Die Galerie Beck & Eggeling aus Düsseldorf nimmt an der TEFAF New York 2026 (15.–19. Mai) teil und zeigt eine Auswahl von Werken, die zentrale Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts abbilden. Die Präsentation verbindet Positionen der Klassischen Moderne mit wichtigen Strömungen der Nachkriegsavantgarde und der ZERO-Bewegung.

Im Fokus steht eine Arbeit von Piero Manzoni aus seiner Achrome-Serie, die ab Ende der 1950er-Jahre entstand. In diesen Werken löste Manzoni die Malerei konsequent von klassischer Farbigkeit und Bildillusion und verschob den Fokus auf Material, Struktur und Wahrnehmung. Die Achrome gelten heute als Schlüsselwerk für den Übergang zur konzeptuellen und materialbasierten Kunst der Nachkriegszeit.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke von Pablo Picasso, Wassily Kandinsky und Max Ernst sowie Positionen von Yayoi Kusama und Künstlern der ZERO-Bewegung wie Heinz Mack und Günther Uecker.

Warum die Moderne für zeitgenössische Kunst entscheidend bleibt

Die in New York präsentierten Positionen machen deutlich, dass viele grundlegende Fragen der zeitgenössischen Kunst bereits in der Moderne und Nachkriegsavantgarde angelegt sind. Ob der Umgang mit Material, die Auflösung klassischer Bildstrukturen oder die Verschiebung hin zu konzeptuellen Ansätzen. Zentrale Entwicklungen heutiger künstlerischer Praxis lassen sich auf diese historischen Positionen zurückführen.

Gerade Künstler wie Piero Manzoni oder Vertreter der ZERO-Bewegung haben die Wahrnehmung von Kunst nachhaltig verändert. Indem sie das Werk nicht mehr ausschließlich als Bild, sondern als Erfahrungsraum verstanden. Diese Perspektive ist bis heute in der zeitgenössischen Kunst wirksam und prägt sowohl junge künstlerische Positionen als auch aktuelle kuratorische Ansätze.

Die Präsentation auf der TEFAF New York 2026 verdeutlicht somit nicht nur kunsthistorische Zusammenhänge, sondern auch die Kontinuitäten zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Ein Spannungsfeld, das für das Verständnis aktueller Kunstproduktion weiterhin relevant bleibt.

 

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Titelbild: Besucherinnen vor einem großen *Achrome* von Piero Manzoni in der legendären ZERO-Ausstellung. * Nul *im Stedelijk Museum Amsterdam, 1962  © Piero Manzoni Foundation. Quelle: Newsletter Beck&Eggeling.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: https://www.beck-eggeling.de/de

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Abstrakte Kunst gehört zu den prägendsten Ausdrucksformen der Moderne – und gleichzeitig zu den am häufigsten missverstandenen.

Beim ersten Kontakt entsteht oft die Frage:
„Was soll das eigentlich darstellen?“

Doch genau hier liegt der entscheidende Punkt:
Abstrakte Kunst will nicht abbilden – sie will ausdrücken.

Sie löst sich bewusst von der sichtbaren Realität und eröffnet stattdessen einen Raum für Emotion, Intuition und individuelle Interpretation.

In diesem Artikel erfährst du, was abstrakte Kunst wirklich ausmacht, wie sie entstanden ist, welche Merkmale sie prägen – und warum sie besonders für Einsteiger im Kunstkauf so spannend ist.

Was bedeutet abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst ist eine Kunstform, die bewusst auf realistische oder gegenständliche Darstellung verzichtet. Statt Menschen, Landschaften oder Objekte erkennbar abzubilden, arbeitet sie mit einer eigenständigen visuellen Sprache aus:

Farben
Formen
Linien
Strukturen
Kompositionen

Diese Elemente werden nicht zur Abbildung der Realität genutzt, sondern als eigenständige Ausdrucksmittel verstanden.

👉 Das Ziel ist nicht die Wiedergabe der sichtbaren Welt, sondern der Ausdruck innerer Zustände, Emotionen oder Ideen.

Abstrakte Kunst zeigt also nicht die äußere Realität – sondern eine innere.

Wie ist abstrakte Kunst entstanden?

Die abstrakte Kunst entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts als radikale Abkehr von der traditionellen, gegenständlichen Malerei.
Künstler begannen zu hinterfragen, ob Kunst überhaupt etwas „abbilden“ muss, um bedeutungsvoll zu sein – und kamen zu einem neuen Verständnis:

Kunst kann auch dann wirken, wenn sie keine erkennbare Realität darstellt.

Wichtige Wegbereiter dieser Entwicklung waren unter anderem:

Wassily Kandinsky
Piet Mondrian
Kazimir Malevič

Sie experimentierten mit Farbe, Form und Komposition als autonome Ausdrucksmittel – unabhängig von konkreten Motiven.

👉 Damit legten sie den Grundstein für die moderne und zeitgenössische Kunst.

Welche Merkmale hat abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst lässt sich nicht über Motive definieren, sondern über ihre gestalterische Sprache:

1. Keine erkennbare Realität

Es gibt keine klar identifizierbaren Gegenstände oder Figuren.

2. Fokus auf Farbe und Form

Farben und Formen sind keine Dekoration, sondern Träger von Bedeutung, Spannung und Wirkung.

3. Emotion als Ausdrucksmittel

Abstrakte Kunst vermittelt Stimmungen direkt – ohne den Umweg über ein Motiv.

4. Offenheit der Interpretation

Jede Betrachterin und jeder Betrachter kann etwas anderes im Werk erkennen oder empfinden.

👉 Genau diese Offenheit macht abstrakte Kunst so vielseitig und individuell erlebbar.

Warum wirkt abstrakte Kunst so unterschiedlich?

Abstrakte Kunst besitzt keinen festen „Leseschlüssel“. Ihre Wirkung entsteht im Zusammenspiel zwischen Werk und Betrachter.

Ein und dasselbe Bild kann völlig unterschiedlich wahrgenommen werden:

beruhigend oder harmonisch
dynamisch oder aufwühlend
inspirierend oder irritierend
oder scheinbar neutral

Diese Vielfalt ist kein Zufall, sondern ein zentrales Prinzip abstrakter Kunst.

👉 Sie erklärt nicht – sie eröffnet Raum.

Welche Arten abstrakter Kunst gibt es?

Abstrakte Kunst ist kein einheitlicher Stil, sondern ein breites Feld mit unterschiedlichen Ausdrucksformen:

Geometrische Abstraktion

Arbeitet mit klaren Formen wie Linien, Kreisen oder Rechtecken.
👉 Strukturiert, reduziert und oft minimalistisch.

Expressive Abstraktion

Fokus auf Emotion, Bewegung und spontane Pinselgesten.
👉 Kraftvoll, intuitiv und dynamisch.

Farbfeldmalerei

Große, oft ruhige Farbflächen ohne starke Formen.
👉 Die Wirkung entsteht fast ausschließlich über Farbe.

Minimalistische Abstraktion

Reduktion auf das Wesentliche mit sehr wenigen Elementen.
👉 Klar, ruhig und oft meditativ.

Warum ist abstrakte Kunst so beliebt?

Moderne abstrakte Werke zählen heute zu den meistgesammelten und gefragtesten Kunstformen im zeitgenössischen Bereich.

Das liegt vor allem an ihrer Vielseitigkeit:

Sie passt in moderne Wohnräume
Sie lässt sich flexibel kombinieren
Sie wirkt unabhängig von kurzlebigen Trends
Sie spricht emotional statt rein rational an
Sie ist oft auch für Einsteiger zugänglich

👉 Gerade im Bereich Kunstkauf für Einsteiger ist abstrakte Kunst ein idealer Einstieg in die Welt der zeitgenössischen Kunst.

Wie versteht man abstrakte Kunst?

Ein häufiger Irrtum ist, dass abstrakte Kunst „verstanden“ werden muss.

Tatsächlich gilt eher:
Du musst sie nicht verstehen – du musst sie erleben.

Hilfreiche Fragen beim Betrachten sind:

Welche Stimmung entsteht beim ersten Eindruck?
Wie verändert das Werk den Raum?
Welche Farben dominieren?
Welche Bewegung oder Dynamik nehme ich wahr?

👉 Es gibt keine richtige oder falsche Interpretation – nur individuelle Wahrnehmung.

Abstrakte Kunst kaufen – worauf sollte man achten?

Gerade für Einsteiger im Kunstkauf ist abstrakte Kunst besonders zugänglich. Dennoch gibt es einige wichtige Aspekte:

Emotionale Wirkung vor rationaler Bewertung
Größe im Verhältnis zum Raum bedenken
Farbwirkung im eigenen Licht prüfen
Stilrichtung des Künstlers vergleichen
Original und Edition unterscheiden

👉 Entscheidend ist nicht, was ein Werk „darstellt“, sondern wie es auf dich wirkt.

Ist abstrakte Kunst nur Dekoration?

Nein. Auch wenn abstrakte Werke oft dekorativ wirken, sind sie in der Regel das Ergebnis eines bewussten künstlerischen Prozesses.

Viele Arbeiten basieren auf:

persönlichen Erfahrungen
emotionalen Zuständen
gesellschaftlichen Themen
oder formalen Experimenten

👉 Die Wirkung ist sichtbar – die Bedeutung oft vielschichtig und nicht sofort greifbar.

Fazit: Was ist abstrakte Kunst wirklich?

Ungegenständliche Kunst ist weit mehr als eine Stilrichtung der Moderne – sie ist eine eigenständige visuelle Sprache jenseits der Gegenständlichkeit.

Sie reduziert das Sichtbare, um das Unsichtbare erfahrbar zu machen: Emotion, Spannung, Ruhe und Bewegung.

Gerade diese Offenheit macht sie sowohl für Einsteiger als auch für erfahrene Sammler besonders spannend.

👉 Kurz gesagt: Abstrakte Kunst zeigt nicht, was die Welt ist – sondern wie sie sich anfühlen kann.

Was ist zeitgenössische Kunst? – Bedeutung und Merkmale erklärt

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Titelbild: Bild von edith lüthi.

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Zu sehen sind mehr als 80 Werke – 60 Gemälde, fünf Skulpturen sowie ein Konvolut von Arbeiten auf Papier – von französischen, belgischen, russischen, ukrainischen, österreichischen und deutschen Künstlerinnen und Künstlern aus den ersten beiden Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts.

Parallel dazu werden in einer zweiten Ausstellung mit dem Titel „David und Vladimir Burliuk – Meister der Experimente“ mehr als 40 Werke der für die ukrainische Kunstgeschichte höchst bedeutenden Burliuk-Brüder gezeigt. Die Bilderschau mit Werken aus den Jahren 1909 bis 1949 ist die erste Übersichtsausstellung der Brüder in Deutschland.

Damit erinnert das westfälische Hagen an die große Tradition des Folkwang-Museums. Bereits zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts fanden in der Stadt am Rande des Ruhrgebiets Künstlerinnen und Künstler der europäischen Avantgarde einen Fixpunkt. Im Jahr 1902 wurde dort mit dem Folkwang-Museum, dem heutigen Osthaus Museum, das weltweit erste Museum für zeitgenössische Kunst eröffnet. Kunstmäzen und Museumsgründer Karl Ernst Osthaus, der eine umfassende Sammlung mit Gemälden und Skulpturen von u.a. Paul Cézanne. Henri Matisse. Éduard Manet. Vincent van Gogh.  Auguste Renoir, Kees van Dongen zusammengetragen hatte, kam mit der Gründung des Museums seiner Vision, „die Schönheit wieder zur herrschenden Macht im Leben“ werden zu lassen, ein ganzes Stück näher.

Tayfun Belgin, Direktor des Museum Osthaus, betont: „Wir haben hier den Folkwang-Impuls aufgenommen, denn wir erinnern uns: Karl Ernst Osthaus hat bereits 1907 die damals völlig unbekannten Brücke-Künstler ausgestellt. Nächstes Jahr wäre der Privat-Sammler Osthaus hundertfünfzig Jahre alt geworden. Diese Ausstellung ist eine Hommage an unseren Museumsgründer. Ihm zuliebe haben wir diese große Ausstellung mit viel Aufwand realisiert.“

Mit der Doppelausstellung ermöglicht das Osthaus Museum nicht nur einen westlichen Blick auf die Europäische Avantgarde, sondern zeigt die Avantgardebewegungen des beginnenden Zwanzigsten Jahrhunderts als ein gesamteuropäisches Phänomen.

Die Kunst der Avantgarde – Aufbruch in eine neue Zeit

Das beginnende zwanzigste Jahrhundert ist geprägt durch tiefgreifende gesellschaftliche Umbrüche. Dem versucht eine neue Künstlergeneration Rechnung zu tragen, die den vorherrschenden Geschmack durch eine neue Ästhetik überwindet.

Die künstlerische Avantgarde gilt als die Vorhut einer neuen Bewegung, die sich in verschiedenen Ausprägungen wie Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Suprematismus niederschlägt. Der Anspruch: nicht nur eine radikale Neuerung künstlerischer Formen und der einzelnen Künste zu bewirken, sondern zugleich eine gänzlich neue Auffassung von Kunst und eine neuartige Positionierung der Kunst in der Gesellschaft durchzusetzen.

Die Hagener Ausstellung bringt die unterschiedlichen Positionen dieser Künstler zusammen und huldigt ihrer Wirkungsgeschichte. So haben, zum Beispiel, die Expressionisten spätere Generationen geprägt – bis hin zur wilden Malerei der 1970er und 1980er Jahre -, der Suprematismus hat in großer Dimension eine Renaissance in der US-amerikanischen Kunst gefunden.

Die Zeit der Avantgarden ist und bleibt ein wichtiges Kapitel in der Kunstgeschichte der Moderne und strahlt bis heute nicht nur in die Kunstwelt aus.

David und Vladimir Burliuk

Die Brüder David Burliuk, geboren 1882 im Gouvernement Charkiw, und Vladimir Burliuk, geboren 1886 ebendort, sind für die ukrainisch Kunstgeschichte von großer Bedeutung. Beide waren Avantgarde-Künstler, die nicht nur an Neuerungen interessiert waren, sondern diese auch durchsetzten. Wladimir, der im ersten Weltkrieg im Alter von 32 Jahren verstarb, ist bekannt als Neo-Primitivist und Kubofuturist, während David als Vater des russischen Futurismus gilt. Ab 1922 lebte David Burliuk in den USA, wo er großen Einfluss auf die amerikanische Kunstszene ausübte. Er starb 1967 auf Long Island.

Die beiden Ausstellungen werden ermöglicht durch die großzügige Unterstützung privater Leihgeber: zweier Sammler aus London, die ihre Anonymität wahren möchte, der Sammlerin Inna Bazhenova aus Monaco und des Sammlerehepaars Maya und Anatoly Bekkerman aus New York. 21 Werke, darunter auch Arbeiten der Burliuk-Brüder, befinden sich in der Sammlung des Museum Osthaus. Kuratiert werden beide Ausstellungen von Joseph Kiblitsky und Tayfun Belgin.

Über das Osthaus Museum

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdankte es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Weitere Informationen

Osthaus Museum: Weltklasse in Hagen
Europäische Avantgarde – Vision und Realität
David und Vladimir Burliuk – Meister der Experimente
29. September 2023 bis 07. Januar 2024

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Der international tätige Künstler Bernd Luz hat bereits sehr viel Erfahrung in der Zusammenarbeit mit Unternehmen, Hotels und Organisationen. Seine Kunst ist nicht nur unzähligen Museen und Galerien zu finden, sondern auch in der freien Wirtschaft. Gerade von hier bekommt er stets großes positives Feedback.

Vielfach wird die Wirkung von Kunst in Unternehmen bei Weitem unterschätzt. Dabei macht die Auseinandersetzung nicht nur Spaß und Freude, sondern bietet viel Potenzial, das es nicht zu unterschätzen gilt. Zwischen Kunst und Wirtschaft bestehen spannende Synergien. Sie bietet nicht nur ideellen, sondern auch materiellen Mehrwert und ist ein Erfolgstreiber.

Kunst enthält Kraftstoff für Geist, Seele und Körper. Kunst erweitert den Horizont. Die Wirkung und der Imagetransfer von Kunst ist immens: weltoffen, hochwertig, originell, einzigartig. In diesem Zusammenhang lässt sich sagen: Kunst beflügelt die Wirtschaft.

Mit verhältnismäßig geringen Investitionen im Verhältnis zu Bau- und Umbaukosten oder sonstigen imagebildenden Maßnahmen erreichen die Unternehmen neben dem „Wohlfühleffekt” und hochwertiger „Dekoration” jede Menge positiver Effekte:

Wirkung nach innen

> Stimulanz – Motivation – Inspiration

> positive Beeinflussung der Stimmung – Wohlfühlfaktor

> Fördern der Kommunikation

> Hinterfragen von Routinen

> Erzeugen von Kreativität (belegt durch neurobiolog. Studien)

Wirkung nach außen

> Transport der Firmenidentität: Vertrauen, Reputation

> Corporate Cultural Responsibility

> Begeisterung für Kunst als Teil der Unternehmenskultur

> Unterstützung der Marke

> “conversation piece” – Eisbrechen im Kundengespräch

> Attraktion von High-End-Kunden

> Kunst prägt Ambiente

>in einer Zeit der Massenproduktion erlaubt sie neue, ungewohnte und überraschende Blicke auf unsere Umwelt und die Auseinandersetzung mit anderen Sichtweisen

>Kunst strahlt Lebensfreude aus

> Öffentlichkeitsarbeit von kulturellem Engagement

Die Motivauswahl

Bernd Luz zum Beispiel bietet seinen Kunden eine große Motivauswahl. Individuell zum Unternehmen passende Spezialanfertigungen (FactoryPop), Automotive Art (sein großes Steckenpferd), CityPop, Alte Meisterwerke der Kunstgeschichte in seinen speziellen Stil transferiert (Reloaded), Fußball und Sportmotive, Erfinder und Tüftler oder MoviePop. Eine unglaubliche Raumwirkung entsteht durch seine abstrakten, mitunter sehr farbenfrohen Werke in überdimensionaler Größe, gerade für große Besprechungsräume.

Bernd Luz ist bei Weitem nicht der einzige Künstler, der sich offen für Auftragsarbeiten zeigt bzw. ein breites Spektrum an Motiven vorweisen kann. Unternehmen und Firmen die Interesse an Kunstwerken haben, können Künstler häufig direkt kontaktieren, um Konditionen und Ähnliches zu erfragen! In der aktuellen Corona-Situation ist das natürlich auch eine gute Unterstützung für den geschwächten Kunstmarkt.

Um Kunst in einem Unternehmen zu integrieren gibt es zahlreiche Möglichkeiten!

1. Das Sponsoring einer Ausstellung

2. Kunstwerke in Foyers, Büros und Besprechungsräumen

3. Individuelle Werke zur Integration in verschiedenste Kommunikations- und Werbemittel, wie Internetauftritt, auf Produkten, Kataloge oder Broschüren.

4. Anfertigung von signierten Replikas als hochwertige Geschenke

5. Bilder als Schallschluckerwände bzw. Schallabsorber

5. Kalender mit individuellen oder ausgewählten Motiven, sowohl Dauerkalender (Geburtstagskalender) oder Jahreskalender.

6. Eine Ausstellung zur Begleitung und Aufwertung eines Firmenevents.

7. Groß aufgezogene Bildwerke auf Bauzaunbannern beim Bau/Umbau

und vieles mehr!

Sollten Sie sich für den Erwerb von Kunst entschieden haben bieten sich neben dem Kauf auch Leasen, Ratenkauf oder Mietkauf an. Auch das Mieten über einen längeren Zeitraum macht die Entscheidungsfindung einfacher. Bilder können dann ausgetauscht werden Im Falle des späteren Kaufes wird die Mietzahlungen meist angerechnet. Wenn Sie weitere Infos wünschen, nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

BERND LUZ

Der süddeutsche Künstler und diplomierte Designer Bernd Luz zählt mittlerweile zu den wichtigsten zeitgenössischen PopArt-Künstlern. Seine Werke finden sich weltweit in Galerien und Museen, selbst in Nationalmuseen. Bernd Luz kann über 100 Ausstellungen in den letzten 6 Jahren vorweisen.

KURZE FAKTEN
> geboren 1966 in Rottweil
> lebt und arbeitet im baden-Württembergischen Kreis Tuttlingen und in Schaffhausen in der Schweiz
> international TV-Berichte
> Bilder in Nationalmuseen und Museen weltweit
> Autor von Kunstbüchern und Kunst-Kalendern
> Vielzahl an Berichten in Automobil- und Kunstjournalen
> Campagnolo-ArtBike und BMW Custom-ArtCar
> zahlreiche Designpreise
> viele Veröffentlichungen in internationalen Designbüchern

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler: https://berndluz.de/

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