Mit The World is falling apart setzt die Münchner Künstlerin Alexandra Kordas im Pavillon von Grenada einen stillen, aber nachhaltigen Akzent innerhalb der Biennale. Eingebettet in das kuratorische Leitmotiv In Minor Keys und den spezifischen Ausstellungskontext des Pavillons entfaltet die Skulptur ihre Wirkung nicht isoliert, sondern als Teil eines vielstimmigen, relational gedachten Gefüges.

Die Poetik der Korrespondenz

Der von Daniele Radini Tedeschi kuratierte Beitrag Grenadas steht unter dem Titel „Die Poetik der Korrespondenz“ und versteht sich als reflexiver Raum des Austauschs – zwischen Inseln, Kulturen, Materialien und historischen Erfahrungen. Ausgangspunkt ist die Vorstellung, dass Bedeutung nicht linear entsteht, sondern in Netzwerken: als ein Prozess von Beziehung, Resonanz und gegenseitiger Formung. Der Pavillon begreift Grenada dabei nicht nur geografisch, sondern als Knotenpunkt einer erweiterten, diasporischen und ökologischen Verflechtung.

In diesem Kontext erscheint Kordas’ Skulptur wie eine Verdichtung genau dieser Idee. The World is falling apart operiert nicht als singuläres Objekt, sondern als sensibles Element innerhalb eines größeren Systems von Bezügen. Ihre Form wirkt fragmentiert und zugleich verbunden – als würde sie selbst in einem Zustand permanenter Korrespondenz stehen: mit dem Raum, mit anderen Arbeiten, mit den Betrachtenden.

Fragment und Übergang: Formen des Zerfalls

Der Titel legt eine drastische Lesart nahe, doch das Werk verweigert jede plakative Zuspitzung. Stattdessen entfaltet sich eine fragile Struktur zwischen Stabilität und Auflösung. Dunkle, verdichtete Partien stehen neben helleren, offeneren Fragmenten; tektonische Verschiebungen treffen auf Momente fast schwebender Ruhe. Zerfall erscheint hier nicht als Endpunkt, sondern als Übergangszustand – als etwas, das neue Relationen überhaupt erst ermöglicht.

Gerade darin berührt sich die Arbeit mit dem kuratorischen Denken des Pavillons. „Die Poetik der Korrespondenz“ versteht Kunst nicht als abgeschlossenes Objekt, sondern als Beziehung – als fortlaufenden, dialogischen Prozess. Diese Idee, die sich auch auf Denker wie Édouard Glissant und Tim Ingold bezieht, wird in Kordas’ Skulptur auf eine körperlich erfahrbare Ebene übersetzt. Ihre Arbeit „antwortet“ nicht, sondern tritt in ein Verhältnis ein – sie bleibt offen, reagierend, unabschließbar.

Raum und Resonanz: Der Pavillon als Träger der Bedeutung

Auch der Ausstellungsort verstärkt diese Lesart. Der Pavillon befindet sich im Spazio Berlendis im venezianischen Stadtteil Cannaregio – einem historisch vom Austausch geprägten Gebiet, dessen Nähe zum Wasser und zu Handelsrouten die Idee von Zirkulation und Verbindung räumlich erfahrbar macht. Die Skulptur steht hier nicht neutral im Raum, sondern ist Teil einer Umgebung, die selbst als Metapher für Weitergabe, Strömung und Resonanz fungiert.

Innerhalb dieses Gefüges entfaltet The World is falling apart eine eigentümliche Intensität. Sie ist keine laute Geste, sondern ein insistierendes Moment der Verlangsamung. Während viele Beiträge der Biennale globale Krisen und Umbrüche direkt adressieren, verschiebt Kordas den Fokus: weg von der Darstellung äußerer Zustände hin zu deren innerer Erfahrung. Ihre Skulptur macht nicht den Zerfall der Welt sichtbar, sondern das Empfinden eines solchen Zustands – ein fragiles Gleichgewicht zwischen Unsicherheit und Möglichkeit.

Die Künstlerin: Alexandra Kordas

Alexandra Kordas (1958, München) fand vergleichsweise spät zur bildenden Kunst, nachdem sie zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin tätig war. Diese biografische Verschiebung ist in ihrem Werk präsent: Ihre Skulpturen besitzen eine ausgeprägte Körperlichkeit und eine fast szenische Qualität, die Betrachtende unmittelbar einbindet.

Seit ihrem künstlerischen Durchbruch 2018 entwickelte sie eine eigenständige, introspektive Praxis, die sich mit Brüchen, Übergängen und existenziellen Grenzerfahrungen auseinandersetzt. Themen wie Verlust, Krieg und innere Spannungen durchziehen ihre Arbeiten, ohne je illustrativ zu werden. Formen entstehen aus einem prozesshaften, intuitiven Zugriff heraus – als Verdichtungen innerer Zustände, die sich einer eindeutigen Lesart entziehen.

Charakteristisch ist die Balance zwischen expressiver Geste und formaler Präzision. Kordas arbeitet mit Material als etwas Wandelbarem, Widerständigem – ihre Skulpturen erscheinen nie abgeschlossen, sondern bleiben in einem Zustand latenter Bewegung. In diesem Sinne fungieren sie als eine Art seismografisches Instrument: nicht für die großen Erschütterungen, sondern für die feinen, oft kaum wahrnehmbaren Verschiebungen darunter.

Ihre Arbeiten wurden in den letzten Jahren international gezeigt, unter anderem in Rom, Madrid, London, Zürich und New York City. 2026 folgt eine Einzelausstellung in der Kunsthalle LV 1871 in München.

Mit The World is falling apart gelingt Alexandra Kordas innerhalb des Grenada-Pavillons ein Werk, das die Idee der Korrespondenz nicht nur illustriert, sondern verkörpert. Es ist eine Skulptur, die sich nicht festlegt, sondern in Beziehung bleibt – zu Raum, Kontext und Betrachtung. Und gerade in dieser Offenheit liegt ihre Präzision: als leise, aber nachhaltige Form des Denkens im Sinne der Biennale Arte 2026.

Der Grenada-Pavillon: Kontext, Akteure, Verflechtungen

Mit seiner neunten Teilnahme an der Biennale Arte 2026 positioniert sich der Pavillon von Grenada erneut als eine der konsequentesten Stimmen der Karibik im internationalen Kunstdiskurs. Organisiert vom Grenada Arts Council, versteht sich der Beitrag nicht nur als nationale Repräsentation, sondern als bewusst gesetzter Knotenpunkt globaler Beziehungen und kultureller Austauschprozesse.

Im Zentrum steht das Ausstellungskonzept „The Poetics of Correspondence“, kuratiert von Daniele Radini Tedeschi und verantwortet von Kommissarin Susan Mains. Der Pavillon denkt Kunst explizit als relationale Praxis: als ein Netzwerk aus Verbindungen zwischen Inseln, Diaspora, Materialien und Geschichten.

Diese Perspektive ist eng mit dem übergeordneten Biennale-Leitmotiv In Minor Keys verbunden, das – initiiert von Koyo Kouoh – den Fokus auf leise, relationale und nicht-spektakuläre Formen künstlerischer Artikulation legt.

Auffällig ist dabei die bewusste Verschiebung vom Objekt hin zur Beziehung: Kunst wird hier nicht als abgeschlossene Form verstanden, sondern als Prozess des „In-Korrespondenz-Tretens“ – mit anderen Werken, mit Kontexten und mit den Betrachtenden selbst.

Infobox: Grenada-Pavillon 2026

Titel: The Poetics of Correspondence
Biennale Arte 2026 – Leitmotiv: In Minor Keys
Ort: Spazio Berlendis, Cannaregio, Venedig.
Laufzeit: 9. Mai – 22. November 2026.
Preview: 6.–8. Mai 2026.
Eröffnung: 8. Mai 2026, 16:30 Uhr.
Kommissarin: Susan Mains.
Kurator: Daniele Radini Tedeschi.

Künstler:innen: Alexandra Kordas, Arthur Daniel, Josine Dupont, Edward Bowen, Russell Watson, Chris Mast & Lilo Nido, The Holzwege Group (Cinzia Bulone, Carlo Caldara, AyaMarray, Andrea Saltarelli, Luigina Fernanda Paola Cerrina).

Biennale di Venezia 2026: Kuratieren nach dem Tod – Koyo Kouoh

Weitere Informationen

Mehr über den Grenada Pavillon finden Sie hier: https://grenadavenice.org/

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Künstlerporträts & Interviews

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Yerboshyn Meldibekov greift diesen Moment nicht illustrativ, sondern strukturell auf. Seine Skulptur übersetzt die Situation in einer räumlichen Choreografie aus Körpern, die sich entlang einer vertikalen Achse vom Ufer in Richtung Wasser bewegen. Die Figuren sind weder idealisiert noch heroisiert – vielmehr erscheinen sie als zerbrechliche, alltägliche Körper, die in ihrer Verbindung Stärke entwickeln. Entscheidend ist dabei nicht die einzelne Figur, sondern die Relation zwischen ihnen: Die Kette selbst wird zum eigentlichen Motiv.

Diese künstlerische Entscheidung steht exemplarisch für Meldibekovs Arbeit, die sich immer wieder mit Fragen von Geschichte, Macht und kollektiver Erinnerung auseinandersetzt. Statt narrativer Eindeutigkeit zu formulieren, öffnet „Unity“ einen Raum für Interpretation. Die Installation verweigert sich einer eindeutigen Lesart von Heldentum und lenkt den Blick auf die Bedingungen gemeinschaftlichen Handelns. In dieser Perspektive wird Hilfe nicht als außergewöhnliche Tat einzelner, sondern als mögliches Ergebnis sozialer Verbundenheit lesbar.

Auch der Ort selbst ist integraler Bestandteil des Werks. Das Sayran-Reservoir, dessen Teile Betonwände die ursprüngliche Gefahrensituation symbolisieren, beginnt als architektonischer Resonanzraum der Skulptur. Die physische Einbettung verstärkt die inhaltliche Dimension: Die Grenze zwischen realem Ereignis und künstlerischer Repräsentation beginnt zu verschwimmen. Besucherinnen und Besucher bewegen sich nicht vor, sondern innerhalb dieser Erzählung.

Kommentar zur Gegenwart

Ein zentrales Element der Installation ist die Interaktivität. Die letzte Figur der Kette streckt ihre Hand über das Gelände hinaus und ermöglicht es dem Publikum, physisch Teil der Arbeit zu werden. Dieser Gestus transformiert das Werk von einem beobachtbaren Objekt zu einem relationalen Erfahrungsraum. Der Akt des Berührens wird zur symbolischen Fortsetzung der Rettung – ein stilles, aber wirkungsvolles Angebot zur Teilhabe.

„Unity“ kann in diesem Sinne auch als Kommentar zur Gegenwart gelesen werden. In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung und Distanz oft thematisiert werden, formuliert die Skulptur eine Gegenposition: Sie erinnert daran, dass Solidarität kein abstraktes Ideal ist, sondern im konkreten Handeln entsteht. Die Arbeit verzichtet auf Pathos, ohne eine Wirkung zu verlieren – im Gegenteil: Gerade ihre Zurückhaltung verleiht ihr Nachdruck.

So gelingt Meldibekov ein Werk, das sowohl als ästhetisches Objekt als auch als soziales Statement funktioniert. „Unity“ steht exemplarisch für eine Kunst, die nicht nur darstellt, sondern auch Beziehungen stiftet – zwischen Menschen, zwischen Geschichte und Gegenwart und nicht zuletzt zwischen Betrachter und Werk selbst.

Fotos und Videos der Skulptur

Aufnahmen der Enthüllung der Skulptur finden Sie auf dem Instagramkanal von Kasachstans erster international anerkannter und führenden Nachrichtenagentur.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Qazinform (@qazinform_agency)

Biografie und künstlerisches Profil

Yerboshyn Meldibekov (*Kasachstan) gehört zu den bedeutenden Stimmen der zeitgenössischen Kunstszene Zentralasiens. Sein Werk bewegt sich an der Schnittstelle von Skulptur, Installation und konzeptueller Kunst. Internationale Aufmerksamkeit erhielt er vor allem durch Arbeiten, die sich mit kollektiver Erinnerung, historischen Narrativen und gesellschaftlichen Spannungsfeldern auseinandersetzen.

Meldibekov arbeitet in Kasachstan und ist eng mit der dortigen Kunstszene verbunden, ist jedoch auch international in Ausstellungen und Sammlungen vertreten. Seine künstlerische Praxis ist stark geprägt von einer Auseinandersetzung mit politischen und sozialen Umbrüchen sowie der Frage, wie Geschichte im öffentlichen Raum sichtbar gemacht wird. Dabei nutzt er häufig figurative Elemente, die er in installativen und raumbezogenen Kontexten überführt.

Ein zentrales Merkmal seines Schaffens ist die bewusste Reduktion auf grundlegende menschliche Gesten und Konstellationen. Statt individueller Heroisierung stehen bei ihm kollektive Prozesse im Vordergrund – ein Ansatz, der sich auch in der Skulptur „Unity“ klar widerspiegelt. Hier wird das Motiv der Verbindung und gegenseitigen Unterstützung zur künstlerischen Struktur selbst sein.

Durch die Verbindung von konzeptueller Tiefe und klarer visueller Sprache gelingt es Meldibekov, Themen von universeller Relevanz zu handeln. Seine Arbeit lädt dazu ein, gesellschaftliche Prozesse nicht nur zu betrachten, sondern aktiv zu reflektieren. „Unity“ ist dabei ein exemplarisches Werk, das seine künstlerische Haltung in verdichteter Form sichtbar macht.

Weitere Informationen

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Die Holzskulptur Smokers Man von Michaela Achatz entstand im Jahr 2024 und spiegelt die künstlerische Handschrift der Künstlerin stark wieder. Für das Kunstwerk wurde eine 100-jährige Linde mit Witterungsspuren und Eschenholz verwendet. Ein Porzellan-Aschenbecher und Kunststoffrohr ergänzen das Gesamtbild. Gefestigt  wurde es mit Schrauben und Metallverbindungen.

Smokers Man misst 80 x 35 x 35 cm und wiegt rund 15Kg. Das Holz wurde handgeschnitzt, kombiniert mit industriellen Elementen und das Eschenholz ist von Hand gehobelt und mit Öl behandelt worden. Das Kunstwerk ist ein Unikat und wird mit Signatur und Echtheitszertifikat geliefert.

Michaela Achatz ist freischaffende Künstlerin. Ihre Werke entstehen intuitiv – ohne vorgefertigte Skizzen, direkt im Dialog mit dem Material. Besonders fasziniert ist die Künstlerin von Holz, das bereits eine Geschichte trägt: gezeichnet von Witterung, Zeit und seinen natürlichen Strukturen. Diese Spuren lässt sie zu einem Teil ihrer Kunst werden.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier!

Smoker Man von Michaela Achatz

In der Skulptur vermischt Michaela Achatz Holz, Farbe und geometrische Formen in einer dynamischen Komposition, die sowohl einen ansprechenden ästhetischen Reiz ausübt als auch zum Nachdenken anregt. Die Verwendung von hellem Holz als Grundmaterial verleiht der Skulptur eine organische Note, während die stilisierte Gesichtsform an der Spitze des Werkes kraftvoll erscheint. Diese Darstellung evoziert Emotionen und lädt den Betrachter ein, eine tiefere Verbindung zur menschlichen Erfahrung herzustellen.

Die Skulptur ist so konstruiert, dass sie den Eindruck von Bewegung und Dynamik vermittelt. Die wellenförmige Anordnung der Holzplatten, die spiralförmig angeordnet sind, könnte  das Streben und die Herausforderungen des Lebens symbolisieren. Unter den Holzplatten befinden sich leuchtend farbige Elemente, die direkt aus der Popkultur inspiriert scheinen und möglicherweise den Einfluss von Spiel und Spaß verkörpern. Diese Elemente erzeugen einen starken visuellen Kontrast, der einerseits die Dynamik der Skulptur verstärkt, andererseits die ernsten Aspekte der menschlichen Existenz hinterfragt.

Das Spiel mit verschiedenen Texturen und Materialien unterstreicht nicht nur den handwerklichen Ansatz des Künstlers, sondern auch den Dialog zwischen Tradition und zeitgenössischer Kunst. Der strukturierte, rohe Holzlook steht in aufregendem Gegensatz zu den glatten, bunten Akzenten, und schafft damit eine faszinierende visuelle Spannung.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Smokers Man“ nicht nur ein ästhetisches Erlebnis bietet, sondern auch eine tiefere Reflexion über die Balance zwischen Natur und Kultur, Ernsthaftigkeit und Verspieltheit anregt. Es fordert den Betrachter auf, sich mit seiner eigenen Wahrnehmung der Realität auseinanderzusetzen und dabei die Schönheit in der Unterschiedlichkeit zu erkennen.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von m7achatz.art (@m7achatz.art)

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Portfolio – m7achatz.de

Besondere Kunstwerke finden Sie auch bei uns im Shop!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Eine der neuesten Arbeiten des britischen Bildhauers Williard Wigan trägt den Titel – Die Heiligen Drei Könige – wie die meisten seiner Kunstwerke, ist auch diese weihnachtliche Arbeit in einem Nadelöhr platziert. Damit ist das Kunstwerk ungefähr so groß, bzw. klein, wie ein Korn. Das Williard Wigan monatelang mit der Umsetzung beschäftigt war, ist also keine Überraschung – erst recht in Anbetracht der Tatsache, das er auch noch an mehreren Mikroskulpturen für die Disappearing World-Ausstellungen im nächsten Jahr beschäftigt war. Das weihnachtliche Mini-Kunstwerk besteht aus Nylon, Glitter und 24.Karat Gold.

Für die Kamele und Könige verwendete Williard Wigan mikroskopische Nylonfragmente. Um den Stern zum Leuchten zu bringen, arbeitete der Künstler hier mit Glitzer und für die Kronen nutzte er 24-Karat-Gold. Ein weiteres Highlight ist sicherlich, das Wigan die Skulptur mit einer seiner Wimpern, als Pinsel bemalt hat.

Der Künstler hofft, das seine Heiligen Drei Könige Licht, Hoffnung und Frieden in die Welt bringen.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Dr Willard Wiggan MBE (@willard_wiggan)

Williard Wigan

Williard Wigan wurde 1957 geboren – er ist ein englischer Bildhauer, der sich auf mikroskopische Kunst fokussiert hat. Die Details seiner Kunstwerke sind manchmal bis zu 0,005 mm klein sein. Seine Arbeiten dürften die kleinsten Kunstwerke auf der Welt sein. Um überhaupt in dieser Größenordnung arbeiten zu können, versetzt sich Wigan in einen meditativen Zustand und verlangsamt seinen Herzschlag. Denn schon das kleinste Zittern der Hände kann ein Werk ruinieren – deshalb arbeitet Wigan nur zwischen zwei Herzschlägen.

2007 wurde Wigan für seine Verdienste in der Kunst mit einem MBE ausgezeichnet, damit wurde er in den Britischen Ritter Orden aufgenommen.

Zu den Sammlern seiner Kunstwerken gehören unter anderem auch König Charles III, Sir Elton John oder der ehemalige Weltmeister im Schwergewicht Mike Tyson.

Mehr über den Künstler, finden Sie hier: Small Things Matter | Twitter, Facebook, TikTok | Linktree

Weitere Informationen

Besondere Kunstwerke finden Sie auch bei uns im Shop!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Lavi ist ein junger Künstler aus Hannover, geboren ist er in Kurdistan. Als Jurist und Philosoph, wo er eigentlich beheimatete ist, übt Lavi gleichzeitig seine Berufung in der Kunst aus. Seine zahlreichen Werke versuchen stets den schmalen Grat zwischen Kunst und Philosophie haarscharf zu treffen.

Als Mensch mit kurdischen Wurzeln, der das Leid, am eigenen Leibe erfahren hat, verarbeitet Lavi die Ausflüsse seines rechtlichen Handelns in philosophische Erkenntnisse, die er wiederum in Form von abstrahierter Kunst in einer sehr ambivalenten Weise präsentiert. Seine zum Teil düster gehaltenen Werke verkörpern einen Tiefgang mit Schwere, in dem das Leben in einem überwiegend leidvollen Kontext festgehalten wird.

Werk der Woche #92 Aphrodite

Im goldenen Zeitalter des Anthropozäns, in dem das kostbare Band des Lebens allein durch den Tanz des weiblichen Körpers gesponnen wird und die unvergleichliche Schönheit der Schöpfung gefeiert wird, sehen sich Frauen mit den düsteren Schatten einer ungerechten Geschlechtermedizin konfrontiert. Ihre Erhabenheit, ausgedrückt durch ihre Rolle als Schöpferinnen von Leben, wird von einer bedauerlichen Vernachlässigung und mangelnder Gerechtigkeit überschattet.

Die unfassbare Ungerechtigkeit der Geschlechtermedizin lässt die spezifischen Bedürfnisse von Frauen und ihre faszinierende Fähigkeit, Leben zu gebären, nahezu unbeachtet. In dieser ambivalenten Ära des medizinischen Fortschritts sind es neben anderen unzumutbaren Problemen vor allem ihre gesundheitlichen Belange der Frau, die mal wieder vernachlässigt werden.

Die Auswirkungen dieser fatalen ignoranten Intoleranz ziehen sich fast nahtlos durch weltweit alle weiblichen Körper hindurch. Ausweglos scheint es für jene Frauen zu sein, die den innigen Wunsch nach einem eigenen Familienidyll hegen, sich jedoch mit der grausamen Realität von Unfruchtbarkeit, durch Verseuchung ihrer Körper, aufgrund von schädlicher und auf ihrer Belange nicht abgestimmter Medizin, hoffnungslos konfrontiert sehen. Den Profiteuren hingegen kein Bewusstsein, dass sie damit ihre Einzigartigkeit klammheimlich ersticken lässt.

Doch das Leid der Frauen ist keinesfalls auf ihr individuelles Schicksal beschränkt, sondern es zieht weite Kreise und berührt die gesamte Gesellschaft in ihrem Fundament. Wenn Frauen ihre einzigartige Fähigkeit, neues Leben zu schenken, verwehrt wird, so wird die Zukunft der gesamten Menschheit um eine Generation beraubt. Das unerfüllte Sehnen nach ungeborenen Träumen lastet schwer auf den Schultern unserer Gesellschaft.

Die Aphrodite verkörpert all das und noch viel mehr. Eine fadenscheinige innovative Medizin, die sie säumt. Mit allen Mitteln des Patriarchats wird sie gezwängt, sich in eine Form zu pressen, die ihr unlieb, ungleich und zuwider ist. Der Zwang zum Ideal beraubt ihre Vernunft und macht sich ihr zur Sklavin und die Zeit ihr zum Schäfer ihres Selbst.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Lavi Alan (@lavi.ar)

Die „Feminismus“- Serie von Lavi

Die Aphrodite misst ca. 40 x15x 20 cm und wiegt rund 2kg und ist damit aktuell die größte Skulptur aus der „Feminismus“-Serie des Künstlers. Die Serie umfasst aktuell 6 Skulpturen. Weitere sind in Arbeit. Bevor die Werke zum Verkauf angeboten werden, sollen sie gemeinsam präsentiert werden.

Neben Skulpturen finden sich auch Gemälde im Portfolio von Lavi. Auftragsarbeiten sind nicht kategorisch ausgeschlossen, gehören aber nicht zur klassischen Arbeitsweise von Lavi. Bei Interesse an den Arbeiten sind Reservierungen möglich. Für weitere Informationen und Detailaufnahmen nutzen Sie gerne unseren Kontakt.

Weitere Informationen

Ausgewählte Kunstwerke finden Sie auch in unserem Shop!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen!

Das wechselnde Ausstellungsprogramm der Kultur- und Festspielstadt ist  fester Bestandteil Teil des kulturtouristischen Erlebnisangebots in den Königlichen Anlagen des Sächsischen Staatsbades. Das 10-köpfige Kollektiv aus Holzbildhauern und Holzgestaltern, vereint durch die Liebe zur Bildhauerkunst, regt sich kreativ in ihren Stilen und Arbeitsweisen gegenseitig an.

Jubiläumssaustellung

In ihrer sehenswerten Jubiläumssaustellung lassen Peter Paul Brockhage (Holzbildhauermeister), Peter Eberlein (Holzgestalter), Detlef Jehn (Holzbildhauer), Jesko Lange (Holzbildhauermeister), Tobias Michael (Holzgestalter), Hartmut Rademann (Holzbildhauer), Tilmann Röhner (Holzgestalter, Malermeister), Friedhelm Schelter (Holzbildhauermeister), Robby Schubert (Holzbildhauer) und Ronny Tschierske (Holzbildhauer) ihre Arbeiten im besonderen Raum der KunstWandelhalle in einen besonderen Dialog treten.

Tradition und Moderne, Naturalistisches und Abstraktes bilden dabei reizvolle Kontraste, Skulpturen, Reliefs und Holzschnitte in verschiedensten Materialkombinationen sorgen für einen vielfältigen Kunstgenuss. So unterschiedlich die Charaktere der beteiligten Künstler sind, so unterschiedlich sind auch ihre Arbeiten: „Aber vereint durch ihre Liebe zum Material, durch ihre Leidenschaft zur Holzbildhauerei, die nicht nur Beruf, sondern mehr Berufung ist, haben die beteiligten Künstler uns hier eine Ausstellung gezaubert, die dem Besucher Gegenständliches zum Entdecken anbietet“ erklärt Ute Gallert als Ausstellungsverantwortliche der Chursächsischen Veranstaltungsgesellschaft und fügt hinzu: „Die Bildhauerkunst haucht dem bearbeiteten Material Leben ein und verleiht dabei dem Werk Charakter und Geschichte. Diese Kunst als kulturgeschichtliches Gut zu bewahren und im besten Sinne weiterzuentwickeln ist auch eines der Anliegen der Künstlergruppe »exponaRt«, was in dieser Ausstellung eindrucksvoll unter Beweis gestellt wird.“

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Chursächsische (@festspielstadtbadelster)

Künstlergruppe exponaRt

Die Künstlergruppe exponaRt stammt aus dem Erzgebirge und hat sich national und international bereits einen bedeutenden Namen gemacht. Die zehn Holzbildhauer und Holzgestalter haben sich 2002 zu einer Künstlergruppe zusammengeschlossen und kombinieren traditionelle erzgebirgische Schnitzereien mit moderner Kunst. Jeder Künstler der Gruppe hat seinen eigenen Stil und seine eigene Arbeitsweise. Alle vereint das Bestreben, Neues zu schaffen mit hohem ästhetischem Anspruch, künstlerischer Originalität und in handwerklicher Perfektion. Ihre beeindruckende Kunstfertigkeit und ihr hoher künstlerischer Anspruch versprechen für die Besucher dieser Ausstellung ein einmaliges ästhetisches Erlebnis.

Diese wirklich sehenswerte Ausstellung kann nun bis zum 16. April 2023 besucht werden. Jeweils von Mittwoch bis Sonntag von 14.00 bis 17.30 Uhr. Sowie an den Wochenenden zusätzlich von 9.30 Uhr bis 12.00 Uhr sowie zu den Veranstaltungen in der KunstWandelhalle Bad Elster inmitten der Königlichen Anlagen besichtigt werden. Der Eintritt ist frei.

Weitere Informationen

Mehr über die Veranstaltung: www.kunstwandelhalle.de

Sie planen einen Besuch in Bad Elster? – Hotels finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Ein Highlight der kostenfreien Open-Air-Kunst-Ausstellung: Die handübermalte, 1,90 Meter hohe Bronzeskulptur „Character” des Düsseldorfer StarkünstlersLeon Löwentraut.  Ein überdimensionaler Kopf auf schmalen Schultern, der an eine Maske erinnert. Wie schon in seinem viel beachteten Bilderzyklus „Different Minds” beschäftigt sich der Künstler auch hier mit existenziellen Fragen: Welches Gesicht zeigt mir mein Gegenüber? Was darf ich glauben? Wer bin ich wirklich?

„Meine Hauptthemen sind das Spannungsfeld zwischen Schein und Sein, in dem wir alle uns täglich bewegen, sowie das isolierte Individuum hinter seiner sozialen Fassade”, erklärt Leon Löwentraut, und fügt hinzu: „Ich bin sehr stolz, dass ich hier gemeinsam mit Weltklasse-Künstlern ausstellen darf. Zudem gefällt mir das Outdoor-Ausstellungskonzept. Es bietet den Menschen Gelegenheit, gemeinsam Kunst zu erleben und sich über ihre Eindrücke auszutauschen.”

Neben der Arbeit von Leon Löwentraut werden unter anderem Skulpturen der Künstler Tony Cragg, von 2009 bis Ende 2013 Rektor der Kunstakademie Düsseldorf, Stephan Balkenhol, David Černý, Nick Ervinck, Francesca Marti‘, Sean Henry, Ilya Kabakov, Geert Koevoets, Bernar Venet und Ronald Westerhuis auf dem Outdoor-Kunst-Festival, dem Museum auf der Straße, gezeigt.

Die Skulpturen-Schau besticht zudem durch ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm aus Musik, Tanz, Prosa, Poesie und Theater.

Kunst in Oisterwijk

Oisterwijk wird auch „De Parel in ’t Groen“ (Die Perle im Grünen) genannt und liegt in der Region Brabant im Zentrum des Dreiecks, das von den Städten Eindhoven, Tilburg und Den Bosch gebildet wird. Mit seinen 80 Moorseen ist die Gemeinde eines der beeindruckendsten Naturschutzgebiete der Niederlande – und mit rund 6000 Terrassenstühlen vielleicht das größte Straßencafé des Landes.

Das Festival „Art in Oisterwijk” (AiO) fand zum ersten Mal vor fünf Jahren auf Initiative des Landschaftsarchitekten Bert Huls statt, der die Veranstaltung auch 2022 leitet. „Wir sind stolz, dass wir so viele großartige Künstler für Art in Oisterwijk gewinnen konnten. Wir hoffen, dass wir die Menschen mit den Kunstwerken, der intimen Atmosphäre und dem vielseitigen Rahmenprogramm überraschen können”, so Bert Huls.

Leon Löwentraut

Der 1998 in Kaiserslautern geborene Leon Löwentraut hat sich in beeindruckender Geschwindigkeit einen Namen in der Kunstwelt gemacht. Seine farbgewaltigen Arbeiten wurden bereits weltweit mit großen Einzelausstellungen gewürdigt. (u.a. im Kunstforum Wien, im Palazzo Medici Riccardi in Florenz, in der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, im Bayerischen Nationalmuseum München, im Osthaus Museum Hagen sowie in Galerien in New York, London, Berlin, Kopenhagen und Singapur.)

Die Hochschule Kaiserslautern erteilte dem Düsseldorfer Maler für das Wintersemester 2021/2022 einen Lehrauftrag im Studiengang Virtual Design. Thema „Future Exhibition Design“.

Löwentraut, der seit seinem 7. Lebensjahr malt, lebt und arbeitet in der Nähe von Düsseldorf.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von LEON LÖWENTRAUT (@leonloewentraut)

Weitere Informationen

Titelbild: Skulptur „Character“ von Leon Löwentraut, Fotograf: Dominik Schmäke

Mehr über Leon Löwentraut: https://www.leonloewentraut.de/

Sie planen einen Besuch in Oisterwijk? – Hotels finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über den street artist GRK aus Düsseldorf und sein Werk, „Los Hermanos“.

Diese Woche rücken wir keine Leinwand in den Fokus, sondern eine reine Holzarbeit. Der (Handwerks)-Künstler Vladimir Golubkov hat auf seinem Instagram-Kanal heute eine Ikone aus Holz veröffentlicht und damit in letzter Sekunde das ursprünglich angesetzte Werk der Woche verdrängt. Kunst kann politisch sein – muss sie aber nicht. Kunst kann auch religiös verwurzelt sein – muss es aber nicht, in diesem Falle ist sie es.

Holzikone Georg von Vladimir Golubkov

Bei der Ikone Georg handelt es sich um Holzschnitzkunst mit einer Höhe von ca. 21 cm, die Breite liegt bei ca. 17 cm und das gesamte Werk hat eine Dicke von etwa 4cm. Bei der Holzikone handelt es sich um echte Handarbeit, dementsprechend ist die Arbeit ein Unikat.

Georg

Georg (lateinisch Georgius, neugriechisch Γεώργιος Geó̱rgios, koptisch Ⲅⲉⲟⲣⲅⲓⲟⲥ Georgios) ist ein legendärer christlicher Heiliger, welcher der Überlieferung zufolge zu Beginn der Christenverfolgung unter Diokletian (284 305) ein Martyrium erlitt. In den orthodoxen Kirchen wird er als Groß- bzw. Erzmärtyrer verehrt.

Der Künstler Golubkov selbst, sagt über das Werk: „Energiegeladen, frisch, greifbar und warm. All dies beschreibt die Verbindung jedes einzelnen Werkes aus Holz und die Verbundenheit mit diesem. Es reicht nur ein Blick darauf und man verspürt innere Ruhe, bedingungslose Liebe und innigen Frieden mit sich selbst und seinen Mitmenschen“. 

Die Ikone Georg ist nicht das erste und nicht das einzige Holzkunstwerk des Künstlers. Weitere Beispiele finden sich auf dem jungen Instagram-Account von Golubkov. Ebenso bietet der Künstler an, auf Wunsche auch andere Ikonen, in nahezu jeder Größe herzustellen. Bei Fragen einfach Kontakt aufnehmen!

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von VG (@holzikonen)

Für eine präzisere Anschauung und Vorstellung, findet sich hier ein Video: 

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler: https://www.facebook.com/vladimirgolubkov.de/

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Die Statue „Der Wertgigant“ ist nicht nur ein weiteres Kunstobjekt HA Schults, sondern Ausdruck eines enormen Umweltproblems: Die gigantische Skulptur repräsentiert den Elektroschrott, den deutsche Haushalte in 72 Sekunden produzieren. Innerhalb von nur 20 Stunden entsteht so eine Armee von 1.000 Wertgiganten.

HA Schult, Zeit seines Lebens Aktivist und Mahner gegen Umweltzerstörung und übermäßigen Konsum, setzt mit der sechs Meter hohen Skulptur ein Zeichen für „Umwelt statt Unwelt“. Sein Credo lautet bis heute: „Nur die Kunst bewegt die Zeit.“

Ermöglicht wird das Kunstprojekt durch das Unternehmen Wertgarantie SE. Die in Hannover ansässige Firma hat mit der Studie „Reparieren statt Wegwerfen“ die Grundlage für die Erschaffung des Wertgiganten gelegt. Zusammen mit Künstler HA Schult will Wertgarantie sich für den Kampf gegen Elektroschrott einsetzen. Die Devise lautet: Reparieren statt Wegwerfen.

„Es ist Zeit, jetzt zu handeln, weil die enormen Elektroschrottberge uns und unserer Umwelt schon heute schwer schaden“, betont Patrick Döring, Vorstandsvorsitzender der Wertgarantie SE.

Aufbau ist am Dienstag, 16. November ab 10:00 Uhr. Bis zum 19. November kann man dann die Skulptur in der Bundeshauptstadt anschauen. Der Wertgigant soll nach seiner Reise durch Deutschland seinen Platz in Hannover finden.

Zuletzt stand der „Wertgigant“ vor dem Düsseldorfer Landtag: Wertgigant vor dem Düsseldorfer Landtag

Weitere Informationen

Titelbild: „Der Wertgigant“ von HA Schult/Foto: Ansgar M. van Treeck

Mehr Fotos auf Instagram: @haschult_amvt • Instagram-Fotos und -Videos

Sie planen einen Besuch in Berlin? – Hotels finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Letzte Woche berichteten wir über das Acrylgemälde >YOU!< von der jungen Künstlerin Katja Kirseck. Diese Woche steht eine Skulptur des Künstlers Toomas Altnurme im Fokus. Das Werk trägt den Titel > PEACE <. Es existieren mehrere Versionen und die Reproduktion ist nahezu in jeder Größe möglich. Ein Werk, was den Titel: „Frieden“ trägt, kann in dieser Zeit nicht so verkehrt sein.

> PEACE < Skulptur von Toomas Altnurme

Diese Skulptur mit Herz und Flügeln wurde zuerst aus Gusseisen geformt. Die ursprüngliche Edelstahlvariante ist 90*70*50 cm groß. Der Preis lag bei 17.000€. Später entwickelte sich dazu eine 3-D-Datei. 3-D-Druck und verschiedene Materialien ermöglichen eine Herstellung in jeder Größe. Weißer Marmor, Bronze, eigentlich ist jedes Material denkbar.  Für eine 190 cm Große Edelstahl Version nimmt der Künstler 56.000€  – Auf Nachfrage sagt Altnurme, das kleinere Größen natürlich preiswerter sind. Der Preis kann ausgehandelt werden.

Die ersten Arbeiten zu dem Werk fanden bereits im Jahr 2005 statt, auf die Frage, wie lange er daran gearbeitet hat, sagt Altnurme: Künstler arbeiten 24/7. Es gibt kein Entkommen, zum Glück ist es interessenbasiert. Selbst Künstler, die scheinbar nicht arbeiten, bereiten sich  vor. Innerlich kocht die Kreativität, auch wenn es nach außen nicht immer so aussieht.

intergalactic-voyage

Die digitale 3-D-Ausstellung „intergalactic-voyage“ über die Plattform „Kunstmatrix“ ist noch bis zum 01.11.2023 online. Es sind mehrere Arbeiten von Altnurme zu sehen, die musikalische Untermalung stammt von Margus Ermast. Kuratiert wurden die Werke vom UAEU Art-Center. Hier geht es zur Ausstellung!

Weitere Informationen

Titelbild: PEACE Edelstahl-Variante im Wüstensand der VAE.

Mehr über den Künstler:  https://altartxxx.wixsite.com/

Ein Interview mit Toomas Altnurme finden Sie hier: Interview mit Künstler, Kurator und Art Direktor Toomas….

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Wenn Sie unser Projekt ARTTRADO  unterstützen möchten, können Sie das über PayPal.