Die Galerie Beck & Eggeling aus Düsseldorf nimmt an der TEFAF New York 2026 (15.–19. Mai) teil und zeigt eine Auswahl von Werken, die zentrale Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts abbilden. Die Präsentation verbindet Positionen der Klassischen Moderne mit wichtigen Strömungen der Nachkriegsavantgarde und der ZERO-Bewegung.

Im Fokus steht eine Arbeit von Piero Manzoni aus seiner Achrome-Serie, die ab Ende der 1950er-Jahre entstand. In diesen Werken löste Manzoni die Malerei konsequent von klassischer Farbigkeit und Bildillusion und verschob den Fokus auf Material, Struktur und Wahrnehmung. Die Achrome gelten heute als Schlüsselwerk für den Übergang zur konzeptuellen und materialbasierten Kunst der Nachkriegszeit.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke von Pablo Picasso, Wassily Kandinsky und Max Ernst sowie Positionen von Yayoi Kusama und Künstlern der ZERO-Bewegung wie Heinz Mack und Günther Uecker.

Warum die Moderne für zeitgenössische Kunst entscheidend bleibt

Die in New York präsentierten Positionen machen deutlich, dass viele grundlegende Fragen der zeitgenössischen Kunst bereits in der Moderne und Nachkriegsavantgarde angelegt sind. Ob der Umgang mit Material, die Auflösung klassischer Bildstrukturen oder die Verschiebung hin zu konzeptuellen Ansätzen. Zentrale Entwicklungen heutiger künstlerischer Praxis lassen sich auf diese historischen Positionen zurückführen.

Gerade Künstler wie Piero Manzoni oder Vertreter der ZERO-Bewegung haben die Wahrnehmung von Kunst nachhaltig verändert. Indem sie das Werk nicht mehr ausschließlich als Bild, sondern als Erfahrungsraum verstanden. Diese Perspektive ist bis heute in der zeitgenössischen Kunst wirksam und prägt sowohl junge künstlerische Positionen als auch aktuelle kuratorische Ansätze.

Die Präsentation auf der TEFAF New York 2026 verdeutlicht somit nicht nur kunsthistorische Zusammenhänge, sondern auch die Kontinuitäten zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Ein Spannungsfeld, das für das Verständnis aktueller Kunstproduktion weiterhin relevant bleibt.

 

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Titelbild: Besucherinnen vor einem großen *Achrome* von Piero Manzoni in der legendären ZERO-Ausstellung. * Nul *im Stedelijk Museum Amsterdam, 1962  © Piero Manzoni Foundation. Quelle: Newsletter Beck&Eggeling.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: https://www.beck-eggeling.de/de

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Zwei Ausstellungen, ein Mythos: Hamburg und Werl als doppelte Bühne eines Gesamtkunstwerks. Während in Hamburg mit dem UDOVERSUM eine großformatige, immersive Erlebniswelt entsteht, zeigt sich Udo Lindenberg parallel in einem deutlich konzentrierteren Format: einer klassischen Werkschau in den Walentowski Galerien in Werl. Unter dem Titel „Keine Panik in Werl – Das Udo Lindenberg Universum“ wird dort eine Auswahl seiner bildkünstlerischen Arbeiten präsentiert – darunter Likörelle, Zeichnungen und grafische Unikate.

Im Gegensatz zur immersiven Großinszenierung in Hamburg steht in Werl die unmittelbare Werkbegegnung im Vordergrund. Der Fokus verschiebt sich von Raumdramaturgie und Erlebnisarchitektur hin zu einer verdichteten Betrachtung der malerischen Praxis eines Künstlers, der längst zwischen Musik- und Bildkunst als eigenständige Figur operiert.

Zwei Formate, ein Künstlerbild

Die Parallelität beider Ausstellungen ist kein Zufall, sondern Ausdruck einer doppelten Erzählstruktur im Jubiläumsjahr 2026. Während das UDOVERSUM im Stilwerk Hamburg den Künstler als multidimensionale Pop- und Kunstfigur inszeniert, konzentriert sich die Ausstellung in Werl auf das bildnerische Werk als eigenständigen Kosmos.

Im UDOVERSUM verschmelzen Biografie, Popgeschichte und Kunstproduktion zu einem begehbaren Archiv. Bühnenobjekte, persönliche Artefakte und multimediale Installationen formen ein narratives Gesamtbild, das Udo Lindenberg als kulturelle Ikone inszeniert.

Die Werl-Schau hingegen folgt einer klassischen Ausstellungslogik: Konzentration, Auswahl, Werk. Hier treten die Bilder in den Vordergrund, die Lindenbergs visuelle Sprache seit Jahrzehnten prägen – expressive Linien, politische Kommentare, humorvolle Überzeichnungen und ikonische Figuren.

Jubiläum als kuratorischer Zustand

Beide Formate sind eng mit dem 80. Geburtstag des Künstlers verbunden und markieren eine Phase, in der Werk, Person und öffentliche Wahrnehmung nahezu untrennbar ineinander greifen. Die Vielzahl der Präsentationen erzeugt weniger eine klassische Retrospektive als vielmehr ein lebendiges, sich fortschreibendes Archiv.

Lindenberg erscheint 2026 nicht als Künstler mit abgeschlossenem Werk, sondern als Figur in permanenter Selbstverhandlung – zwischen Bühne, Atelier und Ausstellungssystem.

Infobox: Udo Lindenberg – Ausstellungen 2026

🎭 UDOVERSUM – Die große Udo Lindenberg Ausstellung

📍 Ort: stilwerk Hamburg
🗓️ Laufzeit: 30. April – 4. Oktober 2026
Anlass: 80. Geburtstag von Udo Lindenberg
Format: immersive Erlebniswelt zwischen Musik, Malerei, Archiv und Popgeschichte
Schwerpunkt: Gesamterzählung des Künstlers als kulturelles Universum
Besonderheit: begehbare Inszenierung von Werk, Biografie und Mythos

🖼️ Keine Panik in Werl – Das Udo Lindenberg Universum

📍 Ort: Walentowski Galerien, Werl
🗓️ Laufzeit: 13. April – 27. Juli 2026
Vernissage: 11. April 2026 (Preview mit Udo Lindenberg + Live-Performance)
Format: klassische Werkschau / Galerieausstellung
Inhalt: Likörelle, Zeichnungen, grafische Arbeiten, Unikate
Schwerpunkt: konzentrierte Präsentation der bildnerischen Praxis
Besonderheit: direkte Werkbegegnung ohne immersive Inszenierung

Fazit

Zwischen Hamburg und Werl entsteht kein Widerspruch, sondern ein Spannungsfeld. Das UDOVERSUM inszeniert Udo Lindenberg als immersive Gesamterzählung, während die Ausstellung in Werl ihn auf seine malerische Sprache zurückführt. Gemeinsam ergeben beide Formate ein doppeltes Bild eines Künstlers, der längst selbst Teil seines eigenen Mythos geworden ist – und diesen aktiv weiter kuratiert.

Weitere Informationen

Quelle Titelbild: https://www.walentowski-galerien.de/news-2/

Zu den Tickets fürs UDOVERSUM: https://www.eventim.de/

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Die Ausstellung in Köln markiert nicht nur Josués Deutschland-Debüt, sondern auch einen besonderen Moment für die Ehren Art Galerie: Zum ersten Mal stehen Skulpturen im Fokus einer Ausstellung. Insgesamt 15 Skulpturen werden gezeigt, darunter bedeutende Werke aus Josués Debütkollektion sowie neue Arbeiten.

Einige der Skulpturen wurden vom international anerkannten, jungen Künstler Mikail Akar bemalt, der mit seinen farbenfrohen und dynamischen Akzenten Josués Werke auf eindrucksvolle Weise ergänzt.

Josue Benjamin Torres

Der venezolanische Künstler Josué Benjamín Torres begann 2020 seine Laufbahn mit einem Kunstprogramm beim Sender Nickelodeon. Anschließend eröffnete er seine eigene Galerie in Caracas. Eines seiner herausragendsten Werke ist die größte Skulptur des Heiligen Augustinus von Hippo weltweit, die sowohl durch ihre beeindruckende Größe als auch durch die künstlerische Vision und die technische Ausführung besticht.

Er ist vor allem für seine lebendigen und farbenfrohen Skulpturen aus Plastilin bekannt, mit denen er nicht nur eine verspielte Ästhetik, sondern auch tiefgründige Geschichten und Emotionen vermittelt. Seine Arbeit mit Plastilin verleiht seinen Werken eine einzigartige Textur und Flexibilität. Das Material ist in der bildenden Kunst eher unüblich, was ihn zu einem Innovator macht.

Josués Werke verbinden oft Elemente der Popkultur mit lateinamerikanischer Tradition und Mythologie. Seine Kunst nutzt er oft, um soziale und kulturelle Themen anzusprechen, fast immer mit einer humorvollen oder kritischen Perspektive. Josué sieht seine Kunst nicht nur als Ausdruck seiner Kreativität, sondern auch als Möglichkeit, Menschen zu inspirieren und Botschaften zu vermitteln. Seine Werke haben oft eine positive, lebensbejahende Wirkung und begeistern sowohl Kinder als auch Erwachsene.

Trotz seines jungen Alters von 15 Jahren hat Josué Benjamín Torres bereits international ausgestellt, unter anderem in Lateinamerika, Europa und den USA. Seine Werke haben große Aufmerksamkeit in der Kunstwelt erlangt und seine künstlerische Leistungen wurden von renommierten Medien, einschließlich Kunstzeitschriften und TV-Sendern, gewürdigt.

 

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Veranstaltungsdetails

Vernissage am 25. Januar 2025 um 18:30 Uhr
Ausstellung am 26. Januar 15 Uhr – 19 Uhr
Ab dem 27. Januar 02. Februar 2025 von Dienstags bis Freitags 12:00 – 14:00 Uhr + 16:30-19 Uhr

Veranstaltungsort: Gallery Ehren Art, Hüttenstraße 32, 50823 Köln.

Die Gallery Ehren Art ist bekannt für ihre vielfältigen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst und die Förderung junger Talente. Weitere Informationen finden Sie auf der offiziellen Website der Galerie.

Weitere Informationen

Zur Webseite der Galerie: GALLERY EHREN ART

Benannt nach dem benachbarten Kult-Restaurant „Brücke“, das einst für seine außergewöhnliche Atmosphäre und seine Funktion als Treffpunkt kreativer Köpfe bekannt war, möchte die Galerie an diese Tradition anknüpfen. Sie versteht sich als Ort mit „Saloncharakter“, an dem Kunst, Musik, Literatur und Begegnungen zu einer Einheit verschmelzen.

Ein Ort mit Geschichte und Vision

Die Isestraße in Harvestehude gehört zu den charmantesten Straßen Hamburgs. Gesäumt von Gründerzeitbauten und kleinen Geschäften, strahlt sie ein urbanes Flair aus, das durch die angrenzende Grünfläche des Isemarkts eine fast dörfliche Note erhält. Inmitten dieser Kulisse liegt das Gebäude, das einst Antiquitäten beherbergte und nun, mit der Galerie Brücke, einen neuen Zweck findet.

Für Carolin Beyer, die seit Jahren in Hamburg als Malerin tätig ist, war die Verbindung zwischen Kunst und dem sozialen Leben von Anfang an der zentrale Gedanke hinter dem Projekt. „Kunst ist kein statisches Objekt an der Wand, sondern etwas, das im Austausch mit Menschen lebt“, erklärt sie. Gemeinsam mit Natascha von Allwörden, die das Gebäude erworben hat, entwickelte sie ein Konzept, das den Raum mit kulturellem Leben füllen soll.

Die Eigentümerin Natascha von Allwörden beschreibt das Projekt als Herzensangelegenheit: „Es geht uns darum, einen Raum zu schaffen, der Menschen verbindet – über Kunst, Musik und Dialog. Die Brücke im Namen steht genau dafür: das Verbinden.“

Die Eröffnungsausstellung: „Über die Brücke“

Den Auftakt machte am 6. Dezember 2024 die Ausstellung „Über die Brücke“, die Werke von renommierten Künstlern wie Gerhard Linnekogel, Michael Zapf und Carolin Windel zeigt. Die kuratierte Auswahl von Fotografien und Gemälden beleuchtet den Begriff „Brücke“ in all seinen Bedeutungen – als architektonisches Bauwerk, als Symbol für Verbindung und Austausch, aber auch als Metapher für Übergänge und Transformationen im Leben.

Daniel Kaiser, Leiter der Kulturredaktion von NDR 90,3, hatte die Ausstellung eröffnet und die Bedeutung des neuen Kulturzentrums für Hamburg klargestellt. „Die Galerie Brücke könnte ein neuer Treffpunkt für kreative Köpfe werden – ganz in der Tradition des Restaurants, nach dem sie benannt ist“, so Kaiser.

Mehr als nur Kunst an den Wänden

Die Galerie versteht sich als Plattform, die weit über klassische Kunstausstellungen hinausgeht. Neben den visuellen Künsten sind Lesungen, Konzerte und Vorträge Teil des Programms. Am 14. Februar 2025 wird zum Beispiel ein Valentinsdinner mit Live-Musik des Gipsy-Jazz-Trios von Giovanni Weiss stattfinden.

„Wir wollen den Menschen mehr bieten als nur Kunst an den Wänden“, betont Beyer. „Die Galerie soll ein Ort sein, an dem man sich austauscht, Neues lernt und inspiriert wird.“ Dazu sind regelmäßige Gesprächsrunden mit Künstlern und Kuratoren geplant, aber auch Workshops, in denen die Besucher selbst kreativ werden können.

Die Veranstaltungsreihe soll bewusst offen gestaltet sein, um ein breites Publikum anzusprechen. „Es ist uns wichtig, dass sich hier nicht nur Kunstexperten, sondern auch neugierige Laien willkommen fühlen“, so Beyer weiter.

Die Verbindung zum Kult-Restaurant „Brücke“

Ein besonderer Aspekt der Galerie Brücke ist ihre Verbindung zum gleichnamigen Restaurant, das viele Jahre lang ein Fixpunkt für Hamburgs Kulturszene war. Das Restaurant, das nur wenige Meter entfernt lag, war bekannt für seine kosmopolitische Atmosphäre und wurde von Künstlern, Intellektuellen und Genussmenschen gleichermaßen geschätzt.

„Die Idee, diese Verbindung im Namen aufzugreifen, kam uns ganz natürlich“, erzählt von Allwörden. „Die Brücke war nicht nur ein Ort des Essens, sondern ein Ort des Austauschs – genau wie die Galerie es sein soll.“

Mit diesem Anspruch möchte die Galerie auch in die Fußstapfen des Restaurants treten und zu einem Treffpunkt werden, an dem sich Kunst- und Kulturschaffende aus ganz Hamburg versammeln.

Das Raumkonzept: Kunst trifft auf Begegnung

Die Räumlichkeiten der Galerie sind so gestaltet, dass sie den Saloncharakter unterstreichen. Im vorderen Bereich gibt es eine Ausstellungsfläche, die durch ihre offene Architektur vielseitig nutzbar ist. Hier können großformatige Gemälde, Fotografien und Installationen präsentiert werden.

Im hinteren Bereich befindet sich ein gemütlicher Salon mit einer kleinen Bühne, der für Lesungen und Konzerte genutzt wird. „Wir wollten einen Raum schaffen, der sowohl intim als auch offen ist“, erklärt Beyer. „Die Galerie ist nicht nur ein Ort des Schauens, sondern auch ein Ort des Zuhörens und Dialogs.“

Ein besonderes Highlight ist der Garten, der in den Sommermonaten für Veranstaltungen im Freien genutzt werden soll. Ob Open-Air-Konzerte oder Gesprächsrunden unter freiem Himmel – die Möglichkeiten sind vielfältig.

Kunst und Nachhaltigkeit

Neben dem kulturellen Anspruch legt die Galerie Brücke auch großen Wert auf Nachhaltigkeit. Die Renovierung der Räumlichkeiten wurde unter ökologischen Gesichtspunkten durchgeführt, und die Galerie arbeitet mit lokalen Handwerkern und nachhaltigen Materialien.

„Nachhaltigkeit ist ein zentraler Wert unseres Projekts“, erklärt von Allwörden. „Wir möchten nicht nur inhaltlich, sondern auch strukturell verantwortungsvoll handeln.“ Dazu gehört auch, dass Künstler gefördert werden, die sich in ihren Werken mit ökologischen und sozialen Themen auseinandersetzen.

Ein neues Kapitel für Harvestehude

Mit der Galerie Brücke beginnt in Harvestehude ein neues kulturelles Kapitel. Die Mischung aus Ausstellungen, Konzerten, Lesungen und Workshops soll die Nachbarschaft beleben und Menschen aus verschiedenen Lebenswelten zusammenbringen.

„Kunst hat die Kraft, Menschen zu verbinden und Horizonte zu erweitern“, sagt Carolin Beyer. „Mit der Galerie Brücke möchten wir einen Raum schaffen, in dem genau das möglich wird.“

Die Eröffnung der Galerie markiert nicht nur die Wiederbelebung eines historischen Ortes, sondern auch die Fortsetzung einer Tradition, die Kunst und Begegnung in den Mittelpunkt stellt. Hamburg darf sich auf ein neues kulturelles Juwel freuen – und auf viele inspirierende Abende in der Galerie Brücke.

(Quellen: Galerie Brücke, KulturPort.De, Bei uns in Norden)

Die Künstlerin und Galeristin Dhira Sarah Barein freut sich Gastgeberin eines besonderen Abends für alle Sinne voller Poesie, Musik und Tanz zu sein. Die renommierten Autorinnen Fereshteh Vaziri und die Schauspielerin Niloofar Bijanzadeh werden in die faszinierende Welt der persischen Literatur entführen. Begleitet wird ihre Lesungen von der schönen Stimme der Sängerin Tiba, die während des Persischen Kulturabends mit persischen Liedern verzaubern wird, begleitet von Said Torkaman am Klavier.

Im Anschluss daran dürfen wir uns auf eine mitreißende Vorführung der Donya Dance Tanzgruppe freuen, die uns mit ihren eleganten Bewegungen in den Bann ziehen wird. Außerdem ist für ihr Leibliches Wohl gesorgt mit persischem Fingerfood und Erfrischungsgetränken.

Der Preis liegt bei 20€ pro Person.

Ausstellungen der Galerie

Natürlich ist während des Persischen Kulturabends auch die laufende Ausstellung der Galerie zu betrachten. Bis zum 23.06.2024 läuft die Ausstellung TRANSFORMATION von Nabiha & Thom und Arbeiten von Irmin Bernstädt. Ein Interview mit Nabiha und Thom finden Sie hier: Nabiha &  Thom im Interview – AUSSTELLUNG FOTOGRAFIE UND KI

Safe the Date!

Im Anschluss zu TRANSFORMATIONEN findet am 29.6.  die Vernissage zur Solo-Ausstellung von Künstler und Kunstpädagoge Chris Morys statt. Morys feiert in diesem Jahr 10 jähriges Künstler Jubiläum und Besucher können sich auf positiv abstrakte Werke und einen Querschnitt aus den letzten Jahren freuen. Werk der Woche #100 – FLOW III von Chris Morys

Am 13.09 bis zum 15.09 findet die Kunstmesse Arte Wiesbaden statt, wo Dhira Art zusammen mit Nabiha von Unity Art einen Stand haben.

Weitere Veranstaltungen und Projekte werden in Kürze bekanntgegeben. Kunstfreunde, die nichts verpassen möchten, sollten die Webseite der Galerie im Blick behalten: www.dhira-art.com

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Kunst rund um den See: Dreißig riesige, farbige Stahl-Schatten Skulpturen und Glasstelen des Künstlers Stefan Szczesny werden durch ein Spiel von Licht und Schatten, subtilen Formen und Transparenzen in Dialog mit der spektakulären Naturkulisse des Sees und der umliegenden Berge treten. Die farbigen Stahlskulpturen, die weltweit schon u. a. in New York, Miami, London, Paris, St. Barth und St. Tropez, wo der Künstler seit 2000 lebt, ausgestellt wurden, kommen für die Ausstellung am Tegernsee erstmals wieder zusammen und werden im gesamten Tegernseer Tal an prominenten Stellen platziert.

Das Highlight ist die 6,5 Meter hohe Skulptur „Baum des Lebens“, die 2014 anlässlich der Retrospektive „Szczesny: Metamorphoses Méditerranéennes“ entstand. Der „Baum des Lebens“ ist eine Vision des irdischen Paradieses. Eine Ode an das Lebensglück, das dem Künstler Stefan Szczesny am Herzen liegt. Die Szenerie stellt Figuren dar, die sich in der Struktur des Baumes bewegen. Die Reflexionen der spiegelpolierten Figuren ermöglichen es dem „Baum des Lebens“, das Licht einzufangen und sich durch das Spiel von Licht und Transparenzen harmonisch in die Umgebung einzufügen.

Die Skulptur wurde im Sommer 2015 in der Villa Domergue, danach in der Zitadelle von Saint-Tropez während der Ausstellung „Szczesny: Sculptures 2005-2017“ und 2022 auf dem Vorplatz des Rathauses von Grimaud ausgestellt. Dieses Meisterwerk von Szczesny kam durch die Unterstützung der Cosmo Art & Science Foundation an den Tegernsee.

Neben diesen Szczesny-Skulpturen wird im Juni & Juli 2024 eine große Szczesny-Retrospektive mit Bildern, Keramiken und Skulpturen in der Galerie RPN Fine Arts in Rottach-Egern gezeigt. Mehr über die Galerie finden Sie hier: www.rnp-finearts.com

Stefan Szczesny

Der Maler, Zeichner und Bildhauer Stefan Szczesny wurde 1951 in München geboren. Szczesny studierte von 1969 bis 1975 an der Akademie für angewandte Kunst in München.

Er organisierte 1981 die erste Ausstellung „Rundschau Deutschland“ als Protagonist der neoexpressionistischen Malbewegung in Deutschland. Und er wurde als Vertreter der Strömung international bekannt. Im Jahr 1994, zog er nach New York und gründete 1996 die Szczesny Factory. Mitte der 1990er-Jahre verlegte er sein Studio auf die Insel Mustique. Die karibische Umgebung verkörpert für den Künstler die Kontinuität der mediterranen Lebensart und inspiriert sein Werk, das dadurch opulenter, sinnlich, farbenfroh und strahlend wird.

Im Jahr 2001 zog Szczesny nach Saint-Tropez, wo er im Licht der blauen Küste Côte d’Azur in seinem Atelier lebt und arbeitet. Für Stefan Szczesny ist der weibliche Körper eine Allegorie des Lebens – sinnlich gemeint und sinnlich empfunden. Die Grundbotschaft seiner frischen, farbigen Bilder ist dabei etwas Positives, begeistern uns als Betrachter und stimmen uns auch in dunklen Zeiten positiv und gut gelaunt.

 

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Die Initiatoren

Die Initiatoren der Tegernsee Art Masters sind Heino Stamm, renommierter Architekt und Veranstalter der ersten Szczesny Ausstellung am Tegernsee 2008. Der Verein „Tegernsee Art Masters“, Michael Käfer, Käfer Group – Gut Kaltenbrunn und Rebecca Niehues-Paas, Gründerin und Leiterin der Galerie RNP Rottach-Egern. Und die Tegernseer Tal Tourismus GmbH. Unterstützt wird das Kunstprojekt von Titelsponsor Zimmermann Immobilien Rottach-Egern.

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„Space Night“ – In der stillen Weite des Kosmos, wo die Dunkelheit herrscht und die Sterne nur in der Ferne flüstern, liegt die ätherische Schönheit der Weltraumnacht. Hier, jenseits der Grenzen unserer eigenen Milchstraße, inmitten der riesigen Weite fremder Galaxien, entfaltet sich ein faszinierendes Schauspiel. Jede Galaxie erzählt ihre eigene Geschichte, eine in den Sternen geschriebene Geschichte von katastrophalen Kollisionen, Sternentstehungen und dem unaufhörlichen Lauf der Zeit.

Wenn man in die Tiefen der Weltraumnacht blickt, flackern entfernte Quasare und Pulsare wie ferne Leuchtfeuer und speien ihr Licht, bemalen dabei die kosmische Leinwand und schlängeln sich wie himmlische Pinselstriche durch die Leere.

Sind Sie bereit, mit Bernd Luz auf eine magische Reise zu gehen?

 

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Bernd Luz hat sich von Aufnahmen des James Webb Teleskopes für sein neues Werk „Space Night X“ inspirieren lassen. Das großformatige Wandbild mit nahezu 50 Quadratmetern war ein Auftrag der Kunsthalle Messer in Riegel am Kaiserstuhl.

Inhaber Jürgen Messmer zeigte großes Vertrauen in den Künstler Bernd Luz und ließ ihm freie Hand. Innerhalb von 3 Tagen entstand das Werk. Zum Malen war eine Arbeitsbühne notwendig. Immer wieder musste Luz vom Arbeitsgerät steigen und von der Ferne überlegen welches seine weiteren Schritte sind und wie die Komposition am Besten harmoniert. Selbst immer wieder kehrende Regenschauer konnten den Künstler nicht stoppen. Mit Walze, Pinsel und Spachtel entstand ein Werk mit enormer Ausstrahlung und Wirkung.

Weitere Werke von Bernd Luz zeigt die Kunsthalle im Foyer. Für das vierte Quartal des Jahres ist in der Kunsthalle eine Ausstellung seiner Werke geplant.

Zur Kunsthalle Messmer

Die Sammlung Messmer umfasst ca. 1000 Gemälde und Skulpturen aus den Bereichen Klassischer Moderne und zeitgenössischer Kunst. Wesentlicher Bestandteil der Sammlung bildet das Werk des Schweizer Künstlers André Evard, dessen Nachlass durch die Messmer Foundation betreut wird. Ein spezieller Schwerpunkt der Sammlung liegt in der Stilrichtung Konkret-Konstruktive Kunst.

Zur Webseite der Kunsthalle: Aktuell – Kunsthalle Messmer

Weitere Informationen

Zur Webseite des Künstlers: Bernd Luz

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Obwohl sich die Künstlerin  Nina Florence Juncker viel mit Technik, Drucken und digitalen Medien auseinandersetzt, wurden im Rahmen der Ausstellung viele Originale und Unikate gezeigt – rund die Hälfte bestand aus Drucken auf Papier in Din A3, aber auch größere Editionen auf Acrylglas und Fotoboard wurden angeboten.

Der Workshop am Sonntag war schnell ausgebucht und die Teilnehmer hinterließen ein durchgehend positives Feedback – das motiviert die Künstlerin natürlich den Workshop zukünftig auch in anderen Events einzubauen. Weiterhin verfolgt die Künstlerin den Plan, den Workshop Parkinson Patienten kostenlos zur Verfügung stellen zu können. Für Kontaktaufnahmen von Galerien und Veranstalter bzgl. Kooperationen ist Nina Juncker offen.

Ich habe mich gefreut in dieser Ausstellung einen kleinen Überblick meiner vielseitigen Werke zu zeigen. Die durchweg positive Resonanz, der Austausch mit den Gästen, die gute Zusammenarbeit mit Alexine Good sowie die Showacts an beiden Tagen, haben das ganze Event für mich zu einem nachhaltigen Erlebnis gemacht. – Nina Florence Juncker

 

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Die britische Galeristin Alexine Good fasst das Wochenende zusammen: “ It was a total pleasure preparing the exhibition with Nina. She has a phenomenal energy, a huge range of work,  very good ideas and a lot of talent. She was comfortable talking with absolutely everyone who walked in the door. She‘s also brilliant with her graphic skills, a very useful addition to her artistic skills. I learnt a lot from working with her, and  hope to be able to do so again in the future.“

TIPP: Die Schmetterlingsserie von Nina Florence Juncker bei uns im Shop, wird in Kürze durch eine neue Serie ersetzt! Kunstsammler, die nichts verpassen möchten, sollten unsere Webseite oder die Kanäle von der Künstlerin im Blick behalten!

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Ausgewählte Arbeiten der Künstlerin finden Sie auch bei uns im Shop!

Zur Webseite der Künstlerin: Nina Juncker Art Portfolio

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Ab 18 Uhr haben alle Galerien und Museen in Wetzlar geöffnet und laden bei freiem Eintritt zu einem reichhaltigen Kultur-Angebot an Führungen, musikalischen Beiträgen, Kunstaktionen und Workshops ein. Außerhalb der Altstadt sind auch die Galerie des Neuen Rathauses, Ernst-Leitz-Straße 30, das Ernst-Leitz-Museum im Leitz-Park, die Galerie in der Raumwerkstatt, Altenberger Straße, und die Stadtgalerie im Kulturhaus, Bahnhofstraße 6, dabei, die alle im Halbstundentakt mit dem kostenlosen „Kunstshuttle“-Bus erreicht werden können.

Eröffnet wird das Abendprogramm offiziell um 18 Uhr mit der Vernissage zur Ausstellung „Wasser“ des Wetzlarer Kunstvereins in der Stadtgalerie, Bahnhofstraße 6. Mehr als ein Dutzend Ausstellungen von international bekannten Künstlern wie Werner Bischof und Emanuele Scorcelletti bis hin zu heimischen Malern und Bildhauern bieten sich den Besuchern. In der Volkshochschule, Bahnhofstraße 3, findet von 18 bis 20 Uhr ein Mitmachangebot zum Arbeiten mit Acryl und urban Sketching statt.

Galerie am Dom zeigt Salustiano, Nikki Pelaez und Corjan Nodelijk

Es ist wirklich eine kleine Sensation, dass der spanische Künstler Salustiano zur Ausstellungseröffnung eigens aus Sevilla anreist. Denn aktuell kann er sich kaum vor Anfragen retten, nachdem sein Entwurf für die „Semana Santa“ große Wellen geworfen hat und weltweit in der Presse diskutiert wurde. Salustiano bringt sogar ein eigens für die Ausstellung entworfenes Bild mit – eine unfassbar schöne runde Leinwand, für die er so berühmt ist.

Zur offiziellen Eröffnung am Freitag, 7. Juni um 20 Uhr wird der Künstler im Gespräch mit den Galeristen sein!

Hier finden Sie weitere Arbeiten des Ausnahmekünstlers: Der Künstler Salustiano | Galerie am Dom 

Vis-à-vis der Galerie am Dom, dem Artshop präsentiert die Galerie Werke der niederländischen Künstler:in Nikki Pelaez und Corjan Nodelijk.

„Von Menschen. Und Tieren.“ von Nikki Pelaez und Corjan Nodelijk im Artshop

In den Papier-Unikaten von Pelaez ist die menschliche Figur Mittelpunkt der sensiblen, poetischen Bilderzählungen. In ornamentaler Zartheit jongliert sie großartig verschiedenste Techniken, bis sich ihre diversen Schablonen zu einem perfekten Ganzen zusammenfügen, verschiedene Ebenen, geschichtet wie aus der Hand eines Bildhauers.

Und so manches Mal finden sich dort auch Kreaturen der Fauna in Ambiguität ein. In hauchdünner Linie hingeworfen, ganz fremd und gleichzeitig so, als würden sie stets dort verweilen… Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Nikki Pelaez

 

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In harmonischer Gegenüberstellung dazu stehen die Skulpturen von Corjan Nodelijk. Er ist Komponist und professioneller Fragensteller. Dass seine Kreaturen – zumeist aus Menschen oder aus Wesen der Fauna – merkwürdig erscheinen, liegt schlussendlich daran, dass der Betrachter ein festgefügtes Bild im Kopf trägt. Welches der Bildhauer ordentlich schief zu rücken vermag. Zuweilen sind seine niemals bei Brehm zu entdeckenden tierischen Individuen Mischwesen aus zwei oder mehr Gattungen zusammengewürfelt, gestreckt, gedehnt, gelängt, verkürzt oder was dem Tonzauberer sonst gerade in den geistgefüllten Sinn und die formenden Hände kommt.

Sie sind voller Weisheit und Poesie, treten uns immer positiv und lebensbejahend gegenüber. Wie kleine Hausgeister, mit denen man liebend gerne zusammenlebt.Mehr über den Künstler: Corjan Nodelijk 

Weitere Informationen

Alle Künstler sind zur Nacht der Galerien am 7.6.2024 anwesend und stehen gerne für Interviews zur Verfügung! Die Ausstellungen werden feierlich am Freitag, den 7. Juni 2024 ab 19 Uhr eröffnet. Und laufen dann zu den üblichen Geschäftszeiten bis zum 6. Juli 2024.

Das gesamte Rahmenprogramm finden Sie hier: Programm-Flyer-Nacht-der-Galerien-und-Museen-2024.pdf

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Johannes Schenk (1941-2006), aufgewachsen in Worpswede, wurde mit vierzehn Schiffsjunge und anschließend Matrose. Bereits sieben Jahre später war er mit einem umgebauten Rettungsboot unterwegs in die Südsee. Er kam bis Casablanca, wo er seine Tätigkeit als Seemann beendete. Anschließend fand er Arbeit als Takler, Stauer und Schiffsreparierer sowie als Gärtner, Straßenarbeiter, Buchhändler und Bühnentechniker an der Berliner Schaubühne am Halleschen Ufer.

Schenk war Schriftsteller und schrieb Gedichte, Romane, Erzählungen, Theaterstücke und Texte für Kinder-Hörbücher. Er lebte seit den 60er Jahren in Berlin-Kreuzberg, wo er der Lebensgefährte der Malerin Natascha Ungeheuer wurde. Mit ihr und andere gründete er 1969 das Kreuzberger Straßentheater.

In „Schenks Sonntagscafé“ – angesiedelt in einer leerstehenden Fabrik – hielt er Lesungen ab, u.a. mit Kurt Mühlenhaupt und Jurek Becker. Der Maler A. R. Penck trat dort mit seiner „Penck Band“ auf. In den 90er Jahren zog Schenk zurück nach Worpswede, wo er in einem Zirkuswagen lebte und als Maler tätig wurde.

Seinen Kreuzberger Drucker bezahlte er mit großen Klappbildern in Öl auf Holz gemalt, die ihn per Post als Sperrgut in Berlin erreichten. Die Galerie Brockstedt zeigt 20 Stück von diesen einmaligen Exponaten. Ähnlich wie Gauguin malte Schenk seine Vorstellung vom Paradies in der Südsee. In der Worpsweder Bergstraße, gleich neben dem Philine-Vogeler-Haus, lag bis zum Frühjahr 2013 das marode Boot „Gaaguim“, das ihn fast bis in die Südsee gebracht hätte.

(Text: Dr. Uta Schnell)

Schenk war oft Stipendiat:

1979 Writer-in-Residence am Oberlin College in Oberlin (Ohio/USA); 1986 Villa Serpentara-Stipendium in Olevano bei Rom; 1989 Autorenstipendium der Stiftung Preußische Seehandlung; 1997 Kester-Heusler-Ehrengabe der Deutschen Schillerstiftung.
Er wurde Mitglied im P.E.N. – Zentrum deutschsprachiger Autoren im Ausland – und sein Nachlass befindet sich im Archiv der Akademie der Künste Berlin.

Johannes Schenk

Johannes Schenk, Schriftsteller und Maler: geb. 2. Juni 1941 in Berlin. gest. 4. Dezember 2006 in Berlin. Johannes Schenk war Sohn des Schriftstellers und Fotografen Gustav Schenk. Er wächst in Worpswede auf.

Seit 1955 fuhr Johannes Schenk bereits vierzehnjährig zur See und heuerte als Matrose auf elf verschiedenen Motorsegel- und Frachtschiffen an.

1962 letzte Reise auf einem zum Segler umgebauten Rettungsboot bis Casablanca/Marokko, wo er seine Tätigkeit als Seemann beendete, Arbeit als Takler, Stauer und Schiffsreparierer.

Ab 1963 übte Schenk in Berlin Gelegenheitstätigkeiten aus (u.a. als Straßenarbeiter, Gärtner, Buchhändler Tellerwäscher sowie als Bühnenarbeiter und Mitwirkender an der Schaubühne am Halleschen Ufer.

Seit 1964 war Schenk der Lebensgefährte der Malerin Natascha Ungeheuer.

1969 Gründung des „Kreuzberger Straßentheaters“, hier Aufführung seiner Stücke.

1986 -1993 betrieb er das „Schenksche Sonntagscafé“ in einem Kreuzberger Fabrikgebäude, wo er Lesungen eigener Stücke abhielt und Lesungen von Kurt Mühlenhaupt und Jurek Becker organisierte. Der Maler A. R. Penck trat im Sonntagscafé mit seiner „Penck Band“ auf.

1979 Writer-in-Residence am Oberlin College in Oberlin (Ohio/USA)

1986 Villa Serpentara-Stipendium in Olevano bei Rom

1989 Autorenstipendium der Stiftung Preußische Seehandlung

1997 Kester-Heusler-Ehrengabe der Deutschen Schillerstiftung

In den 90er Jahren zog Schenk zurück nach Worpswede, wo er in einem Zirkuswagen lebte und als Maler tätig wurde. In der Worpsweder Bergstrasse, gleich neben dem Philine-Vogeler-Haus, lag bis zum Frühjahr 2013 das (marode) Boot („Gaaguim“).

Sein Nachlass befindet sich im Archiv der Akademie der Künste, Berlin. Johannes Schenk liegt auf dem Friedhof III der Jerusalems- und Neuen Kirchengemeinde in Berlin-Kreuzberg, direkt hinter dem Grab von E. T. A. Hoffmann begraben.

Johannes Schenk lebte abwechselnd in Worpswede und Berlin. Er schrieb Gedichte, kurze Prosa, Romane, Stücke, Aufsätze und war ein großartiger Briefschreiber.

Johannes Schenk begann als Verfasser von Theaterstücken und Lyrik in Agitprop-Manier: Seine Sympathie galt den Unterdrückten und Unterprivilegierten, denen er in seinen Texten die Utopie eines anderen Lebens vermitteln wollte. Unter dem Einfluss ausgedehnter Lektüre nehmen in seinen späteren Gedichten und Prosawerken die Motive der Sehnsucht und das Thema der Seefahrt einen breiteren Raum ein.

Werke (Auswahl)

• Fisch aus Holz. Spiel in 11 Bildern, gezeichnet von Natascha Ungeheuer. Neue Rabenpresse,
Berlin 1967.
• Bilanzen und Ziegenkäse. Gedichte mit Zeichnungen von Natascha Ungeheuer. Neue
Rabenpresse, Berlin 1968.
• Zwiebeln und Präsidenten. Gedichte. Wagenbach, Berlin 1969.
• Transportarbeiter Jakob Kuhn. Theatertext (1972). In: Spectaculum 25/Bd. III. Suhrkamp,
Frankfurt am Main 1976.
• Die Genossin Utopie. Gedichte. Wagenbach, Berlin 1973.
• Das Schiff. Schauspiel. Verlag der Autoren, Frankfurt am Main 1974.
• Jona. Gedichte. Rowohlt, Reinbek bei Hamburg 1976.
• Die Stadt im Meer. Kinderroman, mit Zeichnungen von Natascha Ungeheuer. Luchterhand,
Darmstadt und Neuwied 1977.
• Zittern. Gedichte. Wagenbach, Berlin 1977.
• Der Schiffskopf. Geschichten. Rowohlt, Reinbek bei Hamburg 1978.
• Für die Freunde an den Wasserstellen. Gedichte. Rowohlt, Reinbek bei Hamburg 1980.
• Gesang des bremischen Privatmanns Johann Jakob Daniel Meyer. Athenäum Verlag,
München u. Königstein 1982.
• Die Abenteuer des Erfinders Philipp Nobalbo, zus. mit Natascha Ungeheuer, Hamburg 1984.
• Café Americain. Gedichte. Deutsche Verlags-Anstalt, Stuttgart 1985.
• Bis zur Abfahrt des Postdampfers. Gedichte. Deutsche Verlags-Anstalt, Stuttgart 1988.
• Licht im Moor. Erinnerung. Fotografien von Hans Saebens. Herausgegeben von Horst
Wöbbeking. Atelier im Bauernhaus, Fischerhude 1990.
• Spektakelgucker. Gedichte. Deutsche Verlags-Anstalt, Stuttgart 1990.
• Unter dem Holunderbusch. Gedichte. Linolschnitte von Wolfgang Jörg. Berliner Handpresse,
Berlin 1991.
• Dorf unterm Wind. Eine Kindheit in Worpswede. Deutsche Verlagsanstalt, Stuttgart 1993.
• Hinter dem Meer. Gedichte. Donat Verlag, Bremen 1998.
• Segeltuch. Gedichte. Gerike, Berlin 1999.
• Überseekoffer. Gedichte. Gerike, Berlin 2000.
• Galionsgesicht. Ein Gedicht. Selbstverlag, Berlin 2002.
• Salz in der Jackentasche. Gedichte. Selbstverlag, Berlin 2005.
• Jo Schattig. Roman, aus dem Nachlaß veröffentlicht. Wallstein, Göttingen.
• Geschenke. 14 Gedichte, eine Geschichte, Zeichnungen. Mit Lithographien von Natascha
Ungeheuer. Edition Mariannenpresse, Berlin 2007.
• Die Gedichte. 1964–2006. Wallstein, Göttingen 2009.
• Außerdem Geschichten und Hörspiele für Kinder, u.a. „Kapitäns Nacht“ und für “Ohrenbär“
schrieb er: Der Gärtner Herr Sirpopel versucht, Weihnachten zu feiern , Der Gärtner Herr
Sirpopel wird Kaffeehausbesitzer , Der Gärtner Herr Sirpopel fährt nach Amerika , Die luftigen
Umzüge des Gärtners Sirpopel
• Übersetzung zusammen mit H. Achmed Schmiede von: Aras Ören, Was will Niyazi in der
Naunynstraße? Aus dem Türkischen. Rotbuch Verlag, Berlin 1973.

Weitere Informationen

Titelbild: Johannes Schenk, Am Zitronenkap, 1998, 100 x 200 cm, Öl auf Holz

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