Mit der TEFAF New York 2026 richtet sich im Mai erneut der Blick auf eine Messe, die seit Jahren für Qualität, Präzision und internationale Relevanz steht. Im historischen Park Avenue Armory versammeln sich rund 88 ausgewählte Galerien – ein bewusst verdichtetes Format, das weniger auf Breite als auf Verlässlichkeit setzt.

Doch die Frage, ob die TEFAF tatsächlich die wichtigste Kunstmesse ist, lässt sich nur im größeren Kontext beantworten. Denn der internationale Messekalender ist vielfältiger denn je – und unterschiedliche Formate erfüllen sehr unterschiedliche Funktionen.

Ein Blick auf die globale Messelandschaft

Wer über Bedeutung spricht, kommt an einigen Namen nicht vorbei:

Die Art Basel gilt für viele als zentraler Fixpunkt des globalen Kunstmarkts – mit Ablegern in Miami Beach, Hongkong und Paris. Hier trifft institutionelle Relevanz auf Marktdynamik.

Die Frieze London und die Frieze New York stehen für eine starke Verbindung von Gegenwartskunst, kuratorischem Anspruch und internationalem Netzwerk.

Die Armory Show wiederum ist fest in New York verankert und bietet eine breitere Plattform für moderne und zeitgenössische Positionen.

In Deutschland setzt die Art Cologne weiterhin wichtige Impulse, insbesondere im europäischen Kontext.

Jede dieser Messen hat ihre eigene Rolle – keine ersetzt die andere.

Wo positioniert sich die TEFAF?

Die Stärke der TEFAF liegt weniger in Größe oder medialer Aufmerksamkeit, sondern in ihrer Spezialisierung.

Sie steht für:

strenge Auswahlverfahren
geprüfte Werke (Vetting)
eine Verbindung von moderner, zeitgenössischer und historischer Kunst
ein hohes Maß an Vertrauen im Markt

Galerien wie Gagosian, Hauser & Wirth oder David Zwirner prägen diese Ausrichtung ebenso wie spezialisierte Häuser im Bereich Design, etwa Friedman Benda.

Über diese Galerien werden Künstler:innen wie Gerhard Richter, Yayoi Kusama oder Louise Bourgeois präsentiert – Positionen, die den Markt nicht mehr suchen, sondern längst definieren.

Bedeutung ist nicht gleich Bedeutung

Die Frage: Was ist die wichtigste Kunstmesse? –  hängt stark davon ab, aus welcher Perspektive man schaut:

Markt & Sichtbarkeit: → Art Basel
kuratorische Gegenwartskunst: → Frieze
Breite & Zugänglichkeit: → Armory Show oder regionale Formate
Qualität & Vertrauen: → TEFAF

Die TEFAF ist damit weniger die größte oder lauteste Messe – aber eine der präzisesten.

Und wo steht die Discovery Art Fair?

Im Vergleich dazu bewegt sich die Discovery Art Fair Cologne 2026 bewusst in einem anderen Bereich.

Sie steht für:

Offenheit und Zugänglichkeit
direkte Begegnungen mit Künstler:innen
neue, noch nicht etablierte Positionen

Während TEFAF Verdichtung bietet, ermöglicht die Discovery Art Fair einen ersten Zugang. Beide Formate greifen ineinander – sie bilden unterschiedliche Stationen innerhalb desselben Systems.

Konkrete Werke auf der TEFAF New York 2026

Ein genauer Blick auf die TEFAF New York 2026 zeigt, dass sich die Messe nicht nur über Galerien definiert, sondern über konkret kuratierte Einzelwerke, die bereits im Vorfeld benannt werden.

Ein zentrales Beispiel ist Shahzia Sikander mit der Arbeit The Hour Glass (2025), präsentiert von Sean Kelly Gallery (Stand 330). Die großformatige Glasmosaikarbeit verbindet südasiatische Bildtraditionen mit zeitgenössischer Formensprache. Sikander greift dabei Figuren auf, die sie bereits in den 1990er-Jahren entwickelte und die sie selbst als Ausdruck von „migrant love“ beschreibt – eine visuelle Sprache zwischen Verwurzelung, Transformation und kultureller Bewegung.

Ein weiterer zentraler historischer Bezugspunkt ist Andy Warhol mit Mao (1973), präsentiert von ML Fine Art (Stand 201). Die Arbeit gehört zu Warhols ikonischen politischen Siebdrucken und übersetzt das Bild Mao Zedongs in die Ästhetik der Pop Art. Entstanden nach der politischen Öffnung zwischen China und den USA, reflektiert das Werk die Verschmelzung von Propaganda, Massenmedien und Konsumkultur – ein klassisches Beispiel für Warhols kritischen Blick auf Macht und Bildproduktion.

Auch die klassische Moderne ist stark vertreten:

Die Galerie Jacques Lacoste (Stand 301) zeigt ein seltenes Werkpaar von Alberto Giacometti, entstanden 1944 in Genf. Die beiden Skulpturen aus Gips wurden direkt vom Künstler modelliert und gehören zu den wenigen großformatigen Arbeiten seiner Genfer Phase. Sie sind sowohl kunsthistorisch dokumentiert als auch in der Giacometti-Stiftung registriert – ein Beispiel für die enge Verbindung von Provenienz, Werkgeschichte und institutioneller Absicherung auf der TEFAF.

Einen deutlichen Kontrast dazu setzt Cecily Brown mit Functor Hideaway (2008), präsentiert von Berggruen Gallery (Stand 316). Die Arbeit bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und figurativen Andeutungen. Brown entwickelt darin eine dichte, fast körperliche Bildstruktur, in der sich Malerei als Bewegung und Auflösung zugleich zeigt – ein Ansatz, der ihre Position innerhalb der zeitgenössischen Malerei seit Jahren prägt.

Auch die surrealistische Moderne ist vertreten:

Mit Sunset Birth (c. 1942) zeigt Ithell Colquhoun, präsentiert von Richard Saltoun Gallery (Stand 374), eine Arbeit, die stark von der Landschaft Cornwalls und deren mythischen Steinkulten beeinflusst ist. Das Werk verbindet spirituelle Symbolik, Naturbeobachtung und surrealistische Bildsprache zu einer fast transzendenten Komposition.

Fazit: Eine Frage der Perspektive

Ist die TEFAF New York die wichtigste Kunstmesse?

Vielleicht nicht im Sinne von Größe oder globaler Reichweite. Aber ganz sicher im Hinblick auf Qualität, Vertrauen und Präzision. Im Zusammenspiel mit Messen wie Art Basel oder Frieze zeigt sich:

Es gibt nicht die eine wichtigste Messe – sondern ein Netzwerk von Formaten, die gemeinsam den Kunstmarkt strukturieren.

Und genau darin liegt ihre eigentliche Bedeutung.

Weitere Informationen

Mehr über die Messe und Tickets finden Sie hier: https://tickets.tefaf.com

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Kadée war unter anderem Zeitsoldat bei einer Fallschirmjägereinheit; Profi-DJ; – Moderator beim Privaten Rundfunk sowie auf Messen und Bühnen, Seminarleiter und Trainer für Moderation und Gründer und Präsident der Künstlervereinigung Fundus Artifex. Vor allem ist er aber eins – Künstler.

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 9. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil widmete sich Kadée; Emotionen auf dem Kunstmarkt. Diesmal teilt der Airbrush-Künsler Kadée seine Gedanken zum Kunstmarkt über „Die Kriterien der Wertermittlung bei Kunstwerken“. Dabei erläutert er die wichtigen Begriffe; Sujet, Provenienz, Marktfrische und Werkphase.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Teil 10

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Einerseits melden die großen Auktionshäuser Christie’s oder Sotheby`s Millionenumsätze beim Verkauf von Kunstwerken, andererseits können abertausende Werke gar nicht verkauft werden. Wie kommt das zustande?

In ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso & Co ein Vermögen aufbauen“ schreibt Dr. Franziska Ida Neuman dazu: „Neben der Größe des Kunstwerks und dem Bekanntheitsgrad des Künstlers zählen besondere Parameter wie die Attraktivität des Motivs (Sujet), die Herkunft des Objektes (Provenienz), die sogenannte Marktfrische sowie die Werkphase, in welcher das Kunstwerk entstanden ist, zu den Eckpfeilern der Wertermittlung.“ Vier Fachbegriffe, die es sich lohnt genauer unter die Lupe zu nehmen.

Zu 1.) Sujet

Das französische Wort „sujet“ [syˈʒɛ] steht für ein künstlerisch verarbeitetes Thema, also das Motiv eines Gemäldes. Für Galeriebetreiber/innen und Sammler/innen zählt hierbei ob und wie viele Gedanken sich der/die Kunstschaffende bei der Erstellung des Werkes gemacht hat. Besondere Bedeutung haben dabei neue, innovative und frische Ideen. „Sieht-so-aus-wie-Kunstwerke haben keine Chance auf eine nachhaltige Wertschätzung am Kunstmarkt, obwohl sie kurzfristig zahlreichen Kunstsammlern schmecken könnten“ erklärt dazu der Galerist und Kunstsachverständige Dr. Wolfram Völcker. Harald

Szeemann, Schweizer Museumsleiter, Kurator und Ausstellungsmacher stellt klar: „Den Betrachter des Kunstwerkes interessiert nämlich nicht das, was er schon weiß, sondern das Unbekannte, das Unglaubliche, das noch nie Gesehene, die Sensation, die dieses eigene Wissen übersteigt oder in verdichteter Form neu sichtbar werden lässt.“ Wolfram Völcker fasst zusammen: „Wir können also sagen, ein Kunstwerk hat eine hohe Qualität, wenn seine Wirkung auf den Betrachter besonders intensiv ist“.

Zu 2.) Provenienz

Provenienz ist aus dem Lateinischen hergeleitet von „provenire“ (entstehen, hervorkommen, geboren werden) und bezeichnet in der Kunstszene die Herkunft und verschiedenen Besitzverhältnisse eines Kulturguts. Die Verbindung zum Kunstmarkt erklärt die Provenienzforscherin Isabel von Klitzing: „Seit jeher spielt die Herkunft eines Werkes (Provenienz) für den Handel eine große Rolle.

Wie einem guten Wein ist eine einwandfreie Herkunft aus „erster Lage“ auch bei einem Kunstwerk ein Gütesiegel für Qualität, das Schlüsse auf die Echtheit eines Objektes zulässt und seinen Wert bezeugt.“ Zur einwandfreien Herkunft eines Kunstwerkes gehört insbesondere die Frage wer es geschaffen hat. „Der Name des Künstlers spielt im Bewertungsvorgang zur Erstellung des Handelswertes eine zentrale Rolle. Denn der Name ist gleichermaßen ein Zeichen der Herkunft und der Authentizität“, sagt der Kulturmanager Prof. Dr. Dirk Boll und ergänzt:

„Durch die Signatur des Künstlers wird das einzelne Werk gewissermaßen beglaubigt“ Auch in unterschiedlichen Berechnungsmodellen für Werke der bildenden Kunst wird der Künstlerfaktor als besonders preisrelevant angegeben, wie Prof. Boll bestätigt: „Für den Künstler- oder Kunstfaktor sind die Bekanntheitsgrade einer Künstlerin / eines Künstlers ausschlaggebend, die Beteiligung an wichtigen Ausstellungen, Art und Zahl von Stipendien und Preisen oder die Erwähnung in Feuilletons“ […] „War es früher so, dass der künstlerische Wert den Großteil des Handelswertes bestimmte, und damit Fragen der kunsthistorischen Legitimierung und der Seltenheit des Werkes den Preis bestimmten, so wurde die Bandbreite von Kriterien um Breitenwirkung, Provenienz, Marktgeschichte und Wertentwicklung erweitert“.

Zu 3.) Marktfrische

Werke der Gegenwartskunst werden zusätzlich auch nach ihrer Marktfrische beurteilt. Es wird die Frage gestellt: Wie oft wurde das Werk in den letzten Jahren öffentlich zum Verkauf angeboten – und nicht verkauft? Bei Ladenhütern, die schon in der zehnten Ausstellung und auf der fünften Messe gezeigt wurden, sinkt der Preis. Ein Faktor dabei ist auch ob in diesen Werken der sich regelmäßig ändernde Zeitgeist eingefangen und ausgedrückt wurde.

Zu 4.) Werkphase

Während der vielen Jahre künstlerischen Schaffens entwickeln sich Künstler/innen in der Regel weiter. Diese Werks- oder Schaffensphasen können zeitlich (z.B. Werke zwischen 1952 und 1961), räumlich (z.B. Pariser Arbeiten) oder thematisch (z.B. grüne Periode) gegliedert sein. Diese Einteilungen sind meist Zuschreibungen durch etwa Kunsthistoriker/innen oder Biograf/en/innen. Die Kunstwerke werden auch häufig in „frühes -“, „mittleres -“ oder „spätes Werk“ unterteilt. Häufig findet man im Zusammenhang mit dem Spätwerk Begriffe wie „abgeklärt“, „gereift“ o.Ä. Als Beispiel kann hier Pablo Picasso dienen:

Naturalistisches Frühwerk (1898–1901)
Rezeption des Post-Impressionismus (1901–1902)
Blaue Periode (Herbst 1902–1904)
Rosa Periode (1904–1906)
Frühkubismus (1907–1908)

Allgemein gilt was Prof. Wolfram Völcker sagt: „Neben der Authentizität und der Glaubwürdigkeit muss sich […] immer eine Eigenständigkeit ausmachen lassen“, womit sich der Kreis zum Sujet schließt. Fazit: Um auf dem Kunstmarkt sichtbaren und spürbaren Erfolg zu haben, reicht es leider nicht aus „einfach nur zu malen“ und zu glauben „meine Bilder sprechen für sich“ sondern es gilt sehr komplexe Vorgänge und Zusammenhänge zu kennen und darauf zu reagieren.

Der Kunsthistoriker, Kunstpublizist und Herausgeber der Fachzeitschrift KUNSTFORUM, Dr. Martin Seidel, sieht es so: „Erfolgsfaktoren sind weder die – nicht messbare – Qualität von Kunst noch Preise und Umsatzerfolge. Sondern die Wahrnehmung von Künstler/innen, die Zahl ihrer repräsentativen Einzel- und Gruppenausstellungen, die Ankäufe großer Museen und die Erwähnung in Feuilletons und Kunstmagazinen“.

„Ein fast ebenso wichtiger Erfolgsfaktor wie Reichtum und Vermögen ist das soziale Kapital: das Eingebundensein in familiäre und lokale Netzwerke und Berufsorganisationen, die Vernetzungsfähigkeit, Kontaktfreudigkeit, Liebenswürdigkeit und die charismatische Wirkung“ meint der Kunsthistoriker Dr. Christian Saehrendt und stellt weiter fest: „Unabhängig von materiellen und sozialen Startvorteilen sind psychische Stabilität und Eigenschaften wie Resilienz (also die psychische Widerstandskraft und Fähigkeit, schwierige Lebenssituationen ohne anhaltende Beeinträchtigung zu überstehen [Anm. Kadée] ) Beharrlichkeit und Zielstrebigkeit von Bedeutung“.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

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Provenienzforschung ist in den vergangenen Jahren immer wichtiger geworden, auch im Von der Heydt-Museum. Das Museum in Wuppertal hat seit dem letzten Herbst dafür eine eigene Mitarbeiterin. Anna Baumberger widmet sich dieser speziellen dieser Aufgabe. Die Webseite des Museums klärt nun über die Herkunft der Bilder auf, neue, spannende Hintergrundinfos zu den Meisterwerken der Niederländer

Über die Herkunft der Bilder im Museum

Das Von der Heydt-Museum Wuppertal,  bietet zu seiner Ausstellung „Goldene Zeiten – Die Sammlung niederländischer Kunst und ihre Geschichte(n)“ eine ausstellungsbegleitende Webseite zur Geschichte hinter den Bildern. Online findet man nun weiterführende Informationen und Hintergründe zur Provenienz (= Herkunft) der Kunstwerke und zwei Videos.

Ampelsystem klärt über Raubkunst auf

Um die Hintergründe hinsichtlich Herkunft und Erwerbung der Werke zu rekonstruieren, wurde historisches Quellenmaterial, wie Dokumente und Korrespondenzen, hinzugezogen. Einen weiteren wichtigen Anhaltspunkt bietet die Rückseite eines Objektes, wo anhand von Stempeln, Siegeln und Dokumenten nachvollzogen werden kann, an welchen Stationen sich das Kunstwerk wann befunden hat. Die sogenannte „Provenienzampel“ hilft bei der Kategorisierung der Provenienz und beschreibt gleichzeitig den Stand der Forschungen. In der Ausstellung befinden sich diese Provenienzampeln auf den Schildchen der Kunstwerke. Die Kategorien Grün und Rot beschreiben in der Regel eine abgeschlossene Recherche für ein entweder eindeutig unbedenkliches (=Grün) oder eindeutig als Raubkunst identifiziertes Kunstwerk (=Rot). Die Kategorien Gelb und Orange beschreiben dagegen eine noch laufende oder aktuell nicht abzuschließende Recherche, da Lücken in der Objektbiografie vorhanden sind.

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Titelbild: Provenienzampel (Foto: Stefanie vom Stein/Medienzentrum Wuppertal)

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