Der deutsch‑türkische Maler Mikail Akar (2012), der seit seinem vierten Lebensjahr ausstellt und international als eines der außergewöhnlichsten Talente der zeitgenössischen Kunst gilt, präsentiert ab 24. April 2026 seine Ausstellung „The First Decade“ in der Galerie Trittligasse in Zürich. Die dreitägige Show richtet den Blick auf die ersten zehn Schaffensjahre eines Künstlers, der bereits jetzt als herausragende Figur der abstrakten Malerei gilt.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl zentraler Arbeiten, die das Spannungsfeld von Abstraktion und Neoexpressionismus erkunden – geprägt durch gestische Verdichtung, vielschichtige Überlagerungen und leuchtende Farbstrukturen.

Vernissage: 24. April 2026, 18:30 Uhr
Ausstellung: 25.–26. April 2026, jeweils 14:00–18:00 Uhr
Ort: Galerie Trittligasse, Trittligasse 4, 8001 Zürich
Eine kostenfreie Anmeldung wird vorab erbeten.

Wer ist Mikail Akar? Vom Wunderkind zur globalen Präsenz

Mikail Akar wurde am 9. Oktober 2012 in Köln geboren und begann bereits mit vier Jahren zu malen. Sein erstes Gemälde erregte große Aufmerksamkeit, nachdem sein Vater es auf Facebook teilte. Kurz darauf folgten Kaufangebote, Interviews und Einladungen zu Ausstellungen.

Seither hat Akar eine beeindruckende internationale Karriere aufgebaut, mit Präsentationen in Zürich, New York, Wien, Istanbul, Miami und Berlin. Heute spricht er mehrere Sprachen, besucht eine internationale Schule und wird von der Gallery Ehren Art in Köln vertreten.

Künstlerischer Stil: Abstraktion, Ausdruckskraft und Energie

Akars Malerei wird dem Abstrakten Expressionismus zugerechnet, wobei er seinen Zugang als Action Painting beschreibt – inspiriert von Jackson Pollock und Jean‑Michel Basquiat. Seine Arbeiten zeichnen sich aus durch:

direkte Farbaufträge aus der Tube, oft ohne Zwischenstufe
dynamische Farbexplosionen und starke Kontraste
rhythmische, gestische Strukturen
lebendiges Zusammenspiel von Intuition und Kontrolle

Sein Stil überträgt sich auch auf großformatige Projekte, Fahrzeugdesigns und urbane Oberflächen.

Internationale Erfolge und Projekte

Mikail Akar hat zahlreiche herausragende Projekte realisiert:

Guggenheim Museum, New York: Werk „King of New York“ versteigert, Erlös für Kinderkunstprojekte
Empire State Building, New York: Erste Live-Mal-Performance eines europäischen Künstlers auf der Aussichtsplattform
Charity & Social Impact: Unterstützung von Hospizen, Kunstorganisationen und Benefizauktionen
Marken-Kooperationen: Rolls‑Royce-Oldtimer, Uber Germany, Gerolsteiner-Kunstetiketten
ArtFairs & Soloshows: ArtExpo New York, klassische Galerien

Seine Arbeiten erzielen inzwischen vier- bis fünfstellige Preise im internationalen Sammlermarkt – außergewöhnlich für sein Alter.

„The First Decade“: Rückblick auf zehn Jahre Kunstentwicklung

Die Ausstellung reflektiert Akars erstes Jahrzehnt künstlerischer Entwicklung. Nach der großen Jubiläumsausstellung in Köln‑Ehrenfeld Anfang 2026 bietet die Zürcher Präsentation eine konzentrierte Auswahl früher bis aktueller Arbeiten.

Mit „The First Decade“ zeigt Mikail Akar in Zürich die emotionale Kraft, formale Energie und internationale Relevanz seines Werks. Für Sammler, Kuratoren und Kunstinteressierte bietet die Ausstellung die Möglichkeit, ein außergewöhnliches Talent hautnah zu erleben – bevor seine Karriere weitere globale Dimensionen erreicht.

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Die Solinger Künstlerkolonie unterhielt enge Beziehungen zur Schweiz. Ihr Gründer Erwin Bowien (1899-1972) war zu Beginn des Jahrhunderts in der „Belle Epoque“ in Neuchâtel aufgewachsen und dort maßgeblich geprägt worden. Durch seine zahlreichen Schweizer Freundschaften, die er zeitlebens pflegte, kam er in Kontakt mit dem in Bremgarten bei Bern ansässigen Eduard M. Fallet (1904-1998), der im Laufe der Jahre zum wichtigsten Förderer der Solinger Künstler wurde. Er ermöglichte es den Malern Erwin Bowien, Bettina Heinen-Ayech (1937-2020) und Amud Uwe Millies (1932-2008), in der ganzen Schweiz zu arbeiten und einen großen „Cycle Suisse“ zu schaffen.

Anfang der 1920er Jahre gründete die gebildete und emanzipierte Erna Heinen-Steinhoff (1898- 1969) zusammen mit ihrem Mann, dem Dichter und Journalisten Hanns Heinen (1895-1961), in Solingen einen kulturellen und literarischen Salon im Stil des 19. Jahrhunderts. Nobelpreisträger, Künstler, Literaten und viele andere berühmte Persönlichkeiten verkehrten hier. Ende der 1920er Jahre lernte das Ehepaar Heinen den Maler Erwin Bowien kennen, der der Familie freundschaftlich verbunden blieb und in den 1950er Jahren den Grundstein für die Solinger Künstlerkolonie legte.

Zu den bedeutenden Schweizern, die seit den 50er Jahren regelmäßig den Solinger Salon besuchten, gehörte der Berner Mäzen, Kunstsammler und Heimatforscher Dr. Eduard M. Fallet – von Castelberg. Er lernte Erwin Bowien bereits auf dessen ersten Schweizer Reisen nach dem Krieg kennen.

Das Maler-Dreigestirn

Erwin Bowien, Bettina Heinen-Ayech und Amud Uwe Millies bildeten das „Maler-Dreigestirn“ von Solingen. Sie bestritten erfolgreich erste Ausstellungen und unternahmen zahlreiche Malreisen. Bereits Anfang der 50er Jahre reisten die drei malenden Künstlerkolonist:innen nach Orselina im Tessin. Um dort oberhalb von Locarno zu arbeiten. Später, bis in die 60er Jahre, führten ihre Malreisen auch nach Bern und ins Berner Oberland. Nach St. Gallen und ins St. Galler Oberland sowie in die Regionen am Hochrhein. Die Malreisen in die Schweiz führte die Künstlergemeinschaft auch stets nach Bremgarten zu Dr. Eduard M. Fallet – von Castelberg. Er wurde auch der wichtigste Sammler und Förderer von Bettina Heinen-Ayech, Erwin Bowien und Amud Uwe Millies.

Die Bedeutung und Relevanz der Solinger Künstlerkolonie für die Schweiz zeigt sich nicht zuletzt darin, dass das Institut für Schweizerische Kunstgeschichte in Zürich kürzlich empfohlen hat, die Seiten www.erwin-bowien.com und www.bettina-heinen-ayech.com in die digitale Schweizerische Nationalbibliothek aufzunehmen.

Infomesse im Pavillon Diamant

Über diese kunsthistorisch bedeutende Verbindung zwischen der Solinger Künstlerkolonie und der Schweiz findet vom 15.03.2025 – 29.03.2025 eine Infomesse im Pavillon Diamant 3047, Kalchackerstrasse 18a in Bremgarten bei Bern, Schweiz statt. Täglich geöffnet von 17:00 bis 20:00 Uhr. Texttafeln und Reproduktionen lassen dieses Engagement lebendig werden

Weitere Informationen: https://www.bettina-heinen-ayech-foundation.com/

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Richard Phillips Werke beleuchten kritisch Themen wie Sexualität, Politik und Prominenz, wie sie in den Massenmedien dargestellt werden. Die Bedeutung von Philips für die zeitgenössische Malerei und Kultur zeigt sich unter anderem in seinen Einzelausstellungen in der Kunsthalle Zürich, im Kunstverein Hamburg, bei Gagosian und White Cube. Seine Werke werden nicht nur von Museen wie dem Museum of Modern Art (New York), dem Whitney Museum of American Art (New York) und der Tate Modern (London) gesammelt, sondern er ist gleichermaßen für seine wegweisenden Interventionen wie der Filmpremiere bei der 54. Biennale in Venedig, einem integralen Cameo in „Gossip Girl“. Und dem Porsche Art Car 2023 bekannt.

Kunstkritikerin Kat Herriman über Best Picture

Die Kunstkritikerin Kat Herriman schreibt über die Serie Best Picture: „Richard Phillips präsentierte seine ersten Promi-Porträts auf dem absoluten Höhepunkt der Paparazzi-Ära. Und das Presseecho seiner starbesetzten Ausstellungseröffnung 2010 in der White Cube Galerie in London war immens. Der Ausstellungstitel „Most Wanted“ veranschaulichte das glamouröse Gefühl dieses Moments und prophezeite gleichzeitig seinen schnellen Niedergang durch die Dominanz der Handykamera, die uns alle zu Stars machte. Das Werk des Künstlers hielt den Prominentenwahnsinn der 2000er perfekt wie einen eingefrorenen Ausschnitt fest.

Durch Vorstöße in die reale Entertainmentwelt (wie Bravos Work of Art: The Next Great Artist) und in die inszenierte Unterhaltung (wie die Serie Gossip Girl) erarbeitete er sich ein eigenes popkulturelles Bewusstsein. Mit „Most Wanted“ versuchte er, die Frage zu beantworten, die Phillips zuerst berühmt gemacht hatte: Welchen Platz hat die sorgfältige, aufwändige Malerei/Betrachtung in einer Kultur mit unersättlichem Hunger nach persönlichen Details und einem stetigen Nachschub an gestohlenen Bildern?“

„In diesem Jahre stimmte Phillips zu, für „The Wrap“, dem renommierten Branchenmagazin der Film- und Unterhaltungsindustrie, zu dieser ikonischen Serie zurückzukehren, um die Schauspieler zu katalogisieren, die hinter den beeindruckendsten filmischen Leistungen des Jahres stehen. Die neue Serie „2024 Nominees“ besteht aus zwölf Pastellen und erscheint erstmals als gedrucktes Folioband. Mehr als ein Jahrzehnt nachdem die ursprünglichen Ölgemälde entstanden sind, wirkt ihre zwanghafte Präzision anders.

In unserem selbstaufgezeichneten Zeitalter der „ungestellten“ Fotografie wirken die Bilder vom roten Teppich unheimlich formal, vielleicht sogar unangenehm (ein Sujet, das Phillips eindeutig gerne ausschmückt). Statt gespickt mit schwarzem Humor wirken seine Bilder nostalgisch, und das ist das Beunruhigendste daran. Das Verblassen der Erinnerung macht die Dinge nicht nur weicher:“

Die Galerie Gmurzynska

1965 in Köln gegründet, ist die Galerie Gmurzynska seit über 50 Jahren eine der führenden internationalen Kunstgalerien. Sie hat sich sowohl auf Meisterwerke der klassischen Moderne als auch Nachkriegskunst spezialisiert. Die Galerie Gmurzynska ist weiterhin die wichtigste Galerie für Künstler der russischen Avantgarde. Und der frühen Abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Programm der Galerie ist darauf ausgerichtet, Ausstellungen historisch wichtiger Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts zu zeigen. Oft begleitet durch die Publikation wissenschaftlicher Begleitkataloge.

Weitere Informationen

Mehr über die Galerie: http://www.gmurzynska.com/

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Mit dieser Ausstellung möchten die Künstler nicht nur ihre Werke präsentieren, sondern auch den Dialog über die Bedeutung von Kunst in einer sich ständig verändernden Welt anregen. Sie wollen die Besucher dazu einladen, die Vielfalt der künstlerischen Perspektiven zu entdecken und sich von der Kraft und Schönheit der Kunst inspirieren zu lassen.

Die Vernissage findet am Mittwoch, 5. Juni 2024, ab 18 Uhr in der Trittligasse 4 in Zurich statt. Die Ausstellung ist bis zum 9. Juni 2024, täglich von 10:00 bis 20:00 Uhr geöffnet. Privatführungen sind möglich am 4. Juni oder am 10. Juni vormittags.

Die Galeristin Adriana Peterova freut sich Sie persönlich bei der Vernissage begrüßen zu dürfen und gemeinsam mit Ihnen die faszinierende Welt der Kunst zu erleben.

Ein Einblick in die ausstellenden Künstler:

Dhira Sarah BAREIN

Seit 2002 bis heute arbeitet Dhira Sarah Barein als freischaffende Künstlerin. Teilnahme an zahlreichen Solo- sowie Gemeinschaftsausstellungen, Ihre Werke wurden auch international ausgestellt, darunter in Indien, Spanien, Österreich.  Aber auch im Inland Hamburg, Berlin, Travemünde, Wiesbaden, Neu Isenburg, Frankfurt am Main und Stuttgart. Zudem erhielt sie mehrere Stipendien und nahm an diversen Kunstprojekten, Wettbewerben und Messen teil.

In eine Künstlerfamilie geboren entwickelte Sie bereits im Kindesalter eine Leidenschaft für Malerei und Ton Skulpturen. Nachdem sie viele Jahre mit ihrer Mutter in Indien gelebt hatte, prägte diese Zeit ihren künstlerischen Stil maßgeblich. Später führten Studienreisen nach Spanien, Holland und Südamerika zu weiteren Veränderungen in ihren Werken.

Die innere Gespaltenheit und die ständige Suche nach der Bedeutung des Lebens inspirierten Sie zu einem Stil, der geprägt ist von idealistischen Weltbildern, in denen Menschen, Tiere und Umwelt in einer friedlichen Verbindung stehen.

Ihre jüngsten Soloausstellungen und Performances fanden in Deutschland und Österreich statt. den wichtigsten Orten gehören Hamburg, Ibiza und Barcelona, sowie Bombay/Indien Pune/Indien, Hamburg und Neu-Isenburg/Frankfurt am Main.

Ihre Werke, eine Mischung aus Acryl, Pigmenten, Öl, Lack, Modelliermasse, Tinte, Sand und Blattgold auf Leinwand oder Papier, sowie Skulpturen und Reliefs aus Ton, reflektieren die Vergänglichkeit und Bewegung des Lebens.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Kunst in Frankfurt: Dhira Art Galerie – Dhira Sarah Barein im Interview

Tipp: Bei der nächsten Auktion der Gallery1503 finden sich 4 ganz besondere Kunstwerke der Künstlerin im Portfolio!

 

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Petra CAFLISCH

Ist bei der Gruppenausstellung „Absolut“ in Zürich, 3.-10.6.2024 in der „GALERIE ART & BUSINESS“, Trittligasse 4, 8001 Zürich mit einem Werk vertreten. 

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Caflisch Petra – CLEPATRA | Caflisch Petra – CLEPATRA

Claudia DIETSCHI

Seit 2014 ist Claudia Dietschi freischaffende Künstlerin im eigenen Atelier. Sie kreiert mit Farben Träume auf Leinwände. Jedes Gemälde hat seine eigene Anziehungskraft und strahlt das Gespür für Sinnlichkeit aus. Das Auge der BetrachterIn wird liebkost mit Anmut und Glanz. Ein Zauber umschmiegt die Emotionen des Lebens. Durch die Bilder erlebt man Energie, Freude, Kraft, Glück, Sicherheit und Wohlgefühl. Der Reiz des Unbekannten, welches es zu entdecken gibt. Die Bilder von Claudia strahlen in alle Richtungen.

 

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Sabrina GALIJAS REGINALI

Sabrina GALIJAS – REGINALI wurde 1985 in Cariati, Italien, geboren und lebt derzeit in der Schweiz. Die künstlerische Welt begleitet sie seit ihrer Kindheit, geprägt durch die Einflüsse ihres Vaters, der sein Leben lang im künstlerischen Bereich tätig war. In ihren Werken spiegeln sich unter anderem Themen wie Natur, Meer und Horizont wider, die sie von ihrem Vater übernommen hat.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier; SABRINA GALIJAS-REGINALI (sgr-art.ch)

Tanja JOKANOVIC TRAGER

 

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Dieter KEDERST

„BOLD“ (dt.: mutig, kräftig, auffällig) lautet der Titel der aktuellen Ausstellung von Leon Löwentraut in der Galerie WOS – und der Name ist Programm! Löwentrauts farbgewaltigen Werke und seine Persönlichkeit begeistern das kunstsinnige Publikum. In der zweiten Einzelausstellung mit Leon Löwentraut werden neben den neusten Gemälden und den gekonnt-virtuosen Kohlezeichnungen auch seine filigranen Edelstahl Skulpturen präsentiert. Die Ausstellung kann noch bis zum 2. April 2024 besucht werden.

Im Vernissage-Gespräch mit dem bekannten Schweizer TV-Moderator Sven Epiney gab Löwentraut Einblick in sein Schaffen und sprach über das, was ihn antreibt: «Jeder, der meinen Werdegang ein bisschen verfolgt hat, weiß, dass ich für die Kunst brenne. Und nicht nur dafür, Kunst zu schaffen, sondern auch, sie unter die Leute zu bringen. Mein Anspruch: Kunst soll alles andere als langweilig sein. Und ich glaube, das ist mir gelungen.»

Galerist Daniel Wahrenberger betont: „Als wir Leons Bilder zum ersten Mal im Original gesehen haben, hat es uns geradezu «umgehauen». Man sieht und spürt, mit welcher Energie und Hingabe er seine Bilder malt, wieviel Kraft und Können in ihnen steckt.“

Claudius Ochsner, der die Galerie gemeinsam mit Wahrenberger und Thomas Schafflützel betreibt, fügt hinzu: «Wir freuen uns, mit der Ausstellung «BOLD» Leon Löwentrauts Arbeiten einem breiten Publikum zu präsentieren. Breit auch deshalb, weil Leon ein jüngeres Publikum für Kunst begeistert.» Thomas Schafflützel ergänzt: «Der Andrang hat unsere Erwartungen noch übertroffen.»

Leon Löwentraut

Leon Löwentraut (Jahrgang 1998) hat sich mit beeindruckender Geschwindigkeit einen Namen in der internationalen Kunstwelt gemacht. Seine Werke begeistern und polarisieren. Er gilt als Vorreiter einer jungen Künstler- und Sammlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht. Leon Löwentraut: „Ich möchte möglichst viele Menschen gerade auch in meinem Alter für die Kunst begeistern.“ Auf Instagram hat der junge Ausnahmekünstler weit mehr als 700.000 Follower.

Die Arbeiten des in der Nähe von Düsseldorf und hauptsächlich in Portugal lebenden und arbeitenden Künstlers wurden bereits in internationalen Museen wie u.a. dem Kunstforum Wien, dem Palazzo Medici Riccardi in Florenz, der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, dem Bayerischen Nationalmuseum in München, dem Osthaus Museum in Hagen, dem Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie in Galerien, u.a. in New York, Miami, London, Madrid, Ibiza, Kopenhagen und Zürich gezeigt. Zudem wurden seine Werke auf wichtigen Kunstmessen wie der Art Karlsruhe, der Art Miami, Art Salon Zürich und der Art Toronto präsentiert.

 

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Ernst Barlach Preis 2023

Am 1. Dezember 2023 wurde Leon Löwentraut von der Ernst Barlach Gesellschaft Hamburg der Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst verliehen. Der Preis ehrt Künstler für besonders innovative Positionen. In seiner Laudatio erklärte Dr. Jürgen Doppelstein, Museumsdirektor und Vorsitzender der Ernst Barlach Gesellschaft: „Leon Löwentraut zeigt den modernen Menschen in seiner ganzen Isolation und Zersplitterung. Und diesen Menschen macht er zugleich zu einem großen Geheimnis. … Oftmals wirken seine Figuren wie maskierte Einsame. Damit berührt er einen Nerv der Gegenwart und begeistert besonders jüngere Menschen für seine Kunst.“

Weitere Informationen

Mehr über die Ausstellung: www.galerie-wos.com

Mehr über Leon Löwentraut: https://www.leonloewentraut.de/

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Eines der Ziele vom Novum Basel ist es, Kunstfreunden den Zugang zu moderner Kunst in Verbindung mit Umwelt zu ermöglichen. Die Online-Kunstausstellung ist von Novum Investments arrangiert worden, gleichzeitig für die Unterstützung der Organisation «Help and Assistance» des MALTESER Ordens Schweiz.

 

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NOVUM BASEL

Novum Investments ist eine Firma im Kunstbereich in Basel (Schweiz), die auf die Unterstützung von hoch-talentierten Künstlern aus verschiedenen Ländern spezialisiert ist. Sie bietet den Künstlern die Gelegenheit, ihre Kunst in einer der wichtigsten Städte der zeitgenössischen Kunst zu präsentieren. Marketing Strategien ermöglichen den Kontakt mit potenziellen Kunden, die so die Künstler und ihre Werke kennenlernen können. Dies bildet eine hervorragende Basis um Verkäufe zu tätigen und ein Netzwerk mit Kunden aufzubauen.

Novum bietet Beratungs-Dienstleistungen, Daten zu Kunstpreisen, Artikel für Künstler und Kunstsammler sowie Marktstudien an. Darüber hinaus berät Novum Kunstsammler und -besitzer über Kauf, Verkauf, Kunst-Stiftungen, Schätzungen von Kunstwerken und rechtliche Aspekte.

Mehr über Novum Basel finden Sie auf der Webseite: Novum Investments – www.novumbasel.com

SANO TALIS

SANO TALIS ist ein Mysterium aus der Nähe von Berlin. Der Künstler teilt seine Werke auf Instagram oder als NFTs auf OpenSea. Über die Person hinter SANO Talis ist jedoch wenig bis Garnichts öffentlich bekannt.

Am besten beschreibt der Begriff REISE die Entwicklung von SANO TALIS. Begonnen irgendwann in der Kindheit mit Kritzeleien in Schulbüchern und Heften. Seit 2018, ohne besondere künstlerische Förderung, wuchs der Drang zum Schaffen eigener Kunstwerke.
Anfangs mit Acryl auf Leinwänden. Die Techniken durch Ausprobieren, die Motive bekannter Künstler als Inspiration.

Der Zuspruch der Betrachter bestärkt und motiviert. Auftragsarbeiten sind eine Herausforderung für die Kreativität und Bestätigung zugleich. Die Stationen dieser Reise sind keine Haltepunkte – eher Bahnhöfe auf der Durchfahrt. Wechselnde Landschaften, Klima- und Zeitzonen sind vergleichbar mit den Einflüssen auf die Werke von SANO TALIS.

Künstlerisch vielfältig: großflächig und klar strukturiert oder kleinteilig und filigran. Farben und Formen gekonnt in Szene gesetzt. Die Begeisterung entsteht beim Erschaffen der Werke. Dankbar für Wertschätzung der Betrachter. Fasziniert von den Deutungen und Rückmeldungen. Eine Endstation ist nicht in Sicht.

Unser letztes Interview mit dem aufstrebenden Künstler finden Sie hier: Interview mit SANO TALIS –  Anonymer Künstler aus Berlin

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Ausgewählte Arbeiten von SANO TALIS finden Sie hier:  https://opensea.io/SanoTalis

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Im Jahr 2023 wird die Messe zum 25. Mal in ununterbrochener Folge in Zürich durchgeführt. ART INTERNATIONAL ZURICH ist Kunstmarkt, Grossausstellung, Handels- und Kommunikationsplattform in einem. Die kunstinteressierten Besucherinnen und Besucher können sich auch im Messeherbst 2023 auf ein breites Spektrum an Kunstwerken freuen. Neben Malerei und Skulptur werden auch Grafik, Fotografie, Objekte, Videokunst und virtuelle Arbeiten (NFT, AR) gezeigt.

Im Zentrum steht die persönliche Begegnung. Denn die ART INTERNATIONAL ZURICH versteht sich als Entdeckermesse und Forum für einen regen Austausch. Fester und beliebter Bestandteil der Messe sind die Werkgespräche mit Künstlerinnen und Künstlern an den Messeständen. In entspannter Atmosphäre werden intensive Gespräche über die Kunst und die Künstlerinnen und Künstler geführt. Die ART INTERNATIONAL ZURICH ist eine hervorragende Gelegenheit zur regionalen und internationalen Vernetzung mit Kunstschaffenden und Kunstinteressierten.

Im Oktober 2022 wurde einmal mehr deutlich, dass die traditionsreiche ART INTERNATIONAL ZURICH vom lokalen und nationalen kunstinteressierten Publikum sehr gut angenommen wird. So war der Besucherandrang auf der Messe während der gesamten Dauer der Veranstaltung konstant hoch. Die Aussteller verzeichneten gute Verkäufe. Kontakte zu Sammlern und Kuratoren konnten vertieft und neue geknüpft werden. In den Werkgesprächen vor Ort wurde das Leben mit Kunst und die Bedeutung von Kunst auch in Krisenzeiten thematisiert.

Für Sammler und Kunstbegeisterte ist gesorgt. Wer auf der Suche nach dem Besonderen ist, wird an der ART INTERNATIONAL ZURICH fündig.

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Fernab der Polemik über Kunst und Geld möchte die Ausstellung «Vom Wert der Kunst» anhand ausgewählter Positionen aus der Sammlung des Bündner Kunstmuseums der komplexen Beziehung zwischen Kunst und Wert auf die Spur kommen. Werke von Dieter Roth, Ingeborg Lüscher, Urs Lüthi, Fischli/Weiss oder Ben Vautier werden mit Themen in Beziehung gesetzt, über die wir uns dem Mysterium des Wertes annähern können.

Vergänglichkeit, Autorschaft, Ironie oder Deutungshoheit sind dabei nur einige Aspekte. Was erzählt uns eine Arbeit von Dieter Roth, die aus Lebensmitteln besteht und langsam zerfällt, über die Bedeutung der materiellen Beschaffenheit? Welche Einsichten gibt uns Urs Lüthis Mystifizierung über die Rolle der Autorschaft? Was sagt uns die Ironie bei Fischli/Weiss über künstlerische Aneignung? Welche Erkenntnisse gewinnen wir über die Grenzen des Kunstkontextes, wenn wir die gestaltete Seite von Ben Vautier in der Nationalzeitung sehen? Gegenwärtig wird vermehrt erwartet, dass nicht nur die Akteurinnen und Akteure des Kunstbetriebes über die Bedeutung von Kunst urteilen. Auch die Öffentlichkeit will neu in diese Prozesse eingebunden werden. Die Ausstellung soll diese Diskussion anregen und gleichzeitig Raum für persönliche Interpretationen schaffen.

Vom Wert der Kunst

14.01.-10.04.2023: Dienstag – Sonntag 10-17 Uhr. Donnerstag 10-20 Uhr. Die Ausstellung “Vom Wert der Kunst” hat Damian Jurt kuratiert.

“Vom Wert der Kunst” zeigt Werke von Notta Caflisch. Franz Eggenschwiler, Fischli/Weiss, Karl Gerstner, Diego Giacometti, Camille Graeser, Lise Gujer. Alfonso Hüppi, Pierre Keller, Ernst Ludwig Kirchner. Verena Loewensberg, Ingeborg Lüscher, Urs Lüthi, Meret Oppenheim, Ulrike Rosenbach, Dieter Roth, Jean-Frédéric Schnyder. Gaudenz Signorell, Daniel Spoerri, André Thomkins, Ben Vautier, Not Vital, Andreas Walser, Lydia Wilhelm, Marcel Wyss.

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Titelbild: Opening „Olga Titus. Kunstpreis Bündner Kunstverein“

Mehr über das Bündner Kunstmuseum Chur: Bündner Kunstmuseum Chur (gr.ch)

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Am Tag der offenen Tür steht das Kunsthaus bei freiem Eintritt offen für Jung und Alt.

FÜHRUNGEN HINTER DIE KULISSEN

Was waren die Auswirkungen des Brandes, der am 2. August im Packraum ausgebrochen war? Führungen mit Informationen zu den restauratorischen und betrieblichen Aspekten ermöglichen einen einmaligen Blick auf das Geschehen hinter dem «normalen» Museumsbetrieb, bevor die Sammlung im Moser- und Müller-Bau im Frühjahr wieder vollständig eingerichtet wird.

AUSSTELLUNG UND MALATELIER

Die Ausstellung «Füssli. Mode – Fetisch – Fantasie» lädt zum Besuch ein und offenbart einen Blick in die fantastische Welt des «Wild Swiss» Johann Heinrich Füssli. Und wer sich anschliessend selber kreativ betätigen möchte, besucht das offene Malatelier. Für Papier und Farbe ist gesorgt.

Programm

10.30 Uhr / 11.30 Uhr / 13.30 Uhr / 14.30 Uhr / 15.30 Uhr / 16.30 Uhr Führungen «Restaurierung»

Der Brand hat vor allem viel Rauch erzeugt. Was bedeutete dies für die knapp 690 Werke in der Sammlung? Was waren die wichtigsten Sofortmassnahmen und wo bringt man so viele Werke auf einmal hin? Wie schnell sollte Russ von Oberflächen entfernt werden und was passiert, wenn er auf der Kunst verbleibt? Ist Russ nicht auch giftig für Menschen? Im temporären, eigens eingerichteten Brandatelier stehen die Restauratorinnen Rede und Antwort.

11 Uhr / 13 Uhr / 14 Uhr / 15 Uhr / 16 Uhr / 17 Uhr Führungen «Betrieb»

Wo ist der Brand ausgebrochen und was ist passiert? Welche Auswirkungen hatte das Ereignis auf das Kunsthaus und seinen Betrieb? Was geschah nach dem Brand und wie hat sich das Kunsthaus organisiert? Mitarbeitende des Technischen Dienstes geben Auskunft und führen an den Ort des Geschehens.

10 – 18 Uhr: Offenes Malatelier für alle: Im Malatelier lassen Jung und Alt ihrer Kreativität freien Lauf.

10 – 18 Uhr: Die Ausstellung «Füssli. Mode – Fetisch – Fantasie» entführt in die fantastische Welt des «Wild Swiss» Johann Heinrich Füssli.

Unterstützt von der Credit Suisse – Partnerin Kunsthaus Zürich.

 

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Titelbild: (@kunsthauszuerich

Mehr über das Kunsthaus Zürich: https://www.kunsthaus.ch/.

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Fast vierzig Jahre nach der wegweisenden musealen Einzelausstellung seiner Photographien im Kunsthaus Zürich im Jahr 1977 und der Fotostiftung Schweiz 1987 ist dies die erste kommerzielle Ausstellung von Brancusis Photographien in der deutschsprachigen Schweiz. Diese Ausstellung fällt mit der Eröffnung eines eigenen den Brancusis Photographie gewidmeten Raumes im Kunsthaus Zürich im November 2022 zusammen, die der zweite Teil der Präsentation der Sammlung der einflussreichen ehemaligen Direktorin und Wissenschaftlerin Erika Billeter im Kunsthaus ist.

Das Schaffen von Constantin Brancusi

Brancusi nutzte während seines gesamten Wirkens Photographien als Werkzeug zum Katalogisieren, Verkaufen, Gestalten und Verfeinern seiner Skulpturen und vor allem als eigenständige Kunstwerke. Brancusis Photographien beschreiben die gesamte Betrachtungsweise seiner Skulpturen. Durch die Kontrolle des Rahmens, der Beleuchtung und der Farbgebung teilt Brancusi mit dem Betrachter, wie er möchte, dass seine radikalen Skulpturen gesehen werden sollten. Ursprünglich nutzte er die Photographie als Mittel, um seine Arbeiten zu dokumentieren und zu verkaufen.

Seine Freundschaft mit Edward Steichen führte zu Brancusis erster Ausstellung in New York mit Alfred Stieglitz 1914. Die beiden Meister der Photographie fotografierten Brancusis Werke. Als Brancusi eine von Stieglitz aufgenommene Photographie einer seiner Skulpturen, die im Rahmen der New Yorker Ausstellung im Jahr 1921 gezeigt wurde, zugeschickt bekam, frustrierte ihn die inakkurate Darstellung seiner Kunst.

„Suchen Sie nicht nach obskuren Formeln oder Mysterien. Es ist die reine Freude, die ich Ihnen gebe. Schauen Sie sie an, bis Sie sie sehen.“ – Constantin Brancusi

Man Ray und Brancusi

1921 traf Brancusi Man Ray, der seine Hilfe annahm beim Kauf des richtigen Equipments, der richtigen Installation einer Dunkelkammer zusammen mit einer Unterweisung in der Technik der Dunkelkammer. Man Ray lobte Brancusi in seiner Autobiographie: „einer seiner goldenen Vögel war von Sonnenstrahlen getroffen worden, so dass eine Art Polarlicht von ihm ausstrahlte, was seiner Arbeit einen explosiven Charakter verlieh.“

Brancusi bewunderte Frauen und sie bewunderten Brancusi. Vielen wurde nach Besuchen in seinem Atelier Photographien mitgegeben. Einige beklagten sich, dass es nach Übernachtungen unmöglich gewesen sei, ein Bad zu nehmen, da dies zum Entwickeln der Photographien benutzt wurde. Neben seinem Atelier und seinen Werken fotografierte Brancusi auch seine Freunde und Geliebten. Und es gibt duzende Selbstporträts und Stillleben von Blumen, die oftmals Freundinnen gegeben oder geschickt wurden, viele davon mit Widmungen wie „Heute Nacht während der Kostümprobe werde ich unter diesen Blumen sein, die deinen Triumph feiern“.

Von 1921 bis zu seinem Tod 1957 wurden in allen vom Künstler autorisierten Ausstellungskatalogen, Magazine und Monografien nur seine Photographien veröffentlicht. Viele von ihnen wurden von Marcel Duchamp in dem von ihm designten Katalog zu Brancusis Ausstellung in der Brummer Gallery in New York 1926 wiederverwendet. Brancusi selbst stellte seine Photographien zuerst 1925 in Rumänien aus.

Nach seinem Tod

Nach seinem Tod hinterließ Brancusi sein Studio mit seinem gesamten Schaffenswerk dem französischen Staat. Mitinbegriffen in diesem Nachlass waren schätzungsweise 700 Negative und etwas mehr als 1600 Abzüge. Neben der Sammlung im Pompidou in Paris sind ungefähr 200 seiner Photographien in großen, öffentlichen Sammlungen weltweit. (Wie u.a. dem MoMA, the Metropolitan, Art Institute of Chicago, Philadelphia Museum of Art und dem Kunsthaus Zürich) und nicht weniger als rund 200 weitere in Privatsammlungen.

Brancusi Photographie

Vernissage: Donnertag, 10. November 2022 18:00 – 20:00 Uhr Paradeplatz 2 | 8001 Zurich.

Einführung: Contextualizing Brancusi in Contemporary Art, von Adrian Notz Curator at the ETH AI Center and former Director of the Cabaret Voltaire in Zurich, Curator of the 5th Art Encounters Biennial, Timisoara, Romania

Die Ausstellung anlässlich des DZG Gallery-Weekend Zurich und ZURICH ART NOV! 11. – 13. November 2022

Weitere Informationen

Titelbild: CONSTANTIN BRANCUSI (1876-1957), Self-Portrait with Polaire, ca. 1925 – Vintage silver gelatin print

INFORMATIONEN ÜBER DIE GALERIE UND IHR PROGRAMM UNTER: http://www.gmurzynska.com/

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