Mit „Seit ich auf Erden bin“ zeigt der Künstler Matthias Göhr ein Werk, das sich zwischen Malerei, innerer Reflexion und emotionaler Verdichtung bewegt. Das quadratische Format von 70 × 70 cm wirkt dabei wie ein in sich geschlossenes Denkfeld – ein Raum, in dem sich Erinnerung, Gegenwart und Imagination überlagern.

Technisch basiert das Werk auf Dispersion auf Leinwand. Dabei handelt es sich um eine wasserbasierte Acrylfarbe, deren Bindemittel feine Pigmente dauerhaft miteinander verbindet. Die Farbe trocknet matt bis seidenmatt auf und ermöglicht sowohl transparente als auch dichte, lasierende Schichtungen – ein Medium, das in der zeitgenössischen Malerei häufig für seine Vielschichtigkeit und Stabilität eingesetzt wird.

Charakteristisch für Göhrs Arbeitsweise ist der offene, prozesshafte Entstehungsweg: Er arbeitet oft parallel an mehreren Leinwänden, meist am Boden liegend und zunächst ohne klassischen Keilrahmen. Die Farbe entsteht aus selbst hergestellten Pigment-Acryl-Mischungen, wodurch jede Oberfläche eine eigene materielle Handschrift trägt. Erst in einer späteren Phase wird die Leinwand auf einen Rahmen gespannt, wenn die kompositorische Struktur bereits angelegt ist und weitere malerische Verdichtung erfolgt.

Inhaltlich beschreibt das Werk eine introspektive Bewegung. Göhr selbst versteht das Bild als eine Art gedankliche Reise. Ein Nachdenken über das Leben mit all seinen Gegensätzen – über Schönheit und Verlust, über Vergänglichkeit, Erinnerungen, Wünsche und das, was möglicherweise noch bevorsteht. Dabei bleibt das Motiv bewusst offen und nicht erzählerisch festgelegt. Vielmehr entsteht ein Zustand, der sich zwischen Gefühl und Wahrnehmung bewegt und sich erst im Blick der Betrachtenden vollständig entfaltet.

Besonders prägnant ist die Farbgebung: Das Grün markiert eine neue Phase im Werk des Künstlers. Es ist das erste Mal, dass Figuren in dieser spezifischen Farbwelt erscheinen. Das Grün verweist dabei nicht nur auf Natur, sondern auch auf Wandel und Neubeginn – eine Assoziation, die der Arbeit eine subtile, fast leise Hoffnung einschreibt.

Trotz seiner konzeptuellen Tiefe bleibt das Bild offen und zugänglich. Es ist ein typisches Werk von Göhr in seiner strukturellen Anlage. Es unterscheidet sich jedoch deutlich in der Farbigkeit von früheren Arbeiten und markiert damit zugleich Kontinuität und Veränderung innerhalb seiner künstlerischen Entwicklung.

„Seit ich auf Erden bin“ ist ein Bild, das weniger eine eindeutige Antwort gibt als vielmehr einen Raum öffnet. Ein Raum für Erinnerung, Wahrnehmung und das eigene innere Erzählen.

 

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Der Künstler Matthias Göhr

Matthias Göhr ist ein freischaffender Maler aus der Pfalz, der seit 1992 kontinuierlich in Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten ist. Seine Arbeiten wurden dabei sowohl in regionalen Kulturinstitutionen als auch auf Kunstmessen und in Galerien im deutschsprachigen Raum gezeigt.

Ein wichtiger Schwerpunkt seiner Ausstellungstätigkeit liegt in Süddeutschland und angrenzenden Regionen. So war er unter anderem mit Einzelausstellungen wie „Sehnsucht“ im Kreishaus Südliche Weinstraße vertreten, wo seine Werke einem breiten Publikum im öffentlichen Raum präsentiert wurden.

Auch in kleineren Galerien und Projekträumen war Göhr regelmäßig präsent. Etwa mit Ausstellungen wie „Seelenzauber“ in der Galerini, die seine malerische Bildwelt im Kontext zeitgenössischer Gruppen- und Einzelausstellungen zeigte.

Darüber hinaus ist seine Arbeit auch im Messekontext sichtbar geworden. Göhr nahm wiederholt an Kunstmessen und jurierten Ausstellungen teil. Darunter etwa die Art Karlsruhe sowie weitere regionale und internationale Formate im Bereich zeitgenössischer Malerei.

Seine Werke werden dabei häufig im Rahmen von thematischen Gruppenausstellungen gezeigt, die sich mit Natur, Figur, Erinnerung und inneren Bildwelten beschäftigen. Kritisch beschrieben wird seine Malerei oft als eine Verbindung aus narrativer Offenheit und atmosphärischer Verdichtung. Bilder, die zwischen figurativer Andeutung und abstrakter Auflösung oszillieren.

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Das auffälligste Symbol des St. Patrick’s Day ist ohne Zweifel das grüne Kleeblatt, das sowohl als nationales Symbol Irlands als auch als Icon des Feiertags selbst dient. Der irische Legende nach verwendete St. Patrick das dreiblättrige Kleeblatt, um die heilige Dreifaltigkeit zu erklären, was das Kleeblatt zu einem wichtigen religiösen und kulturellen Symbol macht. In der Kunst wird das Kleeblatt in zahlreichen Formen dargestellt, von traditionellen Darstellungen bis hin zu modernen Interpretationen, die oft mit grünen Farbtönen und leuchtenden Akzenten spielen.

Die Farbe Grün, die mit dem St. Patrick’s Day untrennbar verbunden ist, symbolisiert Leben, Natur und Erneuerung. Diese Farbe ist in der Kunst oft mit Frühlingsgefühlen und dem Konzept des Wachstums verbunden, was den Tag zu einem Fest der Hoffnung und des Neubeginns macht. In Gemälden, Skulpturen und Illustrationen wird das Grün in einer Vielzahl von Nuancen verwendet, um sowohl die Schönheit der Natur als auch die Feier der irischen Identität zu betonen.

Die irische Mythologie und Folklore in der Kunst

Die irische Mythologie, die reich an Geschichten über Feen, Kobolde und geheimnisvolle Kreaturen ist, beeinflusst die Kunst rund um den St. Patrick’s Day maßgeblich. Künstler, die sich mit irischer Kultur beschäftigen, greifen oft auf diese mystischen Elemente zurück, um die Magie und den Zauber Irlands zu thematisieren. Die Darstellung von Feenwesen, die in vielen traditionellen Erzählungen eine zentrale Rolle spielen, spiegelt die Verbindung von Fantasie und Realität wider, die so charakteristisch für irische Folklore ist.

Besonders auffällig sind auch Darstellungen des „Leprechauns“, des koboldartigen Wesens, das eng mit dem St. Patrick’s Day und der irischen Mythologie verbunden ist. Diese Figur hat sich von einem einmaligen Folklore-Charakter zu einem populären Symbol entwickelt, das in der Kunst in einer Vielzahl von Formen erscheint – von humorvollen Illustrationen bis hin zu surrealen Interpretationen, die die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen lassen.

Kunst als Ausdruck irischer Identität

Der St. Patrick’s Day dient auch als Feier der irischen Identität und Geschichte. In der Kunst wird dies oft durch die Darstellung von irischen Landschaften, historischen Momenten und kulturellen Ikonen wie St. Patrick selbst oder berühmte Persönlichkeiten aus der irischen Geschichte aufgegriffen. Künstler verwenden den Feiertag, um Themen wie den irischen Unabhängigkeitskampf, die Bedeutung der katholischen Kirche in Irland und die komplexen sozialen und politischen Verhältnisse des Landes zu erforschen.

Besondere Beachtung finden dabei auch die irischen Traditionen der Volkskunst, die oft bunte Muster und symbolische Darstellungen umfassen. Diese Art der Kunst ist tief mit dem ländlichen Leben und der Gemeinschaft Irlands verwoben und hat auch die moderne Kunstszene beeinflusst. In vielen Kunstwerken, die im Kontext des St. Patrick’s Day entstehen, finden sich folkloristische Elemente, die einen Bezug zu den Wurzeln und der Geschichte Irlands herstellen.

Berühmte Kunstwerke mit irischem Background

• „The Cliffs of Moher“ von Paul Henry
  Paul Henry war ein irischer Landschaftsmaler, der für seine darstellende Kunst von der wilden irischen Landschaft bekannt ist. Dieses Gemälde fängt die raue Schönheit der Cliffs of Moher ein, eines der berühmtesten Wahrzeichen Irlands.

• „The Marriage of Strongbow and Aoife“ von Daniel Maclise
  Daniel Maclise malte dieses historische Gemälde, das die Hochzeit von Richard de Clare (Strongbow) und der irischen Prinzessin Aoife im Jahr 1170 darstellt, ein Schlüsselmoment in der irischen Geschichte. Es zeigt die Verbindungen zwischen Irland und England im Mittelalter.

• „The Irish Peasant Girl“ von William Sadler
  Dieses Werk zeigt eine irische Bauernmädchen, ein häufiges Motiv in der Kunst des 19. Jahrhunderts. Sadler war bekannt für seine Darstellungen des irischen ländlichen Lebens und seiner einfachen, aber kraftvollen Porträts von Menschen in ihrer natürlichen Umgebung.

• „Portrait of Lady Lavery“ von John Singer Sargent
  Lady Lavery war eine prominente irische Sozialistin und die Frau des ehemaligen irischen Finanzministers, Sir John Lavery. Sargent malte sie mehrfach, und eines dieser Porträts wurde später auf der irischen Banknote abgebildet.

• „The Great Famine“ von James Mahony
  James Mahony war ein irischer Künstler, der die Große Hungersnot von 1845–1852 dokumentierte. Seine Illustrationen aus dieser Zeit bieten einen eindrucksvollen Einblick in die verheerenden Auswirkungen der Hungersnot und die massenhaften Auswanderungen von Iren.

• „The Celtic Revival“ von Jack B. Yeats
  Jack B. Yeats, der Bruder des berühmten Dichters W.B. Yeats, ist bekannt für seine lebendigen Gemälde, die oft irische Folklore, Mythologie und Traditionen darstellen. Seine Werke, wie „The Celtic Revival“, drücken die Begeisterung für den irischen Nationalismus und die Wiederbelebung der irischen Kultur zu Beginn des 20. Jahrhunderts aus.

Der St. Patrick’s Day in der zeitgenössischen Kunst

In der zeitgenössischen Kunst ist der St. Patrick’s Day ein faszinierendes Thema, das sowohl als Inspiration als auch als Kommentar auf aktuelle gesellschaftliche Themen dient. Während der Feiertag früher vor allem durch traditionelle Medien wie Malerei und Druckgrafik thematisiert wurde, finden sich heutzutage auch moderne Ausdrucksformen wie Street Art, digitale Kunst und multimediale Installationen, die die Feierlichkeiten in einer neuen Dimension darstellen.

Ein Beispiel für diese moderne Herangehensweise ist die Verwendung von Social Media als Plattform, auf der Künstler ihre Werke zu St. Patrick’s Day teilen. In diesen digitalen Räumen entstehen dynamische Kunstwerke, die mit interaktiven Elementen, Animationen und modernen Techniken wie Augmented Reality (AR) arbeiten. Diese Entwicklungen bieten neue Perspektiven auf die Bedeutung des Feiertages und bringen ihn in einen zeitgenössischen Kontext.

Fazit

Der St. Patrick’s Day ist weit mehr als nur ein Tag des Feierns. Für Künstler weltweit stellt dieser Tag eine Gelegenheit dar, sich mit der reichen Geschichte und den Symbolen Irlands auseinanderzusetzen und diese in ihren Werken zu reflektieren. Ob durch die Darstellung traditioneller Elemente wie das Kleeblatt, die mythische Folklore oder die Feier der irischen Identität, der St. Patrick’s Day ist in der Kunst ein immer wiederkehrendes Thema, das tief in der kulturellen Bedeutung des Feiertages verwurzelt ist.

In all seiner Vielfalt bietet der St. Patrick’s Day in der Kunst eine wertvolle Möglichkeit, irische Kultur, Geschichte und Folklore zu feiern. Und sie auf eine Art und Weise zu interpretieren, die sowohl das Traditionelle als auch das Moderne miteinander verbindet.

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Ekaterina Travianskaia ist eine Künstlerin, die an die transformative und heilende Kraft der Kunst glaubt. Ihr Atelier ist weit mehr als nur ein kreativer Raum. Es ist ein Ort der Inspiration, des Ausdrucks und der persönlichen Entfaltung. Hier bietet sie Workshops für Kinder und Erwachsene an, um Menschen dabei zu unterstützen, ihr kreatives Potenzial zu entdecken und durch Kunst neue Perspektiven zu gewinnen.

In ihren Kursen erlebt die Malerin immer wieder, wie Kunst Brücken baut – zwischen Generationen, Kulturen und Herzen. Kunst schenkt Energie, schafft Verbindung und erlaubt es, Emotionen auszudrücken, die oft keine Worte finden. Besonders am Herzen liegt Travianskaia dabei die Arbeit in Pflegeheimen und Kliniken, wo sie kreative Workshops organisiert, in denen Kunst zu einer sanften, aber kraftvollen Therapie wird. Durch einfache künstlerische Techniken können Menschen emotionale Entlastung finden, innere Ruhe spüren und sich unabhängig von ihren körperlichen oder seelischen Herausforderungen künstlerisch entfalten.

Meine Mission ist es, Kunst für alle zugänglich zu machen – unabhängig von Alter, Fähigkeiten oder Lebensumständen. Denn ich bin überzeugt: Kunst heilt, öffnet neue Horizonte und hilft uns, uns selbst und die Welt um uns herum neu zu entdecken.

Das Geheimnis des Waldes

Das Kunstwerk „Das Geheimnis des Waldes“ stammt aus dem Jahr 2025 und wurde mit Ölfarben auf Leinwand gefertigt und auf Keilrahmen gespannt. Das Bild misst 75cm * 115cm. Bei Interesse an dem Kunstwerk oder weiteren Arbeiten der Künstlerin, nutzen Sie gerne unseren Kontakt! 

„Das Geheimnis des Waldes“ zeigt einen Wald, durchflutet von sanftem Licht und voller lebendiger Ruhe. Es ist eine Hommage an die Stille, die Harmonie und die flüchtige Schönheit des Moments, wenn die ersten Sonnenstrahlen durch das dichte Laub brechen und den Raum mit Magie erfüllen. Ein Tor zum Frühling.

Die Künstlerin über ihr Werk

Für mich ist es wichtig, nicht nur die visuelle Realität einzufangen, sondern auch die Atmosphäre und die Emotionen, die die Natur in uns hervorruft. In diesem Werk habe ich mit sanften Farbübergängen gearbeitet, um eine Tiefe und eine leichte Nebelhaftigkeit zu schaffen, Der Betrachter  soll in diesen Wald eintauchen, seine Stille und Frische spüren.

Als Künstlerin glaube ich daran, dass Kunst Frieden und Inspiration schenken kann. Meine Arbeit zielt darauf ab, Menschen durch Malerei einen emotionalen Zugang zur Natur zu ermöglichen. Und sie an Momente der inneren Ruhe und Verbundenheit zu erinnern.

 

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