Ein Hirsch aus Beton schwebt über dem Boden. Ein Kran hält ihn in der Luft; der Lastwagen, der ihn nach Venedig gebracht hat, bleibt Teil des Bildes. Die Skulptur wirkt auf den ersten Blick leicht wie gefaltetes Papier. Tatsächlich ist sie schwer, verletzlich und auf eine Maschine angewiesen, die sie trägt.

Mit diesem Bild beginnt der ukrainische Beitrag zur Biennale Venedig 2026. „Security Guarantees“ heißt die Ausstellung der Künstlerin Zhanna Kadyrova. Sie verteilt sich auf zwei Orte: In den Giardini hängt ihr „Origami Deer“ am Kran des Lastwagens. Im Arsenale erzählen Videos und Archivmaterialien, warum die Skulptur ihre Heimatstadt verlassen musste. Kuratiert wird der Pavillon von Ksenia Malykh und Leonid Marushchak.

Ein Kunstwerk aus dem Alltag von Pokrowsk

Kadyrova schuf den Hirsch 2019 für einen Park in Pokrowsk in der ostukrainischen Region Donezk. Er stand dort an der Stelle eines abgebauten sowjetischen Kampfjets. Die Skulptur wurde direkt auf ihren Sockel gegossen und war nie für eine Reise vorgesehen. Sie gehörte zum öffentlichen Raum und über die Jahre zum Alltag der Stadt.

Als sich die Front 2024 Pokrowsk näherte und Menschen die Stadt verließen, wurde auch der Hirsch abgebaut und in Sicherheit gebracht. Daran beteiligt waren Kadyrova, der Historiker und heutige Mitkurator Leonid Marushchak, die Organisation Museum Open for Renovation sowie Fachleute und städtische Mitarbeiter aus Pokrowsk. Eine Arbeit, die fest an einem Ort stehen sollte, musste plötzlich beweglich werden.

Genau darin liegt die Stärke des Projekts: Der Hirsch steht für die Menschen, deren vertraute Umgebung durch den Krieg verloren ging. Seine Rettung macht zugleich sichtbar, wie viel Arbeit es braucht, kulturelle Spuren einer Stadt zu bewahren.

Warum hängt der Hirsch am Kran?

In Venedig erhält die Skulptur keinen neuen Sockel. Sie bleibt in einem Zustand zwischen Ankunft und Weiterreise. Der Kran verhindert, dass sie fällt, aber er gibt ihr keinen dauerhaften Platz.

Kuratorin Ksenia Malykh verbindet diesen Schwebezustand mit der Erfahrung von Menschen, die ihr Zuhause und damit einen Teil ihres sicheren Alltags verloren haben. Die Inszenierung zeigt das durch ein präzises Bild: Der Hirsch ist gerettet, doch er ist nicht wieder zu Hause. Міністерство культури України

Das Material verstärkt diesen Eindruck. Beton ist schwer und widerstandsfähig; die Form erinnert an ein gefaltetes Blatt Papier. Was stabil erscheint, kann dennoch aus seinem Zusammenhang gerissen werden.

Was versprechen „Security Guarantees“?

Der Ausstellungstitel verweist auf das Budapester Memorandum von 1994. Im Zusammenhang mit dem Verzicht der Ukraine auf die Atomwaffen, die nach dem Zerfall der Sowjetunion auf ihrem Gebiet verblieben waren, gaben unter anderem die USA, Großbritannien und Russland Zusicherungen zur Achtung ihrer Souveränität und territorialen Unversehrtheit. Der ukrainische Pavillon fragt, was solche Zusicherungen wert sind, wenn Schutz im entscheidenden Moment ausbleibt.

Im Arsenale werden Materialien zum Memorandum mit Aufnahmen der Evakuierung und der Reise des Hirsches verbunden. Die politische Frage erhält dadurch eine konkrete Form. Es geht um ein Kunstwerk aus einem Park, um die Menschen, die es in Sicherheit brachten, und um die Stadt, zu der es gehörte.

Der ukrainische Pavillon erzählt mehr als eine Rettungsgeschichte

Die Geschichte des Hirsches endet vorerst in Venedig, aber die Ausstellung macht aus seiner Ankunft keinen versöhnlichen Schluss. Die Skulptur ist erhalten geblieben. Ihr ursprünglicher Ort und die Sicherheit, in der sie dort einmal stand, lassen sich damit nicht zurückholen.

Gerade deshalb bleibt das Bild des schwebenden Hirsches im Gedächtnis. „Security Guarantees“ zeigt, dass Rettung und Sicherheit verschiedene Dinge sind. Und es fragt, wer Verantwortung trägt, wenn Menschen und ihre Kultur dauerhaft auf Schutz angewiesen sind.

ARTTRADO hat die politischen Konflikte um die Biennale bereits im Beitrag „Kunstfreiheit und Politik: Russland, Israel und der Streit mit der EU“ behandelt. Der ukrainische Pavillon gibt dieser Debatte eine eigene künstlerische Perspektive: einen Hirsch, der gehalten wird und doch keinen festen Boden unter sich hat.

Weitere Beiträge zur Biennale Venedig 2026 auf ARTTRADO

Britischer Pavillon: Lubaina Himid
Japanischer Pavillon: Ei Arakawa-Nash
Italienischer Pavillon: Chiara Camoni
Chinesischer Pavillon: „Dream Stream“
US-Pavillon: Alma Allen
Französischer Pavillon: Yto Barrada
Nordischer Pavillon: Klara Kristalova, Benjamin Orlow und Tori Wrånes
Litauischer Pavillon: Eglė Budvytytė
Vatikan-Pavillon: Patti Smith und Brian Eno
Dänischer Pavillon: Maja Malou Lyse
Deutscher Pavillon: Henrike Naumann und Sung Tieu
Österreichischer Pavillon: Florentina Holzinger
Grenada-Pavillon: Alexandra Kordas
Russischer Pavillon und die Debatte um seine Rückkehr

Weitere Informationen

Titelbild: Die Evakuierung von Zhanna Kadyrovas Skulptur The Origami Deer aus Pokrowsk. Standbild aus dem Dokumentarfilm IDP. Bild: Zhanna Kadyrova / Ukrainischer Pavillon.

Ausstellung: „Security Guarantees“ – Ukrainischer Pavillon der Biennale Venedig 2026
Künstlerin: Zhanna Kadyrova
Kuratiert von: Ksenia Malykh und Leonid Marushchak
Orte: Giardini della Biennale und Arsenale, Venedig
Laufzeit: 9. Mai bis 22. November 2026

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Ein Haus kann offen, hell und einladend wirken – und einem trotzdem das Gefühl vermitteln, nicht wirklich gemeint zu sein. Genau diese Spannung bildet den Ausgangspunkt des Britischen Pavillons auf der Biennale Venedig 2026.

Unter dem Titel „Predicting History: Testing Translation“ verwandelt Lubaina Himid das neoklassizistische Gebäude in den Giardini in einen Ort zwischen Ankunft und Aufbruch. Menschen bauen Häuser, nähen Kleidung, bereiten Speisen zu, kümmern sich um Pflanzen oder arbeiten gemeinsam an Booten. Sie wirken beschäftigt und handlungsfähig. Gleichzeitig bleibt offen, ob sie bleiben können, weiterziehen müssen oder an einem Ort leben, der sie nur unter bestimmten Bedingungen akzeptiert.

Himid inszeniert keine dramatische Fluchterzählung. Ihre Figuren befinden sich bereits in jener komplizierten Phase danach: Sie versuchen, einen Alltag aufzubauen, Beziehungen zu gestalten und aus einer fremden Umgebung ein Zuhause zu machen.

Predicting History Testing Translation

Der Ausstellungstitel verweist auf zwei Vorgänge, die zwangsläufig unvollständig bleiben. Geschichte lässt sich nicht zuverlässig vorhersagen. Übersetzung wiederum ist niemals vollkommen: Zwischen Sprachen, Erinnerungen und kulturellen Erfahrungen geht immer etwas verloren oder verändert seine Bedeutung.

Diese Unsicherheit überträgt Himid auf die Frage nach Zugehörigkeit. Wer an einem neuen Ort lebt, muss nicht nur dessen Sprache verstehen. Auch Verhaltensweisen, Räume, soziale Regeln und unausgesprochene Erwartungen müssen gelesen und übersetzt werden.

Die alte Heimat verschwindet dabei nicht. Sie bleibt in Rezepten, Liedern, Gegenständen, Farben, Familiengeschichten und erfundenen Erinnerungen erhalten. Gleichzeitig ist auch das neue Zuhause keine neutrale Bühne. Manche Menschen können sich darin scheinbar mühelos bewegen, während andere deutlich als fremd oder „nicht zugehörig“ wahrgenommen werden.

Der Britische Pavillon wird damit selbst zum Bild für Großbritannien: zunächst offen, hell und voller Möglichkeiten, darunter jedoch von historischen und gesellschaftlichen Spannungen durchzogen.

Fünf monumentale Gemälde über das Bleiben und Gehen

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen fünf neu geschaffene, mehrteilige Gemälde. Sie zeigen Architekten, Schneider, Köche, Bootsbauer und Gärtner. Himid präsentiert keine isolierten Porträts, sondern Figuren in Handlungssituationen. Sie arbeiten, diskutieren und treffen Entscheidungen.

In „Architects“ stehen unterschiedliche Vorstellungen von Schutz und Zukunft nebeneinander. Eine Architektur ermöglicht den schnellen Aufbruch, eine andere ist für das dauerhafte Bleiben gedacht. Das Haus erscheint hier nicht nur als Gebäude, sondern als politische Frage: Wer darf sich niederlassen, und wer muss jederzeit damit rechnen, erneut weiterziehen zu müssen?

Die Schneider in „Tailors“ vermessen, schneiden und verbinden Stoffe. Kleidung wird zum Mittel der Anpassung, aber auch der Selbstbehauptung. Sie kann Zugehörigkeit signalisieren oder einen Menschen sichtbar von seiner Umgebung unterscheiden.

In „Chefs“ geht es um Nahrung als Erinnerung und kulturelle Übersetzung. Rezepte lassen sich mitnehmen, doch Zutaten, Geschmack und Bedeutung verändern sich an einem neuen Ort. Essen schafft Gemeinschaft, kann aber ebenso zeigen, wer als vertraut und wer als fremd wahrgenommen wird.

Die „Boatbuilders“ arbeiten an einem Motiv, das in Venedig kaum neutral betrachtet werden kann. Das Boot kann Transportmittel, Handelsobjekt, Rettung oder Gefahr sein. Es verbindet Orte und trennt sie zugleich. Angesichts gegenwärtiger Migrationsbewegungen erhält das Motiv eine politische Ebene, ohne dass Himid daraus eine eindeutige Illustration macht.

Die „Gardeners“ schließlich kümmern sich um Pflanzen. Auch hier geht es um die Frage, was in einer neuen Umgebung Wurzeln schlagen kann. Ein Garten benötigt Pflege, Zeit und passende Bedingungen. Zugehörigkeit erscheint bei Himid nicht als Zustand, der einmal erreicht wird, sondern als fortlaufende Arbeit.

Der Britische Pavillon als Bild für Großbritannien

Himid entwickelte die Arbeiten gezielt für die Architektur des 1909 eröffneten Pavillons. Das Gebäude mit seiner symmetrischen, neoklassizistischen Erscheinung vermittelt zunächst Ordnung, Ruhe und Repräsentation. Die Künstlerin nutzt genau diese Wirkung, um Großbritannien als scheinbar einladenden, zugleich aber historisch belasteten Raum zu inszenieren.

Die Architektur verspricht Stabilität. Innerhalb der Gemälde wird diese Stabilität jedoch immer wieder infrage gestellt. Einige Figuren planen dauerhafte Behausungen, andere halten sich die Möglichkeit zur Flucht offen. Sie befinden sich in Räumen, die sie mitgestalten, aber nicht vollständig kontrollieren können.

Damit unterscheidet sich der britische Beitrag deutlich von Pavillons, die 2026 auf körperliche Überwältigung, technische Effekte oder monumentale Inszenierungen setzen. ARTTRADO hat diese Spannweite bereits am Österreichischen Pavillon mit Florentina Holzingers „Seaworld Venice“ und am technologisch aufgeladenen China-Pavillon „Dream Stream“ verfolgt.

Großbritannien antwortet nicht mit Eskalation. Himid setzt auf Malerei, auf wiederkehrende Details und auf eine Unruhe, die erst beim längeren Betrachten entsteht.

Eine Landschaft, die ihre Freundlichkeit verliert

Neben den Gemälden spielt der Klang eine entscheidende Rolle. Die Soundarbeit entstand in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Magda Stawarska, mit der Himid bereits mehrfach gearbeitet hat.

Zu Beginn wirkt die Klanglandschaft pastoral und beinahe idyllisch. Sie erinnert an einen britischen Sommertag und verstärkt den Eindruck eines geordneten, vertrauten Ortes. Allmählich kippt die Atmosphäre. Insekten summen, Geräusche verdichten sich, und aus der vermeintlichen Ruhe entsteht ein Gefühl des Unbehagens.

Diese Verschiebung spiegelt das Grundprinzip des Pavillons. Nichts ist offen bedrohlich, doch etwas stimmt nicht. Das Gebäude bleibt hell, die Farben bleiben leuchtend und die Menschen bleiben aktiv – trotzdem entsteht der Eindruck, dass ihre Zugehörigkeit jederzeit infrage gestellt werden könnte.

Auf einzelnen Arbeiten erscheinen Fragen wie: Kann Gift köstlich schmecken? Können sich Fliegen hier niederlassen? Solche Sätze verändern den Blick auf das zunächst harmonische Bild. Das Einladende und das Gefährliche lassen sich nicht mehr eindeutig voneinander trennen.

21 Ruder und die Frage nach der gemeinsamen Richtung

An einer Wand des Pavillons befinden sich 21 unterschiedliche Ruder. Als gefundene und bemalte Gegenstände stehen sie zwischen Skulptur, Werkzeug und Symbol.

Ein einzelnes Ruder kann ein Boot bewegen, aber noch keine gemeinsame Richtung bestimmen. Dafür müssten mehrere Menschen ihre Bewegungen koordinieren. Die unterschiedlichen Formen der Ruder lassen jedoch offen, ob diese Zusammenarbeit überhaupt gelingen kann.

Im Kontext der Ausstellung können sie für Reise, Flucht, Arbeit oder Orientierung stehen. Sie verweisen zugleich auf Venedig als Wasserstadt und auf Sansibar, Himids Geburtsort. Beide Orte sind durch Schifffahrt, Handel und kulturellen Austausch geprägt – aber auch durch Kolonialgeschichte, Ausbeutung und Gewalt.

Das Meer erscheint deshalb nicht romantisch. Es ist Verbindung und Grenze zugleich.

Wer ist Lubaina Himid?

Lubaina Himid wurde 1954 in Sansibar geboren und kam als Kleinkind nach Großbritannien. Seit den 1980er-Jahren gehört sie zu den prägenden Stimmen des Black British Arts Movement. Sie arbeitete nicht nur als Künstlerin, sondern auch als Kuratorin und kulturelle Aktivistin.

Mit Ausstellungen wie „Five Black Women“ im Jahr 1983 und „The Thin Black Line“ 1985 machte sie auf Schwarze Künstlerinnen aufmerksam, die von den etablierten britischen Kunstinstitutionen weitgehend ausgeschlossen wurden.

Himids eigenes Werk beschäftigt sich seit Jahrzehnten mit der Frage, welche Personen in der europäischen Kunstgeschichte sichtbar sind und welche Rollen Schwarzen Menschen darin zugewiesen wurden. Ihre Bilder stellen Schwarze Figuren nicht als Nebenpersonal einer weißen Erzählung dar. Sie erscheinen als Handelnde, Denkende, Arbeitende und miteinander Sprechende.

2017 erhielt Himid als erste Schwarze Frau den Turner Prize. Dass sie nun Großbritannien auf der Biennale von Venedig vertritt, besitzt daher auch institutionelle Bedeutung. Nach Sonia Boyce im Jahr 2022 ist sie erst die zweite Schwarze Künstlerin, die den Britischen Pavillon gestaltet.

Zugehörigkeit ohne eindeutige Ankunft

„Predicting History: Testing Translation“ erzählt Migration nicht als geradlinige Bewegung von einem Ausgangspunkt zu einem Ziel. Die Ausstellung interessiert sich vielmehr für die Zeit danach: Was geschieht, wenn ein Mensch angekommen ist, aber noch immer nicht als zugehörig betrachtet wird?

Himids Figuren warten nicht passiv auf Anerkennung. Sie bauen, kochen, nähen, pflanzen und planen. Das Zuhause entsteht durch ihre Arbeit. Trotzdem können sie nicht vollständig bestimmen, wie ihre Umgebung auf sie reagiert.

Gerade darin liegt eine politische Qualität des Pavillons. Zugehörigkeit wird nicht als großzügige Geste einer Mehrheitsgesellschaft dargestellt, sondern als etwas, das Menschen selbst herstellen und zugleich immer wieder verteidigen müssen.

Die Frage lautet deshalb nicht nur: Woher kommt jemand? Sie lautet auch: Wer besitzt die Macht, darüber zu entscheiden, wann ein Mensch angekommen ist?

Ein leiser Gegenpol zum Biennale-Spektakel

Innerhalb der Biennale 2026 gehört der britische Beitrag zu einer Gruppe von Pavillons, die sich dem schnellen Spektakel verweigern. Die Ausstellung arbeitet nicht mit einem einzelnen Bild, das sich sofort für soziale Medien zusammenfassen lässt. Ihre Wirkung entsteht aus den Beziehungen zwischen Figuren, Räumen, Gegenständen und Geräuschen.

Diese Haltung verbindet Großbritannien mit dem italienischen Beitrag von Chiara Camoni. Auch der Italienische Pavillon „Con te con tutto“ setzt auf Handarbeit, Gemeinschaft und langsame Wahrnehmung. Während Camoni jedoch eine beinahe archaische Welt aus Keramik, Pflanzen und kollektiven Arbeitsprozessen entwickelt, bleibt Himid näher an sozialen Rollen und alltäglichen Entscheidungen.

Auch zum Japanischen Pavillon von Ei Arakawa-Nash besteht eine Verbindung. Beide Beiträge fragen, wie Verantwortung weitergegeben wird und wie Menschen mit Geschichten leben, die sie nicht selbst begonnen haben. Japan macht das Publikum durch die Babypuppen körperlich zu Beteiligten. Großbritannien lässt die Betrachtenden dagegen Zeugen von Gesprächen und Entscheidungen werden, deren Ausgang offenbleibt.

Zwischen Anerkennung und Kritik

Die Reaktionen auf den Britischen Pavillon fallen unterschiedlich aus. Einige Kritiker sehen in der großzügigen, ruhigen Präsentation eine Stärke. Gerade weil viele nationale Beiträge auf immersive Effekte und spektakuläre Bilder setzen, erscheint Himids Konzentration auf Malerei und Erzählung als selbstbewusster Gegenentwurf.

Andere Stimmen beurteilen den Pavillon deutlich zurückhaltender. Ihnen erscheinen die Figuren, Berufsrollen und Motive zu vertraut, die politische Aussage zu vorhersehbar und die Inszenierung zu kontrolliert. Die zentrale Frage nach Zugehörigkeit sei zwar relevant, werde aber nicht immer mit derselben Dringlichkeit vermittelt, die andere Beiträge der Biennale entwickeln.

Beide Wahrnehmungen sind nachvollziehbar. Himids Pavillon ist nicht radikal in seiner Form. Er zerlegt das Gebäude nicht, überwältigt das Publikum nicht und produziert keinen offensichtlichen Skandalmoment. Seine Stärke liegt in der Genauigkeit, mit der alltägliche Arbeit, kulturelle Erinnerung und gesellschaftliche Unsicherheit miteinander verbunden werden.

Genau darin liegt zugleich sein Risiko. Wer von einem nationalen Pavillon eine spektakuläre Geste erwartet, könnte die Ausstellung als zu zurückhaltend empfinden. Wer sich jedoch auf die Bilder, Texte und klanglichen Verschiebungen einlässt, entdeckt einen Raum, in dem Zugehörigkeit nicht behauptet, sondern immer wieder neu ausgehandelt wird.

Was der Britische Pavillon über Großbritannien erzählt

Nationalpavillons geben vor, ein Land zu repräsentieren. Doch kein einzelner Künstler kann eine gesamte Gesellschaft abbilden. Himid löst dieses Problem, indem sie Großbritannien nicht als feststehende Identität darstellt, sondern als Raum widersprüchlicher Erfahrungen.

Ihr Großbritannien kann Schutz bieten und gleichzeitig ausschließen. Es kann offen erscheinen und dennoch voller unsichtbarer Grenzen sein. Es lebt von Migration, Austausch und kultureller Übersetzung, tut sich aber weiterhin schwer damit, diese Geschichte vollständig als Teil seiner eigenen Identität anzuerkennen.

In diesem Punkt trifft der Pavillon ein zentrales Thema der gesamten Biennale 2026. Die historischen Länderpavillons wirken wie stabile nationale Häuser, während die darin gezeigte Kunst immer wieder beweist, wie beweglich, durchmischt und konfliktreich nationale Identitäten tatsächlich sind.

ARTTRADO hat diese Spannung bereits im Beitrag „Biennale Venedig 2026 – Kunstfreiheit und Politik: Russland, Israel und der Streit mit der EU“ untersucht. Himid nähert sich derselben Grundfrage aus einer persönlicheren Richtung: Nicht Staaten und Institutionen stehen im Mittelpunkt, sondern Menschen, die versuchen, innerhalb solcher Strukturen ein Zuhause zu schaffen.

Keine fertige Antwort auf die Frage nach Heimat

„Predicting History: Testing Translation“ bietet keine einfache Definition von Heimat. Der Pavillon zeigt vielmehr, dass Zugehörigkeit aus vielen kleinen Handlungen entsteht: aus Arbeit, Fürsorge, Erinnerung, Sprache, Kleidung, Essen und gemeinsam getroffenen Entscheidungen.

Ein Zuhause ist bei Himid weder ausschließlich der Ort der Herkunft noch automatisch der Ort, an dem man lebt. Es entsteht dort, wo Menschen Handlungsmöglichkeiten besitzen und ihre Umgebung mitgestalten können.

Doch selbst dann bleibt Unsicherheit. Geschichte lässt sich nicht vorhersagen, Übersetzung bleibt unvollständig und Zugehörigkeit kann erneut infrage gestellt werden.

Der Britische Pavillon gehört deshalb nicht zu den lautesten Beiträgen der Biennale Venedig 2026. Er ist auch nicht der radikalste. Aber er stellt eine Frage, die weit über das Ausstellungsgebäude hinausreicht:

Wie lebt man an einem Ort, der Heimat werden soll, aber noch nicht vollständig gelernt hat, einen willkommen zu heißen?

Lubaina Himid im Britischen Pavillon – die wichtigsten Fakten

Künstlerin: Lubaina Himid
Ausstellung: Predicting History: Testing Translation
Mitarbeit Sound: Magda Stawarska
Kuratorin: Ese Onojeruo
Commissioner: Emma Dexter
Auftraggeber: British Council
Ort: Britischer Pavillon, Giardini, Venedig
Biennale: 61. Internationale Kunstausstellung – „In Minor Keys“
Laufzeit: 9. Mai bis 22. November 2026

Kleine Auswahl weiterer Beiträge zur Biennale Venedig 2026

China auf der Biennale Venedig 2026 – Tradition, Technologie und kultureller Code
Dänischer Pavillon: Maja Malou Lyse
Italien auf der Biennale Venedig 2026: Chiara Camoni und die Kunst des Gemeinsamen
Deutscher Pavillon auf der Biennale Venedig 2026 – RUIN
Französischer Pavillon: Yto Barrada und die Zukunft der Malerei

Weitere Informationen

Titelbild: Lubaina Himid, 2022. Foto: Cascade80 / Wikimedia Commons, CC BY 4.0.

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