Figurative Kunst bezeichnet eine zentrale Stilrichtung der bildenden Kunst, in der erkennbare Motive aus der realen Welt dargestellt werden. Dazu zählen insbesondere Menschen, Tiere, Landschaften, Gegenstände oder Szenen aus dem Alltag, die für den Betrachter eindeutig identifizierbar bleiben.

Im Mittelpunkt steht dabei nicht zwingend eine realistische Wiedergabe, sondern die erkennbare Verbindung zur sichtbaren Wirklichkeit. Figurative Kunst kann naturalistisch, stilisiert, expressiv oder symbolisch sein – entscheidend ist, dass ein konkreter Gegenstandsbezug erhalten bleibt.

Figurative Kunst ist kein Medium, sondern ein Prinzip

Wichtig ist: Figurative Kunst ist nicht auf die Malerei beschränkt. Der Begriff beschreibt keine Technik, sondern eine Darstellungsweise.

Figurative Kunst findet sich in vielen künstlerischen Disziplinen, darunter:

Malerei (z. B. Porträts, Landschaften, Stillleben)
Zeichnung (Studien, Skizzen, Illustrationen)
Bildhauerei / Skulptur (menschliche Figuren, plastische Darstellungen)
Druckgrafik (Radierungen, Lithografien)
Fotografie (künstlerische oder dokumentarische Bildgestaltung mit realen Motiven)
Zeitgenössische Mixed Media Kunst (Kombination verschiedener Ausdrucksformen)

Damit beschreibt „figurativ“ nicht das Medium, sondern die Art der Bildsprache.

Abstrakte Figuration – wenn Figur und Abstraktion verschmelzen

Figurative Kunst kann auch abstrakte Elemente enthalten. In diesem Fall spricht man häufig von abstrakter Figuration oder expressiver Figuration.

Dabei bleiben die Motive grundsätzlich erkennbar, werden jedoch bewusst verfremdet:

Formen werden vereinfacht, verzerrt oder fragmentiert
Farben sind nicht realitätsgetreu, sondern emotional oder symbolisch eingesetzt
Perspektiven können gebrochen oder übertrieben dargestellt sein
Details werden reduziert oder nur angedeutet

👉 Entscheidend ist: Das Motiv bleibt identifizierbar, auch wenn es stark abstrahiert ist.

Sobald jedoch kein Bezug zur realen Welt mehr erkennbar ist, handelt es sich nicht mehr um figurative, sondern um rein abstrakte Kunst.

Merkmale der figurativen Kunst

Typische Eigenschaften figurativer Kunst sind:

Darstellung real erkennbarer Objekte oder Figuren
Orientierung an der sichtbaren Welt
große stilistische Bandbreite (von realistisch bis abstrahiert)
häufig emotionale, narrative oder symbolische Bildinhalte
Fokus auf Körper, Raum, Licht und Komposition
Figurative Kunst in der Kunstgeschichte

Die figurative Darstellung gehört zu den ältesten Ausdrucksformen der Menschheit. Bereits in der Höhlenmalerei wurden Tiere und Jagdszenen festgehalten. In der Antike entwickelte sich eine idealisierte Darstellung des menschlichen Körpers, während die Renaissance die realistische Perspektive und Anatomie in den Mittelpunkt stellte.

Auch in der Moderne blieb die figurative Kunst präsent – oft in bewusster Abgrenzung zur Abstraktion. Künstlerinnen und Künstler nutzen figurative Elemente, um Emotionen, gesellschaftliche Themen oder persönliche Sichtweisen auszudrücken.

Abgrenzung: Figurative vs. abstrakte Kunst

Die figurative Kunst steht im direkten Gegensatz zur abstrakten Kunst:

Figurativ: Darstellt erkennbare Objekte der realen Welt
Abstrakt: Verzichten vollständig auf gegenständliche Darstellung

Zwischen diesen Polen existieren jedoch viele Übergänge, insbesondere in der abstrakten Figuration, die beide Ansätze miteinander verbindet.

Bedeutung heute

In der zeitgenössischen Kunst ist figurative Kunst weiterhin sehr präsent. Viele Künstler verbinden klassische Darstellungstechniken mit modernen Bildsprachen, um gesellschaftliche, persönliche oder politische Inhalte sichtbar zu machen.

Damit bleibt figurative Kunst ein zeitloses und vielseitiges Ausdrucksmittel, das sich stetig weiterentwickelt und neu interpretiert wird.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

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Abstrakte Kunst gehört zu den prägendsten Ausdrucksformen der Moderne – und gleichzeitig zu den am häufigsten missverstandenen.

Beim ersten Kontakt entsteht oft die Frage:
„Was soll das eigentlich darstellen?“

Doch genau hier liegt der entscheidende Punkt:
Abstrakte Kunst will nicht abbilden – sie will ausdrücken.

Sie löst sich bewusst von der sichtbaren Realität und eröffnet stattdessen einen Raum für Emotion, Intuition und individuelle Interpretation.

In diesem Artikel erfährst du, was abstrakte Kunst wirklich ausmacht, wie sie entstanden ist, welche Merkmale sie prägen – und warum sie besonders für Einsteiger im Kunstkauf so spannend ist.

Was bedeutet abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst ist eine Kunstform, die bewusst auf realistische oder gegenständliche Darstellung verzichtet. Statt Menschen, Landschaften oder Objekte erkennbar abzubilden, arbeitet sie mit einer eigenständigen visuellen Sprache aus:

Farben
Formen
Linien
Strukturen
Kompositionen

Diese Elemente werden nicht zur Abbildung der Realität genutzt, sondern als eigenständige Ausdrucksmittel verstanden.

👉 Das Ziel ist nicht die Wiedergabe der sichtbaren Welt, sondern der Ausdruck innerer Zustände, Emotionen oder Ideen.

Abstrakte Kunst zeigt also nicht die äußere Realität – sondern eine innere.

Wie ist abstrakte Kunst entstanden?

Die abstrakte Kunst entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts als radikale Abkehr von der traditionellen, gegenständlichen Malerei.
Künstler begannen zu hinterfragen, ob Kunst überhaupt etwas „abbilden“ muss, um bedeutungsvoll zu sein – und kamen zu einem neuen Verständnis:

Kunst kann auch dann wirken, wenn sie keine erkennbare Realität darstellt.

Wichtige Wegbereiter dieser Entwicklung waren unter anderem:

Wassily Kandinsky
Piet Mondrian
Kazimir Malevič

Sie experimentierten mit Farbe, Form und Komposition als autonome Ausdrucksmittel – unabhängig von konkreten Motiven.

👉 Damit legten sie den Grundstein für die moderne und zeitgenössische Kunst.

Welche Merkmale hat abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst lässt sich nicht über Motive definieren, sondern über ihre gestalterische Sprache:

1. Keine erkennbare Realität

Es gibt keine klar identifizierbaren Gegenstände oder Figuren.

2. Fokus auf Farbe und Form

Farben und Formen sind keine Dekoration, sondern Träger von Bedeutung, Spannung und Wirkung.

3. Emotion als Ausdrucksmittel

Abstrakte Kunst vermittelt Stimmungen direkt – ohne den Umweg über ein Motiv.

4. Offenheit der Interpretation

Jede Betrachterin und jeder Betrachter kann etwas anderes im Werk erkennen oder empfinden.

👉 Genau diese Offenheit macht abstrakte Kunst so vielseitig und individuell erlebbar.

Warum wirkt abstrakte Kunst so unterschiedlich?

Abstrakte Kunst besitzt keinen festen „Leseschlüssel“. Ihre Wirkung entsteht im Zusammenspiel zwischen Werk und Betrachter.

Ein und dasselbe Bild kann völlig unterschiedlich wahrgenommen werden:

beruhigend oder harmonisch
dynamisch oder aufwühlend
inspirierend oder irritierend
oder scheinbar neutral

Diese Vielfalt ist kein Zufall, sondern ein zentrales Prinzip abstrakter Kunst.

👉 Sie erklärt nicht – sie eröffnet Raum.

Welche Arten abstrakter Kunst gibt es?

Abstrakte Kunst ist kein einheitlicher Stil, sondern ein breites Feld mit unterschiedlichen Ausdrucksformen:

Geometrische Abstraktion

Arbeitet mit klaren Formen wie Linien, Kreisen oder Rechtecken.
👉 Strukturiert, reduziert und oft minimalistisch.

Expressive Abstraktion

Fokus auf Emotion, Bewegung und spontane Pinselgesten.
👉 Kraftvoll, intuitiv und dynamisch.

Farbfeldmalerei

Große, oft ruhige Farbflächen ohne starke Formen.
👉 Die Wirkung entsteht fast ausschließlich über Farbe.

Minimalistische Abstraktion

Reduktion auf das Wesentliche mit sehr wenigen Elementen.
👉 Klar, ruhig und oft meditativ.

Warum ist abstrakte Kunst so beliebt?

Moderne abstrakte Werke zählen heute zu den meistgesammelten und gefragtesten Kunstformen im zeitgenössischen Bereich.

Das liegt vor allem an ihrer Vielseitigkeit:

Sie passt in moderne Wohnräume
Sie lässt sich flexibel kombinieren
Sie wirkt unabhängig von kurzlebigen Trends
Sie spricht emotional statt rein rational an
Sie ist oft auch für Einsteiger zugänglich

👉 Gerade im Bereich Kunstkauf für Einsteiger ist abstrakte Kunst ein idealer Einstieg in die Welt der zeitgenössischen Kunst.

Wie versteht man abstrakte Kunst?

Ein häufiger Irrtum ist, dass abstrakte Kunst „verstanden“ werden muss.

Tatsächlich gilt eher:
Du musst sie nicht verstehen – du musst sie erleben.

Hilfreiche Fragen beim Betrachten sind:

Welche Stimmung entsteht beim ersten Eindruck?
Wie verändert das Werk den Raum?
Welche Farben dominieren?
Welche Bewegung oder Dynamik nehme ich wahr?

👉 Es gibt keine richtige oder falsche Interpretation – nur individuelle Wahrnehmung.

Abstrakte Kunst kaufen – worauf sollte man achten?

Gerade für Einsteiger im Kunstkauf ist abstrakte Kunst besonders zugänglich. Dennoch gibt es einige wichtige Aspekte:

Emotionale Wirkung vor rationaler Bewertung
Größe im Verhältnis zum Raum bedenken
Farbwirkung im eigenen Licht prüfen
Stilrichtung des Künstlers vergleichen
Original und Edition unterscheiden

👉 Entscheidend ist nicht, was ein Werk „darstellt“, sondern wie es auf dich wirkt.

Ist abstrakte Kunst nur Dekoration?

Nein. Auch wenn abstrakte Werke oft dekorativ wirken, sind sie in der Regel das Ergebnis eines bewussten künstlerischen Prozesses.

Viele Arbeiten basieren auf:

persönlichen Erfahrungen
emotionalen Zuständen
gesellschaftlichen Themen
oder formalen Experimenten

👉 Die Wirkung ist sichtbar – die Bedeutung oft vielschichtig und nicht sofort greifbar.

Fazit: Was ist abstrakte Kunst wirklich?

Ungegenständliche Kunst ist weit mehr als eine Stilrichtung der Moderne – sie ist eine eigenständige visuelle Sprache jenseits der Gegenständlichkeit.

Sie reduziert das Sichtbare, um das Unsichtbare erfahrbar zu machen: Emotion, Spannung, Ruhe und Bewegung.

Gerade diese Offenheit macht sie sowohl für Einsteiger als auch für erfahrene Sammler besonders spannend.

👉 Kurz gesagt: Abstrakte Kunst zeigt nicht, was die Welt ist – sondern wie sie sich anfühlen kann.

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Mumienbraun war ein überwältigendes, tiefbraunes Pigment. Die Farbe wurde von Künstlern bereits seit der Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet – besonders in der Ölmalerei fand es seine Anwendung. In altmeisterlichen Techniken wurde es lasierend bis deckend verwendet und war aufgrund seiner Eigenschaften auch für Schattierung sehr beliebt.

Mumienbraun war keine gewöhnliche Pigmentmischung. Ihr Ursprung liegt in der Verwendung von gemahlenen ägyptischen Mumien – eine Praxis, die im Laufe der Jahrhunderte in der europäischen Kunst entstand und sich verbreitete. Diese Mumienreste, hauptsächlich von Menschen, Tieren und sogar Katzen – die als Heilig galten – , wurden aus ägyptischen Gräbern importiert und zu einem feinen Pulver verarbeitet.

Der warme, bräunlich-rote Farbton von Mumienbraun/Mumia fand seinen Platz auf den Paletten einiger renommierter Künstler. Es ist zwar schwierig, spezifische Werke zu identifizieren, in denen Mumienbraun verwendet wurde, da viele Gemälde im Laufe der Jahrhunderte auch restauriert wurden und die genaue Verwendung von Pigmenten oft schwer nachvollziehbar ist. Es wird jedoch angenommen, dass einige Künstler im 18. und 19. Jahrhundert, darunter auch bekannte Namen wie William Turner oder Eugene Delacroix Mumienbraun in ihren Gemälden verwendet haben.

Makaber, wenn man bedenkt, das sich an Kunstwerken wie „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugene Delacroix im Louvre in Paris jährlich Hunderttausende – wenn nicht sogar Millionen Besucher erfreuen.

Die Verwendung dieser Farbe war jedoch nicht ohne Kontroverse. Ethik spielte eine immer größere Rolle, als die viktorianische Ära Fortschritte machte. Die Idee, Pigmente aus menschlichen Überresten zu gewinnen, rief zunehmend Bedenken hervor, und viele Künstler wandten sich aus Respekt vor den Toten von der Farbe Mumienbraun ab.

Auch die Gesundheitsrisiken trugen zur Abkehr von dieser Praxis bei. Es wurde festgestellt, dass das Einatmen von „Mummy-Brown“-Pulver gesundheitsschädlich sein könnte, was die Verwendung dieser Farbe weiter zurückdrängte.

Wussten die Künstler, mit was sie da malten?

Ob und wie weit, die Künstler selbst wussten, womit sie da malten, lässt sich nur wage vermuten. Bis 1933 konnte man Mumienbraun beispielsweise im Katalog von C Roberson und Co. finden – damals einer der Marktführer für Künstlerfarben in ganz Europa. Und auch heute, auch wenn zum Glück nicht mehr die Überreste von Toten Menschen oder Tieren verwendet werden, finden sich bei einigen Verkäufern von Farben rund um den Globus noch Farbtuben mit Namen wie „Transparent Mummy“ – die wenigsten werden wissen, wo diese Farbtöne ihre Wurzeln haben.

Mumienbraun heute?

Heutzutage ist Mumienbraun nicht mehr in der Kunstwelt präsent. Die Verwendung von Mumienbraun ist heute höchst unwahrscheinlich und wäre mit Sicherheit, – zu mindestens in den meisten Teilen der Welt –  auch illegal. Die ethischen und gesundheitlichen Bedenken, die im 19. Jahrhundert zu einem Rückgang der Verwendung führten, gelten auch immer noch und auch die Nutzung von menschlichen Überresten zu künstlerischen Zwecken wird heute in den meisten Ländern als respektlos und ethisch unvertretbar betrachtet.

Darüber hinaus könnten Gesundheitsvorschriften und Umweltauflagen die Verwendung von Materialien, die potenziell gefährliche Substanzen enthalten, verbieten. Moderne Kunstmaterialien werden nach strengen Sicherheitsstandards hergestellt, und die Verwendung von historisch kontroversen oder problematischen Substanzen wie Mumienbraun würde diesen Standards wahrscheinlich nicht entsprechen.

Die obskure Geschichte dieser Farbe dient als Mahnung an die sich ändernden ethischen Standards in der Kunst und die komplexen Beziehungen zwischen Kreativität und sozialen Werten. Obwohl Mumienbraun einst auf den Leinwänden der Meister zu finden war, bleibt es nun als kurioses Kapitel in der Farbgeschichte erhalten, ein faszinierendes Rätsel, das die Dunkelheit vergangener Pinselstriche enthüllt.

In jedem Fall ist es wichtig, sich an die aktuellen Gesetze und Standards zu halten und Materialien zu verwenden, die ethisch und gesundheitlich unbedenklich sind.

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Das Fraunhofer IGD unterstützt das Vorhaben als wissenschaftlich-technischer Koordinator mit der Entwicklung einer Künstlichen Intelligenz (KI), welche etwa die Veränderung der Farbgebung über die vergangenen Jahrhunderte nachzeichnet und auch für die Zukunft modelliert. Das Forschungsprojekt startete nun mit einer Auftaktveranstaltung im Archäologischen Nationalmuseum Neapel und zwei Tagen gemeinsamer Abstimmung aller Projektpartner vor Ort. Bereits in drei Jahren sollen Museen sowie Kunsthistorikerinnen und -historiker diverse Tools und zugehörige KI-Dienste in der Praxis nutzen können.

Von der farbigen Gestaltung antiker griechischer Skulpturen ist heute kaum noch etwas übrig, und auch der Stoff samtbezogener Sessel aus vorigen Jahrhunderten verblasst mit der Zeit. Kunstwerke sind in Museen heute oftmals durch Glaskästen und Kordeln geschützt – vor unvorsichtigen Berührungen und neugierigen Kinderhänden. Kaum zu bewahren sind sie aber beispielsweise vor dem Lichteinfall, der über die Jahre Einfluss auf die Farbgebung nimmt. Das Fraunhofer-Institut für Graphische Datenverarbeitung IGD entwickelt als wissenschaftlicher Partner im Forschungsprojekt PERCEIVE eine KI, welche sowohl die ursprüngliche Farbgestaltung des Kunstwerks rekonstruiert als auch den zukünftigen Zustand vorhersagt. Neben Skulpturen stehen auch Gemälde, Textilien, historische Fotos und digitale Kunst im Fokus des Projekts.

Intelligentes Scannen statt händischer Modellierung

Die Forschung des Fraunhofer IGD startet im ersten Schritt mit der Materialrekonstruktion, um Informationen über die Oberfläche zu erhalten. „Die KI ermöglicht, Reflektanzmodelle auch in virtueller Umgebung aufzubauen“, erklärt Pavel Rojtberg, der das Projekt seitens des Fraunhofer IGD leitet. Bislang wurden diese mit einem aufwändigen realen Aufbau aus Kameras und Lichtquellen erstellt. Dieses Vorgehen entfällt bei der KI-basierten Lösung. „Das spart zeitliche und finanzielle Ressourcen“, ergänzt Rojtberg. Allein auf Basis weniger Bilder, die beispielsweise mit einem Smartphone aufgenommen werden, sind Spiegelung und Schattenwurf auf den jeweiligen Materialien wie Samt oder Seide schätzbar.

Die bereits trainierte KI stellt anschließend innerhalb weniger Sekunden dar, wie das Kunstwerk und seine Farben bei verschiedenem Lichteinfall wirken – gleich ob textile Robe der britischen Queen Victoria oder steinerne Statue aus dem Römischen Reich. Zusätzlich wird die Technologie in der Lage sein, automatisch geometrische Daten zu segmentieren und so festzustellen, welcher Teil eines Stuhls aus Holz und welcher aus Stoff besteht.

Historische Fotografien als Grundlage

Basis für die darauffolgende Abschätzung der Farbveränderung über die Zeit sind etwa historische Fotografien, Aufnahmen von Multispektralkameras oder chemisch-physikalische Eigenschaften von Farben, die als Vergleichswert dienen. So kann die Software auch vorhersagen, wie das Kunstwerk – abhängig vom jeweiligen Lichteinfall – in fünfzig oder einhundert Jahren aussehen wird. Einsetzbar werden die Lösungen derweil nicht nur für die digitale Remodellierung sein, sondern auch für die tatsächliche physische Instandsetzung. So können sie prognostizieren, wann diese aufgrund des fortschreitenden Verblassens der Farben notwendig sein wird.

Bis Ende 2024 wird das Fraunhofer-Team eine Alpha-Version der KI-Technologie entwickeln. In drei Jahren soll sie für Museen und Forschende nutzbar sein. „Die umgesetzten Werkzeuge werden rein web- und dienstbasiert funktionieren, sodass sie nicht nur vor Ort in den Museen via Augmented Reality, sondern auch für virtuelle Ausstellungen genutzt werden kann“, erklärt Holger Graf, Leiter der Abteilung Virtuelle und Erweiterte Realität.

Über das Fraunhofer IGD:

Seit 1987 setzt das Fraunhofer-Institut für Graphische Datenverarbeitung IGD internationale Standards für angewandte Forschung im Visual Computing, der bild- und modellbasierten Informatik. Sie verwandeln Informationen in Bilder und Bilder in Informationen und unterstützen Industrie und Wirtschaft dabei, sich strategisch zu entwickeln. Stichworte sind Mensch-Maschine-Interaktion, Virtual und Augmented Reality, Künstliche Intelligenz, interaktive Simulation, Modellbildung sowie 3D-Druck und 3D-Scanning.

Rund 190 Forscherinnen und Forscher generieren an den drei Standorten Darmstadt, Rostock und Kielneue technologische Anwendungslösungen und Prototypen für die Industrie 4.0, das digitale Gesundheitswesen und die „Smart City“. Internationale Relevanz entfalten ihre Produkte durch die Zusammenarbeit mit dem Schwesterinstitut in Graz und Klagenfurt. Mithilfe ihrer Matrixorganisation bedienen sie ihre Kundschaft aus den unterschiedlichsten Branchen mit relevanten technischen und wettbewerbsorientierten Leistungen. Hierfür haben sie branchenerfahrene, crossfunktionale Teams aus Expertinnen und Experten, die auch Planung, Leitung und Evaluation für alle Projektgrößen übernehmen.

https://www.igd.fraunhofer.de/de/branchen/Kultur-und-Kreativ.html

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http://perceive-horizon.eu/

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Anja Semling ist bildende Künstlerin und Grafikdesignerin. Als gelernte Graphikerin konnte Semling ihre graphischen Kenntnisse jahrelang in zahlreichen sowie vielfältigen Auftragsarbeiten für Print- und Non-Printmedien einbringen. Hauptsächlich konzentrierte Anja Semling sich dabei auf Logos, Bücher, Corporate Design, klassische Printmedien sowie Illustrationen & Internetgraphiken.

Seit 2012 widmet sich die Künstlerin verstärkt der Malerei mit Acrylfarben bevorzugt auf Keilrahmen. Zu ihrem Spektrum gehören seit 2019 Spachteltechniken sowie Acrylic-Pouring, die sog. Fließtechnik. Im illustrativen Bereich ist Semling mit vielen weiteren Techniken versiert. Einen Einblick in ihre Arbeiten finden Sie hier: Werk der Woche #40 – Totengesang.

Zuletzt stellte Anja Semling in Frankreich aus;  Tour des beaux arts-  Ausstellung im Festungsbau Vauban.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Interview mit der elefantastischen Künstlerin

Die Malerei im alten Ägypten – Ein Gastbeitrag von Anja Semling:

Die Bilderwelt des alten Ägypten ist einzigartig in der Kunstgeschichte des Abendlandes, keine vergleichbare Hochkultur hat solch ein immenses Bildrepertoire hervorgebracht und umgesetzt, über einen Zeitraum der mehr als drei Jahrtausende währte. Die alten Ägypter bedienten sich ihrer visuellen Kommunikation mit den Göttern und Lebenden sowie Toten, mittels malerischen Darstellungen ihrer realen und imaginären Lebenswelten.

Traditionsbewußte aber auch innovative bildhafte Darstellungen, reich an Farbenpracht, prägen die ägyptischen Wandmalereien; wechselseitig ergänzen und bereichern sich Bild und Schrift – die Hieroglyphen. Vielfach heute noch zu bestaunen in Königs- und Privatgräbern sowie an Tempelbauten.

Die alten Ägypter entwickelten schon früh einen Kanon ihrer vielseitigen Malereien, der über die Jahrtausende anhielt. Seit der prädynastischen Zeit (um 4000 bis 3000 v.Chr.), bildeten die Künstler die Natur mit bereits ausgemalten Zeichnungen ab. Die vollständig, mit gemalten Szenen zu Alltag und Jenseits, bedeckten Grabwände bezeugen wie die Ägypter eine Perfektion auf diesem Gebiet erreicht hatten. Die ägyptische Malerei besitzt ihre eigenen Normen, die seit dem Ursprung des Alten Reiches (um 2750–2130 v.Chr.) festgelegt waren. Sie waren von religiösen, sozialen und ästhetischen Überlegungen geprägt.

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch,

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch, was sich insbesondere in Personendarstellungen ausdrückt. Die Personen wurden im Allgemeinen im Profil dargestellt, wenn sie nach rechts gerichtet waren, konnten sie lediglich den linken Arm und den linken Fuß nach vorn strecken. Dafür gab es einen ästhetischen Grund, und zwar, dass im gegenteiligen Fall die Linien des Körpers sich kreuzen und damit der Harmonie der Zeichnung schaden würden. Vorderansichten in der ägyptischen Malerei sind äußerst selten anzutreffen!

Die ägyptische Kunst besaß religiösen Charakter, und die in Gräbern abgebildeten Personen, waren nicht reine Dekorationen, sondern waren Wesen, die magisch lebendig wurden. Eben dadurch dass sie auf malerische Art dargestellt wurden. Je größer eine Person dargestellt wurde, desto wichtiger war sie.

Gesichter und Körper stellte man in der Position dar, die sie am besten charakterisierten: das Auge von vorne, den Kopf im Profil, die Hände ausgestreckt von ihrer Außenseite, die Füße im Profil. Auffallend an der ägyptischen Malerei: die Lebendigkeit, die reiche Farbigkeit und die flächigen Formen, die dem Ganzen einen individuellen Malstil anhaften. Hieroglyphen, die Schrift der alten Ägypter wurden aus-oder angemalt, farbig oder schwarzweiß.

Insbesondere auf Papyri wurden die Hieroglyphen „aufgemalt“, oder besser: geschrieben, denn die alten Ägypter hatten ihr eigenes komplexes Schriftsystem. Aber je nach Schriftträger und Material, wurde die Schrift gemalt auf Kalkputz, Papyri, Holz, oder gemeißelt in Stein und dann ausgemalt!

Farben

Altägyptische Bezeichnungen

Wadj; bezeichnet im weiteren Sinne den Lebensraum Wasser. Die Vegetation (Grün) mit eingeschlossen, denn das Wasser bringt ja erst die Vegetation hervor.

Kem; Das Fruchtland, das jedes Jahr unter dem Nil versank, insofern umfasst der Begriff Kem alle Schattierungen des Erdbodens, also auch Braun, Grau, usw. Dominiert wird Kem aber von Schwarz. Kem ist somit lebensspendend und lebendig.

Kek; charakterisiert die Finsternis, das Gegenteil von Hedj (Helligkeit). Kek ist unbelebt und vage.

Descher;  verweist auf die Wüste und bezeichnet die diversen Facetten des Sandes am Tage. Die wesentliche Komponente dieser Farbe ist allerdings Rot, z.B. Sonnenuntergang.

Hedj; benennt das Sonnenlicht und im übertragenen Sinne alles Glänzende (z.B. Silber). Hedj bedeutet Helligkeit. Hedj muss als eine Art Nichtfarbe angesehen werden. Das Gegenteil von Kek, die Finsternis, ist Hedj.

Das Schwarz bestand weitgehend aus Ruß (wurde teils von den Kochtöpfen abgekratzt), das Weiß von dem Kalk, das Blau vom Lapislazuli, das Grün vom Malachit und das Rot dagegen aus Ocker, einem Mineral, das in großen Klumpen in den ägyptischen Wüstengebieten gefunden wurde und von gelber, oranger, roter oder brauner Farbe sein konnte.

Die Mischungen dieser Farben ergab eine reiche Farbpalette. Mit den Farben wurden Grabwände, Reliefs, Tempelmauern, Säulen, die reliefierten Hieroglyphen auf Mauern und Architekturteilen der Tempel sowie die Mauern der Paläste und Adligenhäusern, bemalt. Sowie auf Holz wurde gemalt, z.B. die Sarkophage und Särge. Selbstverständlich auch auf den Beschreibstoff Papyri malten die Ägypter, insbesondere ihre Totenbuch-Illustrationen.

Schwarz – kek und kem

Für die Ägypter existierten zwei Arten von Schwarz, nämlich ein unbestimmtes Schwarz, das Leere ausdrückt und zum Bereich der Finsternis (kek) gehört und ein klares Schwarz, das zur Wiedergabe greifbarer Dinge verwandt wurde und dem Bedeutungsfeld des Lebendigen (kem) zugeordnet ist.

Symbolik der Farben

Anfangs verwendete man nur die vier Grundfarben, später erst mischte man sie hell oder dunkel und fand Zwischentöne. Die Farben wurden stets symbolträchtig angewendet: Blau für Amun = Himmelsgott, Grün für Osiris als Jüngling, Schwarz, wenn er den Totengott verkörperte, Rot für Seth und überhaupt für böse, schlecht, hinterhältig und für alles Störrische, also auch für Bilder von Eseln oder Hunden oder auch für die Fehler, die der Schreiber Rot notierte. Rot oder Gelb für Unsterblichkeit dekorierte man gern die Gräber, Gelb (=> suggerierte Goldfarben) war auch beliebt für Hintergründe bei Szenen zum Totenbuch. Nachgewiesen werden konnte, dass Rosa als eigenständige Farbe benutzt wurde ab dem Neuen Reich; Rosa setzten die Maler beispielsweise für transparente Kleidung ein.

Herstellung der Farben

Die Farbpigmente wurden zu Puder vermahlen, mit Harz und Wasser angerührt und anschließend in Tablettenform getrocknet und auf die Palette des Schreibzeugs gesetzt. Ersatztabletten zum Nachfüllen lagen immer bereit. Gemalt wurde mit Wasserfarben.

Die ägyptischen Künstler nahmen Pinsel, Bürstchen, Wassergefäße und Scherben die zur Zubereitung der Farben dienten, zur Hilfe.

Gestaltungsprinzipien in der ägyptischen Kunst;

zweidimensionale Darstellungen und die Tatsache, dass die alten Ägypter eine räumlich-zeitliche Perspektive umsetzten, vier Dimensionen in eine einzige Bildfläche, die sich schon ab den frühesten Epochen findet. Die Unterteilung von Bildflächen in Register oder die typischen Kompositionen. Am verbreitetsten und zugleich die charakteristischste Ausdrucksform in der ägyptischen Malerei war der flächige Farbauftrag.

Schon im Alten Reich wurden die Gräber mit Malereien dekoriert, mit Bildprogrammen die Szenen aus dem Alltag wie Jagd, Fischfang oder Ernte zeigen. Den Ägyptern, denen eine gewisse Kontinuität in der Ausführung ihrer
künstlerisch-malerischen Werken anhaftet ist kaum zu übersehen, doch es gab viele Entwicklungen oder Veränderungen, sowohl in der Farbgebung als auch bei den Formen und Bildthemen. Vieles auch in idealisierter Darstellung.

Schlusswort

Die Farben des alten Ägypten auf Wandmalereien, strahlen noch heute! Sie  haben eine große Anziehungskraft auf die Menschen, die sie bestaunen. Wenn man bedenkt, dass diese Farbenpracht viele Jahrtausende im Dunkel verborgen war, so ist es ein kleines Wunder, sie heute wieder zu erblicken. Noch sind nicht alle wiederentdeckt, die Malereien in Gräbern der Könige und Adligen. Natürlich finden auch Restaurationen der Wandgemälde statt, um sie zu erhalten.

Buchtipp: Ägyptische Wandmalerei

Der Text-/Bildband der von etwa 3500 bis 1000 v.Chr. durch die ägyptische Malerei führt, beleuchtet die Ursprünge, Entwicklungen und Veränderungen sowie die ägyptischen Malereien an sich, anhand vielfältiger Beispiele. Zum Verständnis dieser Bereiche sind im ersten Teil des Werkes die Themen: Gestaltungsprinzipien, Chromatik und Farbsymbolik ausführlich erklärt; des Weiteren die Maltechniken. Mit diesen Themenbereichen bietet der Text-Bildband einen in die Tiefe gehenden Einblick in das künstlerische Schaffen.

Rezension des Buches: http://buch.mein- altaegypten.de/Geschichte+Kultur/2_GK-Wandmalerei.html

Weitere Informationen

Homepage über das alte Ägypten, von Anja Semling: www.mein-altaegypten.de

Mehr über das künstlerische Schaffen von Semling: www.viskom-semling.de

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In den 1920er Jahren arbeitete der Maler und Kunstpädagoge Johannes Itten die Grundlagen seiner Farbtheorie und den entsprechenden Farbkreis aus. Das älteste Komplementärfarbmodell basiert auf Goethes Farbenkreislehre. Die Ergänzungsfarben liegen sich gegenüber: Rot – Grün, Gelb – Violett und Blau – Orange.

Farbmischungen

In der Schule lernen wir Rot, Blau und Gelb als Grundfarben, denn aus diesen lassen sich andere Farben mischen: Violett aus Blau und Rot, Grün aus Blau und Gelb etc. Genau genommen lassen  sich aber alle Farben aus beliebigen drei Farbtönen mischen, vorausgesetzt, diese liegen weit genug auseinander. Zu jeder Grundfarbe ist die Mischung der beiden anderen Grundfarben komplementär. Komplementärfarben ergänzen sich nebeneinander und lassen die andere Farbe reiner wahrnehmen. Mischt man allerdings zwei Komplementärfarben miteinander, so erhält man immer ein graues/schwarz, den Sie heben sich gegenseitig auf. Beispielsweise wichtig beim Färben von Haaren. Bevor man sich für eine neue Farbe entscheiden kann, muss man die alte Farbe neutralisieren, um so eine neue aufnahmefähige Grundlage zu schaffen. Das Thema Farbmischung ist durchaus komplizierter, als man annimmt, mehr zu dem Thema finden Sie hier: Der populäre Irrtum: Gründlich geirrt – [GEO]

Komplementär Farben setzen also starke Akzente und eignen sich besonders, um Wohnraum zu streichen oder etwas hervorzuheben. Farben haben großen Einfluss auf unser Empfinden und können Räume größer oder kleiner wirken lassen. Dafür müssen die Farben aber richtig mit kombiniert werden. Jede Farbe hat einen Partner – seinen Komplementär. Beispielsweise Braun ist keine Primär- oder Sekundärfarbe, sondern eine Nuance von Rot und Orange – deshalb ist ein Blauton der passende Komplementär, denn Blau liegt auf dem Farbkreis gegenüber von Orange.

Der Kunsterklärer:

Weitere Informationen

Titelbild: Stefan Schweihofer

Der Kunsterklärer Webseite: www.derkunsterklaerer.de

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Aus Pigmenten und Bindemittel entsteht Farbe. Die Pigmente sind die „sichtbaren“ Bestandteile einer Farbe. Diese Farbkörper können in verschiedenen Formen auftreten. Sie werden in flüssiger, halbflüssiger, weich pastoser oder in fester Form im jeweiligen Bindemittel eingebunden.

Jedes Pigment hat natürlich unterschiedliche Eigenschaften, je nach Pigment ändert sich natürlich die Deckkraft, die Lichtechtheit und die Feinheit. Auch die Bindemittel sind unterschiedlich, doch ihre Aufgabe ist immer gleich. Die Pigmente sollen miteinander verklebt werden und auf dem Maluntergrund haften.

Farbstoffe sind körperlos, anders als Pigmente, werden diese Farbstoffe in Bindemitteln gelöst. Ein Beispiel hierfür sind verschiedene Tinten. Meist sind sie von geringer Lichtechtheit und haben „blutende“ Eigenschaften. In den meisten hochwertigen Farben für Künstler finden diese keine Anwendung.

Pigmente – Anorganisch oder organisch?

Pigmente unterteilen sich. Sie unterscheiden sich in ihrer chemischer Zusammensetzung, ihre spezifischen Eigenschaften sind anders, der Farbton, der Verwendungszweck sind individuell.  Bei der Herkunft unterscheidet man zwischen anorganischen  und organischen Pigmenten. Diese wiederum sind zu unterscheiden zwischen natürlichen Vorkommen und synthetischer Herstellung.

„Alte“ Pigmente, wie sie schon in früheren Jahrhunderten von den meisten Malern verwendet wurden, treten heute immer mehr in den Hintergrund. Einer der Gründe ist die geringere Lichtechtheit gegenüber den neuen Entwicklungen.  Einige bekannte Pigmente sind giftig. Als Beispiel: Schweinfurter Grün und Echter Zinnober. Andere sind mit der Ethik nicht mehr vereinbar, so wie das berühmte Indischgelb, was aus dem Urin indischer Kühe, die mit Mangoblättern gefüttert wurden, hergestellt wurde. Synthetisch hergestellte Pigmente stellen heute in vielen Fällen daher die bessere Alternative dar. Die ältere Generation von Künstlern schwört aber wie oftmals auf die Tradition.

Weitere Informationen

Wer mehr über Farben und ihre Herstellung erfahren möchte, kann bei “ Schmincke“ vorbei schauen.
Der Hersteller von Künstlerfarben wurde bereits 1881 gegründet. Schmincke: Künstlerfarben

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Indischgelb zeichnet sich durch eine starke und intensiv-leuchtende Farblichkeit aus. Insbesondere unter Sonnenlicht entfaltet es seine einzigartige Wirkung. Das Pigment  zeichnet sich durch seine tiefe leicht rötlich warme Farblichkeit aus.

Indischgelb / euxanthin: to pee or not to pee…

Indischgelb oder Indian yellow / euxanthin / piuri ist der Legende nach das Resultat der Fütterung dehydrierter Rinder mit Blättern des tropischen Mangobaumes (Mangifera indica). Durch die Dehydration in Kombination mit den verstoffwechselten Mangoblättern schieden die Rinder angeblich einen extrem gelblich verfärbten Urin aus. Anschließend sei der Urin durch Erhitzen reduziert worden. Dies ermögliche der Legende zu Folge die Extraktion des als Indischgelb bezeichneten Farbpigments.

Wahre Herstellungsweise von indischgelb bis Heute unbekannt:

Diese Herkunftsgeschichte wird von Teilen der Literatur bestritten. So sei die Geschichte, schreibt Victoria Finlay, möglicherweise frei erfunden. Neuerdings wird die Ansicht vertreten, es handele sich bei indischgelb um Gallensteine von verschiedenen Tieren in Verbindung mit Säften von Bäumen/Pflanzen. Victoria Finlay zu Folge sei an dem Ort, wo das Pigment angeblich extrahiert wurde, niemand davon in Kenntnis, ob wie und wo das Pigment hergestellt wurde, obwohl das angebliche Verbot aus Gründen des Tierschutzes erst ein „zwei Jahrhunderte“ her sei.

Gegenargumente zur fehlenden Beweisbarkeit der Urin- Methode

Vermeintlich gedankenscharf schlussfolgert Victoria Finlay, weil niemand etwas von der Methode am vermeintlichen Ort der Herstellung wusste, sei daraus zu folgern, die Geschichte der Herstellung sei frei erfunden. Sie stützt ihre Schlussfolgerung insbesondere darauf, dass es doch nicht angehen könne, dass zwei Jahrhunderte später (!) niemand mehr etwas davon wisse.
Doch sollte man hier bedenken, dass dies eben nicht eine kurze Zeit ist. Insbesondere demographische Veränderungen, wie die Landflucht und spezifisch in Indien existente Besonderheiten müssen nicht zwingend den überzeugenden Schluss nahelegen, den Finlay gezogen hat. Es erscheint mir, doch eher so, als würde da jemand den Wunsch den Vater des Gedanken werden lassen.
Die mangelnde Beweisbarkeit der Herstellungsweise mit Hilfe von Urin beweist eben auch nicht deren Nichtexistenz.

Fazit

Es kann bisher weiterhin nicht konstatiert werden, wie das echte Indischgelb nun letztlich hergestellt wurde. Bis heute bleibt es ein Mysterium. Daran ändern auch die Thesen von Victoria Finlay nichts.

Bildquelle: Teignmouth; Joseph Mallord William Turner; Exhibited in 1812; Oil Paint on Canvas; 900 x 1205mm; Tate Collection.

Weiterführende Links:
Mehr lesen auf Wikipedia 📖

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