Kunst rund um den See: Dreißig riesige, farbige Stahl-Schatten Skulpturen und Glasstelen des Künstlers Stefan Szczesny werden durch ein Spiel von Licht und Schatten, subtilen Formen und Transparenzen in Dialog mit der spektakulären Naturkulisse des Sees und der umliegenden Berge treten. Die farbigen Stahlskulpturen, die weltweit schon u. a. in New York, Miami, London, Paris, St. Barth und St. Tropez, wo der Künstler seit 2000 lebt, ausgestellt wurden, kommen für die Ausstellung am Tegernsee erstmals wieder zusammen und werden im gesamten Tegernseer Tal an prominenten Stellen platziert.

Das Highlight ist die 6,5 Meter hohe Skulptur „Baum des Lebens“, die 2014 anlässlich der Retrospektive „Szczesny: Metamorphoses Méditerranéennes“ entstand. Der „Baum des Lebens“ ist eine Vision des irdischen Paradieses. Eine Ode an das Lebensglück, das dem Künstler Stefan Szczesny am Herzen liegt. Die Szenerie stellt Figuren dar, die sich in der Struktur des Baumes bewegen. Die Reflexionen der spiegelpolierten Figuren ermöglichen es dem „Baum des Lebens“, das Licht einzufangen und sich durch das Spiel von Licht und Transparenzen harmonisch in die Umgebung einzufügen.

Die Skulptur wurde im Sommer 2015 in der Villa Domergue, danach in der Zitadelle von Saint-Tropez während der Ausstellung „Szczesny: Sculptures 2005-2017“ und 2022 auf dem Vorplatz des Rathauses von Grimaud ausgestellt. Dieses Meisterwerk von Szczesny kam durch die Unterstützung der Cosmo Art & Science Foundation an den Tegernsee.

Neben diesen Szczesny-Skulpturen wird im Juni & Juli 2024 eine große Szczesny-Retrospektive mit Bildern, Keramiken und Skulpturen in der Galerie RPN Fine Arts in Rottach-Egern gezeigt. Mehr über die Galerie finden Sie hier: www.rnp-finearts.com

Stefan Szczesny

Der Maler, Zeichner und Bildhauer Stefan Szczesny wurde 1951 in München geboren. Szczesny studierte von 1969 bis 1975 an der Akademie für angewandte Kunst in München.

Er organisierte 1981 die erste Ausstellung „Rundschau Deutschland“ als Protagonist der neoexpressionistischen Malbewegung in Deutschland. Und er wurde als Vertreter der Strömung international bekannt. Im Jahr 1994, zog er nach New York und gründete 1996 die Szczesny Factory. Mitte der 1990er-Jahre verlegte er sein Studio auf die Insel Mustique. Die karibische Umgebung verkörpert für den Künstler die Kontinuität der mediterranen Lebensart und inspiriert sein Werk, das dadurch opulenter, sinnlich, farbenfroh und strahlend wird.

Im Jahr 2001 zog Szczesny nach Saint-Tropez, wo er im Licht der blauen Küste Côte d’Azur in seinem Atelier lebt und arbeitet. Für Stefan Szczesny ist der weibliche Körper eine Allegorie des Lebens – sinnlich gemeint und sinnlich empfunden. Die Grundbotschaft seiner frischen, farbigen Bilder ist dabei etwas Positives, begeistern uns als Betrachter und stimmen uns auch in dunklen Zeiten positiv und gut gelaunt.

 

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Die Initiatoren

Die Initiatoren der Tegernsee Art Masters sind Heino Stamm, renommierter Architekt und Veranstalter der ersten Szczesny Ausstellung am Tegernsee 2008. Der Verein „Tegernsee Art Masters“, Michael Käfer, Käfer Group – Gut Kaltenbrunn und Rebecca Niehues-Paas, Gründerin und Leiterin der Galerie RNP Rottach-Egern. Und die Tegernseer Tal Tourismus GmbH. Unterstützt wird das Kunstprojekt von Titelsponsor Zimmermann Immobilien Rottach-Egern.

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Am kommenden Freitag öffnet die 11. Revierkunst ihre Türen. Über 600 neue Arbeiten werden in der historischen Gebläsehalle, in den spannenden Katakomben und dem Außen-Areal in Szene gesetzt. Zeitgenössische Kunst gepaart mit Hüttenatmosphäre – Skulpturen aus Glas, Stein, Stahl und Holz – Malerei vom modernen Realismus bis zur Abstraktion, Streetart, digitale Kunst und Installationen. Für Kunstfreunde und Sammler gibt es auf dem Gelände viel zu entdecken.

Aus gegebenen Anlass stehen auf dem Glockenfeld vier große PEACE CUBES umspannt mit 17 Bannern von 13 Künstlern. Zusätzlich werden zwei Revier-Kunstpreise vergeben. Ein Publikumspreis & der Künstler-Kunstpreis.

Vom 29.04 – bis zum 08.05.2022 können Besucher aber nicht nur Kunstwerke besichtigen oder erwerben, sondern auch in den direkten Dialog mit den Künstler*innen treten. Die Malerin Ewa Mazur-Koj gehört zu den Ausstellenden Künstlern und gewährt auf ihrem Instagram-Kanal bereits kleine Einblicke vor der Eröffnung.

 

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Ewa Mazur-Koj

Ewa Mazur-Koj ist Teil der Gruppe FemArt Dortmund. Die erste Ausstellung des Netzwerks, „Fieberträume [Fever Dreams]“ im Februar war ein voller Erfolg. Ihre Bilder sind abstrakt und real zugleich, kräftig, aber nicht weniger sensibel, erotisch und dennoch verletzlich.

Es ist eine Kunst zwischen den Welten, in der die Wirklichkeit von einer traumartigen, phantastischen Atmosphäre beherrscht wird – eine Atmosphäre, von der die Betrachtenden eingenommen werden.

Die am 11.12.1977 in Polen geborene Künstlerin studierte Werbetechnik in Katowice (Polen). Deutschland, genauer gesagt Nordrhein-Westfalen, ist nicht nur ihre heutige Lebens- und Wirkstätte, sondern auch der Ort, an dem Ewa im Beisein des Malers Thomas Koch ihre ersten Gemälde geschaffen hat. Aber auch in Neapel hat die Künstlerin bei Carlo Alberto Palumbo in dessen Malschule Unterricht nehmen können.

Ihre Bilder befinden sich in privaten Sammlungen in Polen, Deutschland, Italien und Schweiz.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: www.artegkunstgalerie.de

Revierkunst 2022

An folgenden Tagen sind die Künstler*innen anwesend:

Fr., 29.4.22, 10 – 20 Uhr
Sa., 30.4.22, 10 – 20 Uhr | Künstler-Kunstpreis 16 Uhr
So., 01.5.22, 10 – 20 Uhr
Sa., 07.5.22, 10 – 18 Uhr
So,. 08.5.22, 10 – 18 Uhr | Revierkunstpreis 16 Uhr

Der Eintritt für das Industriemuseum beträgt 5 €, erm. 2,50€. Zur Eröffnung der Revierkunst am Freitag ist der Eintritt von 17 – 20 Uhr frei.

 

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Revierkunst 2022 | LWL-Industriemuseum Henrichshütte, Werksstrasse 31 – 33 | 45527 Hattingen

Die Revierkunst wird dieses Jahr unterstützt vom LWL-Industriemuseum Henrichshütte Hattingen und der AVU.

Weitere Informationen

Mehr über die Revierkunst 2022: http://www.revierkunst.com/

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Die Hamburger Galerie Melbye-Konan ist erfreut über die Teilnahme des von ihnen vertreten Künstlers Yeanzi an der diesjährigen Biennale, ein weiterer Meilenstein in der Karriere des Ausnahmekünstlers aus der Elfenbeinküste und international gefragten Künstlers aus Afrika.Für uns als Galerie ist es eine große Ehre und Wertschätzung unserer Arbeit, dass Yeanzi für die Biennale in Venedig ausgewählt wurde. Wir freuen uns, dass durch die große internationale Aufmerksamkeit, im Schnitt Besuchen 600.000 Menschen die Biennale, – darunter viele internationale Sammler und Museumsdirektoren – das Oeuvre von Yeanzi noch bekannter wird. », so die Galeristen Stella Melbye-Konan.

Yeanzi

Yeanzi hat sich in den letzten 10 Jahren zu einem international gefragten Künstler etabliert und gehört zu den Top 10 der bekanntesten zeitgenössischen Künstlern Afrikas (Artprice). Seine Werke befinden sich in internationalen Museen und Sammlungen und er wird international  ausgestellt. Unter anderem in Paris, Dubai, London und Hamburg verkaufen sich seine Kunstwerke zwischen 10.000 – 150.000 €.

Seine letzte Solo-Show „ILLUSIONS IDENTITAIRES“ in Hamburg war sofort ausverkauft.

Der 1988 in Katiola (Elfenbeinküste) geborene und Abidjan und Paris lebender Künstler, schloss 2012 als Bester seines Jahrgangs an der École Nationale des Beaux-Arts in Abidjan sein Kunststudium ab und hat bereits mehrere Kunstwettbewerbe (Nairay Grand Prix und Bene Hoane Prix) gewonnen.

Seit 2013 arbeitet der Künstler aus der Elfenbeinküste mit recyceltem Kunststoff, den er schmilzt und auf die Oberfläche tropft, um menschliche Körper und Gesichter zu schaffen. Die aus dem unkontrollierten Vorgang geschaffene Anonymität seiner Motive fordert die etablierte Annahme des Porträtgenres heraus, die dargestellte Person und damit das Individuum in seiner Identität festzuhalten. Damit stehen die Fragen nach der Identität und des Individuums innerhalb der Gemeinschaft, das den kontinuierlichen sozialen und identitätsbezogenen Brüchen ausgesetzt ist, im Vordergrund seines künstlerischen Schaffens, aber auch die kritische Auseinandersetzung mit der durch Plastik verursachten Umweltverschmutzung.

 

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Biennale in Venedig

Die Biennale in Venedig, die seit 1895 zweijährlich stattfindet und damit die älteste Biennale ist, gehört zu den weltweit bedeutendsten Ausstellung zeitgenössischer Kunst. Das Thema der diesjährigen Biennale Arte (23 April – 27 November 2022) ist „Die Milch der Träume“ kuriert von Cecilia Alemani. Das Motto „beschreibt eine magische Welt, in der das Leben durch das Prisma der Vorstellungskraft immer wieder neu gesehen wird. Eine Welt, in der sich jeder verändern, verwandeln, etwas und jemand anderes werden kann.

Galerie Melbye-Konan

Die Galerie Melbye-Konan wurde mit dem Ziel gegründet, zeitgenössische afrikanische Künstler*innen sowie Künstler*innen aus der ganzen Welt mit Afrika-Bezug zu vertreten. Im September 2020 eröffnete die Galerie im Zentrum von Hamburg.

Im Programm der Galerie finden sich etablierte und aufstrebende Künstler*innen, die auch international in renommierten Ausstellung und Kunstmessen vertreten sind. Die Galeristin und Kunsthistorikerin Stella Melbye-Konan verfügt über zehn Jahre Erfahrung im Bereich Moderner und zeitgenössischer Kunst. Sie studierte Museumsmanagement an der renommierten École du Louvre in Paris. In renommierten Museen und Institutionen, wie dem Centre Pompidou, sammelte sie Erfahrung.

Mehr über die Galerie: http://www.melbye-konan.com/

Weitere Informationen

Mehr über die 59. Biennale in Venedig: 59. Biennale Venedig 2022

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Vom 21. April bis zum 15. Mai findet am Bodensee die internationale Kunstausstellung See(h)arte statt. Eine der ausstellenden Künstler ist Petra Wenski-Hänisch, sie präsentiert ihre vielseitige und tiefgründige See-Häsin. Eine vollständige Liste, der über 40 präsenten Künstler aus den Bereichen Malerei, Fotografie, Pop-Art und Skulpturen finden Sie hier: See (h) arte 2022- Ausstellerverzeichnis.

Die See-Häsin bei der see(h)arte 2022

Die Künstlerin Petra Wenski-Hänisch hat die Phantasiefigur „See-Häsin“ erfunden. Sie ist inspiriert von dem Namen der Bahn am Bodensee „Seehas“, der auch in verschiedenen Bodenseegeschichten vorkommt. Der Oberkörper Hase ist Symbol für das Licht, das von Osten kommt und von der Oestra-Lichtgöttin abgeleitet ist – der Unterkörper Fisch ist Symbol für Glück, Fülle und der Fisch, der die Wahrheit der Liebe ans Licht bringt – und die menschlichen Attribute für die Sichtbarkeit der Weiblichkeit. Die Kunst-Kultur-Figur mit der Verkörperung der Liebe im Licht, ist von der Künstlerin in Gemälden, Skulpturen in Bronze, im Silberschmuck und als Buch mit Energie-Geschichten ausgedehnt.

Eine ausführliche Interpretation der Fantasiefigur finden Sie in unserer Kategorie „Werk der Woche“. Werk der Woche #37 – See-Häsin von Petra Wenski-Hänisch. Ausgewählte Variationen der Skulptur und See-Häsin-Gemälde finden sich auch bei uns im Shop! 

Mehr über die See-Häsin auf der see(h)arte 2022: See (h) arte – See-Häsin 

Beispiel für das Wachsausschmelzverfahren

Am Beispiel der „See-Häsin“, die von der Künstlerin und Diplom-Designerin Petra Wenski-Hänisch erfunden wurde, wird Schritt für Schritt dargestellt, wie eine Bronzeskulptur im Wachsausschmelzverfahren entsteht!

Tag der offenen Tür

Wer einen Besuch der Kunstmesse zeitlich nicht einrichten kann, hat auch am Tag der offenen Tür im Atelier der Künstlerin, die Gelegenheit mehr über die See-Häsin zu erfahren. Die „Tage der offenen Tür“ finden im Atelier in
Konstanz-Dingelsdorf, Fließhornstr. 40 statt.

Das nächste mal über das Muttertagswochenende vom 6.-8. Mai 2022. Geplant sind Ausstellung, Lesungen und Workshops: Gemälde, Skulpturen, Schmuckkunst, Kunst/Energie-Literatur, Kunst- und Energie-Workshops.

Öffnungszeiten: Fr. 6. Mai: 14-21 Uhr, Sa. 7. Mai: 11-18 Uhr, So. 8. Mai 2022: 11-18 Uhr.

Mehr über die Tage der offenen Tür bei Petra Wenski-Hänisch finden Sie auf ihrer Webseite. Oder nehmen Sie direkt Kontakt über beispielsweise Instagram auf!

 

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Weitere Informationen

Weitere Informationen über die Kunstmesse: See (h) arte – Aktuelle Meldungen

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Mr. Brainwash, wurde durch den Film „Exit Through the Gift Shop“ unter der Regie von Banksy berühmt. Der Film wurde 2011 für den Oscar als bester Dokumentarfilm nominiert. Mr. Brainwash hat inzwischen auch berühmte Sammler und Fans wie Papst Franziskus und die Kardashians. Er entwarf unter anderem das Cover für Madonnas Celebration-Album 2009.

FRANK FLUEGEL GALERIE vertritt seit 2012 den Künstler Mr. Brainwash im deutschsprachigen Raum. In der Filiale in Kitzbühel werden in den Wintermonaten regelmäßig seit 2018 Arbeiten von Mr. Brainwash gezeigt.

Nach dem Auktionsrekord in London für ein Banksy Gemälde bei Sothebys in London gerät Street Art immer mehr in den Fokus der Sammler. So interessieren sich die Sammler nicht unbedingt immer nur für ein Unikat, sondern durchaus auch für Editionen solange sie original sind. Ob die Kunst dabei als Investment oder nur zum betrachten oder als ideeller Wert angeschafft wird ist dabei zweitrangig.

Mr. Brainwash

Geboren 1966 als Thierry Guetta in Garges-lès-Gonesse bei Paris lebt er seit seinem 15. Lebensjahr in Los Angeles. In Los Angeles fand 2008 die erste Ausstellung „Life ist Beautiful“ statt und wurde schnell zum Publikumsmagnet mit mehr als 50.000 Besuchern.

2009 beauftragte Madonna Mr. Brainwash mit der Gestaltung des Albumcovers „Celebration“. Das Unikat dazu gab es auch als Leinwand zu kaufen. 2010 kam der Durchbruch: Mr. Brainwash wurde durch den vielfach ausgezeichneten und für den Oscar nominierten Dokumentarfilm „Exit Through the Gift Shop“ berühmt, in dem er seinen Freund und Street Art Legende Banksy bei der Arbeit begleitete. Dadurch gelangte auch er in die Street Art Szene und begann, Kunstwerke zu schaffen. Er hat damals schon Unikate und Editionen angefertigt. Ab diesem Zeitpunkt war Mr. Brainwash ein Phänomen, ein Superstar, der im Rekordtempo die Kunstwelt mit seinen Originalen eroberte.

Die Unikate und Originale sind sowohl in der Galerie in Kitzbühel als auch in Nürnberg zu kaufen. Manch einer kauft die Werke von Mr. Brainwash auch einfach als Investment, obgleich die Bilder viel zu schön sind als einfach nur als Kapitalanlage zu dienen.

Life Is Beautiful: Icons

Im Februar 2010 wurde die zweite Ausstellung „Life Is Beautiful: Icons“ in New York auf 1,400 m2 eröffnet und war nach wenigen Tagen ausverkauft. Es folgten zahlreiche Ausstellungen in England, Deutschland, Frankreich und zuletzt in Seoul. Gerade erschienen ist ein längeres Interview in der Paris Match.

Mit Stencils Schablonen-Graffiti sowie Siebdrucken und Motiven der Popkultur analog zu Warhol hat der Künstler die Urban Art von der Straße ins Wohnzimmer geholt und beide Kunstrichtungen miteinander verschmolzen.

Die überraschenden Werke wie Juxtapose, F.Y.D. Everyday Life, Einstein, Kate Moss, Life is Beautiful oder Balloon Girl mischen grelle Farben in jeglichen Kombinationen mit bisweilen kontroversen Inhalten. Das Ganze ausgeführt in Mixed Media mit Sprayfarbe, Malerei und Collagetechnik und angereichert mit ironischen Anspielungen, hinter denen sich häufig eine politisch-soziale Message verbirgt.

Weitere Informationen

Titelbild: Mr. Brainwash – Everyday Life. Mixed Media on paper. Unique. (C)FRANK FLUEGEL GALERIE/Quelle:Instagram

Zur Webseite des Künstlers: www.mrbrainwash.com

Weitere Informationen über die Frank Fluegel Galerie: https://www.frankfluegel.com/

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Stefan Leitner ist ein aufstrebender deutscher Maler. Angezogen von der Dunkelheit und dem Versuch, Formen und Symbole auf ihre einfachsten Formen zu reduzieren, komponiert er minimalistische Werke unter Verwendung von Acryl- und Sprühfarben. Von surrealistischen Malereien über schablonierte Porträts bis hin zu der Verwendung von LED-Lichtern in seinen Kunstwerken bewahrt das vielfältige Portfolio des Künstlers eine markante Balance von Licht und Schatten. Leitner – in der Szene besser bekannt als Leiti – versucht die Authentizität seiner Materialien und Themen einzufangen, damit jeder Betrachter seine eigene individuelle Entdeckung der Arbeit genießen kann.

First Try im Berliner Fernsehturm

Der Berliner Fernsehturm präsentiert seit dem 4. Februar 2022 die erste Solo-Ausstellung des in Berlin basierten Künstlers, seine Gemälde sind exklusiv im Drehrestaurant Sphere auf 207m Höhe zu bewundern, und damit allen Besuchern mit einer Tischreservierung zugängig. Die Ausstellung trägt den Titel „First Try“ und ist noch bis zum 31. März 2022 zu besichtigen. Mehr über die aktuelle Ausstellung finden Sie hier: www.tv-turm.de

Wir trafen den jungen Künstler zwar einen Tag vor der Vernissage beim Aufbau der Ausstellung, jedoch mussten wir ihm aus zeittechnischen Gründen unsere Fragen via E-Mail zukommen lassen, weshalb wir das Interview nun leider erst etwas zeitversetzt veröffentlichen konnten.

Fotos aus der Ausstellung und Vernissage teilte der Künstler bereits auf seinem Instagram-Kanal!

 

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Leiti über seine „First Try“ Ausstellung

Danke dir für deine Zeit und Mühe! Wo bist du jetzt, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Danke dir auch für das Interview und dein Interesse – freut mich sehr. Mir geht es gerade sehr gut, ich war für ein paar Tage allein in Lissabon, um etwas abzuschalten und hatte dort eine unglaublich gute Zeit, sowohl in der Stadt als auch außerhalb in der Natur. Mein nächstes Projekt wird ein Mural in Nürnberg für einen guten Freund von mir ( shoutout Vinni <3 )sein und danach werde ich ein paar Tage in meiner Heimat in Bayern verbringen und dort an paar Ideen arbeiten, die aber erst mal noch geheim bleiben werden.

Seit knapp 2 Wochen läuft deine Ausstellung „First Try“ im Berliner Fernsehturm – hat bei den Vorbereitungen alles funktioniert?

Glücklicherweise, ja. Klar gab es immer wieder kleine Komplikationen und wir konnten z.B. das Werk „INFINITE LOVE“ (der Infintiny-Mirror) nicht hängen wie geplant. Dieses Werk hat mir eh am meisten Kopfschmerzen bereitet, der erste Spiegel ging beim Transport mit der Post kaputt und ich hatte nur noch 4 Wochen Zeit einen neuen anzufertigen. Letztendlich kam aber alles ein paar Tage vor der Vernissage rechtzeitig an, worüber ich sehr froh war, da es in meinen Augen eines der wichtigsten Werke ist.

Wie viele Kunstwerke werden im Rahmen der Ausstellung präsentiert?

12 Werke insgesamt. Darunter eben der „Infinity Mirror“, „Neon Sign“ und weitere verschiedene Medien mit denen ich mich zum ersten Mal beschäftigt habe.

Was hat es mit „First Try“ auf sich?

Der Name für die Ausstellung kam mir tatsächlich vor ca. 2 Jahren, ich dachte mir sobald ich meine erste Ausstellung in Berlin machen nenne ich sie „FIRST TRY“. Der Titel hat mehrere Bedeutungen für mich. Zu einem natürlich der Bezug auf den ersten „Versuch“ einer Ausstellung in meiner aktuellen Heimatstadt Berlin. Zum anderen hat Skateboarding auf mein Leben und meinen Kunststil einen sehr großen Einfluss. Wenn man einen schwierigen Trick auf den „first try“ landet und weiterfährt, gilt das als besonders herausragend.

Der dritte Gedanke hinter dem Namen ist auf meinen Kunststil bezogen. Ich nehme bei meinem Gemalten nie Änderungen vor und es passiert und bleibt alles im Moment. Sobald die Linie auf der Leinwand ist, kann sie nicht mehr verändert werden und muss perfekt auf den ersten Versuch „first try“ sitzen.

Du bist tief mit der Skate-Kultur verbunden…nie mehr skaten oder nie mehr malen?

Nie mehr skaten wahrscheinlich, auch wenn es mir das Herz brechen würde.

…und sind schon weitere Ausstellungen geplant?

Gerade noch nicht, mein Fokus liegt erst einmal bei anderen Projekten. Jedoch würde ich bei meiner nächsten Ausstellung gerne mit einer größeren Galerie zusammenarbeiten und mit noch größeren Formaten experimentieren.

Wie bist du zur Kunst gekommen – bzw. wann hast du dich entschieden, deine Werke der Öffentlichkeit zu präsentieren?

Ich hab schon als kleines Kind wie die meisten sehr viel gemalt, aber mit 16 haben ein sehr guter Freund und ich uns damals entschieden T-Shirts und Skateboards zu bedrucken und zu verkaufen. Ich habe damals den kompletten Design-Part übernommen und wir haben auch in unserer Heimatstadt Pop-Up Stores eröffnet. Parallel dazu habe ich mich viel mit Graffiti und Streetart beschäftigt und angefangen zu sprayen. Diese Werke haben wir dann auch dort ausgestellt. Es gab nie einen Punkt an dem ich mir dachte „kann man das ausstellen?“ Oder „Ist das gut genug?“.

Ich hatte einfach immer Spaß daran Sachen zu erschaffen und wollte diese mit den Menschen um mich herum teilen und Ihnen eine Freude damit machen.

Ich denke, das kriegst du sehr gut hin. Aber ist das alles, was du mit deiner Kunst erreichen möchtest?

Letztendlich versuche ich durch die Authentizität meiner Materialien Themen und Gesamtansätze einzufangen, damit jeder Betrachter seine individuelle Entdeckung des Werks genießen kann. Das zentrale Thema meiner Werke sind zwischenmenschliche Emotionen und Gefühle und wie diese miteinander harmonieren oder interagieren.

Ich möchte die Kunstwelt den Menschen einfacher zugänglich machen und diese dazu inspirieren sich mehr damit zu beschäftigen oder selbst etwas zu schaffen. Meine Arbeit spricht zu jedem und lässt viel Raum für Interpretation.  Meiner Meinung nach wird das Kunstwerk durch den Betrachter und dessen Interaktion und eigenen Gefühlen gegenüber dem Werk vollendet.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Solange niemandem absichtlich gegen seinen Willen seelisch oder körperlich geschadet wird, sehe ich keine Grenze. Provokation ist meiner Meinung nach wichtig, sollte jemandem dennoch durch Kunst geschadet werden, muss daraus ein Diskurs entstehen und kein Verbot.

Apropos Verbot, was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Exzesse mit meinen engen Freunden.

Kunst muss…

…gar nix!

Ein schönes Schlusswort!

Weitere Informationen

Titelbild: Stefan Leitner vor dem Berliner Fernsehturm/Foto:deijaenaa

Mehr über Leiti auf seiner Webseite: http://stefanleitner.de

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Eine Bilderausstellung für nicht sehende Menschen stellt besondere Anforderungen. So sind die Bilder nicht an der Wand montiert – Besucher erhalten eine Tasche, die sie sich umhängen und mitnehmen können. In deren Fächern befinden sich die Bilder. Konzipiert als Kommunikationsmittel zwischen Sehenden und Nichtsehenden laden sie dazu ein, sie zu fühlen und über sie zu reden.

Die Herausforderung eines solchen Projektes ist, die hohe Informationsdichte eines Bildes für nicht sehende Menschen umzusetzen. Weniger ist hier mehr. Deshalb sind die Bilder nicht perspektivisch aufgebaut, sondern wurden auf Farbflächen mit maximal fünf verschiedenen Texturen pro Bild reduziert, um Überforderung zu vermeiden. Außerdem können die fühlbaren Bilder von zwei Handflächen abgedeckt werden – „A3 ist schon zu groß, um gut erfasst zu werden.“ Zu jedem Bild gibt es ein Audio, das in einfacher Sprache Tastwege und den Bildinhalt beschreibt und so den Zugang weiter erleichtert.

Art der Wahrnehmung

Im Rahmen von Sonderführungen wie am 20.2.22 um 11:30 Uhr lernen Besucher festgelegte Farboberflächen anhand des 3D gedruckten taktilen Farbkompasses zu unterscheiden. Die Werke sind in den festgelegten Oberflächentexturen entsprechend gedruckt.

Die Resonanz auf die seit Oktober 2021 in Kiel laufende Popart-Ausstellung für die multisensorische Erfahrung – durchweg positiv. „Es fühlt sich gut an.“ Die andere Art der Wahrnehmung, das erweiterte Erlebnis, das eine tiefgehenden Erfassung ermöglicht, werden sehr gut angenommen und so mancher möchte die Bilder gerne mit nach Hause nehmen.

Nachdem die Ausstellung vorher in Nizza gastiert hat, wird sie im Anschluss nach Graz weiterreisen, wo sie am 21. April 2022 im Kunsthaus eröffnet.

„Das Konzept eignet sich auch, um Bilder im Unterricht für die Bildung zu nutzen.“ Neben der kulturellen Teilhabe lässt sich mit taktilen Bildern der Tastsinn schulen. Das Hirn wird durch neue Impulse gefordert, die Empfindsamkeit kann gefördert werden.

Am Museumsberg Flensburg ist die nächste Ausstellung von TAKTILES mit mehreren Werken aus verschiedenen Epochen bereits in Arbeit. Sie soll ab dem späten Frühjahr 2022 klassische Kunst vielen Menschen zugänglich machen.

Weitere Informationen

Titelbild: Taktiles Modell mit Oberflächen des Taktilen Farbkompasses, Werk: „Ice Cream 1“, 1964 von Evelyne Axell

Mehr über die Ausstellung in der Kunsthalle Kiel: Aktuelle Ausstellungen – www.kunsthalle-kiel.de

Farben fühlen? – Mehr über Taktiles:  Farbkompass von TAKTILES

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Die Pop-up-Galerie BAODT Art zeigt bis zum 20.02.2022 Kunstwerke von 40 aufstrebenden Künstlern. Für die Ausstellung hat BAODT sich mit „MEAJET“ & „Glattfelder“ zusammengetan, um den Besuchern ein einzigartiges Galerieerlebnis zu bieten. Eine gute Möglichkeit für Kunstfreunde, um in die Welt der abstrakten Malerei, Fotografie und Urban Art einzutauchen.

Gleichzeitig findet in St. Moritz eine Pop-Up-Ausstellung im Château Papillons statt. Die Kuratorin und Kunstexpertin Carolin A. Geist präsentiert einen „Rohdiamanten“ Afrikas  – in einer Zeit, in der afrikanische zeitgenössische Kunst die westliche Welt erobert. Im Rahmen der Ausstellung werden ebenfalls Kunstwerke einer jungen Künstlerin aus St.Moritz und von Kilian Saueressig gezeigt.

Der erfolgreiche Künstler, Ingenieur und Erfinder Kilian Saueressig stellt seine einzigartigen LichtWandSkulpturen somit auf beiden neuen Pop-Up-Veranstaltungen in St. Moritz aus. Unser letztes Interview mit dem Künstler finden Sie hier: Interview – Kilian Saueressig über seine LichtWandSkulpturen

Kilian Saueressig

Kilian Saueressig (*1969) zeigt eindrucksvolle LichtWandSkulpturen, die nicht nur durch ihre Ausstrahlung, sondern auch durch ihre technische Ausführung faszinieren. In ihnen setzt sich der Künstler mit philosophischen, politischen, wissenschaftlichen, religiösen und gesellschaftlichen Themen auseinander, die das Leben im 21. Jahrhundert bestimmen und lädt die Betrachtenden dazu ein, es ihm gleichzutun.

In seinen Porträts spielt Saueressig mit selbst entwickelten innovativen Verfahren zur Farb- und Formgebung, die über die derzeit bekannten Ansätze weit hinausgehen. Die strukturierten Lichtskulpturen werden ganz im Sinne der Nachhaltigkeit mit Materialien hergestellt, die frei von umweltschädlichen Stoffen sind. Hierauf legt der passionierte Erfinder und gelernte Maschinenbauingenieur besonderen Wert. Saueressigs Arbeiten setzen sich aus zahlreichen übereinandergelegten Bildebenen zusammen, die jede für sich von LEDs erleuchtet werden. Sobald die interne Lichtquelle eingeschaltet und in Farbe und Helligkeit variiert wird, entstehen durch die sich überlagernden Bildmotive in den unterschiedlichen Ebenen immer neue Anmutungen. Der Betrachtende kann die LEDs mittels einer Fernbedienung selbst aktivieren und wird damit integraler Bestandteil des Kunstwerks.

Es bieten sich unendlich viele Möglichkeiten, den Porträtierten oder das Objekt ins „richtige Licht“ zu rücken. So sind Saueressigs Werke die Reflexion des Portraitierten durch den Künstler und durch den Betrachter. Sie komprimieren das Leben eines Menschen, frieren den Moment ein und erwecken ihn immerzu neu.

 

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Château Papillons des Arts de St. Moritz
Ausstellung 12. – 20. Februar 2022 Täglich 14.00-18.00 Uhr. Eröffnungs-Apéro am Samstag, 12., ab 18:00 Uhr Soft Opening. Freitag, 18.02 18:00 – 20:00 Uhr Vernissage. Gefolgt von einem Art Dinner um 20:00 Uhr (on request).

Anmeldung zum Apéros/ Vernissage/ Dinner (Getränke a la carte) : einfach per Antwortmail an mail@carolingeist.com

Pop-up-Galerie BAODT Art

MEAJET, Via Somplaz 7, 7500 St. Moritz, vom 11.02. bis zum 20.02.2022. Mehr über die Veranstaltung: www.baodt-art.com

Weitere Informationen

Titelbild: Kilian Saueressig & Carolin Geist

Mehr über den aufstrebenden Künstler Kilian Saueressig auf seiner Webseite: www.kiliansaueressig.com

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Nach einem erfolgreichen 2021 ermöglicht Tamara Javurek in diesem Jahr auch den Kunstliebhabern aus dem hohen Norden ihre Werke live und „in echt“ zu betrachten. Unser letztes Interview mit Tamara Javurek finden Sie hier: Interview: Tamara Javurek / MaraArt über ihre Anfänge & Zukunftspläne

Bis zum 16. Februar 2022 läuft noch der Kunst-Online Preis, bei dem Sie unter anderem für ein Kunstwerk von Tamara Javurek voten können, in dem Sie die Werke mit einem „Gefällt mir“ markieren. Mehr über den Kunst-Online Preis finden Sie hier: KUNST-ONLINE Preis – Internationaler Kunstwettbewerb für Künstler |

Hier die bisher bestätigten Ausstellungstermine des ersten Halbjahrs!

• 17.-20. März.2022 – Arte Kunstmesse Sindelfingen – Messe für zeitgenössische Kunst: Stand F 2/1
• 16.April – 29. April 2022 – Duo-Ausstellung –  Galerie Onil Bremen
• 20.Mai – 15.Juni 2022 – Marziart Internationale Galerie Hamburg
• 22.-24.Juli.2022 Arte Kunstmesse Konstanz – Bodenseeforum

Weitere Ausstellungen befinden sich in Planung. Kunstfreunde die nichts von der jungen Künstlerin verpassen möchten, können auch direkt den Newsletter von Tamara Javurek abonnieren und/oder ihre Webseite im Blick behalten!

Ausgewählte Arbeiten der Künstlerin finden sich auch in unserem Shop: Landscape by MaraArt

Weitere Informationen

Titelbild: Monument/60*60cm/Acryl auf Leinwand

Tamara Javurek auf Instagram: @maraart.de • Instagram-Fotos und -Videos

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Amy Winehouse, Mick Jagger, Mickey Rourke oder Kate Moss – zahlreiche Größen des internationalen Showbusiness hatte Bryan Adams bereits vor seiner Kamera. Selbst Queen Elizabeth II. stimmte zu, sich von dem kanadischen Musiker fotografieren zu lassen – neben zwei Paar Gummistiefeln. Das so entstandene Foto schaffte es anschließend auf eine kanadische Briefmarke. Doch der weltberühmte Sänger und Songwriter porträtiert nicht nur Ikonen der Popkultur, sondern auch verwundete Kriegsveteranen und Obdachlose.

Unter dem Titel “Exposed” (dt: sichtbar gemacht) widmet sich das Osthaus Museum Hagen vom 20. Februar bis 24. April 2022 dem beeindruckenden fotografischen Schaffen von Bryan Adams. Die umfangreiche Retrospektive präsentiert mehr als 180 Werke aus drei verschiedenen Serien: “Exposed”, “Wounded: The Legacy of War” sowie “Homeless”.

“Die Arbeiten von Bryan Adams sind intim, fesselnd und lebensbejahend – seine Porträts öffnen ein Fenster in eine Welt voller Kontraste. Wir freuen uns sehr, seine  berührende Fotokunst im Osthaus Museum Hagen präsentieren zu dürfen”, erklärt Dr. Tayfun Belgin, Kunsthistoriker und Direktor des Osthaus Museums.

Die Ausstellungseröffnung ist am Samstag, dem 19. Februar 2022 um 16 Uhr.  Es gelten die aktuellen Pandemie Bestimmungen. Teilnahme nur mit Anmeldung. Organisiert wird die Ausstellung in Kooperation mit der Düsseldorfer Galerie Geuer & Geuer Art.

Exposed

In seinem Zyklus “Exposed” zeigt Bryan Adams das Selbstbewusstsein und die Verletzlichkeit von Weltstars hinter der glamourösen Fassade des Showbiz.  Ob eine verträumt-zerbrechliche Amy Winehouse oder ein erschöpft wirkender  Mickey Rourke auf eleganter Chaiselongue – der Betrachter spürt sofort: Hier sind sich zwei Künstler begegnet, die schon zahlreiche Höhen und Tiefen des Lebens im Rampenlicht erlebt haben und sich gegenseitig vertrauen – wichtigste Voraussetzung für ein gelungenes, aufrichtiges Porträt.

Auch die ständig wechselnden Stimmungen und Trends, die mit dem Ruhm in unserer modernen Welt verbunden sind, werden in seinen Arbeiten offen gelegt. Und sie sprechen zu uns von der Schönheit und dem Begehren, die sich hinter der glatten Oberfläche des Glamours verbergen.

Dabei beweist Adams auch Sinn für Humor und Ironie: Dustin Hoffman mit Smoking und Fliege angelnd im Meer. Victoria Beckham in High Heels auf dem Fahrrad. Oder wie bereits erwähnt: Die Queen und die Gummistiefel.

Doch Bryan Adams ist noch weit mehr als ein Fotograf, der berühmte Persönlichkeiten aus der Welt der Unterhaltung, der Mode, der Politik und der Kunst aufgenommen hat. Das wird in seiner Serie “Wounded: The Legacy of War” (dt. Das Vermächtnis des Krieges) sehr deutlich: Junge britische Soldaten, die mit verstümmelten Gliedmaßen, Prothesen, Brandnarben aus den Einsätzen in Afghanistan und im Irak zurückgekehrt sind, blicken mutig, trotzig, würdevoll in seine Kamera. Wer diese schonungslosen Bilder einmal gesehen hat, wird sie so schnell nicht wieder vergessen. Denn sie legen gleichzeitig Zeugnis ab von den sichtbaren und unsichtbaren lebenslangen Folgen des Krieges.

Homeless

Mit “Homeless” (dt. obdachlos) wendet sich Bryan Adams denen zu, die am Rande der Gesellschaft leben: Seine Porträts zeigen Menschen ohne festen Wohnsitz in London, die das Obdachlosenmagazin “The Big Issue” verkaufen.  Mitfühlend und respektvoll macht er ihre Notlage bewusst und betont gleichzeitig den unschätzbaren Wert jedes Einzelnen. Alle Erlöse aus seinen Werken und dem Begleitbuch gehen an die Bryan Adams Foundation.

Bryan Adams

Bryan Adams (geb. 1959 in Kanada) ist einer der wenigen, die sich erfolgreich zwischen zwei verschiedenen künstlerischen Disziplinen bewegt haben. Als Musiker und Komponist weltberühmt, hat sich Adams in den letzten Jahrzehnten einen hervorragenden Ruf als Fotograf erworben. Er hat eine Vielzahl internationaler Preise und Auszeichnungen von renommierten Institutionen wie u.a. der Royal Photographic Society in London erhalten und schon für Magazine wie  Vogue, Vanity Fair, GQ, Harper’s Bazaar, Interview Magazine, i-D und Esquire gearbeitet.

Osthaus Museum Hagen

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdankte es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise – publikumsnah und besucherorientiert – ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Weitere Informationen

Titelbild: Fotografie von Bryan Adams im Showroom der @officialjohnrichmond Galerie in Milan.

Mehr über die Fotografien von Bryan Adams: http://bryanadamsphotography.com/

Weitere Informationen über die Ausstellung: Osthaus Museum Hagen

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