Statt die bekannte Geschichte eines Meisters und seines Schülers zu erzählen, untersucht die Wifredo Lam & Pablo Picasso Schau den kreativen Austausch zweier Künstler, die die Moderne auf unterschiedliche Weise geprägt haben. Damit rückt sie zugleich einen Künstler ins Zentrum, dessen Bedeutung für die globale Kunstgeschichte heute neu bewertet wird.

Wifredo Lam & Pablo Picasso Ausstellung auf einen Blick

Titel: Wifredo Lam & Pablo Picasso
Ort: Galerie Gmurzynska, New York
Adresse: 595 Madison Avenue, New York, NY 10022
Laufzeit: 23. April bis 30. Juni 2026
Umfang: Rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978

Gezeigt werden: Gemälde, Arbeiten auf Papier, Collagen, Keramiken und Fresken von Wifredo Lam und Pablo Picasso

Besonderheit: Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Beziehung beider Künstler und präsentiert bislang wenig bekannte Aspekte ihres kreativen Austauschs.

Begleitpublikation: Wissenschaftlicher Ausstellungskatalog mit Archivmaterial und neuen Forschungsergebnissen.

Eine Ausstellung über mehr als nur eine Künstlerfreundschaft

Die New Yorker Galerie Gmurzynska widmet sich aktuell einer außergewöhnlichen Beziehung der Kunstgeschichte. Mit der Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“ rückt sie zwei Künstler in den Fokus, deren Wege sich 1938 in Paris kreuzten und deren Verbindung die Entwicklung der modernen Kunst nachhaltig beeinflusste.

Auf den ersten Blick scheint die Geschichte vertraut: Ein junger, talentierter Künstler trifft auf einen bereits weltberühmten Meister. Doch die aktuelle Neubewertung von Wifredo Lam zeigt, dass diese Erzählung zu kurz greift. Tatsächlich gilt Lam heute als einer der bedeutendsten transnationalen Künstler des 20. Jahrhunderts – und als eigenständige Stimme innerhalb der globalen Moderne.

Die Ausstellung kommt zu einem Zeitpunkt, an dem Museen, Kunsthistoriker und Sammler den Blick auf die Kunstgeschichte neu ausrichten. Künstler, die lange außerhalb des europäischen Kanons standen, erhalten zunehmend die Aufmerksamkeit, die ihnen jahrzehntelang verwehrt blieb.

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla wurde 1902 in Sagua La Grande auf Kuba geboren. Seine Familiengeschichte vereinte unterschiedliche kulturelle Traditionen: Sein Vater war ein chinesischer Einwanderer, seine Mutter besaß afrikanische und spanische Wurzeln.

Diese kulturelle Vielfalt prägte sein gesamtes Werk.

Nach seinem Studium in Havanna zog Lam nach Spanien, wo er die Entwicklungen der europäischen Moderne aus nächster Nähe erlebte. Die politischen Spannungen der Zeit, der Spanische Bürgerkrieg und die Begegnung mit den Avantgarden Europas beeinflussten seine künstlerische Entwicklung nachhaltig.

1938 verließ Lam Spanien und zog nach Paris. Dort begegnete er Pablo Picasso.

Rückblickend markiert dieses Treffen einen Wendepunkt in der Geschichte der modernen Kunst.

Das Treffen mit Picasso

Als Wifredo Lam Picasso kennenlernte, war dieser bereits eine der bekanntesten Persönlichkeiten der internationalen Kunstwelt. Picasso erkannte schnell das außergewöhnliche Talent des kubanischen Künstlers und unterstützte ihn aktiv.

Er stellte Lam bedeutenden Persönlichkeiten der Pariser Avantgarde vor und öffnete ihm die Türen zu Netzwerken, die für seine weitere Karriere entscheidend werden sollten.

Über Picasso lernte Lam unter anderem André Breton kennen, den Begründer des Surrealismus. Gleichzeitig erhielt er Zugang zu Sammlern, Galeristen und Künstlern, die damals das kulturelle Leben Europas prägten.

Doch obwohl Picasso für Lam eine wichtige Rolle spielte, entwickelte sich der Kubaner keineswegs zu einem Nachahmer.

Warum Wifredo Lam heute neu entdeckt wird

Lange wurde Wifredo Lam vor allem über seine Verbindung zu Pablo Picasso wahrgenommen. Diese Sichtweise greift jedoch zu kurz. Zwar spielte Picasso eine wichtige Rolle für Lams Karriere und öffnete ihm die Türen zur Pariser Avantgarde, doch entwickelte der kubanische Künstler früh eine eigenständige Bildsprache.

Während Picasso sich intensiv mit afrikanischen und außereuropäischen Kunsttraditionen auseinandersetzte, brachte Lam diese kulturellen Erfahrungen bereits aus seiner eigenen Lebenswelt mit. Seine Werke verbanden afrokaribische Spiritualität, chinesische Herkunft, europäische Moderne und kubanische Identität zu einer Bildsprache, die innerhalb der Kunst des 20. Jahrhunderts einzigartig war.

Neuere Forschungen betonen zudem, dass die Beziehung zwischen beiden Künstlern keineswegs einseitig verlief. Picasso erkannte in Lam eine kulturelle Perspektive und Authentizität, die für die europäische Avantgarde von großer Bedeutung war. Die aktuelle Ausstellung zeigt deshalb nicht nur Einfluss, sondern auch Austausch – und rückt beide Künstler auf Augenhöhe zusammen.

Die Bedeutung von „The Jungle“

Wer sich mit Wifredo Lam beschäftigt, kommt an einem Werk nicht vorbei: „The Jungle“ aus dem Jahr 1943.

Das Gemälde gilt als Schlüsselwerk seines Schaffens und befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York.

Auf den ersten Blick zeigt das Werk ein dichtes Geflecht aus Pflanzen, Masken, menschlichen Körperteilen und fantastischen Wesen. Doch hinter der surrealen Bildwelt verbirgt sich eine tiefgehende Auseinandersetzung mit Kolonialismus, Identität und kultureller Unterdrückung.

„The Jungle“ machte deutlich, dass Lam die europäische Moderne nicht einfach übernahm. Er transformierte sie und schuf daraus eine eigene visuelle Sprache.

Heute gilt das Werk als eines der bedeutendsten Gemälde der globalen Moderne und als Schlüsselwerk der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Ein früher Vorreiter postkolonialer Perspektiven

Viele Themen, die heute die internationale Kunstwelt beschäftigen, finden sich bereits in Lams Werk.

Fragen nach kultureller Identität, Herkunft, Hybridität und kolonialen Machtstrukturen durchziehen seine Arbeiten Jahrzehnte bevor diese Begriffe Teil kunstwissenschaftlicher Debatten wurden.

Gerade deshalb wird Lam heute häufig als einer der bedeutendsten Vorläufer postkolonialer Kunstgeschichte bezeichnet.

Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand. Vielmehr entwickelte sie sich durch globale kulturelle Austauschprozesse.

In dieser Hinsicht verkörpert Lam eine moderne Vorstellung von Kunst, die heute aktueller erscheint denn je.

Warum Museen Wifredo Lam neu bewerten

In den vergangenen Jahren hat sich die internationale Wahrnehmung von Wifredo Lam deutlich verändert.

Große Ausstellungen in Europa und Nordamerika haben seine Bedeutung für die Kunst des 20. Jahrhunderts neu beleuchtet. Einen wichtigen Höhepunkt bildete die umfangreiche Retrospektive „Wifredo Lam: When I Don’t Sleep, I Dream“ im Museum of Modern Art in New York.

Die Ausstellung präsentierte Lam nicht als Randfigur der Moderne, sondern als zentrale Stimme einer globalen Kunstgeschichte.

Für viele Besucher war dies die erste Gelegenheit, die Vielfalt seines Werkes in diesem Umfang kennenzulernen.

Diese institutionelle Anerkennung wirkt sich zunehmend auch auf Forschung, Sammlungen und den Kunstmarkt aus.

Die Rolle der Galerie Gmurzynska

Vor diesem Hintergrund erhält die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska besondere Relevanz.

Anstatt Picasso als Hauptfigur zu präsentieren, untersucht die Galerie die Beziehung beider Künstler auf Augenhöhe. Die Ausstellung vereint rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978, darunter Gemälde, Fresken, Arbeiten auf Papier, Collagen und Keramiken. Zu den Höhepunkten zählen eine seltene „Étude pour La Jungle“ von 1943 sowie bedeutende Werke aus dem Nachlass Lams. Ergänzt wird die Schau durch selten gezeigte Picasso-Arbeiten, darunter Fresken aus seiner Zeit in Biarritz.

Parallel erscheint ein wissenschaftlicher Katalog mit bislang unveröffentlichtem Archivmaterial zur Beziehung der beiden Künstler.

Damit verfolgt Gmurzynska einen Ansatz, der weit über klassische Ausstellungstätigkeit hinausgeht. Die Galerie positioniert sich als aktiver Akteur innerhalb kunsthistorischer Forschung und Neubewertung.

Warum die Ausstellung heute relevant ist

Die Neubewertung von Wifredo Lam steht exemplarisch für einen größeren Wandel innerhalb der Kunstgeschichte. Museen, Forschungseinrichtungen und Sammlungen hinterfragen zunehmend eurozentrische Erzählungen der Moderne und richten den Blick auf Künstler, die lange außerhalb des etablierten Kanons standen.

Lam nimmt in dieser Entwicklung eine Schlüsselrolle ein. Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand, sondern durch globale kulturelle Austauschprozesse geprägt wurde. Die Ausstellung der Galerie Gmurzynska macht deutlich, wie eng europäische Avantgarden mit Künstlern aus der Karibik, Afrika, Asien und Lateinamerika verbunden waren.

Gerade deshalb erscheint Wifredo Lam heute als eine der zentralen Figuren einer globalen Moderne – und nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos.

Warum Sammler auf Wifredo Lam blicken

Die steigende Aufmerksamkeit für Wifredo Lam hat auch Auswirkungen auf den internationalen Kunstmarkt.

Werke des Künstlers befinden sich heute in den Sammlungen führender Museen weltweit. Gleichzeitig wächst das Interesse privater Sammler an Positionen, die historisch bedeutend, aber lange unterrepräsentiert waren.

Lam vereint mehrere Faktoren, die für den Markt zunehmend relevant sind:

Internationale Museumspräsenz
Hohe kunsthistorische Bedeutung
Kulturelle Aktualität
Begrenzte Verfügbarkeit wichtiger Werke
Wachsende wissenschaftliche Forschung

Dadurch entwickelt sich Lam zunehmend zu einer der spannendsten Figuren innerhalb der klassischen Moderne.

Fazit

Die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska zeigt weit mehr als die Beziehung zwischen zwei Künstlern.

Sie verdeutlicht, wie sich unser Verständnis von Kunstgeschichte verändert. Wifredo Lam erscheint heute nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos, sondern als eigenständiger Protagonist einer globalen Moderne.

Seine Werke verbinden Kulturen, Traditionen und historische Erfahrungen auf einzigartige Weise. Gerade deshalb gewinnt sein Schaffen heute eine neue Relevanz.

Die Geschichte von Picasso und Lam ist damit nicht nur eine Geschichte über Freundschaft.

Sie ist zugleich eine Geschichte darüber, wie Kunstgeschichte immer wieder neu geschrieben wird.

FAQ: Wifredo Lam und Pablo Picasso

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Lam (1902–1982) war ein kubanischer Künstler, der afrokaribische, chinesische und europäische Einflüsse mit Kubismus und Surrealismus verband. Heute gilt er als einer der bedeutendsten Vertreter der globalen Moderne.

Wie lernte Wifredo Lam Pablo Picasso kennen?

Die beiden Künstler begegneten sich 1938 in Paris. Picasso erkannte früh Lams Talent, unterstützte ihn mit wichtigen Kontakten zur Avantgarde und stellte ihn unter anderem André Breton vor.

Warum gilt Wifredo Lam heute als so bedeutend?

Lam entwickelte eine eigenständige Bildsprache, die kulturelle Identität, Spiritualität, Kolonialgeschichte und Moderne miteinander verband. Viele seiner Themen gelten heute als Vorläufer postkolonialer Kunstdiskurse.

Was ist „The Jungle“?

„The Jungle“ von 1943 ist das bekannteste Werk Wifredo Lams. Das Gemälde verbindet surrealistische Elemente mit afrokaribischer Symbolik und gilt als Schlüsselwerk der globalen Moderne.

Was zeigt die Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“?

Die Ausstellung untersucht die persönliche und künstlerische Beziehung zwischen Wifredo Lam und Pablo Picasso. Gezeigt werden rund 50 Werke aus sechs Jahrzehnten, darunter Gemälde, Collagen, Arbeiten auf Papier, Keramiken und Fresken.

Wo findet die Ausstellung statt?

Die Ausstellung wird in der Galerie Gmurzynska in New York gezeigt.

Wie lange läuft die Ausstellung?

Die Ausstellung läuft vom 23. April bis zum 30. Juni 2026.

Warum ist die Ausstellung relevant?

Die Schau zeigt, wie sich die Kunstgeschichte zunehmend von einer rein europäischen Perspektive löst und Künstler wie Wifredo Lam als zentrale Akteure einer globalen Moderne neu bewertet.

Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

Weitere Informationen

Titelbild: Bild von Manolo Franco.

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Künstlerporträts & Interviews

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Vom 18.08.2021 bis zum 16.10.2021 findet in der Galerie Spagl, Johannisstraße 47a, 90419 Nürnberg, eine eher ungewöhnliche Kunstausstellung statt. Eine Ausstellung „Zwischen Surrealismus und moderner Kunst“, mit Anja Spagl, Jonathan Grego und Marco Skura. 3 Künstlern die unterschiedlicher nicht sein könnten. Wer die Gelegenheit hat, sollte die Chance nutzen die Künstler und Werke in Natura zu erleben. Die Vernissage findet am 18.09.2021, ab 18 Uhr statt.

Anja Spagl

Anja Spagl ist eine in Frankreich lebende Künstlerin, die ihre Werke sowohl international als auch in Deutschland ausstellt. Ihre Bilder sind eine Einladung in eine surreale Welt, die sich durch einen poetisch-romantischen Touch auszeichnen. Ihre Werke werfen philosophisch-anthropologische Fragen auf, die die Beziehung des postmodernen Menschen zu seiner Umwelt auf subtile Weise hinterfragen. Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.aks-art.com/

Jonathan Grego

Jonathan Grego ist ein anglo-italienischer bildender Künstler,der in Bordeaux wohnt und in Rom Kunst studiert hat. In seinen Werken setzt er sich mit politisch-sozialen Themen oder mit den Lastern der modernen Menschen auseinander. Aus Leidenschaft zu Street Art malt er regelmäßig große Wandgemälde in Europa und Australien.  Zur Webseite des Künstlers: https://www.jonathan-grego.com/

Marco Skura

Der Künstler nutzt eine sehr ungewöhnliche Technik, die ihm erlaubt, eine außergewöhnliche Dynamik, ein ausdrucksstarkes Farbenspiel und eine unglaubliche Tiefe in seine Werke zu integrieren. Starke Farbschwünge werden von Farbmassen getragen. Durch die stetige Präsenz in renommierten Galerien erfreuen sich die abstrakten Werke des Künstlers Marco Skura einer immer größeren Beliebtheit bei Kennern und Sammler. Einen Gastbeitrag von Marco Skura finden Sie hier: Kann ein Autodidakt ein Künstler sein?

Weitere Informationen

Die Galerie Spagl auf Instagram: @galerieanjaspagl • Instagram-Fotos und -Videos

Sie planen einen Besuch in Nürnberg? – Hotels finden Sie bei unseren Partner Booking.com 

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen: