet jedoch nicht vollständig. Seine Kanten, Farben und Oberflächen bleiben als Spuren sichtbar.

Das Verfahren entspricht dem inhaltlichen Kern der Untergruppe „Mineralien“. Jansen versteht sie als Auseinandersetzung mit dem physischen Aspekt der Erde und mit der fortwährenden Bewegung von Materie in immer neue Konstellationen. Material wird getrennt, neu geordnet, überlagert und verwandelt. Die Entstehung des Bildes wird damit selbst zu einem Modell für Veränderung.

Vier Mineral-Arbeiten und vier unterschiedliche Charaktere

„Mineral m20190630“ steht nicht isoliert. Drei weitere Arbeiten aus dem Jahr 2019 zeigen, wie unterschiedlich Jansen dasselbe Format, ein vergleichbares Verfahren und eine eng begrenzte Material- und Farbwelt einsetzen kann.

Mineral m20190503

„Mineral m20190503“ wirkt wesentlich flächiger und plakativer. Große schwarze und graue Felder werden von kräftigem Gelb begleitet. Die Komposition erinnert an ein System aus Balken, Blöcken und verschobenen Rechtecken. Während „Mineral m20190630“ räumliche Tiefe entwickelt, behauptet sich diese Arbeit stärker auf der Bildfläche. Ihre Wirkung ist direkter, härter und zeichenhafter.

Mineral m20190627

„Mineral m20190627“ erscheint dagegen ruhiger. Gedämpfte Grünflächen, Schwarz, Grau und ein helles Beige bilden eine ausgeglichene Komposition. Die Formen stehen überwiegend vertikal und wirken wie Schichten, Platten oder geologische Körper. Trotz ihrer Unregelmäßigkeit entsteht ein beinahe stabiler Zustand.

Mineral m20190802

„Mineral m20190802“ verlässt diese Ruhe wieder. In der unteren Bildhälfte treffen zahlreiche schwarze Linien auf hellem Grund aufeinander. Darüber liegen große dunkle Flächen, unterbrochen von schmalen weißen Konturen und einem auffälligen gelben Akzent. Die Linien können an Erdschichten, Wasserbewegungen oder seismische Aufzeichnungen erinnern. Durchaus lässt sich diese Arbeit als „exotisch“ charakterisieren.

Bemerkenswert ist es zu sehen, welche unterschiedlichen Charaktere innerhalb einer formal eng verwandten Werkgruppe entstehen können. Gerade der Vergleich macht sichtbar, dass Jansens Systematik nicht zu einer bloßen Wiederholung führt. Das Verfahren bleibt ähnlich, das Ergebnis verändert sich grundlegend.

„Der Schwarze Planet“ als Bilder einer neuen Erde

Die vier Arbeiten gehören zur Werkgruppe „Der Schwarze Planet“, die zwischen Mitte 2017 und Ende 2019 entstand. Der Untertitel des Projekts lautet „Bilder einer neuen Erde“. Jansen beschreibt die Arbeiten auch als eine Art „Tagebuch einer neuen Erde“.

„Schwarz“ bezieht sich dabei nicht auf die Erde selbst. Der Begriff bezeichnet vielmehr die gefährliche Situation, in die sich die Menschheit nach Ansicht des Künstlers gebracht hat. Die „neue Erde“ meint keine technisch optimierte Zukunftswelt, sondern die Erneuerung eines ursprünglichen, demütigen und freundschaftlichen Verhältnisses zur Natur.

Das Projekt wurde in vier Bereiche gegliedert: „Seismogramme“, „Mineralien“, „Pflanzen“ und „Rätsel“. Die Seismogramme stehen für die seelischen Bewegungen der Erde. Dabei handelt es sich um Grafit-Tusche-Zeichnungen, die als Bewegungen um ein Zentrum angelegt sind. Die Mineralien beschäftigen sich mit dem physischen Aspekt der Erde und der Umwandlung von Materie. Die Pflanzen verkörpern das Lebendige und entwickeln sich als flexible Drahtverbindungen in den Raum hinein. Die digitalen „Rätsel“ wiederum entstehen durch das Übereinanderlegen von Fotografien der Seismogramm- und Mineral-Arbeiten. Durch die dabei auftretenden Zufälligkeiten bleiben ihre Bildwelten bewusst rätselhaft.

Seismogramm, Mineral und Pflanze stehen zugleich in einer materiellen Beziehung zueinander. Jansen verwendet bewusst einfache Materialien und führt die verschiedenen Teile des Projekts damit auf gemeinsame Grundlagen zurück.

Tagebuchartig entstanden zwischen 2017 und 2019 regelmäßig Seismogramm- und Mineral-Arbeiten. Das einzelne Bild ist deshalb nicht nur eine abgeschlossene Komposition, sondern zugleich Bestandteil eines fortlaufenden künstlerischen Denkprozesses.

Zwischen Entstehen und Vergehen

Hinter „Der Schwarze Planet“ steht eine umfassende Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz. Aus größerer Entfernung und über lange Zeiträume betrachtet erscheinen das Weltall und die Erde für Jansen nicht als idyllische Orte, sondern als Räume gewaltiger Umwälzungen. Alles befindet sich in einem Zustand der Vergänglichkeit und in einem ständigen Wechsel zwischen Entstehen und Vergehen.

Der Mensch kann sich diesem Kreislauf nicht entziehen. Trotzdem klammert er sich nach Jansens Auffassung an die Vorstellung von Beständigkeit: an den Augenblick, an Besitz, Wissen, Werte und an die Hoffnung, den natürlichen Grenzen des Lebens dauerhaft entkommen zu können. Aus dem ursprünglichen Auftrag des Überlebens sei im Verlauf der kulturellen Entwicklung ein unbedingtes Weiterlebenwollen entstanden.

Jansen verbindet diese Haltung mit den materiellen und geistigen Abhängigkeiten moderner Gesellschaften. Angst vor Verlust, Armut und Unfrieden führe zu Respektlosigkeit, Neid, Expansion, Krieg, Ausbeutung und zur Zerstörung der Pflanzen- und Tierwelt. Obwohl der Mensch wisse, dass er damit auch sich selbst schade, setze er seine Entwicklung unter dem Versprechen fort, technische Neuerungen könnten die entstandenen Probleme schließlich lösen.

Windräder, Elektroautos, Solarzellen, Versicherungen, Verordnungen oder neue medizinische Verfahren erscheinen in diesem Gedankengang nicht einfach als grundsätzlich falsche Entwicklungen. Jansen zweifelt vielmehr an der menschlichen Vorstellung, jedes Problem ließe sich technisch beherrschen, ohne das eigene Verhältnis zur Natur grundlegend zu verändern. Der Tod werde tabuisiert, während die Hoffnung auf Kontrolle und eine vermeintlich sichere Zukunft bestehen bleibe.

Der Mensch als Teil der Natur – oder als ihr Gegner?

Jansens Kritik richtet sich gegen Kulturen, die sich über die Natur und über andere Lebens- und Gesellschaftsformen erheben. Wachstum, Herrschaft und Ausbeutung erscheinen darin als Ausdruck eines verlorenen Maßes. Eine Kultur, die den Bezug zu ihrer Herkunft nicht mehr herstellen könne, verliere nach Jansen zugleich ihren Sinn.

Dabei formuliert der Künstler eine ausgesprochen düstere Möglichkeit: Die Erde könnte für das Problem Mensch eine eigene Lösung finden. Die Evolution habe sich in der Vergangenheit immer wieder gegen Arten entschieden, die unter veränderten Bedingungen nicht mehr bestehen konnten. Auch auf die Menschheit werde der „Sternenhimmel“ keine Rücksicht nehmen.

Die Vorstellung, Wissenschaft, künstliche Intelligenz oder neue digitale Gemeinschaftsformen könnten automatisch eine bessere Welt hervorbringen, betrachtet Jansen deshalb mit Skepsis. Immer wieder sei im Versprechen, das Gute zu schaffen, auch neues Unheil entstanden.

In seinem begleitenden Text verweist der Künstler auf Oswald Spenglers Satz: „Der Mensch ist ein Raubtier und die Welt ist seine Beute.“ Für Jansen liegt der zentrale Widerspruch im menschlichen Wunsch nach Fortbestand in einer Welt, die der Mensch gleichzeitig ausbeutet und zerstört. Um diesen Kreislauf zu durchbrechen, müsste er aufhören, zu jagen, zu töten, zu versklaven und zu beherrschen. Er müsste sich vom permanenten „Weiter so“ abkehren.

Auch politische und ökonomische Zukunftsmodelle bieten für Jansen keine verlässliche Lösung. Er greift Szenarien auf, die von neuen geopolitischen Blöcken über große militärische Konflikte bis zu autoritären Ordnungen und einer möglichen Herrschaft wirtschaftlicher Eliten reichen. Keine dieser Strukturen verspricht dem Planeten eine glückliche Zukunft, solange das grundsätzliche Verhältnis des Menschen zur Erde unverändert bleibt.

Auf die Erde hören

Trotz seiner düsteren Analyse endet Jansens Gedankengang nicht bei der vollständigen Hoffnungslosigkeit. Rettung liegt für ihn allerdings nicht in einer weiteren Steigerung von Herrschaft und Kontrolle. Der Mensch müsse auf die Erde hören – auf das, was sie benötigt, und nicht ausschließlich auf das, was der Mensch von ihr verlangt.

An dieser Stelle verweist Jansen auf Eckhart Tolles Buch „Stille spricht“. Darin wird Natur nicht nur als Voraussetzung des physischen Überlebens verstanden, sondern auch als möglicher Weg aus dem Gefängnis menschlichen Denkens. Steine, Pflanzen und Tiere erinnern daran, dass Leben nicht ausschließlich aus Handeln, Planen, Erinnern und Beherrschen besteht. Es kann ebenso bedeuten, still zu sein und dort anzukommen, wo das Leben tatsächlich stattfindet: im Hier und Jetzt.

Vor diesem Hintergrund erhält „Mineral m20190630“ eine zusätzliche Bedeutung. Die Arbeit zeigt keine konkrete Landschaft, keine Katastrophe und keine politische Szene. Stattdessen konzentriert sie sich auf Materie und Veränderung. Vorgefundene Fragmente werden auseinandergenommen und in eine neue Ordnung gebracht. Nichts bleibt, was es zuvor war – und dennoch geht nichts vollständig verloren.

Ein Bild als Modell der Veränderung

„Mineral m20190630“ lässt sich als abstrakte Collage betrachten, ohne den umfangreichen philosophischen Hintergrund der Werkgruppe zu kennen. Seine schwarzen und hellen Flächen, die unregelmäßigen Konturen und die räumliche Spannung funktionieren zunächst rein visuell.

Doch innerhalb von „Der Schwarze Planet“ wird die Arbeit zu mehr als einer formalen Komposition. Ihr Herstellungsprozess spiegelt Jansens Vorstellung von einer Welt, in der Materie fortwährend ihre Form verändert. Zerschneiden und Zusammenfügen, Zerstörung und Neuordnung, Entstehen und Vergehen sind dabei keine Gegensätze, sondern Teile derselben Bewegung.

Der Vergleich mit den drei weiteren Mineral-Arbeiten verstärkt diesen Gedanken. Aus vergleichbaren Materialien und Arbeitsschritten entstehen vollkommen unterschiedliche Bildzustände: plakativ, ruhig, plastisch oder fremdartig. Kein Ergebnis ist zwingend, jedes hätte auch anders ausfallen können.

Damit führt das Werk zurück zur großen Frage des gesamten Projekts: Ist der Mensch in der Lage, sich als Teil einer wandelbaren Natur zu begreifen – oder hält er weiterhin an der Vorstellung fest, außerhalb ihrer Gesetze zu stehen?

Der Künstler Gerd Jansen

Gerd Jansens künstlerisches Werk erstreckt sich über mehrere Jahrzehnte und umfasst Zeichnung, Malerei, Collage, Plastik sowie digitale und partizipative Konzepte. Früh entwickelte er systematische und geometrische Arbeitsweisen. Seit 1997 beschäftigt er sich zudem intensiv mit natürlichen Zahlen und Primzahlen, aus denen eigenständige bildnerische Ordnungen hervorgegangen sind.

Systematik bedeutet bei Jansen jedoch nicht starre Wiederholung. Vielmehr schafft sie einen Rahmen, innerhalb dessen Abweichungen, Zufälle und Veränderungen sichtbar werden können. Auch „Der Schwarze Planet“ verbindet eine klar gegliederte Werkstruktur mit offenen bildnerischen Prozessen.

Mit „Mineral m20190630“ steht deshalb nicht nur eine einzelne Collage im Mittelpunkt. Das Werk öffnet den Blick auf ein künstlerisches Denken, das Material, Natur, Gesellschaft und menschliche Existenz miteinander verbindet.

Gerd Jansen im Interview: über Ordnung, Freiheit und fünf Jahrzehnte Kunst

Werkangaben

Künstler: Gerd Jansen
Werk: Mineral m20190630
Werkgruppe: Der Schwarze Planet – Mineralien
Jahr: 2019
Technik: Collage, Zeichnung und Malerei
Format: 37 × 37 cm
Endformat mit Passepartout: 50 × 50 cm

Weitere Informationen

Weitere Informationen über Gerd Jansen und sein Gesamtwerk finden Sie auf der Webseite des Künstlers.

Die Arbeiten der Werkgruppe „Der Schwarze Planet“ sind außerdem im digitalen Buch „Der Schwarze Planet – Teil 3“ dokumentiert.

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Figurative Kunst bezeichnet eine zentrale Stilrichtung der bildenden Kunst, in der erkennbare Motive aus der realen Welt dargestellt werden. Dazu zählen insbesondere Menschen, Tiere, Landschaften, Gegenstände oder Szenen aus dem Alltag, die für den Betrachter eindeutig identifizierbar bleiben.

Im Mittelpunkt steht dabei nicht zwingend eine realistische Wiedergabe, sondern die erkennbare Verbindung zur sichtbaren Wirklichkeit. Figurative Kunst kann naturalistisch, stilisiert, expressiv oder symbolisch sein – entscheidend ist, dass ein konkreter Gegenstandsbezug erhalten bleibt.

Figurative Kunst ist kein Medium, sondern ein Prinzip

Wichtig ist: Figurative Kunst ist nicht auf die Malerei beschränkt. Der Begriff beschreibt keine Technik, sondern eine Darstellungsweise.

Figurative Kunst findet sich in vielen künstlerischen Disziplinen, darunter:

Malerei (z. B. Porträts, Landschaften, Stillleben)
Zeichnung (Studien, Skizzen, Illustrationen)
Bildhauerei / Skulptur (menschliche Figuren, plastische Darstellungen)
Druckgrafik (Radierungen, Lithografien)
Fotografie (künstlerische oder dokumentarische Bildgestaltung mit realen Motiven)
Zeitgenössische Mixed Media Kunst (Kombination verschiedener Ausdrucksformen)

Damit beschreibt „figurativ“ nicht das Medium, sondern die Art der Bildsprache.

Abstrakte Figuration – wenn Figur und Abstraktion verschmelzen

Figurative Kunst kann auch abstrakte Elemente enthalten. In diesem Fall spricht man häufig von abstrakter Figuration oder expressiver Figuration.

Dabei bleiben die Motive grundsätzlich erkennbar, werden jedoch bewusst verfremdet:

Formen werden vereinfacht, verzerrt oder fragmentiert
Farben sind nicht realitätsgetreu, sondern emotional oder symbolisch eingesetzt
Perspektiven können gebrochen oder übertrieben dargestellt sein
Details werden reduziert oder nur angedeutet

👉 Entscheidend ist: Das Motiv bleibt identifizierbar, auch wenn es stark abstrahiert ist.

Sobald jedoch kein Bezug zur realen Welt mehr erkennbar ist, handelt es sich nicht mehr um figurative, sondern um rein abstrakte Kunst.

Merkmale der figurativen Kunst

Typische Eigenschaften figurativer Kunst sind:

Darstellung real erkennbarer Objekte oder Figuren
Orientierung an der sichtbaren Welt
große stilistische Bandbreite (von realistisch bis abstrahiert)
häufig emotionale, narrative oder symbolische Bildinhalte
Fokus auf Körper, Raum, Licht und Komposition
Figurative Kunst in der Kunstgeschichte

Die figurative Darstellung gehört zu den ältesten Ausdrucksformen der Menschheit. Bereits in der Höhlenmalerei wurden Tiere und Jagdszenen festgehalten. In der Antike entwickelte sich eine idealisierte Darstellung des menschlichen Körpers, während die Renaissance die realistische Perspektive und Anatomie in den Mittelpunkt stellte.

Auch in der Moderne blieb die figurative Kunst präsent – oft in bewusster Abgrenzung zur Abstraktion. Künstlerinnen und Künstler nutzen figurative Elemente, um Emotionen, gesellschaftliche Themen oder persönliche Sichtweisen auszudrücken.

Abgrenzung: Figurative vs. abstrakte Kunst

Die figurative Kunst steht im direkten Gegensatz zur abstrakten Kunst:

Figurativ: Darstellt erkennbare Objekte der realen Welt
Abstrakt: Verzichten vollständig auf gegenständliche Darstellung

Zwischen diesen Polen existieren jedoch viele Übergänge, insbesondere in der abstrakten Figuration, die beide Ansätze miteinander verbindet.

Bedeutung heute

In der zeitgenössischen Kunst ist figurative Kunst weiterhin sehr präsent. Viele Künstler verbinden klassische Darstellungstechniken mit modernen Bildsprachen, um gesellschaftliche, persönliche oder politische Inhalte sichtbar zu machen.

Damit bleibt figurative Kunst ein zeitloses und vielseitiges Ausdrucksmittel, das sich stetig weiterentwickelt und neu interpretiert wird.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Titelbild: Bild von Eveline de Bruin.

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Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Titelbild: Bild von Manolo Franco.

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Die Auktion beinhaltet Kunstwerken von Toomas Altnurme, Maja Flügel, Dagmar Schauer, Judith Riemer, Chris Morys, Susana Mohr, MaLo Magic-Blue und Nina „Florence“ Juncker. Eine kleine Auswahl präsentieren wir hier im Vorfeld genauer! Ausführlichere Informationen zu allen Werken, entnehmen Sie bitte dem Katalog zur Auktion. Dieser wird in Kürze als Download zur Verfügung gestellt.

Hier kommen Sie direkt zur Auktionsplattform: Zeitgenössische Malerei – junge Kunst: Katalogübersicht | Gallery 1503. www.veryimportantlot.com

Zeitgenössische Malerei – junge Kunst – Ein kleiner Einblick

Schmetterlinge symbolisieren die Metamorphose und die Flüchtigkeit des Lebens, ebenso stehen sie für die Freuden und Höhepunkte, während ihre Zartheit oft die Vergänglichkeit betont. Schmetterling weisen auf Veränderung und Neugeburt hin. Das Kunstwerk fordert dazu auf, die Schönheit des Moments zu schätzen und die ständige Veränderung des Lebens zu akzeptieren.

Das Startgebot liegt bei 1.500€

Der Künstler Chris Morys möchte einen Teil seines Erlöses aus der Versteigerung für wohltätige Zwecke spenden. Wer sein Kunstwerk erwirbt, unterstützt damit gleichzeitig die Kinder- und Jugendhilfe Neuhausen – ein Kinder und Jugendheim.

Diese philanthropische Geste von Chris Morys begleitet und betont auch die soziale Verantwortung und den humanitären Geist, den die Kunst hat und der gefördert gehört. Sammler haben nicht nur die Gelegenheit, ein beeindruckendes Werk zu erwerben, sondern tragen gleichzeitig zu wohltätigen Initiativen bei, die einen positiven Einfluss auf die Gemeinschaft haben. Die Beteiligung von Chris Morys fügt also eine weitere facettenreiche Dimension zu unserer Eröffnungsauktion hinzu, die Kunstliebhaber zu einer bedeutenden Verbindung von Ästhetik und wohltätigem Handeln einlädt.

Mehr über den Künstler: Kunst | Art | Chris Morys | Stuttgart

Toomas Altnurme INNER FIRE

Die Gemälde von Toomas Altnurme werden oft als intuitiv beschrieben und tauchen in den inneren Kosmos ein. Dies deutet auf eine tiefgreifende Erforschung der Emotionen, der Gedanken und des Unterbewusstseins des Künstlers hin und schafft eine visuelle Darstellung, die über die Oberflächenebene hinausgeht.

Toomas Altnurme wurde 1973 in Estland geboren, von 1991 bis 1996 schloss er sein Studium an der Universität Tallinn ab und studierte Malerei an der Technischen Universität Rajamangala sowie Bildhauerei von 1999 bis 2001 an der Universität Seoul. Anschließend schloss er den Master of Fine Arts an der Hongik University Graduate School ab. Er hat an Ausstellungen in Europa, Asien, Südamerika und den USA teilgenommen.

Heute lebt und arbeitet er als Künstler, Kurator und Kunstlehrer in den Vereinigten Arabischen Emiraten, dort wurde er zuletzt mit einem Guiness World Record ausgezeichnet.

Insgesamt ist Toomas Altnurme mit 3 Werken bei der Auktion vertreten, das Startgebot von INNER FIRE liegt bei 2700€

Dagmar Schauer – Wir halten Wache 5

1999 bis 2006: Studierte Dagmar Schauer an der Wiener Kunstschule. 4 Semester Malerei und 5 Semester Druckgrafik. Februar 2006: Abschluss des Kunststudiums mit Diplom bei Mag. Lebzelter und Dr.Kodera. Seit 2006 Freischaffende Künstlerin mit Lebensmittelpunkt in Waidhofen/Ybbs.

Dagmar Schauer ist mit 2 Werken aus ihrer „Wir halten Wache“ Serie vertreten. Das Startgebot von „Wir halten Wache 5“ liegt bei 1400€.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.dagmarschauer.com/

Susana Mohr – 143

Über die Künstlerin: Geboren 1961 in Guatemala City, CentralAmérica; zur Welt gekommen als Susana Donis Paz. Aufgewachsen in Guatemala City hat die farbenfrohe Künstlerin dort die Schule besucht und danach ein Studium mit Abschluss bereich Innenarchitektur absolviert und auch Kunstgeschichte studiert.

Während des Studiums hat sie angefangen zu malen, zunächst gegen ständlich und mit dem Schwerpunkt auf der Zeichnung, aber schon mit großem Interesse an dem, was zwischen Farbe und Form – also malerisch – passiert. Heute lebt und arbeitet Susana Mohr in Hamburg und ist regelmäßig auf Ausstellungen in der Hansestadt präsent.

Zur Webseite der Künstlerin: https://lebensfarbe-kunst.de/

Maja Flügel – Atropos

In der griechischen Mythologie ist Atropos eine der drei Moiren, – Schicksalsgöttin, die den Lebensfaden durchschneiden und somit den Tod eines Menschen bestimmen. Das Werk beginnt mit einem Startgebot von 600€.

Maja Flügel lebt und arbeitet in Bayern. Wenige Künstler haben einen ähnlichen Stil wie Maja Flügel – was ihre Arbeiten auch noch einmal hervorstechen lässt. Mit ihren mystischen und figurativen Gemälden entführt sie den Betrachter in eine Welt voller Geheimnisse. Die Kunstwerke von Maja Flügel sind nicht dekorativ, sondern fordern den Betrachter auf sich mit dem Bild auseinanderzusetzen und wecken so Emotionen.

Mit Sicherheit ein upcoming Artist to watch! Mehr über Maja Flügel finden Sie auch hier: Maja Flügel (Deutschland), Zeitgenössischer Maler | Artmajeur

Mario Lorenz – HÜBSCH KALT/ PRETTY COLD

Das Kunstwerk PRETTY COLD / Hübsch Kalt des österreichischen Künstlers MaLo Magic-Blue stammt aus dem Jahr 2015. Das 30cm * 80cm große Acrylbild gehört zu den seltenen und beliebten Panorama-Leinwandarbeiten des Künstlers . Durch ein solches Format gewährt das Kunstwerk einen besonders großen Einblick in die Traumwelt von MaLo.

MaLo – der Künstlername ist die Kurzform von Mario Lorenz. Mit farbstarken , magisch und surrealen Acrylbildern kann er bereits seit einem Jahrzehnt Menschen Freude bereiten und positive Emotionen wecken. Immer intensiver wird parallel dazu sein Schaffensdrang im Bereich Musik Seine Kreativität, Energie und Leidenschaft kennt viele Ausdrucksformen. MaLo wird demnächst auch verstärkt als Sänger in Erscheinung treten.

Im Dezember 2023 war er auf einer Ausstellung in Rom präsent – aktuell arbeitet MaLo vermehrt an großformatigen Kunstwerken, was seine älteren und kleineren Formate seltener werden lässt.

Nina Juncker – Woven

Eine verwobenene Collage, die anschließend noch hinter einer bedruckten Folie platziert wurde, um mit mehreren Ebenen zu arbeiten. Der Druck ist die Bearbeitung eines Fotos von Wolken, welches die Künstlerin selbst aufgenommen hat.

Judith Riemer – Sommergold

„Sommergold“ erzählt die Geschichte von einem verträumten Sommerabend zu Zweit an einem See. Die leuchtenden Grüntöne und die meditative, intime Situation in der Szenerie eines Waldsees lädt ein zum Meditieren, Reflektieren und Besinnen.

Hochwertige Ölfarben und die feine Glanzfirnis sorgen dafür, dass das Werk auf lange Zeit gut geschützt ist. Enthalten ist auch der Schattenfugenrahmen, Holz, vintage/gold. Das Werk kann auf Wunsch auch ohne den Schattenfugenrahmen präsentiert werden, die Ränder sind sorgfältig bemalt.

Der Startpreis liegt bei 900€

Judith Riemer ist eine deutsche Künstlerin aus dem Landkreis Hildesheim. Seit 2017 präsentiert sie ihre Werke auf Ausstellungen in Galerien, Museen, Kunstvereinen und Kunstmessen weltweit . Zu ihren herausragenden Ausstellungshighlights zählen die Teilnahme an der „Art Expo New York“ im Jahr 2022 und der „World Art Dubai“ im Jahr 2021.

Judith Riemer hat mehrere Auszeichnungen erhalten, und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht.  Zuletzt wurde Riemer im Jahr2022 als Preisträgerin des „Talentawards“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt.

Ihre Kunstwerke befinden sich in privaten Sammlungen u.a in Deutschland, Italien und Österreich.

Weitere Informationen

Zur Webseite des Auktionshauses: www.gallery1503.com

Zur Auktionsplattform: veryimportantlot.com

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Die Kunstmesse „Stroke Art Fair“ – geläufig auch Stroke genannt – gehört zu den führenden Messen für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Ins Leben gerufen wurde die Stroke 2009 von den Brüdern Marco und Raiko Schwalbe in München. Seit der Gründung konnte die Stroke fast eine  viertel Million Besucher verzeichnen, wobei im Jahr 2020 eine coronabedingte Pause zu berücksichtigen ist.

In diesem Jahr fand die beliebte Messe vom 19. – bis zum 22. Mai auf der Praterinsel in München statt. In den 4 Tagen zeigten knapp 115 Künstler ihre Arbeiten und begeisterten Kunstliebhaber aus ganz Europa. Unter den teilnehmenden Ausstellern befand sich auch die Künstlerin und Autorin Isabella Schels, die so freundlich war, ihre Erfahrung mit der Kunstmesse mit unseren Lesern zu teilen.

Isabelle Schels über die Stroke Art Fair 2022

Die Stroke Art Fair entdeckte ich zum ersten Mal im Herbst 2021. Damals nahm mich ein Freund aus dem Chiemgau mit, der ein Fan von der Kunstmesse auf der Praterinsel ist. Mir gefiel die Stroke so gut, dass in mir der Wunsch reifte, auch einmal dort als Ausstellerin mit dabei zu sein. Und das klappte schneller, als ich dachte.

Durch Zufall erfuhr ich diesen Januar von einer Bewerbungsmöglichkeit für die nächste Auflage der Stroke. Ich musste ein Formular ausfüllen und eigene Werke einreichen, die ich auf der Kunstmesse zeigen wollte. Innerhalb von 24 Stunden erhielt ich die Zusage. Die Zusammenarbeit lief von Beginn an reibungslos, ebenso die Kommunikation, die in der Regel nur per Email stattfand. Und falls ich etwas als Ausstellerin übersehen hatte, wurde ich rechtzeitig hingewiesen. Wirklich toll.

Die gesamte Organisation für den Online-Auftritt sowie für den Workflow vor Ort mit Auf- und Abbau war sehr gut. Mit meinem Stand im Kellergewölbe war ich auch sehr zufrieden: Es gab eine hohe Stellwand, die mir überraschenderweise mehr Ausstellungsfläche anbot, als erwartet, und zudem zwei Strahler, die alles gut ausleuchteten. Der Keller hatte darüber hinaus den Vorteil, dass es relativ kühl war – denn draußen hatte es teilweise über dreißig Grad Celcius an diesen Tagen!

Wegen der Hitze war es auch an einem Tag, dem Freitag, sehr ruhig, was das Publikum betrifft. Am Eröffnungsabend wie auch am Samstag und Sonntag herrschte jedoch überraschend großer Besucherandrang. Nach Corona-Lockdowns eine schöne Erfahrung.

Die Stroke ist ohnehin ein Erlebnis: Im Innenhof auf der Praterinsel herrschte Stimmung wie auf einem Festival, mit Musik, mit diversen Essens- und Getränkeständen und mit schönen Sitzmöglichkeiten. Ich habe es sehr genossen, mit vielen anderen Künstlern an dieser stimmungsvollen Location zusammenzukommen, sich auszutauschen und das Wiederaufleben der Kunstmesse nach den vielen Lockdowns zu feiern. Die Stroke war in dieser Hinsicht ein echtes Fest!

 

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Isabella Schels

Isabella Schels wurde in Kelheim (Niederbayern) geboren. Als Kind zunächst infiziert mit dem Ballett-Virus, das zu einer kleinen Rolle in einem ZDF-Film (erste Berührung mit meinem heutigen Medium) führte, später dann Berlin sowie Hamburg und München als Wirkungsort. Inspiriert durch nahezu alles – was sich in Filmen, Bildern und anderen musischen Feldern niederschlägt.

Studium der Geographie, Germanistik und Erziehungswissenschaften an der Universität Regensburg, mit Abschluss M.A. Anschließend Ausbildung zur TV-Redakteurin. Stationen als Reporterin bei Nachrichtenredaktionen, als Redakteurin im Bereich Spielfilm und Serie, Fernsehautorin und Regisseurin im Bereich Magazine und Dokumentation sowie Online-Redakteurin im Magazin-Bereich. Autodidakt im Bereich Fotografie. Studium Zeichnung und Malerei bei Professor Markus Lüpertz.

Mehr über die Künstlerin & Autorin: https://isabellaschels.de/

Weitere Informationen

Mehr über die Stroke: stroke-artfair.com

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Das Aachener Ludwig Forum für zeitgenössische Kunst wurde von der deutschen Sektion des Internationalen Kunstkritikerverbandes AICA zum Museum des Jahres 2018 gewählt. Das Museum verfügt über einen umfangreichen Bestand aus der Sammlung von Irene und Peter Ludwig.

Sonderausstellungen

Die gut präsentierten und thematisch recherchierten Sonderausstellungen stachen besonders heraus, begründete der AICA am Montag.

Gleichzeitig wurde die Ausstellung im Ludwig Forum «Flashes of the Future – Die Kunst der 68er oder Die Macht der Ohnmächtigen» zur Ausstellung des Jahres gekürt. Über 200 Werke wurden von Andreas Beitin und dem Kunsthistoriker Eckhart Grillen erarbeitet. In der Begründung hieß es, es handele sich um ein umfassendes Panoram der Kunst um 1968.

Die laufende Ausstellung des US-Künstlers Arthur Jafa in der Julia Stoschek Collection Berlin wurde als «Besondere Ausstellung 2018» gewürdigt. Der Verband teilte mit das es sich um den vielleicht dringlichsten Beitrag zur politischen Dramatik der gegenwärtigen Lage in den USA handelt.

Titelbild: Das Werk „Die Bürger von B.“ (1967) von Segfried Neuhausen in der Ausstellung „Flashes of the Future – Die Kunst der 68er oder Die Macht der Ohnmächtigen“. Foto: Henning Kaiser