Mumienbraun war ein überwältigendes, tiefbraunes Pigment. Die Farbe wurde von Künstlern bereits seit der Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet – besonders in der Ölmalerei fand es seine Anwendung. In altmeisterlichen Techniken wurde es lasierend bis deckend verwendet und war aufgrund seiner Eigenschaften auch für Schattierung sehr beliebt.

Mumienbraun war keine gewöhnliche Pigmentmischung. Ihr Ursprung liegt in der Verwendung von gemahlenen ägyptischen Mumien – eine Praxis, die im Laufe der Jahrhunderte in der europäischen Kunst entstand und sich verbreitete. Diese Mumienreste, hauptsächlich von Menschen, Tieren und sogar Katzen – die als Heilig galten – , wurden aus ägyptischen Gräbern importiert und zu einem feinen Pulver verarbeitet.

Der warme, bräunlich-rote Farbton von Mumienbraun/Mumia fand seinen Platz auf den Paletten einiger renommierter Künstler. Es ist zwar schwierig, spezifische Werke zu identifizieren, in denen Mumienbraun verwendet wurde, da viele Gemälde im Laufe der Jahrhunderte auch restauriert wurden und die genaue Verwendung von Pigmenten oft schwer nachvollziehbar ist. Es wird jedoch angenommen, dass einige Künstler im 18. und 19. Jahrhundert, darunter auch bekannte Namen wie William Turner oder Eugene Delacroix Mumienbraun in ihren Gemälden verwendet haben.

Makaber, wenn man bedenkt, das sich an Kunstwerken wie „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugene Delacroix im Louvre in Paris jährlich Hunderttausende – wenn nicht sogar Millionen Besucher erfreuen.

Die Verwendung dieser Farbe war jedoch nicht ohne Kontroverse. Ethik spielte eine immer größere Rolle, als die viktorianische Ära Fortschritte machte. Die Idee, Pigmente aus menschlichen Überresten zu gewinnen, rief zunehmend Bedenken hervor, und viele Künstler wandten sich aus Respekt vor den Toten von der Farbe Mumienbraun ab.

Auch die Gesundheitsrisiken trugen zur Abkehr von dieser Praxis bei. Es wurde festgestellt, dass das Einatmen von „Mummy-Brown“-Pulver gesundheitsschädlich sein könnte, was die Verwendung dieser Farbe weiter zurückdrängte.

Wussten die Künstler, mit was sie da malten?

Ob und wie weit, die Künstler selbst wussten, womit sie da malten, lässt sich nur wage vermuten. Bis 1933 konnte man Mumienbraun beispielsweise im Katalog von C Roberson und Co. finden – damals einer der Marktführer für Künstlerfarben in ganz Europa. Und auch heute, auch wenn zum Glück nicht mehr die Überreste von Toten Menschen oder Tieren verwendet werden, finden sich bei einigen Verkäufern von Farben rund um den Globus noch Farbtuben mit Namen wie „Transparent Mummy“ – die wenigsten werden wissen, wo diese Farbtöne ihre Wurzeln haben.

Mumienbraun heute?

Heutzutage ist Mumienbraun nicht mehr in der Kunstwelt präsent. Die Verwendung von Mumienbraun ist heute höchst unwahrscheinlich und wäre mit Sicherheit, – zu mindestens in den meisten Teilen der Welt –  auch illegal. Die ethischen und gesundheitlichen Bedenken, die im 19. Jahrhundert zu einem Rückgang der Verwendung führten, gelten auch immer noch und auch die Nutzung von menschlichen Überresten zu künstlerischen Zwecken wird heute in den meisten Ländern als respektlos und ethisch unvertretbar betrachtet.

Darüber hinaus könnten Gesundheitsvorschriften und Umweltauflagen die Verwendung von Materialien, die potenziell gefährliche Substanzen enthalten, verbieten. Moderne Kunstmaterialien werden nach strengen Sicherheitsstandards hergestellt, und die Verwendung von historisch kontroversen oder problematischen Substanzen wie Mumienbraun würde diesen Standards wahrscheinlich nicht entsprechen.

Die obskure Geschichte dieser Farbe dient als Mahnung an die sich ändernden ethischen Standards in der Kunst und die komplexen Beziehungen zwischen Kreativität und sozialen Werten. Obwohl Mumienbraun einst auf den Leinwänden der Meister zu finden war, bleibt es nun als kurioses Kapitel in der Farbgeschichte erhalten, ein faszinierendes Rätsel, das die Dunkelheit vergangener Pinselstriche enthüllt.

In jedem Fall ist es wichtig, sich an die aktuellen Gesetze und Standards zu halten und Materialien zu verwenden, die ethisch und gesundheitlich unbedenklich sind.

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Andreas Schmidt lebt und arbeitet in Köln, unter dem Akronyme ASAK fertigt er einzigartige und aufwendige Kunstwerke aus alten Schallplatten. Vinyl ist ein schwierig zu verarbeitendes Material und viel Detailreicher, als man als Laie vielleicht auf den ersten Blick vermuten würde. Im Thema Schallplattenkunst ist ASAK ein absoluter Experte. Wie schneidet man zum Beispiel ein Material, was bei Hitze schmilzt und wieder zusammenklebt oder unkontrolliert brechen kann?

Andreas Schmidt macht vermutlich weltweit etwas Einzigartiges und möchte zusätzlich mit seinen Kunstwerken auch auf den Umweltschutz aufmerksam machen. Das Recyclen von Plastik, welches sonst im Müll landen würde, um daraus etwas Schönes zu bauen, ist eine schöne Botschaft. ASAK verwendet für seine Kunstwerke aber nicht nur „irgendwelche Schallplatten“ – sondern hier steckt Liebe im Detail. Longplayer haben beispielsweise andere Rillen, als Singles – dadurch sind andere Muster und Ergebnisse möglich – generell ist sich ASAK sicher, das Vinyl ein total unterschätztes Material ist, seiner Meinung nach sollte es möglich sein, aus altem Vinyl auch Bausteine herzustellen und somit in der Theorie auch Häuser.

Mehr über ASAK und warum er auf Ausstellungen manchmal eine Box als Maske trägt, erfahren Sie im Interview!

ANDREAS SCHMIDT – ASAK IM INTERVIEW

Wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Ich bin zuhause, in den letzten Monaten gab es private Veränderungen, die ich auch mit meiner Kunst verarbeite. Mir geht es gut, aktuell arbeite ich an einem 12 Teiler. Es ist eine spirituell angehauchte Arbeit. Es geht um die 12 Monde, den Tierkreislauf – Zodiak und auch Numerologie spielt eine Rolle. Wiederholung und Wandel.

Bisher habe ich in meinen Arbeiten aus der Form heraus gearbeitet; Dreiecke, Waben und jetzt nehmen Zahlen diese Stellen ein – mich faszinieren, kleine Details, wie das eine liegende 8 Unendlichkeit symbolisiert.

Wie hast du überhaupt zur Kunst gefunden, bzw. was war der Auslöser, dass du gesagt hast, du möchtest deine Werke mit der Öffentlichkeit teilen?

Wie vermutlich die meisten, habe ich schon als Kind gerne gemalt. Immer, wenn ich die Zeit hatte, war Kunst ein Weg für mich Ruhe zu finden. Ich hatte auch schon lange mit Schallplatten zu tun, – habe mit diesen gehandelt und auch Musik gemacht. Dabei kamen mir immer alte, unbrauchbare oder kaputte Schallplatten in die Hände und ich fing an mich zu fragen, was man daraus machen kann.

Die ersten Versuche habe ich noch mit einer Laubsäge gemacht. Vinyl ist ein Material, das schmilzt, wenn es heiß wird, es zu verarbeiten wirft immer neue Fragen und Probleme auf, ich habe also viel ausprobiert, bis ich meine heutigen Techniken gefunden habe. Dazu zählt auch richtige Feinarbeit, bei der ich beim Sägen meine Atmung kontrollieren muss, um im Millimeterbereich zu arbeiten.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden?

Das kann ich gar nicht so genau sagen, ein paar dutzend sind es aber schon. Einige davon auch unverkäuflich, wie beispielsweise „der Sensenmann?“ – das war eine Arbeit für meinen Sohn, als ich ihm erklärt habe, das oneliner unendlich sein können.

Und wie viele Schallplatten hast du bis heute verarbeitet?

3000 bis 4000 Schallplatten dürften es gewesen sein, schwierig zu zählen. Ich verwende auch die Innenhüllen beispielsweise für Sketches. Auch das Innenleben von den Covern wird für Projekte genutzt, wenn ich neues ausprobiere – es gibt also nichts, was ich wegschmeißen möchte. Grade ältere Schallplatten bestehen auch mehr aus Öl und Asche, das sollte nicht einfach in der Tonne landen.

Ich bin auch motiviert, diese Masse wegzubekommen – zuletzt habe ich mir beispielsweise auch eine Fräse angeschafft, um großflächigere Arbeiten zu machen – mal schauen, wohin die Reise geht.

 

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Wie wählst du die Schallplatten aus, die du in deinen Werken verwendest?

Es gibt sehr viele kleine Details, die „Nicht-Nerds“ schnell übersehen könnten – so gibt, es bspw. Unterschiede, zwischen Platten aus Amerika und Europa. Je nach Herstellungsjahr variiert die Dicke und Flexibilität. Die älteste Platte, die ich verwendet habe ist aus dem Jahr 1958. Dicker Schinken, schwer zu bearbeiten und nicht flexibel. Die jüngeren Pressungen sind da anders. Je nach Presswerk können sich ein und dasselbe Release unterscheiden, weil jedes Werk eine eigene Mutterplatte erstellen muss.

Zu Zeiten der Ölkrise wurden Innovationen entwickelt, um dem Ölmangel entsprechend gegen zu wirken. Darauf achte ich je nachdem was ich vor habe. Und wenn ich Musik höre – dann höre ich sie in Farben, Kunst ist vielschichtiger, als das was man auf den ersten Blick versteht, so ist es auch mit Tönen, die aus einem Instrument kommen. Schallplatten haben den besten Sound, nach dem „live Sound“. Mit meiner Kunst möchte ich mich aber nicht nur auf die musikalische Ebene beschränken, manchmal ist es auch ein reines upcyceln.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke vorstellen?

Ich habe Bilder im Kopf die raus müssen, manchmal habe ich eine Idee innerhalb von Sekunden – bis ich das Werk dann aber fertig habe, kann es auch schon mal ein paar Monate dauern, an meinem aufwendigsten Werk – Planet Fun Communicator – habe ich 9 Monate gesessen. Meine Kunst ist sehr persönlich, von der Idee/Themenwahl über die Wahl der Schallplatten, über die Details, bis hin zur Umsetzung. Ich möchte aber auch für andere mit meiner Kunst sprechen, gleichzeitig aber auch nichts „vorsagen“ – deshalb verstecke ich die Message, die ich rüberbringen möchte, auch oft im Abstrakten. Aber Kunst darf sein wie sie will.

Apropos sein, wie man will: Du trägst auf Ausstellungen eine Maske, was hat es mit dieser Box auf sich?

BoxedPointOfView. Ich setze mir den Kasten auf und bin dann ein Mensch, der sich in seiner Box befindet – Ich setz mir diesen Kasten auf und könnte irgendwer sein – esmacht mich anonym aber gleichzeitig auch individuell und vielseitig,… unter der Box könnte jeder stecken. Zugleich ist es eine Anti-Aging-Maske, ich werde älter – aber mit der Box sehe ich immer gleich alt aus. Gleichzeitig motiviert sie mich nach einer Ausstellung wieder von vorne anzufangen,… keine falsche Bescheidenheit, meine Kunst ist was besonderes, aber ich bin gewöhnlich, die Box hilft mir auch, mich daran zu erinnern und mich auszudrücken? Wollen wir nicht alle eine Krone aufsetzen?

Stichwort ausdrücken, wie viele Sprachen sprichst du nochmal?

Russisch, Deutsch, Englisch, Französisch in der Schule und Chinesisch studiert vor 15 Jahren. Bachelor in Mandarin gemacht und mongolisch die Basics. Sprachen helfen in einem anderen Spektrum zu denken und sie haben auch meinen Weg zur Kunst geöffnet. So sind Schriftzeichen anderer Sprachen, wie Bilder – als ich gelernt habe, diese zu schreiben – glich es mehr einem zeichnen oder malen.

Seitdem ich ein Kind bin, habe ich einen guten Bezug zu Sprachen, Kunst wurde mir als die universellste Sprache aller Sprachen nahe gelegt. Dazu habe ich mich nicht berufen gefühlt. Wenn du etwas künstlerisch ausdrücken kannst, kannst du Informationen vermitteln / Bilder malen und trotzdem etwas anderes zwischen den Zeilen meinen. Kunst ist eine Sprache, die universal Gehör finden kann – Kunst kennt keine Sprachbarrieren. Egal ob Kochen, Musik oder Bilder.

ASAK steht für Andreas Schmidt aus Köln? Sonderlich anonym möchtest du aber dann doch nicht sein oder?

Ich habe in Köln schon ein paar von mir kennen gelernt. Ich habe hier zur Kunst gefunden und ich lebe hier, aber das K könnte auch für Kasachstan stehen. Und auch dort gab es einige mit meinem Namen. Also auch wenn ich eines Tages aus Köln wegziehen sollte, bleibt der Künstlername.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Kunst darf alles, es ist nur wichtig zu erkennen – in wie weit hat es eine Bedeutung? Wenn ein Künstler etwas macht, hat es immer einen Grund. Es gibt Menschen die setzen sich mit Religionen auseinander und suchen bzw. gehen in den Konflikt – diesen Weg sehe ich bei der Kunst nicht. Es ist eher ein Missbrauch und limitieren der Kunst. Kunst ist etwas, was in jedem drin steckt, schließlich ist Kunst auch in jeder Religion zu finden –  es muss nur geweckt werden – dabei kann es dann auch helfen gewisse Grenzen zu sprengen, indem der Konflikt bewußt gesucht wird. Somit ist es auch ein Kommunikationssystem.

Was macht gute Kunst für dich aus?

Gute Kunst spricht für viele – das heißt nicht, dass viele bereit sind, viel Geld dafür zu bezahlen – oder ein Künstler schnell und viel verkaufen muss, sondern – das viele ein Werk hinterfragen oder sich mit diesem auseinandersetzen. Kunst gibt Denkanstöße. Die berühmte Banane mit Klebeband zum Beispiel. Ich glaube auch, dass bei meiner Kunst einige im Nachhinein sagen, dass hätten sie auch gekonnt und das oder das könnte man besser machen, aber gute Kunst muss nicht perfekt und glatt sein, oft ist Kunst auch nur eine Idee – die Nachkommen oder die Nachwelt aufgreift und für sich verwendet.

Und gibt es Künstler oder Kunststile mit denen du überhaupt nichts anfangen kannst?

Es gibt einen Künstler, der füllt den Saal, weil er eine Furzshow bieten kann sobald der Vorhang fällt. Dafür würde ich nicht bezahlen, also nicht indoor.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach „nur schön“ sein?

Ich persönlich grenze nicht aus, dass eine unschöne Szene Denkanstöße gibt, weshalb im Nachhinein eine schöne Botschaft entstehen kann.

Was war bisher das schönste Feedback?

„Aaaah, da. Jetzt sehe ich es auch.“ Das höre ich wenn ich das kleinste Werk (so klein wie das Innenloch der Schallplatte) zeige.

Welches ist den dein eigenes bisheriges Lieblingswerk und warum?

Kopfzerbrechen ist unter den Top 5. Top 1 könnte mein Baum sein – zeigt für mich, das immer wieder wiederholen, bis man ein Ergebnis hat, was zufrieden stellendes ist. Mir geht es auch darum, mit den eigenen Händen etwas zu erschaffen, etwas so oft wiederholen – bis es zur Routine wird. Sensenmann ist ein Bild, das entstanden ist, während ich den Kids gezeigt habe, das one liner unendlich sein können. Das Werk habe ich in den drei Grundfarben gehalten – was mich auch daran erinnert, bei der Grundlage zu bleiben.

Uns rennt grade etwas die Zeit davon, stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Macht Kunst und ihr findet zusammen!

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

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Titelbild: Das Kunstwerk trägt den Titel Impulses. Es heißt so, weil eine Ecke unfertig gelassen wurde. ASAK fertigte auch einen Gegenpart dazu, dessen Titel ist Example. Es gibt eine Musikgruppe namens Example, deren Album hieß Impulses. Nachdem ASAK das Bild Impulses fertig gestellt hatte, musste er an das Cover denken, so kam die Namensgebung zustande.

Bei den beiden Bildern geht es darum, wie farbenfroh es sein kann wenn man in die Ecke gedrängt wird. Folgt man seinem Impuls und stellt sich der Herausforderungen, steht man nicht mehr in der Ecke sondern auf ihr. Die Bilder lassen sich als Quadrate oder als Rauten aufhängen. Die beiden Bilder entstanden 2018, der Arbeitsaufwand bei beiden Bildern lag bei circa 190 Stunden.

Mehr über Andreas Schmidt finden Sie auf seiner Webseite: https://asak.online/

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Als Hobby betrieb Herr Fechner aus Bayern ein Zoo- und Aquaristik-Fachgeschäft. In der Hauptsache befasst er sich mit dem Aufbau einer sozialen Fachpflegeeinrichtung für schwerst-hirnverletzte Menschen. Die behördlichen Genehmigungen sind bereits vorhanden. Gegenwärtig wird eine Hilfsaktion für das Sanatorium in die Wege geleitet. Aber fangen wir von vorne an.

Auf der Webseite des „Wonderfish“ hält Herr Fechner sein kurioses Erlebnis genau fest:

Eines Tages kamen zwei dunkelhäutige Manner, die einen uralten bärtigen Mann links und rechts stützten, in meine Geschäftsräume. Sie setzten sich auf die vorhandenen Stühle und beobachteten das Treiben. Sie unterhielten sich in einer für mich fremden Sprache. Ich nahm erst Notiz von ihnen, als einer der Herren auf mich zukam und fragte, ob ich etwas Zeit hätte. Ich bejahte, begrüßte sie und setzte mich zu ihnen. Obwohl der alte Herr mit seinem langen weißen Bart und seinem weißen Kittel, der bis zum Boden reichte, wie eine Gestalt aus einem Märchen aussah, strahlte er eine Autorität und Jugendlichkeit aus, die faszinierend war. Der rechts von ihm sitzende Mann fungierte als Dolmetscher. Er musterte mich und begann:

Wir haben davon gehört, dass Sie die Absicht haben, eine Fachpflegeeinrichtung für schwerstgeschädigte Menschen zu bauen. Ich wunderte mich sehr und bejahte. Er meinte, ob ich schon einmal daran dachte, diese ausschließlich für islamische Gläubige aufzubauen. Ich verneinte, doch könnte ich darüber nachdenken. Er fragte, ob ich gläubig wäre und dass sich der Koran und die Bibel nicht sehr unterscheiden würden.

Jeder sollte dem anderen helfen, das wäre das Wichtigste im Leben. Der Älteste sagte etwas in einer fremden Sprache (mittlerweile weiß ich, dass es arabisch war).

Mein Gesprächspartner, der perfekt deutsch sprach, meinte, sie würden wieder etwas von sich hören lassen. Sie erhoben sich, verabschiedeten sich, dabei nahm der ,,Älteste“ meine Hände in seine und drückte sie ungewöhnlich lange. Ich dachte, welch ein eigenartiger Besuch! Dann ging ich wieder meiner Arbeit nach.

Etwa ein halbes Jahr später.

Ich hielt mich gerade bei meinen Knabberfischen, die bei Schuppenflechte und Neurodermitis therapeutisch eingesetzt werden, auf. Mein Mitarbeiter kam und sagte, es wären zwei dunkelhäutige Männer mit einem Behälter da, in dem sich ein Fisch befindet. Ich ging in den Verkaufsraum und erkannte die zwei Männer gleich wieder, die vor Monaten bei mir waren, allerdings diesmal ohne dem alten Mann. Sie begrüßten mich und ich fragte, wo denn der Dritte sei. Der eine teilte mir mit, der alte Herr ist nun im Reiche Allahs. Vor seinem Weg ins Paradies gab er die Anordnung, seinen besonderen Fisch in meine Hände zu geben. Ich war natürlich mehr als erstaunt und fragte, was denn so besonderes mit diesem Fisch sei. Ich bekam zu hören, dieser Fisch ist ein Mysterium, er trägt den Namen ,,Allah“ auf der einen und ,,Mohammed“ auf der anderen Körperseite. Außerdem werden diese arabischen Wörter auf beiden Seiten von dem Abbild eines Meerwasserfisches (eine Chelmon-Art) eingerahmt. Ich soll nun versuchen, über diesen Fisch mein soziales Vorhaben zu realisieren. Sie würden wieder auf mich zukommen, ließen das Aquarium samt Inhalt zurück und gingen.

Ich stellte das Aquarium mit dem Fisch erst einmal in eine Ecke, schloss den Strom für eine Filterpumpe an, musterte kurz den Fisch, bemerkte nichts weiter, als schwarz-rote Streifen und dachte bei mir, na ja, jetzt habe ich einen Fisch mehr im Geschäft.

In den nächsten Wochen fiel mir auf, dass immer mehr fremdsprachige Menschen ins Geschäft kamen und in das Becken mit dem Fisch sahen. Jetzt musste ich ja doch einmal fragen, was da so besonderes an diesem Fisch sei. Zu meinem Erstaunen sagten sie mir, ich hätte einen Fisch mit den arabischen Zeichen Allah und Mohammed (wie es mir schon einmal gesagt wurde). Also stimmte es doch.

Um aber ganz sicher zu sein, telefonierte ich mit dem moslemischen Priester unserer Moschee, erzählte ihm von der Geschichte des Fisches. Dieser erklärte sich sofort bereit, die Schriftzeichen zu begutachten. Er kam am nächsten Tag mit einem Dolmetscher, sah sich staunend den Fisch an und bestätigte, dass jeder, der den Koran lesen kann, auch die Schriftzeichen für Allah und Mohammed lesen kann. Ich filmte dies im Originalton. Da wurde mir bewusst, dass ich wirklich etwas Einzigartiges als Vermächtnis bekommen habe und das beste daraus machen muss. Ich bin gespannt, was die Vorsehung für mich und den Fisch noch auf Lager hat.
Nachdem die Schar der Neugierigen immer größer und mir klar wurde, welch einen lebenden Schatz ich besitze, brachte ich das kostbare Tier an einen sicheren Ort.

Nichts ist beständig, so ist auch dieses einzigartige Geschöpf gestorben. Um ihn für extravagante Sammler präsent zu halten, wurde der besondere Fisch von Europas größtem Fischpräparationsbetrieb präpariert. Wir haben bei dem Unternehmen nachgefragt und ließen uns den damaligen Auftrag bestätigen.

„Allah-Fisch“ soll soziales Projekt fördern

Das seltene Exponat dreht sich nun in einem prächtig gestalteten Schrein und steht zum Verkauf. Da sich der Besitzer mit dem Aufbau eines sozialen Fachpflege-Sanatoriums für Menschen mit schwersten Schäden an Körper und Seele befasst, wird der Erlös in das künftige „Sanatorium für Hirngeschädigte Waldkraiburg“ investiert. Das Baugelände steht bereits fest. Der Entstehungsort: Von-der-Tann-Strasse 46, Waldkraiburg, 65 km südostlich von München, eine Stadt mit ca. 25 000 Einwohnern. Mehr über das Projekt!

Sollten Sie Kontakte zu ,,außergewöhnlichen Sammlern“ haben, oder selbst den für die Moslems „heiligen Fisch“ ansehen wollen, nutzen Sie gerne unseren Kontakt.

Weitere Informationen

Mehr über den „Wonderfish“ – http://www.wonder-fish.com/

Ein weiteres, exklusives Kunstwerk von Tom Moog finden Sie hier: Tom Moog: Das Auge von Nazar

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#FoundArt

Rund 60 Jahre galt ein Gemälde von Jacob Lawrence als vermisst. Das Bild aus dem Jahre 1956 stammt aus der Serie „Struggle: From the History of the American People“ des US-Künstlers Jakob Lawrence. Die Serie entstand zur Zeit der Bürgerrechtsbewegung und zählt insgesamt 30 Werke. Das nun wiederentdeckte ist jetzt als Leihgabe Teil der Ausstellung, im New Yorker Metropolitan Museum of Art (Met). Das teilte das Museum am Mittwoch mit.

https://www.metmuseum.org/press/news/2020/jacob-lawrence-panel-16-discovery

Kuriose Geschichte

Das besonders kuriose daran, das Werk befand sich die 60 Jahre lang ganz in der Nähe. Eine Museumsbesucherin der Ausstellung im Metropolitan Museum erinnerte sich während des Besuchs an ein Kunstwerk ihrer Nachbarn und ermutigte diese, das Museum zu kontaktieren. Und tatsächlich, 1960 erwarben diese bei einer lokalen Benefiz-Auktion das Kunstwerk.

In der New York Times sagte die Besitzerin: „Eine Freundin hat sich die Ausstellung angesehen und gesagt: ‚Da ist ein weißer Fleck an der Wand und ich glaube, da gehört dein Bild hin.“ Sie selbst war 27 Jahre alt, als Sie das Gemälde erwarb, dem Künstler selbst und dem Museum gegenüber fühlt Sie sich verantwortlich, das Kunstwerk nun wieder für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Das Gemälde hing 60 Jahre lang unberührt an ihrer Wand.

Weitere Informationen

Titelbild: Foto: Anna-Marie Kellen / dpa

Weitere Informationen über das New Yorker Metropolitan Museum of Art.
https://www.metmuseum.org/

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