Es sind nicht nur Bomben, die Kriege definieren. Es sind Worte. Drohungen. Narrative. Und manchmal sind es Künstler, die sich dazwischenstellen.

Der iranische Regisseur Asghar Farhadi, zweifacher Oscar-Preisträger, hat in diesen Tagen einen ungewöhnlich direkten Appell formuliert: Künstler weltweit sollten ihre Stimme erheben – gegen die drohende Zerstörung ziviler Infrastruktur im Iran. Seine Worte sind keine abstrakte Geste, sondern eine Reaktion auf eine geopolitische Eskalation, die längst konkrete Formen angenommen hat.

Die Drohung: Infrastruktur als Kriegsziel

Ausgangspunkt ist eine Serie weitreichender Aussagen von Donald Trump. Der US-Präsident hatte öffentlich damit gedroht, zentrale iranische Infrastrukturen – darunter Energieversorgung und Verkehrsnetze – zu zerstören, sollte Teheran nicht auf politische Forderungen eingehen.

Diese Drohungen sind kein rhetorisches Beiwerk. Seit Ende Februar 2026 eskaliert der Konflikt militärisch – begleitet von Luftangriffen, Cyberattacken und wachsender regionaler Instabilität.

Besonders brisant: Angriffe auf zivile Infrastruktur gelten nach internationalem Recht als potenzielle Kriegsverbrechen – eine Einschätzung, die von Juristen ebenso geteilt wird wie von internationalen Organisationen.

Für die Bevölkerung bedeutet das etwas sehr Konkretes: die Angst vor Stromausfällen, zusammenbrechender Versorgung und einem Alltag, der innerhalb weniger Stunden kollabieren kann.

Farhadis Intervention: Kunst als moralische Instanz

Hier setzt Asghar Farhadi an – nicht als Politiker, sondern als Erzähler.

„Die Infrastruktur gehört dem Volk“, erklärt er. Ihre Zerstörung sei nicht nur ein Angriff auf Gebäude, sondern auf „Leben und Würde“. Zugleich bezeichnet er solche Angriffe explizit als Kriegsverbrechen und ruft Künstler dazu auf, sich öffentlich dagegen zu positionieren.

Das ist bemerkenswert. Denn Farhadi ist kein staatstreuer Kulturschaffender. Im Gegenteil: Seine Filme – darunter Nader und Simin – Eine Trennung und The Salesman – sind international gefeiert, gerade weil sie die Widersprüche der iranischen Gesellschaft offenlegen.

Dass ausgerechnet ein Regisseur, der das eigene System immer wieder kritisch beleuchtet hat, nun zur Verteidigung der Zivilgesellschaft aufruft, verschiebt die Perspektive:
Es geht nicht um Regime oder Ideologie – sondern um Menschen.

Die stille Front: Zivilgesellschaft im Ausnahmezustand

Während politische Akteure mit Ultimaten operieren, reagiert die iranische Gesellschaft auf andere Weise. Berichte sprechen davon, dass Bürger symbolische Schutzketten um Energieanlagen bilden – aus Angst vor Angriffen auf lebenswichtige Infrastruktur.

Diese Bilder wirken beinahe surreal: Menschen, die Kraftwerke schützen – nicht aus militärischer Logik, sondern aus existenzieller Notwendigkeit.

Hier berührt sich Farhadis Appell mit der Realität auf der Straße. Seine Forderung nach einer „gemeinsamen Stimme“ ist keine abstrakte Utopie, sondern spiegelt eine bereits existierende Praxis: zivilen Widerstand gegen die Logik der Eskalation.

Was kann Kunst in einem Krieg bewirken?

Die eigentliche Frage bleibt unbequem:
Was bringt ein solcher Appell?

Künstler stoppen keine Raketen. Sie verhandeln keine Waffenstillstände. Und doch verschieben sie etwas Entscheidendes: die Wahrnehmung.

Farhadi erinnert daran, dass Infrastruktur keine strategische Variable ist, sondern die Grundlage des Lebens. Wasser, Strom, Kommunikation – all das bleibt unsichtbar, bis es zerstört wird.

Indem er diese Perspektive ins Zentrum rückt, entzieht er der militärischen Logik ihre scheinbare Neutralität. Ein Angriff auf Infrastruktur wird wieder zu dem, was er ist: ein Angriff auf Zivilisten.

Zwischen Moral und Ohnmacht

Farhadis Appell ist letztlich auch ein Dokument der Ohnmacht – und genau darin liegt seine Stärke.

In einer Zeit, in der politische Sprache zunehmend entgrenzt wirkt („eine ganze Zivilisation könnte sterben“, wie Donald Trump formulierte), setzt er auf eine andere Form von Sprache: eine, die verbindet statt eskaliert.

Ob diese Stimme gehört wird, bleibt offen.
Aber sie existiert – und sie widerspricht.

Vielleicht ist das heute die wichtigste Funktion von Kunst.

Wer ist Asghar Farhadi?

Asghar Farhadi zählt zu den bedeutendsten Gegenwartsregisseuren des internationalen Kinos. Der 1972 im Iran geborene Filmemacher wurde vor allem durch seine präzisen, moralisch vielschichtigen Dramen bekannt, in denen private Konflikte gesellschaftliche Spannungen sichtbar machen.

Sein Film Nader und Simin – Eine Trennung gewann 2012 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film, ebenso wie The Salesman einige Jahre später. Beide Werke erzählen keine großen politischen Geschichten im klassischen Sinne – und sind doch hochpolitisch, weil sie die Fragilität von Wahrheit, Gerechtigkeit und sozialer Ordnung im Alltag zeigen.

Typisch für Farhadi ist eine Erzählweise, die auf eindeutige Schuldzuweisungen verzichtet. Stattdessen zwingt er sein Publikum, Ambivalenzen auszuhalten. Genau darin liegt auch die Verbindung zu seinem aktuellen Appell: Wer die Komplexität menschlicher Lebensrealitäten ernst nimmt, kann die Zerstörung ziviler Grundlagen nicht als „strategische Option“ akzeptieren.

Dass Farhadi sich nun öffentlich äußert, ist deshalb mehr als eine politische Stellungnahme – es ist die konsequente Fortsetzung seines künstlerischen Denkens mit anderen Mitteln.

Weitere Informationen

In Regionen, in denen Konflikte, Unterdrückung oder politische Gewalt alltäglich sind, geraten kulturelle Großereignisse zu moralischen Prüfsteinen. Sie können Hoffnung auf Stabilität und Dialog symbolisieren – oder als kosmetische Verblendung dienen, die tiefe gesellschaftliche Wunden verschleiert.

Institutionen wie der Louvre Abu Dhabi stehen exemplarisch für diese gefährliche Ambivalenz. Sie inszenieren globale kulturelle Teilhabe und Austausch – doch zugleich sind sie Teil politischer Strategien, die Kunst als Prestigeinstrument und geopolitisches Signal einsetzen. Hier wird Kultur nicht nur gezeigt, sie wird politisch wirksam, oft ohne dass dies offen benannt wird.

Auch Kunstmessen sind längst nicht nur neutrale Plattformen für Austausch. Sie sind Marktplätze, Netzwerke, soziale Räume – und gleichzeitig ökonomische Akteure, die vom Fließen von Kapital und dem Vertrauen in fragile Märkte abhängen. Wenn in denselben Regionen Menschen unter Unsicherheit, Gewalt oder Unterdrückung leben, kann „Neutralität“ nur eine Illusion sein. Wer an einem solchen Markt teilnimmt, positioniert sich – bewusst oder unbewusst.

Gefahr der „Normalisierung“ in Krisengebieten

Die Werbung für Kunstmessen, Biennalen oder Kulturveranstaltungen in Regionen, in denen Krieg und Gewalt den Alltag prägen, kann politische Wirkmechanismen verschleiern und den Eindruck erwecken, als ob Konflikte „kein Hindernis mehr“ seien.

Genau dieser Effekt wurde jüngst in Europa am Beispiel der Venice Biennale sichtbar: Die Entscheidung, das russische Nationale Pavilion nach der Invasion der Ukraine wieder zuzulassen, löste eine breite internationale Kritik aus, da viele Länder befürchten, dies könne dazu beitragen, Russlands Rolle im Krieg zu legitimieren oder zu „normalisieren“ – also als harmlos, neutral oder kulturell unproblematisch darzustellen. Behörden und Politiker sahen darin sogar einen potenziellen Widerspruch zu Sanktionen und ethischen Standards.

Dieses Beispiel zeigt, wie schnell die kulturelle Bühne selbst zu einem geopolitischen Schauplatz wird, auf dem die Teilnahme bestimmter Akteure nicht nur als „künstlerische Präsenz“, sondern als politisches Signal gelesen werden kann – und zwar nicht nur von Fachpublikum, sondern von Regierungen und Öffentlichkeit.

Weitere strukturelle Risiken:

Zerstörung und Verlust von Kulturstätten als Kontext: In der Ukraine wurden seit Beginn des russischen Angriffs hunderte Kulturstätten beschädigt oder zerstört. Die systematische Zerstörung von Museen, historischen Zentren und religiösen Stätten macht sichtbar, wie prekär kulturelles Leben in Kriegsregionen ist – und wie irreführend es wirkt, wenn in einem solchen Kontext „normale“ Kunstveranstaltungen beworben werden, ohne die Gewaltlage einzubeziehen.

Ungleichgewicht zwischen Kriegserfahrungen und Präsentation: Viele internationale Festivals widmen sich zwar thematisch Krieg und Konflikt – sie arbeiten mit Künstlerinnen und Künstlern aus betroffenen Regionen, aber sie tun dies oft an Orten weit entfernt von den Fronten. Die Arbeit selbst entsteht in Schmerz und Risiko, während das Event in sicherer Umgebung stattfindet – ein Spannungsverhältnis, das leicht zu einer ästhetisch konsumierbaren Distanzierung von Gewalt führen kann. Projekte wie die Conflicted Art‑Ausstellungen von ukrainischen Künstlern dokumentieren den Krieg genau dort, wo er passiert; ihre Wirkung kann jedoch in wohlhabenderen Kunstmetropolen völlig anders gelesen werden.

Propaganda und „Artwashing“: Es gibt Fälle, in denen Kunstausstellungen oder Ausstellungsformate instrumentalisiert werden, um politische Narrative zu stützen. Ein Beispiel dafür ist die Dokumentationsreihe „Material Evidence“, die mit klar propagandistischen Botschaften umgeht und Konflikte gezielt aus einer politischen Perspektive darstellt. Solche Inszenierungen verdeutlichen, wie Kulturereignisse bewusst genutzt werden, um Konflikte zu interpretieren, statt sie kritisch zu beleuchten.

Warum neutral oder „kosmopolitisch“ werben gefährlich ist

Wenn Veranstaltungskalender, Flyer und Medienkampagnen musikalisch von „Kunst trotz Krieg“ oder „Kultur kennt keine Grenzen“ sprechen, so klingt das auf den ersten Blick positiv und harmlos. Doch diese Normalisierungsrhetorik kann zwei gefährliche Effekte haben:

Sie verschleiert gewaltvolle Realitäten – und signalisiert, als wäre „alles in Ordnung“, obwohl in der Region Menschen unter Bombardierungen, Vertreibung und Repression leben.

Sie kann politischen Akteuren und Regimen dienen, die genau diese Darstellung benötigen, um international legitimiert oder von Verantwortung freigesprochen zu werden.

Gerade in konfliktreichen Kontexten ist Kultur also kein neutraler Raum. Die Entscheidung, wie und wo Kunst stattfindet, wer sichtbar gemacht wird und wer davon spricht, ist direkt politisch. Sie beeinflusst Narrative darüber, wie Konflikte wahrgenommen werden – ob als dauerhafte humanitäre Katastrophe, als Verhandlungsfeld, als Bühne für Diplomatie oder als „kosmopolitisches Spektakel“.

Verantwortung konkret denken

Sammlerinnen und Sammler tragen mehr Macht, als sie oft wahrnehmen. Jede Kaufentscheidung beeinflusst Sichtbarkeit, Preise und Diskurse. Wer bewusst Positionen unterstützt, die Konflikte thematisieren, kann aktiv gegen die Ästhetisierung von Gewalt wirken. Wer Käufe verweigert, kann politische Signale senden. In beiden Fällen ist Verantwortung keine Option, sondern Pflicht.

Galerien und Institutionen müssen wirtschaftliche Interessen endlich transparent machen. Woher stammen die Mittel? Unter welchen Bedingungen werden Ausstellungen realisiert? Welche Stimmen werden gezeigt, welche marginalisiert? Kuratorische Entscheidungen sind immer politisch – und die Entscheidung, diese sichtbar zu machen, kann zur ethischen Richtlinie werden.

Künstlerinnen und Künstler befinden sich in einem doppelten Spannungsfeld. Sie brauchen Sichtbarkeit und Märkte, sind zugleich aber die Stimme, die Ungerechtigkeit aufdeckt. Kunst ist nie neutral – doch sie kann strategisch genutzt werden, um Machtverhältnisse zu hinterfragen, anstatt sie zu reproduzieren.

Lösungen und Handlungsoptionen

Förderung kritischer Kunstprojekte: Stipendien, Residenzen und Plattformen gezielt für Werke bereitstellen, die Konflikte thematisieren und gesellschaftliche Widersprüche sichtbar machen.

Transparenzpflicht für Institutionen: Offenlegen, woher Mittel stammen, wie Kooperationen zustande kommen und welche politischen Interessen damit verbunden sind.

Bewusste Sammlerentscheidungen: Investitionen nicht nur nach Marktwert, sondern nach ethischer Relevanz und gesellschaftlicher Wirkung treffen.

Dialogräume schaffen: Kunst als Forum nutzen, in dem Konflikte nicht verschleiert, sondern verhandelbar werden – zwischen Markt, Moral und gesellschaftlicher Verantwortung.

Die Herausforderung liegt nicht darin, Widersprüche aufzulösen, sondern sie sichtbar zu halten. Kunst kann Brücken bauen – aber nur, wenn die Bedingungen dieser Brücken transparent und bewusst reflektiert werden.

In einer globalisierten Kunstwelt, in der Kapital, Macht und Kultur untrennbar verwoben sind, ist Haltung keine moralische Luxusfrage. Sie ist Voraussetzung für Glaubwürdigkeit und Wirksamkeit. Und letztlich für die Frage: Welche Rolle soll Kunst in einer Welt voller Konflikte spielen?

Russische Rückkehr zur Biennale Venedig 2026: Kunstfreiheit oder politische Normalisierung?

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Der globale Kunstmarkt war schon immer eng mit wirtschaftlicher und politischer Stabilität verknüpft. Historisch entstanden wichtige Kunstzentren meist dort, wo Kapital, Infrastruktur und internationale Mobilität zusammenkamen – etwa in Paris im frühen 20. Jahrhundert, später in New York oder London. Die Golfregion versucht seit etwa zwei Jahrzehnten, diese Dynamik strategisch zu nutzen. Mit kulturellen Großprojekten wie dem Louvre Abu Dhabi, geplanten Museumskomplexen wie dem Guggenheim Abu Dhabi und internationalen Kunstmessen wie Art Dubai positionieren sich die Emirate als kulturelle Schnittstelle zwischen Europa, Asien und Afrika.

Aus Sicht des Kunstmarkts ist diese Strategie nachvollziehbar: Während etablierte Zentren wie London oder New York unter steigenden Kosten, strengeren Regulierungen und geopolitischen Spannungen leiden, versuchen neue Regionen, Sammler, Galerien und Institutionen anzuziehen. Der Golf profitiert dabei von steuerlichen Vorteilen, massiven staatlichen Investitionen und einer wachsenden lokalen Sammlerszene.

Doch die aktuelle geopolitische Lage zeigt auch die strukturelle Verwundbarkeit dieses Modells. Der internationale Kunsthandel basiert stark auf physischer Mobilität: Sammler reisen zu Messen, Werke werden über internationale Logistiknetzwerke transportiert, und große Verkäufe entstehen oft im direkten persönlichen Austausch. Sobald Flugverkehr, Versicherungen oder Transportwege unsicher werden, reagiert der Markt empfindlich.

Fragmentierung des globalen Kunstmarkts

Analysten beobachten deshalb zunehmend eine Fragmentierung des globalen Kunstmarkts. Anstatt eines klaren Zentrums entstehen mehrere regionale Knotenpunkte – etwa Hongkong für Asien, New York für Nordamerika und Dubai oder Abu Dhabi für den Nahen Osten. Diese Entwicklung könnte den Markt langfristig resilienter machen, führt aber kurzfristig zu stärkerer Volatilität.

Für Galerien, Künstler und Sammler bedeutet das eine strategische Neuorientierung. Diversifikation von Märkten, hybride Messeformate und digitale Vertriebsplattformen werden zunehmend zu festen Bestandteilen des Kunsthandels. Gleichzeitig bleibt das Vertrauen in politische Stabilität ein entscheidender Faktor: Kunstmärkte wachsen meist dort am stärksten, wo Investoren langfristige Sicherheit erwarten.

Die glitzernden Pavillons von Art Dubai und der geplanten Frieze Abu Dhabi-Messe markieren seit Jahren einen strategischen Machtwechsel im globalen Kunstmarkt: Die Perspektiven rücken vom traditionellen Nord- und West Zentrum hin zu neuen Wachstumsregionen wie dem Nahen Osten. Doch aktuell prallt auf dieses Wachstum ein harter geopolitischer Schlag: Der Krieg im Nahen Osten, inklusive der iranischen Angriffe auf die Vereinigten Arabischen Emirate, hat nicht nur politische, sondern auch kulturelle Konsequenzen. Flughäfen schließen zeitweise, der Tourismus geht spürbar zurück und wichtige Logistikachsen sind unterbrochen – all das erschüttert das Netzwerk, auf dem der globale Kunsthandel beruht. (welt.de)

Wachstum unter Spannung – Marktanalysen und Stimmen aus der Branche

Laut dem Art Basel & UBS Global Art Market Report 2026 zeigte der internationale Kunstmarkt 2025 ein moderates Wachstum, blieb aber weiterhin verwundbar gegenüber geopolitischen Risiken. Clare McAndrew, Gründerin des Marktanalyse-Instituts Arts Economics, schrieb dazu:

*„Der Markt … operierte weiterhin in einem volatilen geopolitischen Umfeld, insbesondere im grenzüberschreitenden Handel …“* (ft.com)

Und Noah Horowitz, CEO von Art Basel, ergänzt: *„Obwohl gestiegene Kosten, geopolitische Unsicherheiten und Bedenken wegen Zöllen weiterhin das Geschäft beeinflussen, hat sich das Käufervertrauen im Laufe des Jahres verbessert …“*

Diese Einschätzungen zeigen, dass der internationale Kunstmarkt zwar in verschiedenen Regionen expandiert, dabei aber stärker als je zuvor von äußeren politischen Kräften beeinflusst wird.

Direkte Stimmen aus den Golf-Messen

Trotz der Zuspitzung der Lage halten die Messeveranstalter an ihren Programmen vorsichtig fest – und betonen gleichzeitig die Bedeutung von Kultur und Kreativität für die Region.

Aus der offiziellen Pressemitteilung zur Art Dubai 2026, deren Sprecherin Dunja Gottweis, Fair Director von Art Dubai, erklärte:

„Seit 20 Jahren prägt Art Dubai Dubais kreative Identität und steht heute als eine der weltweit markantesten Kunstmessen in einer der dynamischsten Städte der Welt Kultur und Kreativität bilden eine lebendige und beständige Kunstszene in Dubai und unterstützen ein globales Netzwerk von Künstlern, Galeristen, Sammlern und Kuratoren.“ (artdubai.ae)

Auf Nachfrage äußerte ein Sprecher der Messe gegenüber der *Welt*, dass es einen „täglichen Dialog mit Galerien aus der Region und internationalen Sammlern“ gebe und dass das Wohlergehen aller im Zentrum stehe. Gleichzeitig bekräftigte er, man gehe davon aus, dass die Messe „gestärkt aus dieser Situation hervorgehen wird“. (welt.de)

Abu Dhabi Art / Frieze Abu Dhabi – Vision und Wachstum

Auch in Abu Dhabi betonen die Veranstalter die Bedeutung ihres Events. In einer Pressemitteilung zur letzten Ausgabe von *Abu Dhabi Art* heißt es aus der Leitung:

„Die aktuelle Ausstellerliste mit über 140 Galerien aus 37 Ländern spiegelt den wachsenden Sammlermarkt in Abu Dhabi und die starke staatliche Förderung der kreativen Industrie wider. Die Messe verbindet Künstler, Sammler und ein Publikum im Dialog, der Grenzen überschreitet und neue Möglichkeiten schafft.“

Die Messe soll 2026 als Frieze Abu Dhabi neu starten, ein Meilenstein in der globalen Expansion des Frieze‑Netzwerks. (en.wikipedia.org.)

Prognose: Wenn der Krieg anhält

Fachleute sehen mehrere Szenarien für den Kunstmarkt in Dubai/Abu Dhabi:

Nachhaltige Unsicherheit: Internationale Galerien könnten ihre Präsenz reduzieren, Sammlerreisen werden unregelmäßiger. Hochpreisige Werke könnten stärker in etablierten Märkten wie London, New York oder Hongkong gehandelt werden.

Regionale Konsolidierung: Lokale Käufer und institutionelle Sammler übernehmen eine größere Rolle, unterstützt durch staatliche Fördermaßnahmen. Das Emirat könnte sich als „resilientes, regionales Zentrum“ stabilisieren, jedoch global weniger relevant werden.

Digitale Erweiterung: Virtuelle Messen, Online-Auktionen und hybride Formate gewinnen an Bedeutung – sie halten internationale Reichweite aufrecht, verändern aber klassische Messeerlebnisse.

Fazit:

„Wenn der Krieg nicht gestoppt wird, wird der Golfmarkt für internationale Sammler volatil bleiben. Preise könnten stagnieren oder lokal verschoben werden, während hybride Formate und regionale Käufer stärker in den Vordergrund rücken.“ – Marktanalysten, Art Basel & UBS Report 2026.

Ob sich die Golfregion trotz geopolitischer Spannungen als neues Zentrum des Kunstmarkts behaupten kann, wird sich in den kommenden Jahren entscheiden – auf den Messebühnen von Dubai, Abu Dhabi und darüber hinaus.

Praxis-Guide für Galerien, Künstler und Sammler

Die aktuelle Situation zeigt, dass der Kunstmarkt zunehmend von geopolitischen Risiken abhängig ist. Wer jetzt professionell handelt, kann Marktanteile sichern und Risiken minimieren.

Strategien in Zeiten geopolitischer Unsicherheit

Galerien – Risikomanagement und Marktresilienz

Hybride Präsenz etablieren: Messeauftritte mit digitalen Formaten kombinieren (virtuelle Rundgänge, Online-Kataloge, digitale Auktionen.

Logistik & Versicherung optimieren: Notfalllager, alternative Transportwege und abgesicherte Versicherungspolicen prüfen.

Diversifikation der Märkte: Nicht nur auf den Golfmarkt setzen; Partnerschaften in Europa, Asien und Nordamerika pflegen.

Transparente Kommunikation: Käufer, Sammler und Institutionen über Sicherheitsmaßnahmen, Versandoptionen und hybride Messeformate informieren.

Künstler – Sichtbarkeit und strategische Positionierung

Digitale Reichweite maximieren: Virtuelle Galerien, Social Media und Online-Portfolios aktiv nutzen.

Portfolio- und Marktdiversifikation: Kooperationen außerhalb der Konfliktregion sichern Einkommensquellen.

Flexibilität in der Projektplanung: Ausstellungen und internationale Projekte mit Szenarienplan für Verschiebung oder Digitalisierung konzipieren.

Sammler – informierte Entscheidungen und strategische Streuung

Risikostreuung der Investitionen: Diversifikation über etablierte Märkte und Emerging Markets.

Informationsbasierte Entscheidungen: Sicherheits- und Lageberichte prüfen, eng mit Galerien, Kuratoren und Experten austauschen.

Digitale Marktchancen nutzen: Online-Auktionen und virtuelle Messen für sichere Transaktionen.

Langfristige Perspektive: Fokus auf Werke mit kultureller, ästhetischer und marktwirtschaftlicher Substanz. Qualität setzt sich immer durch.

Kunst zwischen Verantwortung und Realität

Angesichts der aktuellen Konflikte stellt sich unweigerlich die Frage, ob Kunstmessen und Ausstellungen in Zeiten von Krieg überhaupt vertretbar sind. Kritiker sehen darin eine Form der kulturellen Normalisierung politischer Krisen – oder sogar eine strategische Inszenierung von Stabilität durch Staaten, die sich international als sichere Kulturstandorte präsentieren wollen. Großprojekte rund um Institutionen wie den Louvre Abu Dhabi werden dabei nicht selten als Teil einer geopolitischen Imagepolitik gelesen.

Gleichzeitig argumentieren viele Akteure der Kunstwelt, dass gerade in Krisenzeiten Räume für kulturellen Austausch und internationale Begegnung wichtiger denn je sind. Kunstmessen wie Art Dubai fungieren nicht nur als Marktplätze, sondern auch als Plattformen für Dialog, Sichtbarkeit und künstlerische Reflexion von Konflikten. Für Künstlerinnen und Künstler aus der Region können sie zudem eine der wenigen Möglichkeiten darstellen, international präsent zu bleiben.

Die Frage lässt sich daher nicht eindeutig beantworten. Zwischen wirtschaftlichen Interessen, kultureller Diplomatie und künstlerischer Freiheit bewegt sich der Kunstmarkt in einem Spannungsfeld, das die Widersprüche der globalisierten Gegenwart besonders deutlich sichtbar macht.

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Alexandra Kordas hasst den Krieg, weil es weder Gewinner noch Verlierer gibt, und thematisiert in ihren Werken, die verheerenden Folgen des Krieges, insbesondere für Frauen, um ein starkes Zeichen gegen Gewalt und Zerstörung zu setzen. Ihre Arbeiten sind ein kraftvoller künstlerischer Ausdruck ihrer Wut über das menschliche Leid und ihre Forderung nach friedlichen Lösungen für globale Konflikte.

In ihren Werken bringt die bayerische Künstlerin mit beeindruckender Klarheit ihre Abscheu vor Krieg, Grausamkeit und sexueller Gewalt zum Ausdruck.

Ein zentrales Element der Ausstellung ist die Werkreihe „The Six Steps of War“. Inspiriert durch die Ereignisse des Ukraine-Konflikts, setzt sich Alexandra Kordas in diesen Arbeiten mit den psychologischen und emotionalen Dimensionen des Krieges auseinander. Der Titel der Serie, „Die sechs Phasen des Krieges“, verweist auf das Modell des Sozialpsychologen Kurt Lewin. Dieser hat seine Kriegserfahrungen in ein wissenschaftliches Verständnis von Konflikten und ihrer Dynamik übersetzt. In ihren Bildern nutzt Kordas diese sechs Phasen als Leitfaden, um die Erfahrungen der vom Krieg betroffenen Menschen von den ersten Anzeichen des Konflikts bis zur zerstörerischen Endphase darzustellen.

Die Werke, eine Mischung aus abstrakten und figurativen Darstellungen, laden das Publikum dazu ein, die komplexen Themen Krieg und menschliche Emotionen auf eine tiefgründige Weise zu reflektieren. Jedes Gemälde erzählt eine eigene Geschichte, die die Betrachter berührt und zum Nachdenken anregt.

Galleria Vittoria

Die renommierte Galerie, die seit den 1970er Jahren ein wichtiger Bestandteil der italienischen Kunstszene ist, hat zahlreiche Ausstellungen für italienische und internationale Künstler organisiert. Von den historischen Avantgarden bis zu den Erfahrungen der 1950er und 1960er Jahre und der 1990er Jahre ist die Galleria Vittoria bekannt für zahlreiche Ausstellungen bedeutender Künstler wie Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Andy Warhol oder Umberto Mastroianni. Auch aufstrebende Künstler wie Antonio Fiore, Lino Casadei und Anna Saegesser-Pavone konnte man bereits in der Galerie bewundern.

Ausstellung: Hate War – Abstractions Against Disaster: Rom: 04. – 18. Dezember 2024
Galleria Vittoria, via Margutta 103, 00187 Rom.

Alexandra Kordas

Ihr erstes Werk schuf die Münchnerin Autodidaktin 2018. Seitdem hat sie ihren Pinsel nicht mehr abgelegt. Das künstlerische Schaffen entfaltete in ihr wieder die einstige unbändige Kreativität, die für sie als Waldorfschülerin unabdingbar war.

Für Alexandra Kordas ist es essenziell, dass ihre Kunst mit dem Finger auf die Wunden der Gesellschaft und die Verletzungen der Menschen zeigt. Ihre Kunst soll die Augen der Betrachter öffnen. Dabei thematisiert die Künstlerin bewusst schwierige Themen, die man normalerweise nicht gerne ansieht, weil sie schmerzhaft sind und wehtun. Sie hat es zu ihrer Aufgabe gemacht, die Betrachter mit den Problemen und Missständen unserer Welt in Kontakt zu bringen, um eine Auseinandersetzung anzuregen.

Alexandra Kordas arbeitete zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin. Ihre künstlerische Kreativität und Leidenschaft reiften in den 10 Jahre in der Waldorfschule (Rudolf-Steiner-Schule), die einen Schwerpunkt auf die kreative, künstlerische und spirituelle Welt legt. In der Kindheit der Künstlerin sind traumatische Dinge passiert, die sie mit Schmerzen und Herzblut konfrontierten und verletzten. Aber sie hatte auch das Privileg eines sehr unbeschwerten und unabhängigen Lebens auf der anderen Seite, daher rührt heute ihr künstlerischer Zwiespalt zwischen „Paradies und Fegefeuer“.

Mehr über die Künstlerin: https://alexandrakordas.com/

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Die Auktion SKULPTUREN UND MALEREI beginnt am 06. Juni um 16:30 Uhr und über die Auktionsplattform veryimportantlot.com können interessierte Kunstsammler von jedem Standort aus der Welt ihre Gebote abgeben.

Das Auktionshaus freut sich, eine so vielfältige und hochwertige Auswahl an Kunstwerken präsentieren zu können. Diese Auktion bietet Sammlern eine hervorragende Gelegenheit, außergewöhnliche Werke von etablierten Namen zu erwerben und gleichzeitig neue Talente zu entdecken.

Die angebotenen Kunstwerke stehen für starke Botschaften gegen den Krieg, zelebrieren die Schönheit und Liebe oder haben einen rebellischen Touch. In den Worten von Keanu Reeves: „If you don’t fight for love, what kind of love do you have?“

Diese Auktion vereint Kunstwerke, die starke emotionale und gesellschaftliche Botschaften tragen. Es ist eine besondere Gelegenheit, Werke zu ersteigern, die nicht nur ästhetisch ansprechend sind, sondern auch bedeutungsvolle Aussagen über Liebe, Frieden und Rebellion geben.

Ein Einblick in die Künstler

Andreas Nehring

Andreas Nehring ist bekannt für seine aufwendigen Skulpturen, die nicht nur durch ihre dynamischen Formen bestechen, sondern auch oft gesellschaftskritische Botschaften zwischen den Zeilen vermitteln. Sein Werk TEAMWORK ist als starke Anti-Kriegs-Botschaft zu verstehen.

 

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Alexandra Kordas

Alexandra Kordas bewegt sich mit ihren Bildern zwischen Himmel und Hölle. Ihre beiden gewaltigen Kunstwerke, DAS KREUZ und FRIEDEN sind jeweils mit einer Größe von 150cm * 220cm echte Eyecatcher. Stiller Protest gegen Gewalt und ein Bekenntnis zur Liebe und Harmonie.

Zur Webseite der Künstlerin: Home – Alexandra Kordas

Dhira Sarah Barein

Dhira Sarah Barein fertigt emotionale Plädoyers für die Liebe und Schönheit in dieser Welt. Es ist wie das Fließen eines Flusses: Man kann nie zweimal in denselben Fluss steigen. Jede Begegnung, sei es mit einem Menschen oder einem Augenblick, ist ein einzigartiger Tanz, geprägt von Veränderung und Vergänglichkeit.

Menschen, die Nahtod Erfahrungen gemacht haben, berichten von einem Leben, das in Sekundenbruchteilen an ihnen vorüberzieht. In diesen kostbaren Momenten erkennen sie, dass die wahre Angst nicht der Tod ist, sondern das Nicht-Leben, das Nicht-Fühlen und das Nicht-Erfahren zu haben. – Dhira Sarah Barein

Zur Webseite der Künstlerin: www.dhira-art.com

Jo Lenz

Die besonderen, kleinformatigen Kunstwerke von Jo Lenz haben einen großen  Ausdruck von Frieden und Schönheit in einer oft chaotischen Welt. Alle Links der Autorin und Künstlerin finden Sie hier: Jo Lenz Linktree

H.Freeman

H. Freeman, alias Hakan Özgur, ist ein dynamischer Künstler aus Dresden, der für seine kraftvollen und farbenfrohen abstrakten Gemälde bekannt ist. Mit einem unkonventionellen Ansatz und einer Vorliebe für spontane Kreativität fängt er intensive Emotionen ein.

 

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Ronny Reinecke

Ronny Reinecke. Seine popart Arbeiten fordern den Betrachter auf, über den Tellerrand zu schauen und hält gewisse Absurditäten vor Augen. Mehr über den Künstler: www.reinecke-art.de

Miami Punk Machine

Miami Punk Machine steht für gesellschaftskritische Themen und gegen Krieg und Unterdrückung. Manchmal laut – manchmal ganz subtil – aber niemals gleichgültig.

Zur Webseite der Künstlerin:www.miamipunkmachine.com

Vânia Fernandes

Vânia Fernandes. Die Zeichnungen der Künstlerin setzen sich oft mit inneren Kriegen und Konflikten auseinander. Auf den ersten Blick oft traurig oder verstörend, wenn man weiß, das die Künstlerin viel von ihrem eigenen Lebensweg in die Arbeiten einfließen lässt. Am Ende steht aber immer der Sieg von Licht über Schatten im Vordergrund.

Max Makosch

Die Ölgemälde von Max Makosch fallen auf den ersten Blick vielleicht etwas durch das Raster. Jedoch lassen sich seine aufwendigen Arbeiten auf den zweiten Blick passend interpretieren. Feuer. Raumzeit, Notwendigkeit und Zukunft.

Zur Webseite des Künstlers: MAXMAKOSCH

Weitere Informationen

Zur Auktion: https://veryimportantlot.com

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In den Werken ihrer Ausstellung „Hate War – Abstractions Against Disaster“ verleiht die Münchner Künstlerin ihrer Wut gegen Krieg und Gewalt Ausdruck und zeigt ihre Auswirkungen auf Einzelpersonen, insbesondere Frauen. Mit der Ausstellung will Alexandra Kordas das Bewusstsein für die fatalen Auswirkungen für Kriegen schärfen und friedliche Lösungen für globale Konflikte fördern. Aus ihren Bildern spricht dabei ihr Ekel vor Krieg, Grausamkeit und sexuellen Übergriffen auf Frauen, die bei kriegerischen Auseinandersetzungen weltweit zum furchtbaren Alltag gehören. Mit ihrer Ausstellung schließt sich Alexandra Kordas dem vielfältigen Chor anderer Künstler an, die sich über alle Zeiten hinweg mutig gegen Krieg und Gewalt stellten und inspiriert damit die Menschen, eine Botschaft des Friedens und der Harmonie zu verbreiten.

Hate War – Ausstellung

Zentraler Teil der „Hate War“-Ausstellung ist die Werkreihe „The Six Steps of War“, bei der die Künstlerin ihren Emotionen zum Krieg in der Ukraine freien Lauf ließ. Mit „The Six Steps of War“ nimmt sich die Künstlerin eines herausfordernden Themas an und präsentiert es auf einzigartige und zum Nachdenken anregende Weise.

Der Titel bezieht sich auf die sechs Stadien eines Konflikts, die erstmals von Kurt Lewin identifiziert wurden. Der Begründer der Sozialpsychologie, der im Ersten Weltkrieg als Soldat im Einsatz war, verarbeitete so wissenschaftlich seine Kriegserlebnisse. Kordas hat diese Phasen als Rahmen verwendet, um die Emotionen und Erfahrungen der vom Krieg Betroffenen zu erforschen, von der Anfangsphase bis zur Endphase der Zerstörung.

Die Gemälde in der Ausstellung sind eine Mischung aus abstrakten und figurativen Stilen, wobei jedes Stück eine einzigartige Geschichte erzählt.

Hate War – Abstractions Against Disaster. 24. – 31. Mai 2024: Capitaloona Art, C. de Adrés Mellado, 55, 28015, Madrid. 

Alexandra Kordas

Ihr erstes Werk schuf die Münchnerin Autodidaktin 2018. Seitdem hat sie ihren Pinsel nicht mehr abgelegt, denn das künstlerische Schaffen entfaltete in ihr wieder die einstige unbändige Kreativität, die für sie als Waldorfschülerin unabdingbar war.

Für Alexandra Kordas ist es essenziell, dass ihre Kunst mit dem Finger auf die Wunden der Gesellschaft und die Verletzungen der Menschen zeigt. Ihre Kunst soll die Augen der Betrachter öffnen. Dabei thematisiert die Künstlerin bewusst schwierige Themen, die man normalerweise nicht gerne ansieht, weil sie schmerzhaft sind und wehtun. Sie hat es zu ihrer Aufgabe gemacht, die Betrachter mit den Problemen und Missständen unserer Welt in Kontakt zu bringen, um eine Auseinandersetzung anzuregen.

Alexandra Kordas arbeitete zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin. Ihre künstlerische Kreativität und Leidenschaft reiften in den 10 Jahre in der Waldorfschule (Rudolf-Steiner-Schule), die einen Schwerpunkt auf die kreative, künstlerische und spirituelle Welt legt. In der Kindheit der Künstlerin sind traumatische Dinge passiert, die sie mit Schmerzen und Herzblut konfrontierten und verletzten. Aber sie hatte auch das Privileg eines sehr unbeschwerten und unabhängigen Lebens auf der anderen Seite. Daher rührt heute ihr künstlerischer Zwiespalt zwischen „Paradies und Fegefeuer“.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://alexandrakordas.com/

Werke der Künstlerin bei Auktion in Wien

2 Werke von Alexandra Kordas werden in Kürze über das Auktionshaus der Gallery1503 in Wien versteigert. Kunstfreunde und Sammler, die keine Information über die Auktion verpassen möchten, sollten die Webseite der Gallery1503 im Blick behalten! Auction Sale, Kunst-Auktionen über Gallery1503

Weitere Informationen

Zur Webseite der Künstlerin: https://alexandrakordas.com/

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Die Ausstellung „Hasse den Krieg – denn es gibt keine Gewinner oder Verlierer“ ist ein kraftvoller künstlerischer Ausdruck des Zorns von Alexandra gegen Krieg und Gewalt sowie deren Auswirkungen, insbesondere auf Frauen. Ihr Ziel ist, das Bewusstsein für die grausamen Folgen von Krieg zu schärfen und friedliche Lösungen für globale Konflikte zu fördern. In ihren Kunstwerken erhebt die bayerische Künstlerin ihre Stimme laut und deutlich, um ihren Abscheu gegenüber Krieg, Grausamkeit und sexueller Gewalt zum Ausdruck zu bringen.

Alexandra Kordas Ausstellung im Museum Bellini

In der Ausstellung im Bellini-Museum präsentiert die Künstlerin ihre Kunstwerke, die von den Ereignissen des Ukraine-Krieges inspiriert wurden. Unter dem Titel „The Six Steps of War“ setzen sich die Werke auf einzigartige und anregende Weise mit den komplexen Themen Krieg, Konflikt und menschlichen Emotionen auseinander. Dieser Titel bezieht sich auf die sechs Phasen eines Konflikts, die erstmals von Kurt Lewin identifiziert wurden.

Lewin, der während des Ersten Weltkriegs als Soldat gedient hatte und später zum Begründer der Sozialpsychologie wurde, verarbeitete seine Kriegserfahrungen auf wissenschaftliche Weise. Kordas nutzt diese Phasen als Rahmen, um Emotionen und Erfahrungen der von Krieg betroffenen Menschen zu erkundigen – von den frühen Anzeichen eines Konflikts bis hin zur zerstörerischen Endphase. Die Gemälde in der Ausstellung vereinen abstrakte und figurative Stile und erzählen jeweils ihre einzigartige Geschichte.

Einzelausstellung: 27.10. – 03.11.2023

Museo Bellini, Lungarno Soderini, 5, Florenz.  Galleria Bellini – Museo Bellini Firenze

Alexandra Kordas

: „Meine Kunst kommt aus der Tiefe der Seele und muss nicht konstruiert werden“, kommentiert die Autodidaktin Alexandra Kordas ihre Werke. Ihr erstes Werk schuf die Münchnerin 2018. Seitdem hat sie ihren Pinsel nicht mehr abgelegt, denn das künstlerische Schaffen entfaltete in ihr wieder die einstige unbändige Kreativität, die für sie als Waldorf Schülerin unabdingbar war. Die Inspiration für ihre Kunstwerke kommt hauptsächlich direkt aus den Tiefen ihrer Seele, die durch eigenes Erleben, aber auch durch aktuelle spirituelle, intellektuelle, soziale und politische Einflüsse unserer Welt inspiriert wird.

Zwischen Himmel und Hölle, Leben und Tod, Freude und Schmerz bewegen sich die Themen ihrer Kunstwerke im Zwiespalt der Pole. Markant zieht sich das Symbol des Kreuzes wie eine Signatur durch ihre zeitgenössischen, teils provokanten Werke.

Für Alexandra Kordas ist es essenziell, dass ihre Kunst mit dem Finger auf die Wunden der Gesellschaft und die Verletzungen der Menschen zeigt. Ihre Kunst soll die Augen der Betrachter öffnen. Dabei thematisiert die Künstlerin bewusst schwierige Themen, die man normalerweise nicht gerne ansieht, weil sie schmerzhaft sind und wehtun. Sie hat es zu ihrer Aufgabe gemacht, die Betrachter mit den Problemen und Missständen unserer Welt in Kontakt zu bringen, um eine Auseinandersetzung anzuregen.

Alexandra Kordas arbeitete zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin. Ihre künstlerische Kreativität und Leidenschaft reiften in den 10 Jahre in der Waldorfschule (Rudolf-Steiner-Schule), die einen Schwerpunkt auf die kreative, künstlerische und spirituelle Welt legt. In der Kindheit der Künstlerin sind traumatische Dinge passiert, die sie mit Schmerzen und Herzblut konfrontierten und verletzten. Aber sie hatte auch das Privileg eines sehr unbeschwerten und unabhängigen Lebens auf der anderen Seite. Daher rührt heute ihr künstlerischer Zwiespalt zwischen „Paradies und Fegefeuer“.

 

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Titelbild: Alexandra Kordas_ The Six Steps of War_6. Zerstörung_(c) Alexandra Kordas

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Schon immer waren es die Künstler:innen, die mit ihren Kunstwerken mutig Krieg, Gewalt, Grausamkeit und sexuelle Belästigung von Frauen anprangerten. „Nie wieder Krieg – Es ist genug gestorben! Keiner darf mehr fallen!“, schrieb schon die Grafikerin, Bildhauerin und Pazifistin Käthe Kollwitz. Nach einem ersten Schock über Russlands Angriffskrieg kämpfen trotz Gefahren und Repressalien sogar in der Ukraine und Russland Künstler:innen gemeinsam mit ihren Waffen und Techniken gegen den Krieg. International sind es die Künstler:innen, die über ihre Kunstwerke ihrer Wut über die Gräueltaten der Kriege Ausdruck verleihen.

So sind auch die Ausstellungen „Hasse den Krieg – denn es gibt keine Gewinner oder Verlierer“ der Münchner Künstlerin Alexandra Kordas Ausdruck ihrer Wut gegen Krieg und Gewalt und ihre Auswirkungen auf Einzelpersonen, insbesondere Frauen. Ziel der Ausstellungen ist es, das Bewusstsein für die negativen Auswirkungen des Krieges zu schärfen und friedliche Lösungen für globale Konflikte zu fördern.

Durch ihre Kunstwerke spricht die Stimme der bayerischen Künstlerin laut und deutlich über ihren Ekel vor Krieg, Grausamkeit und sexuellen Verletzungen von Frauen. Sie schließt sich dem Chor anderer Künstler:innen an, wenn sie die zerstörerische Natur des Krieges verurteilt, und inspiriert die Menschen, eine Botschaft des Friedens und der Harmonie zu verbreiten.

„Hasse den Krieg – denn es gibt keine Gewinner oder Verlierer“

Bei den Einzelausstellungen in der Galleria Accorsi Arte in Turin und Venedig stellt die Künstlerin ihre aktuellsten, vom Urkaine-Krieg inspirierten Kunstwerke aus: „The Six Steps of War“. Die Werke befassen sich mit den komplexen Themen Krieg, Konflikt und menschlichen Emotionen.

In „The Six Steps of War“ nimmt sich die Künstlerin eines herausfordernden Themas an und präsentiert es auf einzigartige und zum Nachdenken anregende Weise. Der Titel bezieht sich auf die sechs Stadien eines Konflikts, die erstmals von Kurt Lewin identifiziert wurden. Der Begründer der Sozialpsychologie, der im Ersten Weltkrieg als Soldat im Einsatz war, verarbeitete so wissenschaftlich seine Kriegserlebnisse.

Kordas hat diese Phasen als Rahmen verwendet, um die Emotionen und Erfahrungen der vom Krieg Betroffenen zu erforschen, von der Anfangsphase bis zur Endphase der Zerstörung. Die Gemälde in der Ausstellung sind eine Mischung aus abstrakten und figurativen Stilen, wobei jedes Stück eine einzigartige Geschichte erzählt.

Bei der Ausstellung in Venedig werden ergänzend Werke wie „Der Krieg“, „Mein Tod und das Leben“, „The bombing goes on“, sowie „Der Teufel“ ausgestellt.

Alexandra Kordas

„Meine Kunst kommt aus der Tiefe der Seele und muss nicht konstruiert werden“, kommentiert die Autodidaktin Alexandra Kordas ihre Werke. Ihr erstes Werk schuf die Münchnerin 2018. Seitdem hat sie ihren Pinsel nicht mehr abgelegt, denn das künstlerische Schaffen entfaltete in ihr wieder die einstige unbändige Kreativität, die für sie als Waldorf Schülerin unabdingbar war.

Die Inspiration für ihre Kunstwerke kommt hauptsächlich direkt aus den Tiefen ihrer Seele, die durch eigenes Erleben, aber auch durch aktuelle spirituelle, intellektuelle, soziale und politische Einflüsse unserer Welt inspiriert wird.

Zwischen Himmel und Hölle, Leben und Tod, Freude und Schmerz bewegen sich die Themen ihrer Kunstwerke im Zwiespalt der Pole. Markant zieht sich das Symbol des Kreuzes wie eine Signatur durch ihre zeitgenössischen, teils provokanten Werke.

Für Alexandra Kordas ist es essenziell, dass ihre Kunst mit dem Finger auf die Wunden der Gesellschaft und die Verletzungen der Menschen zeigt. Ihre Kunst soll die Augen der Betrachter öffnen. Dabei thematisiert die Künstlerin bewusst schwierige Themen, die man normalerweise nicht gerne ansieht, weil sie schmerzhaft sind und wehtun. Sie hat es zu ihrer Aufgabe gemacht, die Betrachter mit den Problemen und Missständen unserer Welt in Kontakt zu bringen, um eine Auseinandersetzung anzuregen.

Alexandra Kordas arbeitete zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin. Ihre künstlerische Kreativität und Leidenschaft reiften in den 10 Jahre in der Waldorfschule (Rudolf-Steiner-Schule), die einen Schwerpunkt auf die kreative, künstlerische und spirituelle Welt legt. In der Kindheit der Künstlerin sind traumatische Dinge passiert, die sie mit Schmerzen und Herzblut konfrontierten und verletzten. Aber sie hatte auch das Privileg eines sehr unbeschwerten und unabhängigen Lebens auf der anderen Seite, daher rührt heute ihr künstlerischer Zwiespalt zwischen „Paradies und Fegefeuer“.

 

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Es war eine Vollbremsung ohne Ankündigung: der Lockdown im März 2020. Besonders hart getroffen war die Kulturbranche, bis heute. Rettungspakete wurden geschnürt, es gab viel Solidarität der Akteure untereinander. Aber auch Gewinner und Verlierer. Was wurde aus den Erfahrungen gelernt und wie geht es weiter, wenn die letzten Einschränkungen fallen?

Harald Asel spricht mit seinen Gästen:

•  Katrin Budde MdB, SPD, Vorsitzende des Bundestagsausschusses für Kultur und Medien,
• Ulrich Khuon, Intendant des Deutschen Theaters Berlin,
• Lena Krause, Geschäftsführerin FREO – Freie Ensembles und Orchester in Deutschland e.V., Sprecherin der Allianz der freien Künste,
• Olaf Zimmermann, Geschäftsführer des Deutschen Kulturrats.

Zu Beginn des Forums, das am 3. März aufgezeichnet wurde, geht es aus aktuellem Anlass um die Haltung der Kulturakteure zum Krieg Russlands gegen die Ukraine.

Der Krieg stellt viele Kulturschaffende vor ein Problem: Sollen sie Brücken bauen oder selbst auch Sanktionen verhängen? Sollen sie die Zusammenarbeit einstellen – mit russischen Künstlern, weil die ja regimetreu sein könnten? Ulrich Khuon, Intendant des Deutschen Theaters, verneint dies: „Auch dort verharrt die Kunst, auch die Theaterkunst in einem Abstand zur Macht, natürlich auch mit all den Schwierigkeiten, die von hier aus sehr schwer zu beurteilen sind. Aber gerade deswegen ist es schwierig zu sagen: ‚Das ist ein staatstreuer Künstler oder Künstlerin und das ist ein Widerspruchsgeist‘. Also hier auch, sich nicht auseinander bringen zu lassen, sondern im Gespräch, aber auch in der Aktion zu bleiben. Gerade jetzt, wo die Brüche da sind, muss man auf diesem Weg beharren.“

Wie steht es um die Freiheit der Kunst in Zeiten des Krieges? Sollten Künstler jetzt politische Bekenntnisse abgeben, öffentlich beweisen, dass auch sie auf der richtigen Seite stehen? Oder sollten sie bewusst auf Distanz bleiben zu den politisch Mächtigen? Der Geschäftsführer des Deutschen Kulturrats, Olaf Zimmermann, wünscht sich mehr Sensibilität für deren Situation: „Nicht alle Künstlerinnen und Künstler, die irgendeinen russischen Migrationshintergrund haben, müssen jetzt, finde ich, öffentlich erklären, wie sie zu Putin stehen. Das verlangen wir von anderen Berufsgruppen in unserem Land richtigerweise auch nicht. (…) Auch weil wir die Menschen in massive Gefahr bringen, und besonders auch die Familien dieser Menschen in massive Gefahr bringen.“

Weitere Informationen

Zur Webseite vom Deutschen Kulturrat e.V:  http://www.kulturrat.de/

Inforadio RBB: https://www.inforadio.de/

ART AGAINST WAR? – Werk der Woche #50 Das kleine geborgene Land by ALLA LEBED

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Ab 11. März 2022 zeigt das Neue Museum in zwei Sammlungsräumen Werke der Schweizer Künstlerin Miriam Cahn. Die Präsentation krieg & „Athener“ Raum wird am Donnerstag, 10. März 2022 um 18 Uhr eröffnet. Zur Begrüßung spricht Museumsdirektorin Simone Schimpf, Kurator Thomas Heyden gibt eine thematische Einführung. Der Eintritt zur Vernissage ist frei.

L’art pour l’art war noch nie Sache der 1949 in Basel geborenen Künstlerin Miriam Cahn. Ihr bildnerisches Œuvre zeichnet sich seit mehr als 40 Jahren durch eine drängende Intensität aus, mit der sie das Menschsein in all seiner seelischen und körperlichen Verletzbarkeit zum Thema nimmt.

Das Neue Museum widmet der international renommierten Künstlerin zwei Räume, die als Installationen angelegt sind: der durch Lucius Grisebach angekaufte Zyklus krieg (1999) mit 20 Bildern und der anlässlich der documenta 2017 in Athen gezeigte „Athener“ Raum mit 41 Zeichnungen und begleitenden Texten sowie weitere Gemälde.

Die Bilder suchen – auf Augenhöhe gehängt – das unmittelbare Gegenüber der Betrachterinnen und Betrachter. Auf diese Weise stellt Miriam Cahn nicht nur eindringlich den eigenen künstlerischen Kosmos vor, sondern zielt auf eine persönliche Resonanz hinsichtlich gesellschaftlicher Themen, wie Krieg, Flucht oder sexuelle Identität.

Der documenta-Raum wurde ermöglicht durch Dauerleihgaben der Sammlung Kerstin Hiller und Helmut Schmelzer. Regelmäßig präsentiert das Neue Museum Künstlerräume aus dem Besitz des Nürnberger Sammlerpaars.

ÖFFNUNGSZEITEN
Dienstag bis Sonntag: 10 bis 18 Uhr
Donnerstag: 10 bis 20 Uhr
Montag: geschlossen

EINTRITTSPREISE
Ausstellung inklusive Sammlung: 7 Euro
ermäßigt: 6 Euro
Sonntags Sammlung 1 Euro
Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren frei

Weitere Informationen

Titelbild: Miriam Cahn, „krieg“, 1999 (C) Miriam Cahn · Foto: Galerie Lindig In Paludetto

Mehr über die Künstlerin https://miriamcahn.com/

Weitere Informationen über das Museum: Neues Museum Nürnberg (nmn.de)

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