Jede Skulptur von Michaela Achatz entwickelt sich aus dem Moment heraus. Sie folgt den organischen Linien des Holzes, lässt sich von Rissen, Kanten und Maserungen leiten, bis eine ausdrucksstarke, reduzierte Form entsteht. Nicht Perfektion interessiert sie, sondern das Lebendige – das Unvorhersehbare, das jedem ihre Werk seinen eigenen Charakter gibt.

Inspiration findet sie nicht nur in der Natur, sondern auch viel in Menschen. So beobachtet Achatz Bewegungen, Gesten, Haltungen – oft sind es flüchtige Momente, Begegnungen auf der Straße, die sie tief berühren und ihre Kunst beeinflussen. Präsenz, Vergänglichkeit und Ausdrucksstärke sind zentrale Elemente ihrer Arbeit. Sie möchte keine fertigen Antworten geben, sondern Raum für eigene Wahrnehmungen und Emotionen öffnen.

Ihr künstlerischer Weg ist unkonventionell. Ohne akademische Ausbildung, aber mit umso mehr Leidenschaft und Experimentierfreude hat sie ihre eigene Formsprache entwickelt. Seit 2020 widmet Michaela Achatz sich konsequent der Kunst – frei von vorgegebenen Normen, aber tief verbunden mit dem Material.

Michaela Achatz im Interview

Wo sind Sie gerade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin gerade mitten im kreativen Prozess und arbeite aktuell an drei Skulpturen, wobei eine davon bereits weiter fortgeschritten ist. Meine Arbeiten entstehen intuitiv, und dieser Moment, wenn aus dem rohen Material eine Form sichtbar wird, fasziniert mich jedes Mal
aufs Neue.

Wie viele Kunstwerke haben Sie bis heute erschaffen und wie viele davon würden Sie als gelungen bezeichnen?

Da ich Quereinsteigerin bin, habe ich in den letzten Jahren viele verschiedene Richtungen ausprobiert – von Holzskulpturen über abstrakte Malerei bis hin zu Mixed-Media-Arbeiten. Seit letztem Jahr liegt mein Fokus klar auf der Bildhauerei. Seit Sommer 2024 habe ich fünf Skulpturen fertiggestellt und arbeite aktuell an drei weiteren.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess eines Ihrer Werke vorstellen?

Meine Arbeit ist stark intuitiv. Ich beginne nie mit einer festen Skizze oder einem klaren Plan, sondern lasse mich vom Material leiten. Besonders das Holz „spricht“ zu mir – ich arbeite oft mit unperfektem Holz, mit Witterungsspuren, Ästen und Rissen. Ein makelloser, perfekt zugeschnittener Block würde mich nicht inspirieren. Ich folge den natürlichen Strukturen und entdecke dabei die Skulptur, die bereits im Holz verborgen liegt.

Mit welchen Materialien arbeiten Sie?

Ich arbeite hauptsächlich mit Lindenholz, besonders für meine Köpfe, da es sich hervorragend für feine Schnitzarbeiten eignet. Gleichzeitig experimentiere ich gerne mit Esche, Fichte, Eiche und Nussbaum, um ihre spezifischen Eigenschaften in meine Skulpturen einfließen zu lassen. Besonders inspirieren mich Hölzer mit Witterungsspuren, Astlöchern und Rissen, da sie bereits eine Geschichte erzählen und meine Formgebung beeinflussen. Neben Holz arbeite ich auch mit Metall, Porzellan und recycelten Materialien. Ich kombiniere verschiedene Materialien und suche immer nach neuen Wegen, diese miteinander zu verbinden. Demnächst mache ich einen Schweißkurs, um Metall noch stärker in meine Skulpturen einfließen zu lassen. Ich finde es spannend, wie sich harte, industrielle Materialien mit dem organischen Charakter von Holz kombinieren lassen.

Was machen Sie mit einem Kunstwerk, wenn Sie selbst einmal nicht zufrieden sind?

Ich lasse es stehen. Manchmal braucht ein Werk einfach Zeit. Es gibt Momente, in denen ich nicht weiterkomme, aber das bedeutet nicht, dass das Werk gescheitert ist – es muss vielleicht einfach ruhen, bis der richtige Impuls kommt. Oft entstehen gerade aus diesem
Prozess heraus die spannendsten Werke.

Was macht gute Kunst für Sie aus?

Gute Kunst bewegt. Sie kann faszinieren, Freude bereiten oder einen unerwarteten Moment der Erkenntnis hervorrufen. Ich liebe es, wenn ein Kunstwerk eine emotionale Reaktion auslöst – sei es bei mir während des Schaffensprozesses oder bei jemandem, der es später betrachtet.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben, oder kann sie auch einfach nur schön sein?

Kunst muss nicht zwangsläufig eine klare Botschaft haben. Für mich zählt vor allem, dass sie wirkt – und das ist für jeden Menschen unterschiedlich. Ein Kunstwerk kann tief berühren, ästhetisch ansprechend sein oder einfach nur einen Moment des Staunens und der Faszination auslösen. Das allein ist bereits wertvoll.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Kunst eröffnet neue Perspektiven, gibt Denkanstöße und hinterfragt Grenzen. Doch wo verlaufen diese überhaupt? Grenzen können einschränken, den Blick verengen – und doch sind sie tief in gesellschaftlichen und moralischen Normen verankert.

Ich finde es spannend, immer wieder über diese „Grenzen“ hinauszudenken und sie bewusst zu hinterfragen. Während meiner Zeit in China vor zehn Jahren wurde mir durch den Kontakt mit einer mir völlig fremden Kultur bewusst, wie sehr unser Denken von erlernten Grenzen geprägt ist. Diese Erfahrung hat mich inspiriert, meinen Kopf zu öffnen und stets zu fragen: Was liegt dahinter? Was bleibt verborgen? Genau dieser Reiz treibt mich an – der Wunsch, über das Offensichtliche hinauszublicken. Trotzdem gibt es für mich eine klare Grenze: Kunst sollte moralische und ethische Grundwerte nicht überschreiten.

Wie sind Sie überhaupt zur Kunst gekommen?

Kunst hat mich schon seit meiner Kindheit fasziniert – ich habe immer gerne kreativ gearbeitet. Damals hatte ich jedoch noch nicht den Mut oder das Vertrauen, dass ich diesen Weg wirklich gehen könnte. Vor etwa fünf Jahren bin ich dann wieder intensiver zur Kunst zurückgekommen und habe zunächst viel experimentiert. Ich begann mit Malerei, Motorsägen-Skulpturen und Mixed Media und habe mit verschiedenen Materialien gearbeitet. Die Malerei hat mich interessiert, aber ich hatte nie das Gefühl, dort wirklich außergewöhnliche Werke zu schaffen. Mit der Bildhauerei ist das anders – sie fesselt mich, macht mir Spaß und gibt mir das Gefühl, wirklich einzigartige Kunst zu erschaffen. In meinen Skulpturen sehe ich etwas Besonderes, das bleibt und eine eigene Präsenz hat. Dieses Gefühl treibt mich an und lässt mich immer weiter in die Formensprache des Materials eintauchen.

Können Sie uns schon verraten, was als nächstes bei Ihnen passiert?

Momentan arbeite ich daran, meine Kunst einem größeren Publikum zugänglich zu machen. Ich möchte gezielt mit Galerien in Kontakt treten und meine Werke in passenden Ausstellungen präsentieren. Gleichzeitig bleibe ich meiner künstlerischen Intuition treu und lasse mich weiterhin von neuen Materialien und Ideen inspirieren. Wo genau mich dieser Weg hinführt, weiß ich noch nicht – aber sicher ist, dass ich ihn weitergehe.

Danke für Ihre Zeit und Mühe!

Wer die Künstlerin bei der Arbeit gesehen hat, weiß – dass das mehr als ein leeres Versprechen ist. Wir sind gespannt, wohin die Reise von Michaela Achatz gehen wird und werden mit Sicherheit berichten.

 

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Die Ausstellung in Köln markiert nicht nur Josués Deutschland-Debüt, sondern auch einen besonderen Moment für die Ehren Art Galerie: Zum ersten Mal stehen Skulpturen im Fokus einer Ausstellung. Insgesamt 15 Skulpturen werden gezeigt, darunter bedeutende Werke aus Josués Debütkollektion sowie neue Arbeiten.

Einige der Skulpturen wurden vom international anerkannten, jungen Künstler Mikail Akar bemalt, der mit seinen farbenfrohen und dynamischen Akzenten Josués Werke auf eindrucksvolle Weise ergänzt.

Josue Benjamin Torres

Der venezolanische Künstler Josué Benjamín Torres begann 2020 seine Laufbahn mit einem Kunstprogramm beim Sender Nickelodeon. Anschließend eröffnete er seine eigene Galerie in Caracas. Eines seiner herausragendsten Werke ist die größte Skulptur des Heiligen Augustinus von Hippo weltweit, die sowohl durch ihre beeindruckende Größe als auch durch die künstlerische Vision und die technische Ausführung besticht.

Er ist vor allem für seine lebendigen und farbenfrohen Skulpturen aus Plastilin bekannt, mit denen er nicht nur eine verspielte Ästhetik, sondern auch tiefgründige Geschichten und Emotionen vermittelt. Seine Arbeit mit Plastilin verleiht seinen Werken eine einzigartige Textur und Flexibilität. Das Material ist in der bildenden Kunst eher unüblich, was ihn zu einem Innovator macht.

Josués Werke verbinden oft Elemente der Popkultur mit lateinamerikanischer Tradition und Mythologie. Seine Kunst nutzt er oft, um soziale und kulturelle Themen anzusprechen, fast immer mit einer humorvollen oder kritischen Perspektive. Josué sieht seine Kunst nicht nur als Ausdruck seiner Kreativität, sondern auch als Möglichkeit, Menschen zu inspirieren und Botschaften zu vermitteln. Seine Werke haben oft eine positive, lebensbejahende Wirkung und begeistern sowohl Kinder als auch Erwachsene.

Trotz seines jungen Alters von 15 Jahren hat Josué Benjamín Torres bereits international ausgestellt, unter anderem in Lateinamerika, Europa und den USA. Seine Werke haben große Aufmerksamkeit in der Kunstwelt erlangt und seine künstlerische Leistungen wurden von renommierten Medien, einschließlich Kunstzeitschriften und TV-Sendern, gewürdigt.

 

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Veranstaltungsdetails

Vernissage am 25. Januar 2025 um 18:30 Uhr
Ausstellung am 26. Januar 15 Uhr – 19 Uhr
Ab dem 27. Januar 02. Februar 2025 von Dienstags bis Freitags 12:00 – 14:00 Uhr + 16:30-19 Uhr

Veranstaltungsort: Gallery Ehren Art, Hüttenstraße 32, 50823 Köln.

Die Gallery Ehren Art ist bekannt für ihre vielfältigen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst und die Förderung junger Talente. Weitere Informationen finden Sie auf der offiziellen Website der Galerie.

Weitere Informationen

Zur Webseite der Galerie: GALLERY EHREN ART

Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert, so auch der auffällige Weinschrank mit dem Namen KAULI, welcher 2010 entstand.

Ein Interview mit dem Künstler finden Sie hier: Felix Vierfinger im Interview – Auffällige Skulpturen und Malereien

Werk der Woche #114 – Weinschrank KAULI

Der Weinschrank „Kauli“ wurde aus Stahl gefertigt und mit einer Tresortür versehen, im inneren ist eine LED-Beleuchtung mit Fernbedienung angebracht, was eine gekonnte Präsentation der Gläser ermöglicht und gleichzeitig, bei geöffneter Tür eine atmosphärische, zusätzliche Lichtquelle in jeden Raum bringt.

Der Eyecatcher wurde im letzten Arbeitsschritt mit Acrylfarben lackiert. Der Weinschrank wiegt rund 90Kg und misst 200 cm x 90 cm x 50 cm. KAULI wurde auch bereits im Trendmöbelhaus mömax in Wiesbaden ausgestellt. Bei Interesse an dem Originalwerk, Fragen oder Anmerkungen nutzen Sie gerne unseren >Kontakt< .  

Der gefragte Künstler Felix Vierfinger ist auch für Auftragsarbeiten offen, dabei fertigt er nicht nur Skulpturen, sondern auch Malereien und Mixed Media Werke. Gelegentlich gibt Felix Vierfinger Einblicke in seine neuen Arbeiten auf seinem Instagramkanal.

 

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert.

Interview mit Felix Vierfinger

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich bin gerade zu Hause, mir geht es sehr gut und zur Zeit arbeite ich an einem Gefängnis-Projekt.

Wie bist du überhaupt zur Kunst gekommen?

Mein Vater war ein Buddelschiffbauer und ab und an durfte ich als Kind mit anpacken, Figuren basteln usw. Später habe ich Kerzenständer und Blumenbänke aus Metall gebaut. Also Kunst liegt in der Familie.

Du baust aber nicht nur Skulpturen sondern malst auch, einige deiner Arbeiten werden bald über das Auktionshaus der Gallery1503 in Wien versteigert, was kannst du schon über die Serie verraten?

Die gemalten Bilder, die zur Auktion gehen, gehören zur Kollektion „Die Seelen des Lichtes“ Abstrakte Kunst. Diese Bilder haben noch eine Besonderheit. Diese entstanden ursprünglich als Fotokunst aus meinen eigenen Lichtelementen. Einige Kunden fragten mich, ob die Bilder gemalt wurden? Zu diesem Zeitpunkt gab es diese nur als Foto auf Leinwand. Heute male ich diese Bilder mit Vorlage von Fotografie. Da es diese Fotos nur bei mir gibt, kann ich diese auch malen. Jedes Bild ist ein Unikat und Handsigniert.

 

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 Wie kam es zu deinem Künstlernamen und deiner auffälligen Signatur?

Durch einen Unfall habe ich einen Finger verloren. Kunstwerke leben ja auch von der Wiedererkennung der Künstler, ob im Still oder in der Signierung. Der Künstlername hat sich daraus ergeben und klingt gut. 

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und was ist die größte Herausforderung bei der Arbeit mit Metall?

Rund 40 Werke sind von mir erschaffen worden. Metall kann im Gegensatz zu Holz noch bearbeitet werden. Die Herausforderung bei Metall ist, dass man einen guten Anfang findet und reichlich Schrott im Hause hat.

Was bedeutet für dich Kunst, bzw. was möchtest du mit deinen Werken ausdrücken?

Für mich sind meine Bilder Ausdruck von Freude. Dem Betrachter stellt sich eher die Frage: Was könnte das sein? Also, ist meine Kunst auch Anregung für eigene kreative Gedankenprozesse.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach schön sein?

Hinter einem Kunstwerk muss nicht immer ein tieferer Sinn dahinterstecken. Manchmal ist es einfach nur die farbenfrohe Erscheinung, die dem Menschen ein Lächeln ins Gesicht treibt.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Ich weiß nicht, Kunst kann einfach keine Grenzen kennen! Ein Künstler, der mit Grenzen arbeitet, kann nie das Beste aus sich herausholen.

Warum sollten Kunstsammler sich mit deinen Werken auseinander setzen?

Kunstsammler sind Menschen, die schöne Kunst, außergewöhnliche Kunstwerke sammeln, sich daran erfreuen. Meine Bilder und Skulpturen sind einfach ein Muss! 🙂)

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Ach, ich muss in der Öffentlichkeit nicht unbedingt über meinen Unfall reden. 

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times  oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Ich sage der Welt, dass Ihr schon viel zu lange an meinen Kunstwerken vorbeigegangen seid.

Danke dir für deine Zeit und Mühe! 

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Ab dem 9. März ist die Liebieghaus Skulpturensammlung wieder für das Publikum geöffnet und bietet ein abwechslungsreiches Programm vor Ort und online zur Sammlung aus 5.000 Jahren Bildhauerkunst, der Sammlungspräsentation „Splendid White“ sowie zu aktuellen Forschungsprojekten an.

Das Liebieghaus, zentral am Museumsufer in Frankfurt am Main gelegen, zählt mit über 3.000 Werken auf rund 1.600 Quadratmetern Ausstellungsfläche zu den international wichtigsten Skulpturenmuseen. Die Sammlung vereinigt herausragende Skulpturen vom alten Ägypten bis zum Klassizismus: Mit Werken der ägyptischen, griechischen und römischen Antike, des Mittelalters und der Renaissance, des Manierismus, des Barock und Rokoko, des Klassizismus sowie Ostasiens bietet sie in ihrer Vielfalt einen fundierten Überblick über 5.000 Jahre Geschichte der Bildhauerei.

Zu den zahlreichen Meisterwerken der Sammlung zählen unter anderem die marmorne Athena-Skulptur (ca. 450 v. Chr.) nach dem Vorbild von Myron, die Sandsteinfigur Muttergottes (um 1520) von Tilman Riemenschneider und der von Andrea della Robbia um 1500 geschaffene Terrakottaaltar. In den vergangenen Jahren zog das Liebieghaus mit umfangreichen Ausstellungs- und Forschungsprojekten wie „Bunte Götter. Die Farbigkeit antiker Skulptur“ (2008/2009), „Jean-Antoine Houdon: Die sinnliche Skulptur“ (2009/2010) oder „Niclaus Gerhaert. Der Bildhauer des Mittelalters“ (2012) großes Publikumsinteresse auf sich und überzeugte die Fachwelt mit seinen Publikationen und wissenschaftlichen Vorhaben.

Einblick in das Programm im März 2024

Am Sonntag, dem 10. März um 11.00 Uhr widmet sich die Sonntagsführung „Comeback der Meisterwerke“ der Rückkehr der Sammlung ins Liebieghaus. Dabei gibt es neue und alt bekannte Highlights zu entdecken.

Bei Aus erster Hand dreht sich am Donnerstag, dem 14. März um 18.00 Uhr alles um die Restaurierung einer „Maria Inmaculada“ des andalusischen Bildhauers Pedro de Mena – ein wiederentdecktes Meisterstück des spanischen Barocks. Die Restauratoren Miguel González de Quevedo Ibáñez und Harald Theiss erklären direkt in der Restaurierungswerkstatt die Erforschung des Meisterwerks.

Im Atelierkurs „Geheimnisvolles Schlangenhaar“ am Samstag, dem 16. März von 10.30 bis 13.30 Uhr erfahren die Kinder ab 6 Jahren, welches Geheimnis die Schlangen verbergen, formen anschließend selbst Schlangenhaar aus Ton und bemalen ein fantasievolles, schutzgebendes Medusenschild.

Die Highlights der Skulpturensammlung sind am Donnerstag, dem 28. März um 19.00 Uhr Thema einer einstündigen Führung durch das Liebieghaus.

Am Ostersonntag, dem 31. März um 11.00 Uhr geht es in der Sonntagsführung „Leiden, Sterben, Auferstehung“ um die vielfältigen Passionsgeschichten in der Skulpturensammlung.

Informationen zu den Ferienkursen für Kinder und Jugendliche in den Osterferien sowie die Anmeldung finden Sie hier.

Die Sonderöffnungszeiten über Ostern sind folgende: 29. März (Karfreitag), geschlossen, 31. März (Ostersonntag), 10.00–18.00 Uhr, 1. April (Ostermontag), 10.00–18.00 Uhr.

Das vollständige Veranstaltungsprogramm für März 2024 können Sie hier einsehen und herunterladen.

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Mehr über das Liebieghaus:

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Der aus Kuba stammende Pavel Miguel, der sein Atelier in Pfinztal hat, wurde persönlich vom Kuratorium eingeladen seine neue Skulptur „ Himmel und Hölle“ in den Marinaressa-Gärten aufzustellen, u.a. zusammen mit Yoko Ono. Der Eintritt für die Besucher ist frei. 2022 verzeichnete man mehr als  500 000 persönliche Besucher. Doch wird die Ausstellung auch über virtuelle Rundgänge und verschieden Online-Inhalte zugänglich sein.

Himmel und Hölle von Pavel Miguel

Erstmals ausgestellt im Kulturraum Orgelfabrik in Karlsruhe. Eine Mutter sitzt auf einer alten echten Munitionskiste und hält ihren toten Sohn im Arm. Es war dem Künstler ein Bedürfnis damit auf das endlose und unsägliche Leid der aktuellen fürchterlichen Kriege hinzuweisen.

Skulptur Höhe 270 cm, Breite 220 cm, Tiefe 140 cm. Ausgeführt mit Marmorpulver und Harz und einem Metallskelett.

 

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Noch kann man das Kunstwerk nach Voranmeldung im Atelier besichtigen.

Weitere Informationen zum Künstler, der mit seinen provokativen Skulpturen und Zeichnungen auf die weltweite Situation von Krieg und Frieden eingeht und die Liebe als wunderbare Lösung sieht: https://www.pavelmiguel.de/

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Der feierliche Auftakt des Blickachsen-Sommers 2023 fand bei schönstem Frühlingswetter auf dem Schmuckplatz im Bad Homburger Kurpark statt. Allein zur Eröffnungsveranstaltung versammelten sich hier schon rund 300 Blickachsen-Fans von nah und fern.

Begrüßt wurden die Gäste von Alexander W. Hetjes, Oberbürgermeister der Stadt Bad Homburg. Dr. Manuel Lösel, Staatssekretär im Hessischen Kultusministerium, würdigte die Biennale auch im Namen ihres Schirmherrn, des Hessischen Ministerpräsidenten Boris Rhein. In seiner anschließenden Rede brachte Stefan Quandt, Blickachsen-Förderer und Vorsitzender des Kuratoriums der Stiftung Blickachsen, seine Freude darüber zum Ausdruck, dass die Blickachsen nach den Corona-Jahren zurück sind, und dankte allen Förderern der Biennale für ihre Treue über diese Jahre hinaus.

Christian K. Scheffel, Gründer und Kurator der Blickachsen, betonte das enorme Engagement aller Beteiligten und stellte in sichtlicher Verbundenheit die internationalen Künstlerinnen und Künstler vor. Als Ehrengäste waren fast alle von ihnen zur Eröffnung angereist und das Publikum, das schon den Ausstellungsaufbau im öffentlichen Raum verfolgt hatte, spendete ihnen großen Beifall. Scheffels besonderer Dank galt der diesjährigen Partnerinstitution, der Stiftung Insel Hombroich, und deren Geschäftsführer Roland Nachtigäller, mit dem er Blickachsen 13 gemeinsam kuratiert hat. Die Eröffnungsrede Roland Nachtigällers stimmte die Anwesenden auf die anschließenden Ausstellungsrundgänge in den weiträumigen historischen Parks ein.

Beliebte Fotomotive und großes öffentliche Interesse

Die großen Gruppen der geführten Touren begegneten der Vielzahl von Gästen, die die Kunstwerke auf eigene Faust erkundeten. Als beliebte Fotomotive stellten sich im Kurpark schnell die überlebensgroßen „United Enemies“ von Thomas Schütte, die vom Künstlerduo Winter/Hoerbelt aus Autorücklicht-Abdeckungen geschaffene Arbeit „Die Perlen des Alltags“ oder Bettina Pousttchis rot leuchtende „Vertical Highways“ heraus, während etwa die für die Ausstellung geschaffenen Installationen von Tamara Grcic oder Sonja Vordermaier die Betrachenden ins Gespräch brachten und dazu einluden, verschiedene Wahrnehmungen zu erproben.

Im Schlosspark begeisterte schon von Weitem die aus Vierkantrohren gebaute Konstruktion „Blossom“ von Pedro Cabrita Reis, während in der Nähe die Installation „Physalis“ von Katsuhito Nishikawa die Ausstellungsgäste zum Innehalten anregte, um anschließend Werke wie Norbert Krickes „Große Kurve 2“ oder die Backstein-Arbeiten von Judith Hopf zu entdecken.

Die rege Teilnahme an den ersten öffentlichen Führungen in den vergangenen Tagen sowie die starke Nachfrage nach geführten Rundgängen für die kommenden Monate sind ein weiteres Indiz für das immense öffentliche Interesse an den Blickachsen 13 mit Werken von 24 Künstlerinnen und Künstlern.

Die Künstler

Gili Avissar, Pedro Cabrita Reis, Michael Dekker, Tamara Grcic, Sabine Groß, Erwin Heerich, Judith Hopf, Gereon Krebber, Norbert Kricke, Oliver Kruse, Arik Levy, Wilhelm Mundt, Katsuhito Nishikawa, Bettina Pousttchi, Thomas Rentmeister, Fernando Sánchez Castillo, Thomas Schütte, Paul Schwer, Esther Stocker, William Tucker, Sonja Vordermaier, Ina Weber, Winter/Hoerbelt.

Informationen zur Ausstellung und zum umfangreichen Begleitprogramm sowie aktuelles Bildmaterial finden Sie auf www.blickachsen.de.

Blickachsen 13

Skulpturen im Kurpark und im Schlosspark Bad Homburg. In Zusammenarbeit mit der Stiftung Insel Hombroich, Neuss

Laufzeit: 14. Mai – 01. Oktober 2023. Der Eintritt ist frei.

Partnerinstitution: Stiftung Insel Hombroich, Neuss

Kuratoren: Christian K. Scheffel (Stiftung Blickachsen), Roland Nachtigäller (Stiftung Insel Hombroich)

Unter der Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Boris Rhein.

Weitere Informationen

Weitere Informationen über die Skulpturenbiennale Blickachsen: https://www.blickachsen.de/

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Endlich wieder Blickachsen! Von 1997 bis 2019 fanden die Blickachsen regelmäßig in den ungeraden Jahren statt. Seitdem mussten sich Blickachsen-Fans pandemiebedingt gedulden. Nun nimmt die Biennale den gewohnten Turnus wieder auf und schließt 2023 mit einer neuen Ausstellung an den großen Publikumserfolg der zwölften Blickachsen an.

Frei zugänglich in den historischen Parkanlagen Bad Homburgs, werden die Blickachsen-Ausstellungen inzwischen von Kunstfreunden und Fachpublikum aus der ganzen Welt besucht und bereichern gleichzeitig die Alltagserfahrung all derer, die den Kunstwerken auf ihren Spaziergängen zunächst zufällig begegnen.

Auch Blickachsen 13 wird den Fokus wieder auf das Zusammenspiel von Kunst, Natur und öffentlichem Raum richten. Und wieder werden die unterschiedlichsten Werke junger Kunstschaffender aus dem In- und Ausland im Dialog mit großen Namen der zeitgenössischen Skulptur stehen.

„Ich bin glücklich, dass wir 2023 wieder zu einer gewohnt hochkarätigen und spannenden Ausstellung einladen können“, so Christian K. Scheffel, Gründer und Kurator der Biennale sowie Geschäftsführer der Stiftung Blickachsen. „Unsere Vorbereitungen laufen auf Hochtouren und die Vorfreude auf Blickachsen 13 ist bei allen Beteiligten riesig“.

Scheffel kuratiert die Blickachsen-Ausstellungen gemeinsam mit der Leitung eines jeweils anderen namhaften Partnermuseums. Veranstalter der Biennale, für die der Hessische Ministerpräsident Boris Rhein die Schirmherrschaft übernommen hat, ist die gemeinnützige Stiftung Blickachsen, zusammen mit dem Magistrat der Stadt Bad Homburg, der Kur- und Kongreß-GmbH und der Verwaltung der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen. Die Umsetzung dieses anspruchsvollen internationalen Projekts wird durch die großzügige Unterstützung durch private und institutionelle Förderer ermöglicht.

Vermittlungsprogramm zur Ausstellung

Begleitet wird die Ausstellung durch ein umfangreiches Vermittlungsprogramm sowie verschiedene Publikationen. Informationen hierzu werden rechtzeitig vor Ausstellungsbeginn bekannt gegeben.

Blickachsen 13 (2023)
Laufzeit: 14.05. – 01.10.2023
Eröffnung: Sonntag, 14.05.2023, 11.30 Uhr auf dem Schmuckplatz im Kurpark Bad Homburg

Stiftung Blickachsen

Die gemeinnützige Stiftung Blickachsen mit Sitz in Bad Homburg richtet die Skulpturenbiennale Blickachsen aus, die sie gemeinsam mit dem Magistrat der Stadt Bad Homburg, der Kur- und Kongreß-GmbH und der Verwaltung der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen veranstaltet. Die Stiftung wurde im März 2013 mit dem Ziel gegründet. Die Blickachsen-Biennale institutionell zu sichern und im öffentlichen Raum weiteren Bevölkerungskreisen einen Zugang zu zeitgenössischer Skulptur und Installationskunst zu vermitteln.

Zugleich ist es der Stiftung ein Anliegen, die historisch gewachsene kulturelle Attraktivität der Stadt Bad Homburg und der Rhein-Main-Region weithin sichtbar zu machen. Sie ist bestrebt, die Region auch langfristig als Zentrum der zeitgenössischen Skulptur mit internationaler Strahlkraft zu etablieren, das im Zweijahresrhythmus jungen gemeinsam mit arrivierten Künstlerinnen und Künstlern aus der ganzen Welt eine Plattform bietet. Dadurch sollen sowohl das allgemeine Interesse und Verständnis für die verschiedensten Positionen der dreidimensionalen Kunst und deren Wertschätzung gesteigert als auch der künstlerische Nachwuchs gefördert werden.

Eine lebendige Begegnung mit zeitgenössischer Skulptur ist durch das vielfältige Angebot an Blickachsen-Führungen und Workshops für Kinder, Jugendliche und Erwachsene angeregt. Darüber hinaus versteht sich die Stiftung als Schnittstelle und Vermittlerin zwischen den Kultur- und Bildungseinrichtungen. Sie fördert den Dialog von Künstlern und Museen ebenso wie von Kunst und Wissenschaft.

Weitere Informationen

Weitere Informationen über die Skulpturenbiennale Blickachsen: https://www.blickachsen.de/

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Kunst in Hilden: Die Ausstellung wird am Sonntag, 25. September, um 11 Uhr durch Bürgermeister Claus Pommer eröffnet. Die Einführung übernimmt Sandra Abend, Leiterin des Wilhelm-Fabry-Museums und in Hilden verantwortlich für die Bildende Kunst. Musikalisch begleitet der international renommierte Balafon-Spieler Aly Keïta die Veranstaltung.

Nach der Eröffnung ist die Ausstellung bis zum 6. November dienstags bis freitags von 14 Uhr bis 18 Uhr sowie samstags, sonntags und an Feiertagen von 11 Uhr bis 16 Uhr für Besucherinnen und Besucher geöffnet. Der Eintritt ist frei.

Am Donnerstag, 13. Oktober, bietet die Künstlerin Razeea Lindner um 19 Uhr eine Führung durch die Ausstellung an. Die Teilnahme ist kostenfrei. Um eine Anmeldung an kulturamt@hilden.de wird gebeten.

Auch ein Kunstcafé ist in der Ausstellung geplant. Die drei Künstler freuen sich auf nette Gespräche mit interessierten Besucherinnen und Besuchern am Samstag, 29. Oktober, ab 15:30 Uhr.

Für den Besuch der Ausstellung sowie der Führung gelten die am jeweiligen Tag gültigen Regelungen im Sinne des Coronaschutzes.

Razeea Lindner, Ulrike Schröter, Thomas Virnich

Bei Virnich, Lindner und Schröter entstehen Leer- und Denkräume, die nicht nur im übertragenen Sinne zeigen, dass man ab und an mal die Dinge auf den Kopf stellen sollte, um zu neuen Ansichten und vielleicht Einsichten zu gelangen.

Bei dem Bildhauer Thomas Virnich sind es oft Gegenstände, die aus der Welt des Spielzeugs entlehnt werden. Beispielsweise erhalten Ritterburgen oder Panzer eine neue Gestalt. Sie werden aufgesägt und mit Silikon abgeformt. Beim Abdruck der Innen- und Außenwände in weichem Ton zeigen sich Spuren der ursprünglichen Einzelteile, die neue Zuordnungen finden und fremdartige Assoziationen hervorrufen.

Bei der konzeptionell arbeitenden Hildener Künstlerin Razeea Lindner ist es das Wort, der Buchstabe, die Sprache, die sich in immer neuen Konstellationen zusammenfügen und teils zum Symbol oder zur Ornamentik werden. Transformationsprozesse in der Religion und der Literatur sind ebenfalls Thema ihrer Arbeiten, in denen Schriftzeichen, Kalligrafie, gerakelte Formen und Buchstaben wesentliche Elemente sind.

Die installativen Arbeiten der Künstlerin Ulrike Schröter lassen oft ihre ursprüngliche Funktion erkennen. Bei ihr werden etwa einst weiche Häkeldecken zu starren Skulpturen, die an figurative, sakrale Motive erinnern können. Der textile Stoff und seine Umdeutung ziehen sich wie ein roter Faden durch ihr Werk.

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Titelbild: Ausschnitt „Krone“ von Thomas Virnich

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Dirk Neumaan wurde in Chemnitz ehemaliges Karl- Marx- Stadt (DDR) geboren. Nach der schulischen Laufbahn folgte die Lehre des Schreinerhandwerkes, anschließend eine mehrjährige Militärzeit. Es folgte das Abitur, Studium und eine Ausbildung zum Grafikdesigner. Seit 2010 studiert Dirk Neumaan autodidaktisch die bildenden Künste mit allen Facetten – Malerei, Skulpturen und Grafiken.

Der Brucker Künstler Siegfried Schöberl war der Schwiegervater von Dirk Neumann und beeinflusste maßgeblich die Entwicklung von Neumaan. Denn nach dem Tod von Schöberl befasste sich sein Schwiegersohn intensiv mit dessen Werken und Aufzeichnungen.

Von 2016 bis 2019 war Dirk Neumaan regelmäßig an Kunstausstellungen in seiner Region beteiligt, es folgte eine Corona geschuldete Zwangspause.  So richtig aufgehört, kreativ zu arbeiten hat der Künstler aber in den letzten Jahren nicht und steht nun mit neuen Ideen und Projekten in den Startlöchern.

Interview: Dirk Neumaan über seine Entstehungsprozesse

Ein leichter Einstieg!
Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Gerade bin ich in meinem Atelier. Hier verbringe ich sehr viel Zeit, nicht nur um zu malen, sondern auch nachzudenken und zu entspannen. Hier kommen mir die besten Ideen. Aktuell arbeite ich an einem Bild der Popart Stilrichtung. Knallige Farben und Kontraste, ich probiere einiges aus, mal sehen, wie es wird.

Du bist seit 2004 staatlich geprüfter Holztechniker und hast 2010 dein autodidaktisches Studium der bildenden Künste angefangen. Wann hast du angefangen, dich für Kunst zu interessieren bzw. wie kamen die Anfänge, selbst Kreatives zu kreieren?

Die Kunst interessierte mich schon immer, aber eher unterbewusst. Ästhetik, Formensprache, Entstehungsprozesse durch handwerkliches Tun, all das hat mich schon immer fasziniert. Ich habe in meiner Kindheit gern gezeichnet und Holzschnitte angefertigt. In meinem familiären Umfeld stieß ich oft auf Unverständnis für mein manchmal exzessives kreatives handeln. So dass ich mich dem Sport verschrieb und erst Jahrzehnte wieder einen Zeichenstift oder Pinsel anrührte.

In deinem Portfolio finden sich Skulpturen, Malereien und Grafiken aus den unterschiedlichsten Materialien, gibt es für dich einen eigenen Schwerpunkt, wo du sagen würdest, darauf liegt dein Fokus?

Ich lasse mich treiben. Meine Ideen und Projekte kommen einfach so und wollen umgesetzt werden. Ob daraus nun ein Gemälde oder eine Skulptur wird, lässt sich erst nach einiger Zeit der Analyse sagen. Dann entscheide ich, welches Medium am geeignetsten ist. Es kann auch ein Mix entstehen. Alles ist möglich. Dabei bin ich immer für Überraschungen gut und unberechenbar. Also werde ich mich auch nie festlegen, welche Stilrichtung ich verfolgen werde. Ich arbeite frei heraus.

Ich will meine Arbeit nicht einordnen. Einordnen ist Unterordnen. Die einzige Regel, die ich befolge, ist die mir selbst auferlegte Harmonie. Ich bin ein Feind des Stereotyps und Mainstream.

Du verzichtest auf klare Linien und klare Kommunikation?

Ja, ganz bewusst. Das ist der Kern meines künstlerischen Schaffens. Nicht jeder hat direkten Zugang zu meinen Themen. Beispielsweise verstehen die meisten Menschen nicht, warum ich einen Rasierapparat male und ihn auf den Kopf stelle. Erst nach Beleuchtung des Kontexts wird ersichtlich, dass es in der Gesellschaft an Individualität und Tiefgründigkeit fehlt und vieles egalisiert und passend verständlich reglementiert und kategorisiert wird.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess deiner Skulpturen vorstellen? – Hast du die Materialien und schaust dann, was du daraus formen kannst – oder steht die Projektidee schon vorher und dann beschaffst du die Materialien?

Die Projektidee kommt als erstes. Manchmal dauert es Jahre, bis ich die richtige Gestaltungs- und Darstellungsmethode gefunden habe. Das Motiv schlummert dann, bis irgendwann die richtige Initialzündung der Inspiration mir zur Herausarbeitung verhilft. Dann beginne ich die Materialien zu beschaffen und die technische Umsetzung zu hinterfragen.

In welcher Größenordnung liegen deine Skulpturen und nimmst du auch Auftragsarbeiten an?

Skulpturen können gern einmal zwei Meter groß sein. Der Zyklus der „Schmerzensmänner“ ist noch nicht abgeschlossen. In Planung ist eine weitere Holzskulptur dieser Größenordnung. Dabei gibt es viele Aspekte die ich berücksichtigen muss, wie zum Beispiel Statik, Oberflächenbeschaffenheit, Transportfähigkeit bei Versand. Das ist ein langer Prozess. Mehr möchte ich allerdings noch nicht verraten – das zerstört das Mysterium….

Natürlich bin ich gegenüber Auftragsarbeiten aufgeschlossen. Wobei ich jedoch gestalterisch großen Freiraum benötige, es soll ja auch Spaß machen …

Mit deiner Kunst positionierst du dich stark gegen Rassismus, bspw. mit deinem „Georg Floyd“-Werk und gegen Krieg, („Fuck the War“) – in deiner Vita finden sich aber auch 7 Jahre Militärzeit, hat diese Phase dein künstlerisches Schaffen beeinflusst?

Ich greife mit meiner Kunst Zeitgeistfragen auf. Rassismus, Krieg und Hass sind große globale Themen, die mich enorm beschäftigen, da ich ein Teil dieser Gesellschaft bin. Ich wünsche mir eine Welt mit mehr Offenheit, Individualität und friedlichem Miteinander. Es gibt keinen wirklichen Grund, dass Menschen anderen Menschen Leid antun.

Ich möchte mit meiner Arbeit einen winzigen Teil dazu beitragen, manifestierte Denkmuster und Stigmatisierungen aufzulösen. Es gibt viel schönere Dinge als sich der Profitgier, Kommerz und das Streben nach immer mehr Materie hinzugeben.

Die Tragödie George Floyds aufzuarbeiten ist für mich der Start für einen Gemäldezyklus, den ich „das Böse“ nenne. Die Szenerie beschreibt die Festnahme eines afroamerikanischen Mannes während einer Polizeikontrolle, die mit dem Tod endet. Ein Screenshot einer Videoüberwachungskamera mit allen beteiligten Personen. Der Vorfall ähnelt einer langsamen Hinrichtung, wie der Gang zu einem Schafott oder eines wartenden Galgens.

Das Böse wird hierbei in kräftigen Farben dargestellt und umhüllt willkürlich das Opfer und bedeckt teilweise seine vermeintlichen Henker… Die Farbwahl des Bösen ist hier explizit gewählt. Es sind lebendige, frohe Farben. Sie dienen der Klärung, dass der Mensch an sich nicht böse ist, sondern einem Dilemma unterliegt …

 

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Kunst muss….

… Gültigkeit besitzen. Ich möchte gern Georg Baselitz zitieren:

„Wenn ich ein Gemälde mache, fange ich an, die Dinge zu gestalten, als ob ich der erste wäre, der einzige, als ob
es all diese Vorbilder nicht gäbe; obwohl ich natürlich weiß, dass es tausende Beispiele gegen mich gibt. Man muss
immer daran denken etwas zu machen, eine Sache, die Gültigkeit hat, genau darum geht es mir.“

Deine letzte Ausstellung war 2019, in der apoBank in Regensburg, seitdem war es etwas ruhiger um dich – wirst du zukünftig wieder aktiver sein?

Die Ruhe war der Pandemie geschuldet. Ich habe die Zeit allerdings zum nachzudenken genutzt. Ich habe Dinge und Herangehensweisen geordnet und neue spannende Motive entwickelt. Nun möchte ich meinen Publikumsradius vergrößern und suche neue Ausstellungsmöglichkeiten.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Kunstwelt gerne noch sagen?

Aller Kunst geht das Handwerk voraus. Kunst kann man nicht lernen. Entweder man ist Künstler oder man ist es nicht. Ich möchte Walter Gropius zitieren:

„Denn es gibt keine „Kunst von Beruf“. Es gibt keinen Wesensunterschied zwischen dem Künstler und dem Handwerker. Der Künstler ist eine Steigerung des Handwerkers. Gnade des Himmels lässt in seltenen Lichtmomenten, die jenseits seines Wollens stehen, unbewusst Kunst aus dem Werk seiner Hand erblühen, die Grundlage des Werkmäßigen aber ist unerlässlich für jeden Künstler. Dort ist der Urquell des schöpferischen Gestaltens.“ – davon bin ich fest überzeugt.

Ach ja, du hast 2016 auch noch  zusätzlich eine Ausbildung zum Grafikdesigner abgeschlossen, arbeitest heute aber nicht mehr Hauptberuflich in dem Bereich?

Grafikdesign von heute ist die Arbeit von Nerds. Zu denen gehöre ich nicht. Ich bediene mich nur der Techniken und nutze dieses Handwerk für meine eigenen Ideen. Es ist ein Teil des gesamten Spektrums an Werkzeugen, welche ich benutze. Dazu gehört auch die Arbeit mit digitalen Pixeln.

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

Sobald Dirk Neumaan seine Werke wieder im Rahmen einer Ausstellung dem Publikum präsentiert, werden wir unsere Leser rechtzeitig informieren. 

Weitere Informationen

Titelbild:„Verbindung“, Acryl auf Nessel , 100×100 cm, Entstehung 2019 (c)D.Neumaan

Ausgewählte Arbeiten des Künstlers finden Sie in Kürze bei uns im Shop!

Mehr über Dirk Neumaan finden Sie auf seiner Webseite: www.neumaan.de

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