Junge Kunst wird öffentlich häufig in Extremen erzählt. Entweder erscheint ein Kind als vermeintliches „Wunderkind“, dessen Bilder bereits für hohe Summen angeboten werden, oder junge kreative Arbeit bleibt weitgehend unsichtbar, bis eine Jury, Galerie oder Institution sie entdeckt.

Der Deutsche Jugendfotopreis 2026 zeigt, dass es auch anders gehen kann. Statt ein einzelnes Talent zur Sensation zu erklären, macht der Wettbewerb eine große Bandbreite junger Perspektiven sichtbar. Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene zwischen fünf und 25 Jahren konnten ihre Arbeiten einreichen – unabhängig davon, ob sie gerade erst mit dem Fotografieren begonnen haben oder sich bereits intensiv mit dem Medium beschäftigen.

Am 19. September wurden die diesjährigen Preisträgerinnen und Preisträger in der Kunsthalle Düsseldorf ausgezeichnet. Insgesamt gingen 8.304 Arbeiten von 1.236 Teilnehmenden ein. Die Jury vergab 40 Preise mit einem Gesamtwert von 14.000 Euro.

Seit dem 20. September sind die ausgezeichneten Arbeiten unter dem Titel „ECHT JETZT“ im KIT – Kunst im Tunnel in Düsseldorf zu sehen. Erstmals in der mehr als 60-jährigen Geschichte des Wettbewerbs bespielt die Preisträgerschau damit ein vollständiges Ausstellungshaus.

Das ist ein wichtiges Signal. Doch es sollte nicht das Ende der Förderung sein.

8.304 Bilder zeigen, dass junge Fotografie kein Randthema ist

Mehr als 8.000 Einreichungen sind nicht nur eine eindrucksvolle Zahl. Sie zeigen, wie selbstverständlich junge Menschen Fotografie als Ausdrucksmittel nutzen.

Fotografiert wird heute ständig. Smartphones haben die technische Schwelle nahezu verschwinden lassen, soziale Netzwerke verwandeln Bilder in alltägliche Kommunikation. Doch zwischen einem beiläufig aufgenommenen Foto und einer bewussten fotografischen Arbeit besteht weiterhin ein entscheidender Unterschied.

Die ausgezeichneten Projekte beschäftigen sich mit Familie, Alltag, Besitz, Flucht, Beziehungen, Zukunftsvorstellungen und sozialer Gerechtigkeit. Manche Arbeiten entstehen analog, andere digital. Einige beobachten, andere inszenieren oder experimentieren mit dem Medium selbst.

Ausgezeichnet wurde in den Kategorien „Freie Themenwahl“, „Experimente“ und zum Jahresthema „Ein Haus, ein Boot, ein Auto“. Dieses Thema greift ein bekanntes Wohlstandsversprechen auf und überlässt es jungen Menschen, Fragen nach Eigentum, Gerechtigkeit und Zukunft mit eigenen Bildern zu beantworten.

Zu den Hauptpreisträgerinnen und Hauptpreisträgern gehören Melek Ayla Reinalda, Kaddy Darboe, Mizgin Frotscher, Minze Gaus, Meret Eberl und Pha Croissant. Daneben wurden mehrere Gruppenprojekte ausgezeichnet.

Die Vielfalt der Namen, Altersgruppen und Arbeitsformen ist eine Stärke des Wettbewerbs. Sie verhindert, dass junge Fotografie auf ein einzelnes vermarktbares Gesicht reduziert wird.

Der Gegenentwurf zur Wunderkind-Erzählung

ARTTRADO hat sich in den vergangenen Wochen ausführlich mit sogenannten Kunst-Wunderkindern beschäftigt. Der Beitrag „Wunderkinder der Kunst: Wenn Kinder zu Kunstmarkt-Stars werden“ zeigte, wie schnell Talent, mediale Inszenierung, elterliches Management und hohe Verkaufspreise miteinander verschmelzen können.

Die Wunderkind-Erzählung funktioniert nach einem einfachen Prinzip: Je jünger ein Mensch ist, desto stärker wird sein Alter zur eigentlichen Sensation. Nicht das Werk allein erzeugt die Aufmerksamkeit, sondern der Gegensatz zwischen kindlicher Biografie und vermeintlich erwachsener künstlerischer Leistung.

Aus einem malenden oder fotografierenden Kind wird eine Schlagzeile.  Eine Schlagzeile bringt Reichweite. Aus Reichweite kann Nachfrage entstehen – und schließlich ein Markt.

Der Deutsche Jugendfotopreis setzt diesem Mechanismus ein anderes Modell entgegen. Hier soll nicht ein einzelnes Kind als Ausnahmeerscheinung aufgebaut werden. Im Mittelpunkt stehen unterschiedliche Sichtweisen junger Menschen, die durch eine Jury ausgewählt und in einem institutionellen Rahmen präsentiert werden.

Das ist zunächst die deutlich gesündere Form der Sichtbarkeit. Sie würdigt Arbeiten, ohne sofort eine internationale Künstlerkarriere oder einen zukünftigen Marktwert versprechen zu müssen.

Wann wird aus Förderung wieder ein Wettbewerb um Aufmerksamkeit?

Ganz frei von Auswahlmechanismen ist auch ein Jugendkunstpreis nicht. Aus 8.304 eingereichten Arbeiten wurden 40 ausgezeichnet. Das bedeutet zwangsläufig, dass ein sehr großer Teil der Beteiligten außerhalb der öffentlichen Präsentation bleibt.

Wettbewerbe können Sichtbarkeit schaffen, aber sie verteilen diese Sichtbarkeit ungleich. Eine Jury entscheidet, welche Arbeiten beispielhaft für junge Fotografie stehen, welche Themen institutionell gezeigt und welche Namen öffentlich genannt werden.

Diese Auswahl ist notwendig, sollte aber nicht mit einer objektiven Messung von Talent verwechselt werden.

Ein nicht ausgezeichnetes Bild ist nicht automatisch weniger interessant. Vielleicht passte es weniger gut zum Ausstellungskonzept, vielleicht überzeugte eine andere Serie stärker oder vielleicht traf es nicht die ästhetischen und inhaltlichen Vorstellungen der Jury.

Gerade junge Teilnehmende müssen verstehen können, dass eine Absage keine abschließende Bewertung ihrer Begabung bedeutet. Professionelle Nachwuchsförderung sollte deshalb nicht nur Gewinner produzieren, sondern auch vermitteln, wie subjektiv Auswahlprozesse im Kunstbetrieb sein können.

14.000 Euro sind Anerkennung – aber noch keine Struktur

Insgesamt werden beim Deutschen Jugendfotopreis 14.000 Euro Preisgeld auf 40 Auszeichnungen verteilt. Für einen Jugendwettbewerb ist die finanzielle Anerkennung wichtig. Sie signalisiert, dass kreative Arbeit nicht nur mit Urkunden und freundlichen Worten honoriert werden sollte.

Gleichzeitig darf Preisgeld nicht mit nachhaltiger Förderung verwechselt werden.

Eine junge Fotografin benötigt möglicherweise technische Ausrüstung, hochwertige Drucke, Rahmungen, Software, Atelier- oder Projekträume und fachliche Beratung. Wer später professionell arbeiten möchte, muss zudem lernen, Ausstellungen zu planen, Förderanträge zu stellen, Bildrechte zu verwalten, Honorare zu verhandeln und ein eigenes künstlerisches Profil zu entwickeln.

Dafür reichen eine einmalige Auszeichnung und ein Anteil am Preisgeld nicht aus.

Der Deutsche Jugendfotopreis bietet mit Festival, Ausstellung, Workshops und Austausch bereits mehr als einen reinen Geldpreis. Entscheidend ist jedoch, ob aus dieser ersten institutionellen Erfahrung weitere Möglichkeiten entstehen: Mentoring, Anschlussausstellungen, Stipendien, Portfoliosichtungen, Publikationen oder Kontakte zu Hochschulen und Ausstellungshäusern.

Die wichtigste Frage lautet deshalb nicht nur: Wer hat gewonnen?

Sie lautet auch: Wer begleitet diese jungen Menschen im nächsten Jahr weiter?

Eine echte Ausstellung ist wichtiger als tausend Likes

Besonders positiv ist, dass „ECHT JETZT“ nicht ausschließlich online stattfindet. Die ausgezeichneten Fotografien werden bis zum 15. November im KIT – Kunst im Tunnel gezeigt. Damit erhalten die Teilnehmenden etwas, das für ihre Entwicklung entscheidend sein kann: die Erfahrung, wie die eigene Arbeit in einem professionellen Ausstellungsraum wirkt.

Ein Bild auf dem Smartphone ist etwas anderes als ein gedrucktes, gerahmtes und kuratorisch eingeordnetes Werk. Größe, Material, Hängung, Licht, Reihenfolge und Nachbarschaft zu anderen Arbeiten verändern seine Wahrnehmung.

Die Ausstellung wurde von Studierenden der Hochschule Düsseldorf unter der Leitung von Mareike Foecking und Morgaine Schaefer konzipiert und produziert. Auch darin liegt ein sinnvoller Ansatz: Junge fotografische Positionen werden nicht lediglich an die Wand gehängt, sondern in ein professionell entwickeltes Ausstellungskonzept eingebunden.

Für die ausgezeichneten Teilnehmer kann diese Erfahrung langfristig wertvoller sein als kurzfristige Reichweite in sozialen Netzwerken. Likes bestätigen einen Moment. Eine ernsthafte Ausstellung vermittelt, wie aus Bildern ein Werkzusammenhang entstehen kann.

Junge Kunst braucht Schutz vor vorschneller Vermarktung

Sichtbarkeit ist grundsätzlich positiv. Bei Kindern und Jugendlichen bringt sie jedoch eine besondere Verantwortung mit sich.

Sobald ein junges Talent öffentliche Aufmerksamkeit erhält, können Erwachsene beginnen, daraus Erwartungen, Karrieren und Geschäftsmodelle zu entwickeln. Eltern, Medien, Galerien, Plattformen und Sammler meinen es möglicherweise gut – und können trotzdem einen Druck erzeugen, den junge Menschen kaum selbst einschätzen können.

Im Beitrag „Wunderkind oder Kunstmarktprodukt? Wie aus Talent ein Geschäft wird“ hat ARTTRADO untersucht, wie aus frühen Arbeiten mithilfe hoher Preisforderungen, medialer Vergleiche und professioneller Vermarktung ein Kunstmarktphänomen entstehen kann.

Das Problem ist nicht, dass Kinder Kunst zeigen oder sogar verkaufen. Problematisch wird es, wenn der kommerzielle Erfolg wichtiger wird als die künstlerische und persönliche Entwicklung.

Junge Menschen brauchen die Freiheit, ihre Interessen zu verändern, schlechte Arbeiten zu machen, Techniken auszuprobieren und zeitweise gar nichts zu veröffentlichen. Eine einmal aufgebaute Marke gewährt diese Freiheit nur selten.

Ein Förderpreis sollte deshalb nicht versuchen, möglichst schnell „die nächsten großen Stars“ zu produzieren. Er sollte Räume schaffen, in denen Entwicklung ohne unmittelbaren Marktdruck möglich bleibt.

Talent entwickelt sich nicht geradlinig

Der Kunstmarkt liebt klare Erfolgsgeschichten. Ein Kind zeigt früh Begabung, wird entdeckt, erhält Preise, verkauft Arbeiten und wird schließlich zum etablierten Künstler. In der Realität verlaufen kreative Biografien wesentlich unberechenbarer.

Manche früh gefeierten Talente arbeiten auch als Erwachsene erfolgreich weiter. Andere verändern ihren Stil, wechseln das Medium oder entscheiden sich für einen ganz anderen Lebensweg. Wieder andere verschwinden aus der öffentlichen Wahrnehmung, sobald ihr Alter nicht mehr für Schlagzeilen sorgt.

ARTTRADO hat diese Übergänge im Beitrag „Nach dem Hype: Was aus den Wunderkindern der Kunst wurde“ anhand verschiedener Lebenswege untersucht.

Der Deutsche Jugendfotopreis umfasst eine besonders große Altersspanne. Zwischen einem fünfjährigen Kind und einer 25-jährigen Fotografin liegen vollkommen unterschiedliche Entwicklungsphasen. Entsprechend verschieden müssen auch Beratung, Schutz und Förderung aussehen.

Ein Kind benötigt Freiraum und eine sensible Begleitung durch Erwachsene. Ein junger Erwachsener braucht möglicherweise professionelle Kontakte, Ausstellungsmöglichkeiten und konkrete Informationen über eine mögliche künstlerische Laufbahn.

Ein einheitlicher Begriff wie „Nachwuchs“ kann diese Unterschiede leicht verdecken.

Auszeichnungen dürfen nicht zum Endpunkt werden

Preise sind im Kulturbetrieb beliebt, weil sie Aufmerksamkeit bündeln. Es gibt eine Jury, Gewinner, eine Feier, Pressebilder und klare Namen für die Berichterstattung.

Langfristige Förderung ist komplizierter und weniger spektakulär. Sie besteht aus Gesprächen, Werkstattbesuchen, wiederholten Ausstellungen, Beratung, Zugang zu Technik und manchmal auch aus Unterstützung in Phasen, in denen noch kein sichtbarer Erfolg vorliegt.

Genau diese unspektakuläre Arbeit entscheidet jedoch häufig darüber, ob ein Talent seine eigene künstlerische Sprache entwickeln kann.

Der Deutsche Jugendfotopreis besitzt durch seine mehr als 60-jährige Geschichte und sein öffentlich zugängliches Archiv eine wichtige Grundlage. Die ausgezeichneten Arbeiten verschwinden nicht vollständig nach einer Preisverleihung, sondern bleiben als Teil einer langfristigen Dokumentation junger Fotografie sichtbar.

Noch stärker würde das Modell, wenn ehemalige Preisträger regelmäßig zurückkehrten – als Mentoren, Gesprächspartner, Jurymitglieder oder Beteiligte gemeinsamer Ausstellungen. So könnte aus einzelnen Jahrgängen ein generationsübergreifendes Netzwerk entstehen.

Nicht jedes Talent muss zum Kunstmarktstar werden

Eine der problematischsten Vorstellungen in der Nachwuchsförderung ist die Annahme, jedes sichtbare Talent müsse zwangsläufig in eine professionelle Karriere überführt werden.

Kunst darf auch eine wichtige Ausdrucksform bleiben, ohne zum Beruf oder Handelsobjekt zu werden. Ein Jugendkunstpreis sollte deshalb nicht allein danach bewertet werden, wie viele seiner Gewinner später an Kunsthochschulen studieren, Galerien finden oder Arbeiten verkaufen.

Erfolg kann ebenso bedeuten, dass ein junger Mensch lernt, die eigene Perspektive ernst zu nehmen. Dass er eine Sprache für Erfahrungen findet, die sich anders nur schwer ausdrücken lassen. Oder dass aus einer Ausstellung neue Begegnungen und ein stärkeres Vertrauen in die eigene Kreativität entstehen.

Auch der Artikel „Laurent Schwarz: Wunderkind oder Kunstmarkt-Phänomen?“ kam zu dem Ergebnis, dass weder uneingeschränkter Hype noch pauschale Abwertung jungen Kunstschaffenden gerecht werden.

Kinder und Jugendliche brauchen keine vorschnellen kunsthistorischen Vergleiche. Sie brauchen ernsthaftes Interesse an dem, was sie tatsächlich machen.

Was nachhaltige Förderung leisten müsste

Der Deutsche Jugendfotopreis zeigt, wie viel Potenzial vorhanden ist. Damit aus punktueller Aufmerksamkeit eine nachhaltige Förderung wird, wären weitere Schritte sinnvoll:

mehrjährige Mentoringprogramme für interessierte Preisträger
regelmäßige Portfolio- und Entwicklungsgespräche
Zugang zu Kameras, Drucktechnik, Studios und Laboren
Folgeausstellungen in unterschiedlichen Regionen
Reisekosten- und Produktionszuschüsse
Workshops zu Bildrechten, Honoraren und Selbstvermarktung
psychologisch und pädagogisch sensible Begleitung minderjähriger Talente
Netzwerke zwischen ehemaligen und aktuellen Preisträgern
eigene Förderwege für junge Erwachsene am Übergang zum professionellen Kunstbetrieb
Angebote auch für nicht ausgezeichnete Teilnehmer

Dabei geht es nicht darum, alle jungen Menschen möglichst früh zu professionalisieren. Es geht darum, ihnen Wahlmöglichkeiten zu eröffnen. Wer später künstlerisch arbeiten möchte, sollte Unterstützung erhalten. Wer Fotografie als persönliche Ausdrucksform weiterführen möchte, sollte nicht das Gefühl bekommen, ohne Preise oder Verkäufe gescheitert zu sein.

Der Deutsche Jugendfotopreis macht vieles richtig

Trotz aller kritischen Fragen ist der Deutsche Jugendfotopreis ein wichtiges Gegenmodell zur schnellen Wunderkind-Vermarktung.

Die Teilnahme ist kostenlos. Unterschiedliche Altersgruppen und Arbeitsweisen werden berücksichtigt. Neben Einzelpositionen erhalten auch gemeinschaftliche Projekte Anerkennung. Die Arbeiten werden professionell ausgestellt und bleiben über das Archiv des Wettbewerbs dokumentiert.

Vor allem wird nicht behauptet, mit 40 Auszeichnungen bereits abschließend entschieden zu haben, wer die bedeutenden Fotografen der Zukunft sein werden.

Die Ausstellung „ECHT JETZT“ zeigt Momentaufnahmen junger Perspektiven. Manche Beteiligte werden vielleicht später professionell fotografieren. Andere werden neue Medien entdecken, völlig andere Berufe wählen oder ihre Kamera irgendwann beiseitelegen.

All diese Wege sind legitim.

Fazit: Junge Kunst braucht Zeit

Der Deutsche Jugendfotopreis 2026 zeigt, dass junge Menschen sehr genau beobachten, was um sie herum geschieht. Ihre Bilder erzählen von persönlichen Beziehungen, gesellschaftlichen Widersprüchen, Ungleichheit, Herkunft und Zukunft.

Diese Arbeiten verdienen Aufmerksamkeit. Doch Aufmerksamkeit allein genügt nicht.

Junge Kunst braucht keine immer neuen Wunderkind-Erzählungen, in denen Alter, Preise und Reichweite wichtiger werden als die Entwicklung eines Werkes. Sie braucht Ausstellungsräume, professionelle Begleitung, finanzielle Möglichkeiten und langfristige Sichtbarkeit.

Ein Preis kann dafür eine Tür öffnen.

Entscheidend ist, was hinter dieser Tür geschieht, wenn die Urkunden überreicht, die Pressebilder veröffentlicht und die Scheinwerfer wieder ausgeschaltet sind.

„ECHT JETZT“ – Deutscher Jugendfotopreis 2026

Ausstellung: „ECHT JETZT“
Ort: KIT – Kunst im Tunnel, Düsseldorf
Laufzeit: 20. September bis 15. November 2026
Teilnehmende: 1.236 Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene
Einreichungen: 8.304 Arbeiten
Auszeichnungen: 40 Preise
Preisgeld: insgesamt 14.000 Euro
Kategorien: Freie Themenwahl, Experimente und „Ein Haus, ein Boot, ein Auto“

Weitere Informationen

Titelbild: Die Preisträgerinnen und Preisträger des Deutschen Jugendfotopreises 2026: Aus mehr als 8.000 Einreichungen wurden 40 Positionen ausgezeichnet. Foto: Katrin Chodor / Deutscher Jugendfotopreis 2026

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Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Titelbild: Bild von Manolo Franco.

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Die Auktion beinhaltet Kunstwerken von Toomas Altnurme, Maja Flügel, Dagmar Schauer, Judith Riemer, Chris Morys, Susana Mohr, MaLo Magic-Blue und Nina „Florence“ Juncker. Eine kleine Auswahl präsentieren wir hier im Vorfeld genauer! Ausführlichere Informationen zu allen Werken, entnehmen Sie bitte dem Katalog zur Auktion. Dieser wird in Kürze als Download zur Verfügung gestellt.

Hier kommen Sie direkt zur Auktionsplattform: Zeitgenössische Malerei – junge Kunst: Katalogübersicht | Gallery 1503. www.veryimportantlot.com

Zeitgenössische Malerei – junge Kunst – Ein kleiner Einblick

Schmetterlinge symbolisieren die Metamorphose und die Flüchtigkeit des Lebens, ebenso stehen sie für die Freuden und Höhepunkte, während ihre Zartheit oft die Vergänglichkeit betont. Schmetterling weisen auf Veränderung und Neugeburt hin. Das Kunstwerk fordert dazu auf, die Schönheit des Moments zu schätzen und die ständige Veränderung des Lebens zu akzeptieren.

Das Startgebot liegt bei 1.500€

Der Künstler Chris Morys möchte einen Teil seines Erlöses aus der Versteigerung für wohltätige Zwecke spenden. Wer sein Kunstwerk erwirbt, unterstützt damit gleichzeitig die Kinder- und Jugendhilfe Neuhausen – ein Kinder und Jugendheim.

Diese philanthropische Geste von Chris Morys begleitet und betont auch die soziale Verantwortung und den humanitären Geist, den die Kunst hat und der gefördert gehört. Sammler haben nicht nur die Gelegenheit, ein beeindruckendes Werk zu erwerben, sondern tragen gleichzeitig zu wohltätigen Initiativen bei, die einen positiven Einfluss auf die Gemeinschaft haben. Die Beteiligung von Chris Morys fügt also eine weitere facettenreiche Dimension zu unserer Eröffnungsauktion hinzu, die Kunstliebhaber zu einer bedeutenden Verbindung von Ästhetik und wohltätigem Handeln einlädt.

Mehr über den Künstler: Kunst | Art | Chris Morys | Stuttgart

Toomas Altnurme INNER FIRE

Die Gemälde von Toomas Altnurme werden oft als intuitiv beschrieben und tauchen in den inneren Kosmos ein. Dies deutet auf eine tiefgreifende Erforschung der Emotionen, der Gedanken und des Unterbewusstseins des Künstlers hin und schafft eine visuelle Darstellung, die über die Oberflächenebene hinausgeht.

Toomas Altnurme wurde 1973 in Estland geboren, von 1991 bis 1996 schloss er sein Studium an der Universität Tallinn ab und studierte Malerei an der Technischen Universität Rajamangala sowie Bildhauerei von 1999 bis 2001 an der Universität Seoul. Anschließend schloss er den Master of Fine Arts an der Hongik University Graduate School ab. Er hat an Ausstellungen in Europa, Asien, Südamerika und den USA teilgenommen.

Heute lebt und arbeitet er als Künstler, Kurator und Kunstlehrer in den Vereinigten Arabischen Emiraten, dort wurde er zuletzt mit einem Guiness World Record ausgezeichnet.

Insgesamt ist Toomas Altnurme mit 3 Werken bei der Auktion vertreten, das Startgebot von INNER FIRE liegt bei 2700€

Dagmar Schauer – Wir halten Wache 5

1999 bis 2006: Studierte Dagmar Schauer an der Wiener Kunstschule. 4 Semester Malerei und 5 Semester Druckgrafik. Februar 2006: Abschluss des Kunststudiums mit Diplom bei Mag. Lebzelter und Dr.Kodera. Seit 2006 Freischaffende Künstlerin mit Lebensmittelpunkt in Waidhofen/Ybbs.

Dagmar Schauer ist mit 2 Werken aus ihrer „Wir halten Wache“ Serie vertreten. Das Startgebot von „Wir halten Wache 5“ liegt bei 1400€.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.dagmarschauer.com/

Susana Mohr – 143

Über die Künstlerin: Geboren 1961 in Guatemala City, CentralAmérica; zur Welt gekommen als Susana Donis Paz. Aufgewachsen in Guatemala City hat die farbenfrohe Künstlerin dort die Schule besucht und danach ein Studium mit Abschluss bereich Innenarchitektur absolviert und auch Kunstgeschichte studiert.

Während des Studiums hat sie angefangen zu malen, zunächst gegen ständlich und mit dem Schwerpunkt auf der Zeichnung, aber schon mit großem Interesse an dem, was zwischen Farbe und Form – also malerisch – passiert. Heute lebt und arbeitet Susana Mohr in Hamburg und ist regelmäßig auf Ausstellungen in der Hansestadt präsent.

Zur Webseite der Künstlerin: https://lebensfarbe-kunst.de/

Maja Flügel – Atropos

In der griechischen Mythologie ist Atropos eine der drei Moiren, – Schicksalsgöttin, die den Lebensfaden durchschneiden und somit den Tod eines Menschen bestimmen. Das Werk beginnt mit einem Startgebot von 600€.

Maja Flügel lebt und arbeitet in Bayern. Wenige Künstler haben einen ähnlichen Stil wie Maja Flügel – was ihre Arbeiten auch noch einmal hervorstechen lässt. Mit ihren mystischen und figurativen Gemälden entführt sie den Betrachter in eine Welt voller Geheimnisse. Die Kunstwerke von Maja Flügel sind nicht dekorativ, sondern fordern den Betrachter auf sich mit dem Bild auseinanderzusetzen und wecken so Emotionen.

Mit Sicherheit ein upcoming Artist to watch! Mehr über Maja Flügel finden Sie auch hier: Maja Flügel (Deutschland), Zeitgenössischer Maler | Artmajeur

Mario Lorenz – HÜBSCH KALT/ PRETTY COLD

Das Kunstwerk PRETTY COLD / Hübsch Kalt des österreichischen Künstlers MaLo Magic-Blue stammt aus dem Jahr 2015. Das 30cm * 80cm große Acrylbild gehört zu den seltenen und beliebten Panorama-Leinwandarbeiten des Künstlers . Durch ein solches Format gewährt das Kunstwerk einen besonders großen Einblick in die Traumwelt von MaLo.

MaLo – der Künstlername ist die Kurzform von Mario Lorenz. Mit farbstarken , magisch und surrealen Acrylbildern kann er bereits seit einem Jahrzehnt Menschen Freude bereiten und positive Emotionen wecken. Immer intensiver wird parallel dazu sein Schaffensdrang im Bereich Musik Seine Kreativität, Energie und Leidenschaft kennt viele Ausdrucksformen. MaLo wird demnächst auch verstärkt als Sänger in Erscheinung treten.

Im Dezember 2023 war er auf einer Ausstellung in Rom präsent – aktuell arbeitet MaLo vermehrt an großformatigen Kunstwerken, was seine älteren und kleineren Formate seltener werden lässt.

Nina Juncker – Woven

Eine verwobenene Collage, die anschließend noch hinter einer bedruckten Folie platziert wurde, um mit mehreren Ebenen zu arbeiten. Der Druck ist die Bearbeitung eines Fotos von Wolken, welches die Künstlerin selbst aufgenommen hat.

Judith Riemer – Sommergold

„Sommergold“ erzählt die Geschichte von einem verträumten Sommerabend zu Zweit an einem See. Die leuchtenden Grüntöne und die meditative, intime Situation in der Szenerie eines Waldsees lädt ein zum Meditieren, Reflektieren und Besinnen.

Hochwertige Ölfarben und die feine Glanzfirnis sorgen dafür, dass das Werk auf lange Zeit gut geschützt ist. Enthalten ist auch der Schattenfugenrahmen, Holz, vintage/gold. Das Werk kann auf Wunsch auch ohne den Schattenfugenrahmen präsentiert werden, die Ränder sind sorgfältig bemalt.

Der Startpreis liegt bei 900€

Judith Riemer ist eine deutsche Künstlerin aus dem Landkreis Hildesheim. Seit 2017 präsentiert sie ihre Werke auf Ausstellungen in Galerien, Museen, Kunstvereinen und Kunstmessen weltweit . Zu ihren herausragenden Ausstellungshighlights zählen die Teilnahme an der „Art Expo New York“ im Jahr 2022 und der „World Art Dubai“ im Jahr 2021.

Judith Riemer hat mehrere Auszeichnungen erhalten, und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht.  Zuletzt wurde Riemer im Jahr2022 als Preisträgerin des „Talentawards“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt.

Ihre Kunstwerke befinden sich in privaten Sammlungen u.a in Deutschland, Italien und Österreich.

Weitere Informationen

Zur Webseite des Auktionshauses: www.gallery1503.com

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Das abstrakte Werk „Long Way“ von Eazy Art lädt mit einer Größe von 100cm x 70cm und einem tiefgründigen Farbverlauf dazu ein, sich darin zu verlieren.

Das letzte Werk der Woche von Karin Küstner-Pohl aus Österreich können Sie hier noch einmal nachlesen.

Long Way von Eazy Art

Die Künstlerin, die hinter „Eazy Art“ steckt, lebt und arbeitet in Süddeutschland am Bodensee. Seit circa einem Jahr teilt sie ihre Arbeiten auf ihrem Instagramkanal. Was am Anfang mehr ein Hobby war, entwickelte sich in den letzten Monaten unter anderem durch erste Auftragsarbeiten immer weiter. Bis ihre Webseite fertig ist, sind ausgewählte Werke über ihren neuen Etsy-Shop erhältlich. Ihre Werke sind immer mit Acrylfarben gefertigt, wobei die junge Künstlerin aber immer wieder neue Techniken ausprobiert. Mal Pouring, dann wieder Spachtel oder Pinsel und Schwämme.

Das neueste Werk hat den Titel „Long Way“ und die Künstlerin erzählte uns im Gespräch, dass das Bild dem Namen gerecht wird – denn nicht jedes ihrer Werke wird automatisch auf Anhieb von ihr gemocht – manchmal braucht es einfach mehrere Anläufe. Vor wenigen Tagen dann der Durchbruch, nun ist die Künstlerin endlich zufrieden. Zwischen den Zeilen zeigt das Werk also auch das Dranbleiben sich lohnt.

 

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Diese Woche möchten wir die Aufmerksamkeit auf ein neues Blumengemälde von Melanie Petschke aka. Melliculus richten. Das Kunstwerk hat keinen Titel und die Leinwand misst 50cm * 60cm. Gefertigt wurde die Arbeit mit hochqualitativen Acrylfarben auf Leinwand. Das letzte Werk der Woche von Freya di Bernardo können Sie hier noch einmal nachlesen.

 

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Melanie Petschke über ihre Kunst

Melanie Petschke wurde 1993 geboren und lebt nördlich von Hamburg. Die Künstlerin arbeitet hauptberuflich im Marketing und hat das Malen erst Ende 2021 für sich entdeckt. Während Petschke in ihrer Jugend ihre Kreativität durch Fotografien ausdrückte, schlief dieses Medium während ihres Studiums ein.

Die Kreativität wich einem drückenden Perfektionismus, der mir zusehends das Leben erschwerte. Ich fand sie erst wieder, nachdem ich mit chronischer Migräne und schwerer Depression am Boden lag. Ein Aufenthalt in der Psychiatrie brachte mich, Gott sei Dank, wieder auf die Beine. Was ich dort lernte, sind für mich heute die Eckpfeiler meiner Kunst: Akzeptanz: Nichts ist perfekt. Weder andere, noch ich. Ich tue, was in meiner Macht steht und was ich nicht ändern kann, das akzeptiere ich.

Achtsam leben: Wahrnehmen, was um mich herum, aber vor allem auch in mir geschieht.
Was denke ich?
Und was spüre ich?
Was fühle ich?
Und was macht es mit mir?

Nach dieser intensiven und prägenden Zeit suchte ich eine Beschäftigung, die mir gut tut und wurde sehr schnell in der Malerei fündig. Wenn ich male ist das die einzige Zeit, in der mein Kopf nicht auf Hochtouren läuft. Im Gegenteil!

Ich kann am besten malen, wenn ich richtig abschalte. Nur wenn ich meine perfektionistische Ader ablege und meine Achtsamkeit nach innen richte, kann ich malen. Die Malerei hilft mir dann dabei das auszudrücken, was in mir vorgeht und sich nicht in Worte fassen lässt. Es ist wie der Zugang oder eine Verbindung zu einer tieferen Welt von Emotionen und Eindrücken.

Und eben weil es sich nicht in Worte fassen lässt, möchte und kann ich meine Bilder auch gar nicht näher beschreiben oder erklären. Vielmehr soll der Betrachter selbst auf eine Reise in seine tiefere Welt gehen, wenn er das Bild sieht, und entdecken, was es mit ihm macht oder in ihm auslöst.

Meiner Meinung nach muss nicht alles ausformuliert werden, es muss gefühlt werden. Erklärungen, Titel oder Interpretationen können dem Betrachter natürlich dabei helfen das Bild zu „verstehen“, aber einem sollte in dem Falle immer bewusst sein, dass den Geist begrenzt bzw. ihm eine Richtung vorgibt.

Ein Kind, dem man eine Puppe in die Hand gibt, sagt man auch nicht, welche Geschichte es damit spielen soll. Man lässt das Kind es selbst entdecken. Und so möchte ich meine innere Welt entdecken, während ich male und wünsche jedem, der meine Bilder sieht, dass sie ihm dieselbe Möglichkeit schenken.

Die Freiburg Art Fair hat sich ein interessantes Präsentationsprinzip überlegt! Auf der FAF wird auf die üblichen Kojen verzichtet und mehr mit flexiblen Bühnenpodesten und Wänden gearbeitet, was die Wirkung der großzügigen Industriearchitektur der Halle noch verstärkt. Die teilnehmenden Künstler, die fast alle durch Geburt, Studium oder Wohnort einen engen Bezug zu Freiburg aufweisen, sind über den gesamten Zeitraum der Messe anwesend und freuen sich über Gespräche mit den Besuchern.

60 Teilnehmer aus 138 künstlerischen Positionen

Die Auswahl der 60 Teilnehmer aus 138 künstlerischen Positionen traf eine siebenköpfige Fachjury. Um der FAF weitere neue Impulse zu geben, wurde zusätzlich aus der Jury eine Kuratorin gewählt, die für maximal zehn Künstler ohne Bezug zur Stadt Freiburg eine Carte Blanche zur Teilnahme hat.

Dieses Jahr hat Hannah Eckstein (Leiterin Sammlung Grässlin, Leiterin Kunstverein Friedrichshafen) das Programm um fünf direkt eingeladene Künstler erweitert. Als Schirmherr der Messe fungiert Professor Stephan Berg, Intendant des Bonner Kunstmuseums.

solidarische Gewinnverteilung

Was die FAF von anderen Messen unterscheidet, ist die erneute Entscheidung der Künstler, 30 Prozent des Gesamtumsatzes zu gleichen Teilen untereinander aufzuteilen. Dieses solidarische Miteinander verleiht der Messe besonderen Charme.

Das Spektrum der angebotenen Arbeiten reicht von Newcomern bis zu etablierten Kunstpositionen in allen Sparten der Kunst. Ergänzend erleichtert das Angebot „Kunst unter 500 Euro” den Einstieg in das Kunstsammeln.

 

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Freiburg Art Fair (FAF)
14. und 15. Oktober 2022

Messe Freiburg, Halle 1

Fr. 14.10. Preview 16:00 bis 18:00 Uhr

Fr. 14.10. 18:30 bis 22:00 Uhr

Sa. 15.10. 11:00 bis 19:00 Uhr

Mehr Informationen zur (FAF) finden hier: www.faf-freiburg.de

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Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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In den Galerieräumen des upTown Art wird zeitgenössische Kunst von regionalen Kunstschaffenden präsentiert. Das Sortiment reicht dabei von Malerei und Zeichnungen über Mixed Media und Fotografie bis hin zu Installationen und Skulpturen. Die Betreiber achten dabei auf qualitativ hochwertige Kunst, verstehen sich aber auch als Anlaufstelle für talentierte Newcomer*innen und Erstaussteller*innen und zeigen damit das, dass eine das andere nicht ausschließt!

Jeden Monat bestimmt ein anderes Thema das Ausstellungsgeschehen und gibt Kunstfreunden immer wieder aufs Neue Anlass, der Galerie einen Besuch in den luftigen Räumlichkeiten abzustatten. Im August 2022 lautet das Thema der Ausstellung „OUTDOORS“ und zeigt alles, was sich draußen abspielt: Freizeit, Hobby, Motorsport, Sport, Bewegung in der Natur, Lifestyle, Gastgarten, Schwimmbad, Urlaub, Qualitytime…

Auf das Event hat uns der Künstler MaLo – Magic Blue – aufmerksam gemacht, der selbst mit seinem Werk „Slap Boka“ auf der Ausstellung vertreten ist. Unser letztes Interview MaLo finden Sie hier: Interview mit dem österreichischen Künstler MaLo.

„Slap Boka“ von MaLo

Das 100cm * 50cm große Acrylbild auf Leinwand, mit einer dicke von 4,5cm entstand im Jahr 2022. MaLo selbst sagt über das Werk:

„Die Inspiration kam von einem Foto, das mein Kreativ-Freund Florian Konrad auf einer Wanderung gemacht hatte. Man befindet sich oberhalb des beeindruckenden Natrurschauspiels „Slap Boka“ eines slowenischen Wasserfalls, der 106 Meter in die Tiefe stürzt. Um die Dynamik und Kraft des Wassers zu steigern, stelle ich den Horizont schräg. Der überdimensionale Segelfalter als Blickfang beruht auf einer Idee von Herrn Konrad.“ Zur Webseite des Künstlers: https://www.malo-magic-blue.com/

kronArt by Elfriede Kahsiovsky-Kronjäger

Ebenfalls Teil der Ausstellung ist die Malerin Elfriede Kahsiovsky-Kronjäger. Sie kann eine künstlerische Ausbildung an der HTBL Ortweinplatz Graz, für Kunst und Bildnerische Gestaltung vorweisen und absolvierte die Meisterklasse für Malerei an der Leonardo Kunstakademie Salzburg und zahlreiche Kurse und Seminare.

Eine ausführliche Vita der Künstlerin finden Sie hier: https://www.kronart.net/ich-uber-mich/

 

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art2marlene – Marlene Schaumberger

Marlene Schaumberger stellte neben Österreich bereits in Deutschland, Tschechien, Estland, Litauen, Italien, Ungarn und Serbien aus. Die erfahrene Künstlerin gehört zur Berufsvereinigung bildender Künstler in Österreich. Auf ihrem Instagram-Kanal war es lange Zeit still, bis die Künstlerin gestern bekannt gab, das eine neue Werkreihe fertiggestellt wurde – das lässt vermuten, das die neuen Arbeiten erstmalig bei der „OUTDOORS“-Ausstellung gezeigt werden.

 

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Alle teilnehmenden Künstler

Um nicht zu viel vor wegzunehmen, möchten wir nicht das ganze Ausstellungsprogramm veröffentlichen, sind uns aber sicher das mit Helga Graf, Kerstin Kager, Doris Kaltenegger, Thomas Maier, Kathrin Schimak, Ulli Utri und Sandra Wildpacher eine bunte, aussagekräftige und spannende Mischung für Kunstfreunde kuratiert wurde.

Wer im Vorfeld mehr über die teilnehmen Künstler erfahren möchte, sollte bei dem Instagram-Kanal der „upTown ART“ Galerie vorbeischauen!

 

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EDIT: Falls Sie es nicht zur Eröffnung geschafft haben oder Sie sich die Vernissage noch einmal rückblickend anschauen möchten, finden Sie hier rund 20 Minuten Videomaterial:

Weitere Informationen

Mehr über die „upTown ART“ – https://www.uptownart.at/

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über „die Goldene Tür“ am Hamburger Hafen von Jeannine Platz. 

Diese Woche möchten wir auf einen jungen Künstler aus der Region Düsseldorf/Köln aufmerksam machen. GRK malt erst seit dem Winter 2020, hat aber bereits große Ziele. Offen und ehrlich kommuniziert er nach außen, dass er seine Kunst nutzen möchte, um eine Einkommensquelle zu haben. Von nichts kommt nichts – deshalb malt er jeden Tag und bietet seine Kunstwerke auf den Straßen Kölns, Düsseldorf und der Umgebung an.

Eine „richtige“ Galerie konnte er so zwar noch nicht auf sich aufmerksam machen, aber die ersten Auftragsarbeiten sammeln und auch schon Kontakte knüpfen, die ihm unter anderem die Teilnahme an einer Street-Art-Ausstellung im Sommer 2023 ermöglichen.

GRK sagt über sich selbst, das er ein „einfacher Typ“ sei, er möchte einfach nur als Künstler anerkannt sein. Mit dem, was er kann Geld verdienen und seiner Familie helfen, so das diese sich nie wieder Sorgen machen muss. Im inneren hoffen das sicherlich viele Künstler – aber es gibt wenige, die es so offen nach außen kommunizieren wie GRK, dazu gehört eine Menge Mut – oder Verzweiflung – oder beides.

Ob und wie weit sein Einsatz Früchte tragen wird, lässt sich nur schwierig vorhersagen, aber wir drücken GRK die Daumen und hoffen, das der urban artist, eines Tages sagen kann: „started from the bottom, now we here“.

Los Hermanos von GRK

Das abstrakte, figurative Werk auf Leinwand trägt den Titel „Los Hermanos“. GRK verwendete für das großformatige Bild Acryl- und Sprühfarbe – für einige Highlights benutzte er Wachskreide. Es misst 120cm * 140cm und der Preis liegt bei 500€ für Selbstabholer im Raum Düsseldorf/Köln – ansonsten kommen noch Verpackungs- und Versandkosten hinzu.

Wer den street art Künstler persönlich treffen möchte, sollte seinen Instagram-Kanal verfolgen – dort kündigt der Künstler an, wo er als Nächstes mit seinen Werken anzutreffen ist. Ebenso finden sich dort weitere Kunstwerke von GRK.

 

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Zum 5. Mal findet aktuell die ARTe Sindelfingen statt. Kunstinteressierte können auf 4000 qm² ein breites Spektrum an Kunstwerken und Künstlern aus verschiedensten Sparten erleben. Präsentiert werden Gemälde, Skulpturen und Fotografien.

Die feierliche Eröffnung fand mit Ansprache, Begrüßung und Live-Musik am Donnerstag statt, dabei wurde auch darauf aufmerksam gemacht, das es die letzte ARTe in den Räumlichkeiten sein wird. Das bedeutet aber nicht das Ende der Kunstmesse, sondern nur das der Austragungsort verlegt wird. Die Ausgabe im nächsten Jahr findet in Stuttgart statt. Die Veranstalter rechnen übers Wochenende mit rund 4000 Besuchern.

Tamara Javurek über die ARTe Sindelfingen 2022

Nach 2 erfolgreichen Jahren nimmt die Künstlerin Tamara Javurek aus Pforzheim zum ersten Mal an einer Kunstmesse teil.  Die aufstrebende Künstlerin ist mit ihren Werken am Stand F 2/1 noch heute und morgen, jeweils von 11:00 – 18:00 Uhr präsent. Zu den ausstellenden Künstlern zu gehören, ist bereits ein kleiner Erfolg. Denn die Künstlerin stemmt die Herausforderung ohne Galerie, sondern vertritt sich selbst.

Einen abschließenden Erfahrungsbericht kann die Künstlerin natürlich noch nicht geben, aber sie lobt das Ambiente der Veranstaltung. Ebenso ist Javurek mit der Organisation sehr zu frieden, deshalb hat Sie sich entschieden, auch an weiteren Messen der Veranstalter teilzunehmen – unter anderem in der Burg Stettenfels und auf der Kunstmesse in Konstanz wir sie ausgewählte Werke präsentieren.

Mit hoher Wahrscheinlichkeit findet sich ihr Stand auch 2023 auf der ARTe Sindelfingen wieder, dann in Stuttgart.

 

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MaraArt against war

MaraArt against war: Aktuell wird das Kunstwerk „Lady“ über die w.m.t Gallery für einen guten Zweck angeboten. Der Erlös kommt zu 100% dem wohltätigen Verein „Leave no one behind“ zu Gute. Mehr über die Aktion finden Sie hier: #ARTAGAINSTWAR 

Zur Webseite der urban art Galerie: wemade-this.de

Weitere Informationen

Unser letztes Interview mit Tamara Javurek finden Sie hier: Interview:  MaraArt über ihre Anfänge &  Zukunftspläne

Ausgewählte Arbeiten der Künstlerin finden Sie auch bei uns im Shop!

VERTIGO und Aircaustic – Kadée auf der ARTe Sindelfingen

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Norika Nienstedt lebt und arbeitet in einem Atelier in einer ehemaligen Fabrik in Flingern. Und sie hat nie etwas anderes gemacht als Kunst. Und mit der geht sie gerade durch die Decke. Vor 14 Monaten legte sich die 69-Jährige ein Instagramprofil zu. „In der Coronazeit habe ich mich auf die Arbeit gestürzt und sah keine andere Möglichkeit, meine Kunst zu zeigen. Eigentlich wollte ich nie in die sozialen Medien. Heute freue ich mich, dass meine Collagen zum Teil über 2.000 Likes bekommen.“ 1500 Follower hat sie bislang und Feedback und Anfragen aus der ganzen Welt – auch von der Musikerlegende Rocko Schamoni.

 

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Renaissance der Collage

Ihr Atelier gleicht einem Antiquariat. Sie nennt es ihr Spielzimmer, in dem ihr nie langweilig wird. Überall stapeln sich Bücher von Marcel Proust, Bände über Yoga und Sakrale Kunst, Botanik, Architektur, alte Vogue-Zeitschriften und Geo-Hefte. Hier holt sie sich die Inspiration für ihre Collagen. „Meine Bilder spiegeln wider, was ich liebe, was ich mir einverleiben will: Schriftsteller, Musiker, Menschenaffen, Tiere. In meinen Collagen findet sich meist etwas Historisches, Kleinodien, Naturmaterialien oder Meereswesen und immer etwas Surreales.“ Und bis auf eine Architekturserie auf Stelzen sind ihre Collagen meist Porträts, die sie so lange bearbeitet, bis sie verfremdet sind und die Schöpferin selbst überraschen. Zwei große Bodhibaum-Blätter liegen über dem Gesicht einer Frau, nur ihre großen blauen Augenschauen heraus, undefinierbar animalisch blickt die „Geisha“ mit drei Augen. Nienstedts Werke waren in Gruppen- und Einzelausstellungen zu sehen.

Norika Nienstedt

Norika Nienstedt wurde 1952 in Güdingen an der Saar geboren. Ihr Vater stürzte mit einem Kleinflugzug ab, als sie 12 Jahre war. „Wir haben von meiner Mutter gelernt, dass man auch mit wenig Geld ein gutes Leben führen kann“, erinnert sie sich. Mit 17 Jahren zog sie in eine Kommune nach Heidelberg, drehte Kurzfilme, war Sängerin in einer Punkband und fing an, Puppen als Abbilder von Menschen zu nähen. „Ich habe mich immer für Mode interessiert und konnte bei Grace Jones oder Elvis im Goldanzug meinen Vorstellungen von avantgardistischer Mode mit der Nähmaschine Ausdruck verleihen, dabei habe ich alles benutzt, um die Puppen auszustaffieren. Ich habe mit den Applikationen von Badekappen gearbeitet und mit Kassettenbändern gestrickt.“

Ankommen in Düsseldorf

In ihrem Wohnort Weinheim wurde sie als Puppenkünstlerin gefeiert. In den 1970-er Jahren studierte sie freie Malerei an der Staedelschule in Frankfurt am Main. Aber wer in der Kunst etwas werden will, muss in eine Kunstmetropole, das war Norika Nienstedt irgendwann klar. Vor 40 Jahren kam sie nach Düsseldorf. Der österreichische Schriftsteller und Journalist Peter Glaser nahm sie mit nach Düsseldorf-Bilk. „An diesem Wochenende habe ich bestimmt 150 Leute kennengelernt und einer bot mir für drei Monate seine Wohnung an“, erinnert sie sich. Sie packte ihren VW-Käfer und zog nach Düsseldorf. Sie wohnte in Benrath, in Bilk und in Gerresheim, bis sie 1986 in dem Atelier in der Ackerstraße landete und blieb. „Ich fing an Porträts zu malen und bin immer mehr zu Phantasieporträts gekommen, in die ich angefangen habe einzucollagieren.“ Keine leichte Zeit. Norika Nienstedt arbeitete als Kindermädchen und jobbte, um über die Runden zu kommen.

2000 fertigte sie Puppen für Charles Wilp an und fing an, Stofftiere zu porträtieren. Die Stofftiere hatten sie und ihr Mann Michael Jonas sich zugelegt, um Puppen- und Stofftiervideos zu drehen. Die Porträts von den Stofftieren waren beliebt. Es gab eine Ausstellung in der Tonhalle. „Ich wundere mich, welche intensiven Beziehungen noch Erwachsene zu ihren Stofftieren haben“, sagt sie beim Blättern in dem Katalog, den sie von ihren Acrylbildern angelegt hat.„2006 hat sich die Collage in meine Zeichnungen eingeschlichen. Heute ist alles im Flow und ich habe keine Selbstzweifel mehr. Ich bin glücklich mit meinen Collagen.“

Ihre Werke, Originale und hochwertige Pigmentprints, zeigt sie bei „Die Grosse“ im Kunstpalast. „Es wird auch eine Sonderedition geben mit einer Auflage von 20 Blatt“, verrät die Künstlerin. Aber jetzt freut sie sich erst einmal auf die Preisverleihung im Juni.

Die Grosse

„Die Grosse“ feiert 2022 ihr 120-jähriges Bestehen. Als eine der wenigen Kunstausstellung weltweit können Besucher Kunstwerke in einem Museum käuflich erwerben. Die Ausstellung ist weit über NWR hinaus bekannt. 860 Bewerbungen gab es in diesem Jahr, 300 Kunstwerke sowie eine Sonderausstellung zu den Kunstkatalogen werden in diesem Jahr zu sehen sein.

„Die Grosse“ findet vom 11. Juni bis 17. Juli im Museum Kunstpalast und im NRW-Forum statt. Die offizielle Eröffnung am 11. Juni ist um 16.00 Uhr. Ab 19.00 Uhr beginnt die Nacht der Museen.

Weitere Informationen

Titelbild- O.T/Geisha/O.T – ©n.nienstedt

Mehr über „Die Grosse“ – https://www.diegrosse.de

Weitere Informationen über die Künstlerin – https://norikanienstedt.de/

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