Hundreds of internationally sold works and exhibitions on several continents. Originally from the San Francisco Bay Area, Tyler Scully currently resides in Los Angeles. The artist focused on portraiture. He pushes boundaries and blurs reality and fiction. Minimal Expressionist. We are very happy that the US-artist was available for an interview!

My art is about humanity. Portraiture has traditionally been symbolic of wealth and status, but my work focuses on deconstructing portraiture to universal people that we can all connect with. Taking elements from multiple references combining them to a human form the portraits transcend race, sex, gender, identity, etc. All these borders and identifiers we place to label each other become irrelevant when the portrait connects on a universal human level. – Tyler Scully artist statement

Interview: LA Artist Oil Painter, Musician and NFT Artist Tyler Scully

You live and work in Los Angeles, the majority of your exhibitions also took place in California, but also presentations in Australia in your CV. How interesting is the German art market for you?

I’m definitely interested in the German art market and Europe, in general. I’ve sold a few dozen pieces to private collectors in Germany over the past couple years so I would love to do something that would allow more people to experience my work in person.

Do you work with a gallery or do you do all the work yourself?

I currently work by myself, but that might be changing soon.

Almost 50,000 people follow you on Instagram, numbers that many galleries can only dream of.. How important is a gallery really for an artist to be successful?

Galleries have access to collectors that social media might not get an artist, but more importantly galleries have the trust and respect of those collectors. Uniquely now though I think an artist can find an audience and collector base on their own without the gallery structure. But I think both can have a symbiotic relationship.

Let’s start from the beginning for those who don’t know your artworks. How would you explain your art to a blind person?

Well the beauty of my artwork is I use a lot of different painting techniques to create multiple different layers and textures. I feel a blind person could even just feel the different textures and have a compelling experience in the tactile nature of my work.

Otherwise I would say my work is bright, vibrant, distorted and disturbing versions of people that seeks to capture the spirit of people rather than objective reality.

Your focus will be on portraiture, an art form that used to be a status symbol and symbol of wealth. With you, however, the faces are surreal or hardly recognizable. You transcend race, gender, sex, identity – is there a message behind it?

Yes, my art is about humanity. I focus on combining different photo references of people into portrait forms so they become more like a universal person that anyone can connect with. Another reason for this is I’m half Hawaiian so it is sort of my take on the Tiki.

How did you get into art? or what/when was the moment when you decided to share your artworks with the public?

I’ve always been into art my whole life but I started to take it seriously in high school when I discovered René Magritte, Surrealism, and Dada. I connected so much with those works that I decided I should try my own take on it. While I wouldn’t say any of those old works were any good, they allowed me to start building my skills using oil paints and using multiple techniques of Surrealism and Dadaism.

I went to university and got a degree in Fine Art with a dual emphasis in Painting and Sculpture. Even still I wasn’t that public with my paintings. I was making a living as a musician, DJ, and music producer and really only used my art for my own music releases. But around 6 years ago I decided I should focus my effort on painting because that was what made me happy. So since that point I’ve been publishing my work on my own site and on social media.

 

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How many works of art have you created in the course of your career up to now?

Probably like 500 but most of those have been sold. The ones that haven’t sold I usually go back and paint on them to see what I can bring to the piece after some time has passed. I paint every day so I do have an ever evolving body of work.

In which price range are your works of art traded? And you ship worldwide – what is the average shipping cost for buyers?

My work is always priced by the size of the piece. So it really depends on that. I would say on the lower end it would be about $500 upwards to $3000. As for shipping it is just size based too. Smaller works can go internationally relatively cheap around $50 but larger pieces can be several hundred dollars to ship.

Do you also do commissioned work – or is it possible to have them painted by you?

Yes I do commission work. So that has ranged from paintings of specific people, album artwork, graphic design and advertisements. I really can work with clients to create something they will love.

Who should definitely not buy your art?

Well we’re all human so I think anyone should be able to connect with my work. But anyone that is looking for strictly a pure representation of reality probably will be offended by my work.

Some of your works are also available as NFT, how appealing is this market for you as a seller/artist.

I’ve done some NFTs that I’m very proud of that combine my art, animation and music to create something I couldn’t really do in a psychical form. That’s how I plan to utilize that medium, making unique works that cannot exist otherwise.

How can one imagine the process of creating your works?

On Instagram and Tiktok I have posted several videos and timelapses so people can check those out. But I usually have a dozen pieces I’m working on at any one time so I do a few layers on each piece and rotate them while they dry. It’s how I constantly iterate and expand my body of work.

The process I do I’ll start a piece either by drawing out a specific silhouette or I’ll make an abstract form and then scrape the paint off and start to work from how the paint is on the piece. So I utilize chance and have an open dialogue with the painting and try to figure out how the portrait wants to form. Then I use multiple photo references to start forming facial landmarks like eyes, nose, teeth, lips. This process can take days to weeks to months. I just keep on refining and adding and subtracting layers to create depth in the piece.

Which artist would you most definitely not want to be compared to? And which comparison would you be happy about?

Sort of a double edge sword on this one but it would be Francis Bacon. I love his work and his painting technique, but his paintings are very nihilistic so that sort of is the anthesis to my work. But I get a lot of people that say that but I think that’s really the only mainstream artist that could closely be compared with my work. Who I would be extremely happy with being compared to would be Rick Bartow, Fritz Scholder, or William Kentridge.

Can art do everything or are there limits?

Art can do and mean anything, but that is its own problem. I seek to create an emotional connection with the audience so that creates a focus for my work.

Is there anything you would like to change in the art market?

I think the art market is so broad that there is a place for everyone to form their own niche and connect with those that are moved by their work.

Thank you for your time and effort!

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Die erste Ausstellung des Jahres 2022 eröffnet auch eine neue Reihe im Wuppertaler Museum! Die erste „Freundschaftsanfrage“ gilt Hans-Christian Schink (geb. 1961 in Erfurt). Mit einer Präsentation, die Arbeiten der zurückliegenden zwei Jahrzehnte des Fotografen mit Hauptwerken aus der Sammlung zur Landschaftsmalerei im 19. Jahrhundert zusammenführt, eröffnet das Wuppertaler Museum eine Ausstellungsreihe, in der renommierte zeitgenössische Künstler eingeladen werden, sich mit den reichhaltigen Beständen des Hauses auseinanderzusetzen.

Schinks Werk beschäftigt sich schwerpunktmäßig mit der Landschaft als Resultat der Interferenzen von Natur und gestaltetem Raum.  Ein geschichtsträchtiges Genre, dessen Konventionen und Codes er gleichermaßen bestätigt wie hinterfragt.

Den Pionieren der Moderne wie Caspar David Friedrich, Carl Blechen, Alfred Sisley, Paul Cézanne und Vincent van Gogh stellt Schink ausgewählte fotografische Arbeiten gegenüber. Eine herausragende Rolle wird dabei die von 2013 bis 2019 entstandene Reihe „Hinterland“ spielen. In der Schink mit ebenso viel Sachlichkeit wie Sensibilität die Landschaften Mecklenburg-Vorpommerns und Brandenburgs erkundet.

Ganz neu sind Schinks Unterwasserlandschaften! Statt den Blick in die Weite zu richten, blickt er hier in die (Un-)Tiefen von zunächst unscheinbar wirkenden Tümpeln und Wasserstellen.

Hans-Christian Schink: Freundschaftsanfrage No.1 – 27. Februar 2022 – 10. Juli 2022

Fokus Von der Heydt: Zero, Pop und Minimal – Die 1960er und 1970er Jahre

10. April 2022 – Juli 2023: Die 1960er Jahre waren ein Jahrzehnt der Revolte: Künstler und Künstlerinnen politisierten sich und setzten mit ihren Werken provokative Statements. Die 1960er und 70er Jahre waren in der Kunst auch eine besonders produktive und innovative Phase. Mit „Zero, Pop und Minimal – Die 1960er und 1970er Jahre“ lenkt das Von der Heydt-Museum programmatisch den Blick auf die eigene Sammlung und die eigene Geschichte in einem besonders fruchtbaren Moment.

Die Ausstellung beleuchtet spannende Aspekte und Strömungen einer Epoche, die in den zurückliegenden Jahrzehnten im Von der Heydt-Museum höchstens in kleinen Ausschnitten gezeigt wurden, die aber bis heute einen großen Einfluss auf das aktuelle Kunstgeschehen hat: Neben Pop, Zero und Minimal sind hier Konzept Kunst, Kunst im öffentlichen Raum, Performances sowie die Fotografie, die in dieser Zeit „salonfähig“ wurde, zu nennen. Die Protagonisten dieser Zeit waren lokale, aber auch internationale Künstler, die damals im hiesigen Museum noch ohne den Nimbus des „abgesicherten Werts“ dem Publikum vorgestellt wurden. Erst der ab Ende der 1960er Jahre sich formierende Kunstmarkt machte Namen wie Gerhard Richter, Nicolas Schöffer, George Segal, die alle seit den 1960er Jahren als frühe Ankäufe in der Wuppertaler Museumssammlung vertreten sind, weltbekannt.

So lädt die Schau ein zur Begegnung mit hochrangigen Werken international renommierter Künstler und ermöglicht zugleich die Wiederentdeckung zahlreicher weniger bekannter Positionen, deren Neubewertung lohnt.

Jankel Adler: Metamorphosen des Körpers

8. Mai 2022 – 28. August 2022

Dem Von der Heydt-Museum Wuppertal ist es 2020 gelungen, ein umfangreiches Werkkonvolut von Jankel Adler (1895 nahe Łódź, Polen – 1949 in England) zu erwerben. Die 548 Grafiken und vier Gemälde konnten mithilfe der Von der Heydt-Stiftung, des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nord-rhein-Westfalen, der Kulturstiftung der Länder sowie mit einer Spende angekauft werden. Das Konvolut stammt überwiegend aus dem Nachlass des polnisch-jüdischen Künstlers.

Die Erwerbung ist für das Von der Heydt-Museum von besonderer Bedeutung. Sie etabliert in der Sammlung einen neuen Schwerpunkt und verstärkt die Kompetenzen des Hauses bei der Dokumentation der Künstlervereinigung „Junges Rheinland“. Das Von der Heydt-Museum verfügt bereits über einen wertvollen Bestand zu Jankel Adler. 2018 würdigte eine umfassende Retrospektive bereits Adlers Schaffen und stellte sein Œuvre in den Kontext seiner Künstlerfreunde,Weggefährten und Vorbilder.

Die neue Ausstellung rückt erstmals überhaupt in Deutschland Adlers grafisches Werk ins Zentrum und setzt es in Beziehung zu Arbeiten aus der Sammlung des Museums. Sie wirft gezielt den Blick auf die Frage des Menschenbildes in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und stellt Adlers Werken ausgewählte Arbeiten seiner Zeitgenossen wie Pablo Picasso, Paul Klee, Willi Baumeister oder Max Beckmann gegenüber.

Fremde sind wir uns selbst: (Selbst-)Bildnisse von Modersohn-Becker bis Muholi

21. August 2022 – 29. Januar 2023

Die Ausstellung widmet sich der (Selbst-)Darstellung in der Kunst vom späten 19. Jahrhundert bis heute. Im Besonderen geht es darum, wie sich gesellschaftliche und soziale Codierungen in Bilder vom Menschen einschreiben und wie sie wirken – historisch und gegenwärtig. Die Ausstellung will jene Ambivalenzen, Spielräume und Irritationen zeigen, die zwischen den Darstellungen von Subjektivität und den gesellschaftlich etablierten Rollenmustern und Konventionen zu finden sind, die beispielsweise durch Herrschaftsstrukturen geprägt sind.
Dabei lassen sich tradierte Differenzen – auch in der Darstellung – zwischen dem angeblich „Normalen“, also dem vermeintlich Bekannten, und dem „Fremden“ bzw. „Anderen“ beobachten.

Die meisten Bildnisse von Menschen in europäischen Museumssammlungen bilden kaum gesellschaftliche Diversität ab, sondern spiegeln die immer noch herrschende Dominanz einer ausgesuchten (weißen) Minderheit.

Die ausgestellten Werke sind Schauplätze, in denen Selbst- und Fremd-Darstellung inszeniert und zur Anschauung gebracht werden. Neben Gemälden von Oskar Kokoschka, Emmy Klinker, Maria Blanchard, Ferdinand Hodler, Francis Bacon und Paula Modersohn-Becker werden einige eindrückliche fotografische Selbstporträts von Zanele Muholi (*1972, Umlazi, Südafrika) gezeigt, die auf subtile Weise mit geschlechtsspezifischen Konventionen spielen.

Weitere Positionen sind u. a. Senga Nengudi, Miriam Cahn, Klaus Rinke, Tobias Zielony und WOLS.

Eine neue Kunst. Fotografie und Impressionismus

2. Oktober 2022 – 8. Januar 2023

Das 19. Jahrhundert erschloss sich neue künstlerische Zugänge zur Natur. Die Maler des Impressionismus studierten die verschiedenen Lichtsituationen, Jahreszeiten und Witterungsverhältnisse. Mit ihren Bildern des ländlichen Frankreichs, mit Küsten- und Meeresdarstellungen sowie mit Szenen aus der Metropole Paris entwickelten sie eine neue visuelle Sprache und etablierten einen neuen Kanon von Themen. Gleichzeitig wandten sich die Pioniere des neuen Mediums Fotografie denselben Motiven zu. Spätestens seit den 1850er Jahren standen Maler und Fotografen in regem Austausch untereinander und befruchteten sich gegenseitig.

Diese Wechselwirkungen von Fotografie und Malerei im 19. Jahrhundert untersucht die Ausstellung „Eine neue Kunst. Fotografie und Impressionismus“ anhand von zahlreichen wertvollen Aufnahmen und ausgewählten mit Fotografien illustrierten Publikationen aus öffentlichen und privaten Sammlungen aus Deutschland, Österreich und Frankreich. Realisiert wird sie in Zusammenarbeit mit dem Museum Barberini in Potsdam. (dort zu sehen 12. Februar bis 8. Mai 2022).

Im Programm des Von der Heydt-Museums schließt das Projekt an die Reihe von Präsentationen zur impressionistischen Kunst an und setzt neue Akzente. Sie lenkt erstmals den Blick auf die frühe Geschichte des Massenmediums Fotografie. Parallel dazu wird die wesentlichen Linien in der Geschichte der hauseigenen Sammlung zur Kunst des Impressionismus und ihren Vorläufern ausgearbeitet. Den historischen Fotografien werden zentrale Werke aus der Sammlung des Museums etwa von Monet, Pissarro, Renoir und Sisley gegenübergestellt. Die teils schon seit der Gründungsphase zum festen Bestand des Museums gehören und deren Erwerbung seinerzeit für Aufsehen sorgte.

Weitere Informationen

Weitere Informationen über das Museum: von-der-heydt-museum.de

Das Von der Heydt-Museum auf Instagram: @vonderheydtmuseumwuppertal

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Dieter Hanf, geboren im Juni 1959 in Köln. Fotografien und Kunstwerke seit 1979, bis dahin selbständig in der Musikszene. Experimente und regelmäßige Verwendung von Fotochemikalien, Polaroid und allen Arten von Formaten wie 35-mm-, 6×6-, 6×9- und Plattenrückkameraformaten. Verheiratet, Vater eines Sohnes, Rugby-Trainer und Lehrer. Mit der Makowski Gallery plant er aktuell mehrere Gruppenausstellungen in Berlin und die Teilnahme an der ArtMuc, seine Bilder werden bald in Paris, im Programm Art Basel Volta, in Hongkong und Singapur zu sehen sein. Wir haben Fragen!

Interview mit Dieter Hanf

Typischer Einstieg, wo bist du? Wie geht es dir? und wodran arbeitest du grade?
Hallo Robert, danke für dein Interesse und die Möglichkeit zum Interview. Vor einigen Jahren zog ich von Köln nach Darmstadt, wo ich lebe und arbeite: Zur Zeit bereite ich einige Ausstellungs- und Buchprojekte vor, unter anderem ein Kunstbuch zu einer meiner Serien „City of Dusk“.

Echter Name oder Künstlername?
Ich führe meinen echten Namen. Vorfahren waren scheinbar Hanfbauern.

Fotografien und Kunstwerke erschaffst du seit 1979? Viele Künstler kamen und gingen, wie schafft man es konstant Leistung zu bringen?
Nun ich hatte sehr früh ein eigenes kleines Studio und habe mit Musikern und Bands gearbeitet. Daneben kreierte ich Fine Art Serien, allerdings konnte ich mich nicht vermarkten und habe es früher nie wirklich versucht. Also fotografierte ich, wie ich es wollte und kümmerte mich nicht um den Markt.

Erst seit 2018 begann ich meine Arbeiten einem größeren Publikum vorzustellen. Eine großartige Fotografin und Künstlerin aus den USA, Annette Schreiber motivierte mich dazu. Ich wagte diesen Schritt und bekam gleich sehr viel Anklang. Schon nach zwei Wochen bekam ich eine erste Einladung zu einer Gruppenausstellung in Lissabon. Die zunehmende Begeisterung von vielen Menschen für meine Arbeiten hebt natürlich meine Motivation weiterzumachen.

Ich lerne gern und reize die Grenzen meine Ausdrucksformen aus. Natürlich kann man nicht ständig innovativ und aufregend sein, in meinem Fall kann ich sehr genau feststellen, wo in der Wellenbewegung der kreativen Inspiration ich gerade bin. In einer Hochphase lege ich Verzeichnisse verschiedener Impulse an, die mir sehr gefallen. Ich wähle ein Motiv und arbeite daran. Wenn mir die Inspiration mal fehlen sollte, gehe ich zu einer dieser Sammlungen zurück und schon kann ich mich an die ursprünglich Energie anschließen.

Analog oder Digital?
Ich habe mit analoger Fotografie angefangen und mich an fast allem probiert, was die Fotografie damal hergab. Jetzt arbeite ich mit digitalen Kameras und bearbeite die Bilder auch digital. Interessanterweise gelten aber auch die analogen Techniken noch, nicht nur weil man versucht hat diese abzubilden. Die fotografischen Grundlagen sind immer noch sehr ähnlich. Nach der neuen DSGVO sind manche Bereiche der Fotografie eigentlich nur noch analog möglich, wie die Street Photography.

Schonmal ans aufhören gedacht? Falls ja, wie motivierst du dich in solchen Momenten?
Es wäre gelogen zu sagen, dass ich nicht an mir und meinen Arbeiten zweifle, das ist glaube ich, normal. Die vielen fast täglichen Kommentare vieler Menschen, vor allem in den sozialen Medien geben viel Energie zurück. Wenn ich auf meine letzten drei Jahre zurückblicke, ging es fast immer in Stufen aufwärts, warum also aufhören. Ich komme aus dem Rugby, aufgeben ist für mich kaum eine Option.

Was planst du grade mit der Makowski Gallery?
Rusa Makowski betreut meine Kunstwerke und meine Vermarktung mit ihren vielfältigen Mitteln. Unter anderem plane ich mit ihr die Teilnahme an mehreren nationalen und internationalen Kunstevents oder Kunstmessen. Unter anderen eine oder mehrere Gruppenausstellungen in Berlin, die Teilnahme an der ArtMuc, wo ich das erste Mal das Dusek & Hanf Art and Furniture Projekt vorstellen und ein Ensemble „Passion“ zeigen werde. Darüber hinaus werden meine Bilder in Paris, im Programm Art Basel Volta, in Hongkong und Singapur zu sehen sein.

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?
Hmmm, ich habe lange darüber nachgedacht, aber ich verrate es nicht. Ein bisschen Geheimnis tut gut 😉

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?
Kunst darf natürlich nicht alles und kann überaus gefährlich werden, man erinnere sich an die Debatten rund um Thomas Mann und die Kunst in Deutschland während der Nazi-Greuelherrschaft und unmittelbar nach der Befreiung Deutschlands durch die Allierten. Aus meiner Sicht hat die Kunst eine gesellschaftspolitische Verpflichtung jenseits der rein ästhetischen Aspekte. Kunst kann der Gesellschaft einen Spiegel vorhalten, kann sie antreiben und versuchen korrigierend auf Strömungen in der Gesellschaft einzuwirken. Die Menschen, Tier- Naturrechte könnten ein Maßstab dazu sein. Rassismus und Diskriminierung jeder Art können nach meiner Ansicht kein Teil der Kunst sein.

Starke Antwort! Aber wir brauchen Schlagzeilen…Gibt es einen Künstler den du kritisieren möchtest?
Dieter Hanf ArtWorks mit Vantablack! – wäre ein Erdbeben in der Kunstwelt. Ein Kunstliebhaber wollte mehrere meiner Arbeiten zum Thema „Schwarze Löcher“ unter Verwendung von Vantablack kaufen. Anish Kapoor, der das schwärzeste Schwarz der Welt allein in der Kunst verwenden darf, hat auf meine entsprechende Anfrage in dieser Angelegenheit mit mir zu kooperieren leider noch nicht geantwortet.

Nun steht es mir nicht zu dem wohl berühmtesten Bildhauer der Welt zu kritisieren. Tatsächlich hat seine Strategie im Umgang mit Vantablack Stuart Semple und viele andere dazu motiviert nicht nur das das zweitschwärzeste Schwarz auf dem Planeten zu entwickeln. Immerhin fehlen zu Vantablack lediglich 0,6 von 99,6%, was für eine unglaubliche Leistung.

Schonmal ein hässliches Kunstwerk verkauft?
Als wenn ich ein für mich hässliches Kunstwerk kreieren würde 🙂

Wie viele Fotos hast du bis heute geschossen? und wie viele davon waren in deinen Augen gut?
Mathematisch ist es natürlich Unsinn zu sagen, dass es unzählige Fotos bisher waren, dennoch fühlt es sich nach der Erfindung der digitalen Fotografie so an. Aufgrund der anfallenden Kosten und dem damit verbundenen Aufwand, war die Konzentration bei analogen Fototerminen noch einen Ticken höher. Gut kann vielerlei bedeuten, denn ein technisch perfektes Bild kann nichtssagend sein, ein unglaublicher Ausdruck bei schlechter Technik ungenießbar oder ein falsches Timing kann jede perfekte Vorbereitung ruinieren.

Ein gutes Foto….
…zeigt weit mehr als den Bruchteil einer notwendigen Belichtungseinheit

Mit welchem Equipment arbeitest du?
Ich verwende mehrere digitale Kameras, unter anderem ein Handy mit einer hochwertigen Kamera und habe mir gerade wieder zwei analoge Spiegelreflexkameras gekauft.Irgendwie selbstverständlich mehrere Geräte zur Bearbeitung der Bilder und verschiedene, gängige Softwareprodukte. Außerdem habe ich ein portables und effektives Studioequipement. Bislang bin ich kein Markenambassador, also nenne ich auch keine Namen.

Welchen Künstler hättest/würdest du gerne mal getroffen/treffen?
Albrecht Dürer, Francis Bacon stehen da ganz oben auf meiner Heldenliste. Edward Curtis, Anselm Adams sowie August Sander haben mich sehr geprägt. Mit Klaus Staeck, der mich immer begeistert hat und unter andere das verkörpert, was ich zuvor zum gesellschaftlichen Auftrag der Kunst beschrieb, hatte ich schon mehrfach das Vergnügen zu sprechen. Joseph Beuys ist in Bezug auf deine Frage ein Mensch, den ich gern persönlich gesprochen und erlebt hätte. In Darmstadt hat er eine Weile gelebt und gearbeitet. Seine Werke sprechen mich immer wieder direkt an.

Stell dir vor wir wären ein relevantes Magazin, die New York Times oder so, was würdest du der Welt sagen?
Seid ihr das nicht? Sind wir nicht alle relevant? So oder so hätte ich genauso Hallo und alles andere gesagt!

Welche Note hattest du während der Schulzeit in Kunst?
Hm, das hing wie immer in der Schule von verschiedenen Dingen ab. Ich hatte das Glück, mit Wolfgang Göddertz einen grandiosen Künstler und Bildhauer als Kunstlehrer zu haben. Er förderte meine Ambitionen und wir gestalteten in seinen Stunden unglaublich schöne Dinge. Ein inspirierender Mann, der leider nicht mehr lebt und wirkt. Die Noten waren mir damals eigentlich fast egal. Zuletzt hatte ich, auf einer anderen Schule und bei einer anderen Lehrerin, glaube ich eine Drei.

Ein Tipp für junge Künstler?
Nur du kannst deine Perspektive haben, wenn du sie nicht zeigst, wird die Welt sie nicht sehen. Trau dich also und bleibe dir treu. Kontinuierliche Arbeit bringt den Erfolg

Was hat sich auf dem Kunstmarkt in den letzten 24 Monaten geändert?
Nun mit dem Wegfall fast aller Präsenz-Kunstveranstaltungen haben sich die Aktivitäten der Anbieter mehr auf das Internet konzentriert um weitere Formate zu entwickeln um sich zu präsentieren. Das hat zu einer Vielzahl von neuen Initiativen, Marken und Online-Events geführt, von denen sicher einige weiterentwickelt werden. Das ist eine positivve Entwicklung, wie ich finde. Dennoch wird der traditionelle Kunstmarkt wiederbelebt werden, denn es gibt kaum etwas Sinnlicheres als Kunst, also ist die persönliche Auseinandersetzung und das direkte Kunsterleben kaum zu ersetzen.

NFTs? Schonmal von gehört? Was hältst du davon?
Tatsächlich habe ich vor zwei Monaten angefangen mich damit zu beschäftigen. Als ich dachte ich habe ein wenig darüber verstanden, ging gleich eine Tür zu einem neuen Universum auf und dann fängt man wieder von vorne an.

Tatsächlich veröffentliche ich regelmäßig, jeden Sonntag eine*n neue*n digitalen Heiligen. Meine Serie „Holy Digitz“ dient dem digital well-being und hat erste Aufmerksamkeit gefunden. Ich stehe hier erst am Anfang. Die Heilige Null, Die Heilige Eins, Athene Ergane als Schutzgöttin der Künste, die Heiligen Farben sowie die Meisterin der Verführung sind schon veröffentlicht. In zwei Wochen hatte ich zwar keinen Verkauf, aber ein Youtube- Interview und eine erste Galeriepräsenz in einer Metaverse Galerie in Decentraland. Vorher hatte ich keine Ahnung, dass Decentraland überhaupt existierte. Dieser Markt wird total unterschätzt und bietet unglaubliche Möglichkeiten.

Ich danke dir für deine Zeit und Mühe und drücke dir die Daumen für die geplanten Projekte. Ich freue mich immer wieder neue Arbeiten von dir zu entdecken. Wenn das Kunstbuch zu „City of Dusk“ fertig ist, sag gerne bescheid!

1st Movement Dieter Hanf ArtWorks Edition, String Quartet composed by Margarete Sorg-Rose

Weitere Informationen

Werke von Dieter Hanf: https://www.saatchiart.com/dhanf

Dieter Hanf auf Instagram: • Instagram-Fotos und -Videos

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