Manche Kunstwerke tragen nicht nur die Geschichte ihres Künstlers in sich, sondern auch die Konflikte späterer Generationen. Rembrandts „Jugendliches Selbstbildnis“ von 1629 ist ein solches Bild. Acht Jahrzehnte nachdem es aus Gotha entfernt wurde, hängt es wieder im Herzoglichen Museum – allerdings nur vorübergehend.

Das Gemälde gehört zu den herausragenden Leihgaben der Ausstellung „Rembrandt 1632. Entstehung einer Marke“, die vom 5. September bis zum 6. Dezember 2026 in Gotha gezeigt wird. Die Ausstellung widmet sich dem entscheidenden Jahr, in dem sich der junge Rembrandt auf dem Amsterdamer Kunstmarkt etablierte und begann, seinen Namen gezielt als künstlerisches Erkennungszeichen einzusetzen.

Für Gotha ist die Präsentation jedoch mehr als eine kunsthistorische Ausstellung. Mit dem Selbstbildnis kehrt ein Werk zurück, dessen Entfernung bis heute Fragen nach Eigentum, Verantwortung und dem Umgang öffentlicher Museen mit problematischen Besitzgeschichten aufwirft.

Rembrandts Jugendliches Selbstbildnis von 1629

Das ausgestellte Gemälde zeigt Rembrandt im Alter von ungefähr 23 oder 24 Jahren. Sein Gesicht tritt nur teilweise aus dem Dunkel hervor, das Haar wirkt zerzaust, der Blick konzentriert und zugleich prüfend. Es ist kein repräsentatives Porträt eines bereits gefeierten Meisters, sondern die experimentelle Selbstdarstellung eines jungen Künstlers.

Das Werk befand sich spätestens zu Beginn des 19. Jahrhunderts in der herzoglichen Sammlung. Herzog Ernst II. von Sachsen-Gotha-Altenburg hatte das Gemälde vermutlich bis 1803 erworben. Seit 1842 wurde es auf Schloss Friedenstein präsentiert.

Während des Zweiten Weltkriegs brachte man das Selbstbildnis zum Schutz nach Schloss Reinhardsbrunn. Nach Kriegsende gelangte es zunächst wieder in das Gothaer Museum. Dort blieb es jedoch nicht lange.

Wie der Rembrandt 1946 Gotha verließ

Im Januar oder Februar 1946 ließ die herzogliche Familie das Selbstbildnis heimlich aus Gotha in das rund 100 Kilometer entfernte Coburg bringen. Organisiert wurde der Transport durch einen früheren Museumsdirektor – ohne Zustimmung der damaligen Museumsleitung und der für die Sammlung zuständigen Stiftung.

Als Begründung diente offenbar die Sorge vor sowjetischen Trophäenbrigaden, die nach Kriegsende Kunstwerke beschlagnahmten und in die Sowjetunion transportierten. Gotha lag in der sowjetischen Besatzungszone, während Coburg zur amerikanischen Zone gehörte. Nach Darstellung der Friedenstein Stiftung war die Entfernung des Gemäldes jedoch unrechtmäßig.

Was möglicherweise als vorübergehende Sicherungsmaßnahme begonnen hatte, entwickelte sich zu einem dauerhaften Verlust für die Gothaer Sammlung. 1954 verkaufte die herzogliche Familie das Selbstbildnis für 75.000 D-Mark an die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen. Seitdem gehört es zum Bestand der Alten Pinakothek in München.

Das Bild war also nicht im klassischen Sinne verschollen. Sein Aufenthaltsort war bekannt. Verschwunden war es vielmehr aus der Sammlung und dem öffentlichen Gedächtnis Gothas.

Ein Streit zwischen zwei deutschen Museumssammlungen

Die Geschichte des Gemäldes wurde durch die deutsche Teilung zusätzlich kompliziert. Gotha lag in der DDR, München in der Bundesrepublik. Eine rechtliche Auseinandersetzung zwischen den beteiligten Institutionen war unter diesen politischen Bedingungen kaum realistisch.

Nach deutschem Recht verjährte ein möglicher Herausgabeanspruch nach 30 Jahren – im Fall des Rembrandt-Selbstbildnisses damit bereits 1976. Zu diesem Zeitpunkt lag die Wiedervereinigung noch 14 Jahre in der Zukunft.

Die juristische Frage ist damit weitgehend von der moralischen und museumspolitischen Bewertung getrennt. Die Friedenstein Stiftung zweifelt weiterhin die Umstände an, unter denen das Werk Gotha verlassen hatte. Die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen verweisen zugleich auf die Bedeutung des heutigen kulturellen Austauschs zwischen den beiden historischen Sammlungen.

Die Leihgabe löst diesen Konflikt nicht. Sie macht ihn jedoch erstmals seit Jahrzehnten unmittelbar sichtbar.

Warum Provenienzforschung nicht 1945 enden darf

Der Fall zeigt, weshalb sich Provenienzforschung nicht ausschließlich auf die Zeit des Nationalsozialismus konzentrieren kann. Auch Fluchtbewegungen, Beschlagnahmungen, private Verkäufe und Transporte während der unmittelbaren Nachkriegszeit haben die Besitzgeschichte zahlreicher Kunstwerke geprägt.

Museen müssen deshalb nicht nur fragen, wer ein Bild geschaffen hat. Entscheidend ist ebenso, wer es zu welchem Zeitpunkt besaß, unter welchen Bedingungen es den Standort wechselte und ob die zuständigen Eigentümer oder Institutionen einem Verkauf zugestimmt hatten.

ARTTRADO hat sich bereits im Beitrag „Restitution und Provenienz im Kunstmarkt – Fair und gerecht?“ mit der Frage beschäftigt, wie Kunsthandel, Museen und Sammler mit strittigen Besitzgeschichten umgehen.

Dass Provenienzforschung auch nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ansetzen muss, zeigt ebenso der ARTTRADO-Beitrag „Raubkunst? Museum für Kunst und Gewerbe bereitet Restitution vor“.

Rembrandt 1632 und die Entstehung einer Marke

Die Gothaer Ausstellung beschränkt sich nicht auf die Geschichte des zurückgekehrten Selbstbildnisses. Im Mittelpunkt steht das Jahr 1632 – ein entscheidender Wendepunkt in Rembrandts Karriere.

Der Künstler zog von Leiden nach Amsterdam und arbeitete im Umfeld des Kunsthändlers Hendrick van Uylenburgh. Dort entstanden zahlreiche Einzel- und Gruppenporträts, durch die Rembrandt neue Auftraggeber und Käuferkreise erreichte.

Zugleich veränderte er seine Signatur. Statt lediglich Initialen zu verwenden, signierte er seine Werke zunehmend mit seinem Vornamen: Rembrandt. Der Name wurde zum unverwechselbaren Kennzeichen – vergleichbar mit den großen italienischen Künstlern, die ebenfalls unter ihren Vornamen bekannt waren.

Der Ausstellungstitel „Entstehung einer Marke“ beschreibt deshalb keinen modernen Marketingplan im heutigen Sinne. Er verweist darauf, wie Rembrandt einen hohen Wiedererkennungswert entwickelte und seinen Namen eng mit einer bestimmten künstlerischen Handschrift verband.

Wie Rembrandt sich selbst zum Motiv machte

Selbstporträts spielten für Rembrandts öffentliche Identität eine zentrale Rolle. Über Jahrzehnte stellte er sich in unterschiedlichen Lebensphasen, Rollen und emotionalen Zuständen dar. Dabei dienten die Bilder nicht allein der Dokumentation seines Aussehens.

Sie waren zugleich Studien von Licht, Mimik und menschlichem Ausdruck. Rembrandt konnte an seinem eigenen Gesicht experimentieren, ohne von einem Auftraggeber oder Modell abhängig zu sein. Gleichzeitig verbreiteten Gemälde und Druckgrafiken sein Bild und stärkten die Verbindung zwischen seinem Gesicht und seinem Namen.

Das „Jugendliche Selbstbildnis“ von 1629 entstand zwar einige Jahre vor dem Schlüsseljahr 1632, passt aber besonders gut in diesen Zusammenhang. Es zeigt Rembrandt zu einem Zeitpunkt, an dem er seine künstlerische Identität noch entwickelte – kurz bevor sein Name zu einem Markenzeichen wurde.

Die Rückkehr ist keine endgültige Restitution

So symbolträchtig die Präsentation in Gotha ist: Das Selbstbildnis wurde nicht dauerhaft zurückgegeben. Es bleibt Eigentum der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen und ist lediglich für die Dauer der Ausstellung aus München ausgeliehen.

Die aktuelle Leihgabe kam nach Gesprächen zustande, die Gothas Oberbürgermeister Knut Kreuch mit dem bayerischen Ministerpräsidenten Markus Söder angestoßen hatte. Beteiligt waren anschließend auch die zuständigen Museen und Sammlungen.

Damit ist das Gemälde erstmals seit 80 Jahren wieder an dem Ort zu sehen, an dem es seit der Mitte des 19. Jahrhunderts ausgestellt worden war. Ob daraus künftig weitere Leihgaben oder eine längerfristige Kooperation entstehen, bleibt offen.

Eine Rückgabe ersetzt die Präsentation jedenfalls nicht. Doch sie ermöglicht es, die Geschichte des Werkes öffentlich zu diskutieren, statt sie nur in Archiven und juristischen Akten fortzuführen.

Was dieser Rembrandt über den Kunstmarkt erzählt

Ein Kunstwerk beendet seine Geschichte nicht mit dem letzten Pinselstrich. Danach beginnt seine zweite Biografie: Es wird verkauft, gesammelt, vererbt, ausgelagert, versteckt, beschlagnahmt, erforscht oder zurückgegeben.

Beim „Jugendlichen Selbstbildnis“ verbindet sich die Karriere eines niederländischen Malers des 17. Jahrhunderts mit Krieg, Besatzung, deutscher Teilung und einem bis heute nicht vollständig gelösten Museumsstreit.

Gerade deshalb ist seine Rückkehr nach Gotha mehr als ein werbewirksamer Höhepunkt einer Ausstellung. Das Bild erinnert daran, dass Museen nicht nur Kunstwerke bewahren. Sie verwalten auch deren Geschichte – einschließlich jener Kapitel, die unbequem geblieben sind.

Weitere Geschichten über verschwundene, gestohlene und wiederaufgetauchte Werke finden sich in der ARTTRADO-Rubrik „Verlorene und wiederentdeckte Kunstwerke“.

Rembrandt 1632 Entstehung einer Marke

Ort: Herzogliches Museum Gotha, Ausstellungshalle
Laufzeit: 5. September bis 6. Dezember 2026
Veranstalter: Friedenstein Stiftung Gotha
Kooperation: Hessen Kassel Heritage
Umfang: Mehr als 90 Werke, darunter Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken, Varianten und Werkstattarbeiten
Besonderheit: Rembrandts „Jugendliches Selbstbildnis“ von 1629 ist erstmals seit 80 Jahren wieder in Gotha zu sehen.

Weitere Informationen

Titelbild: Rembrandt van Rijn: Jugendliches Selbstbildnis, 1629, Öl auf Eichenholz, Alte Pinakothek München / Bayerische Staatsgemäldesammlungen. Bild: Wikimedia Commons, Public Domain.

Weitere Informationen: Offizielle Ausstellungsseite der Friedenstein Stiftung

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Monet, Picasso, Cézanne, van Gogh, Franz Marc und Kirchner: Die Namen der Künstler kennt fast jeder. Die Menschen, die ihre Werke sammelten, förderten und öffentlich bekannt machten, sind dagegen vielfach in Vergessenheit geraten. Eine große Ausstellung im Bucerius Kunst Forum Hamburg rückt nun 15 jüdische Sammlerinnen, Sammler und Familien in den Mittelpunkt – und erzählt damit auch von Verfolgung, Enteignung und dem Verlust kultureller Erinnerung.

Wer heute ein bedeutendes Museum besucht, sieht vor allem die Namen der Künstler. Die Sammler, die ihre Werke kauften, bewahrten und einer größeren Öffentlichkeit zugänglich machten, bleiben häufig unsichtbar. Das gilt besonders für zahlreiche jüdische Kunstsammler in Deutschland. Ihre Sammlungen wurden während der Zeit des Nationalsozialismus zerschlagen und über die ganze Welt verstreut, während ihre eigenen Namen nach 1945 teilweise aus dem kulturellen Gedächtnis verschwanden.

Das Bucerius Kunst Forum widmet diesem Kapitel der deutschen Kunstgeschichte die Ausstellung „Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler:innen in Deutschland“. Die Schau ist vom 11. September 2026 bis zum 29. März 2027 in Hamburg zu sehen. Rund 100 Werke aus 15 rekonstruierten Sammlungen führen vom Realismus und Impressionismus über den Expressionismus bis zur Neuen Sachlichkeit.

Gezeigt werden Gemälde, Zeichnungen, Druckgrafiken, Künstlerpostkarten und Skulpturen – unter anderem von Paul Cézanne, Claude Monet, Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc, Paula Modersohn-Becker, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff und Milly Steeger.

Die Menschen hinter den Meisterwerken

Die Ausstellung stellt eine einfache, aber lange vernachlässigte Frage: Wem gehörten diese Bilder, bevor sie in Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt gelangten?

Im Mittelpunkt stehen 15 Familien, Paare und Einzelpersonen aus verschiedenen Teilen des damaligen Deutschen Reiches. Dazu gehören unter anderem die Familie Hirschland, Max Meirowsky, Rosa Schapire, Margarete Mauthner, Max Emden sowie Clothilde und Paul Schüler.

Ihre Sammlungen unterschieden sich in Größe, Ausrichtung und finanziellen Möglichkeiten. Gemeinsam war vielen jedoch das Interesse an jener Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts noch keineswegs allgemein anerkannt war. Während die offizielle Kunstpolitik des Kaiserreichs lange konservativ blieb, öffneten sich private Sammler vergleichsweise früh dem Impressionismus, Expressionismus und anderen progressiven Strömungen.

Die Ausstellung versucht deshalb nicht nur, verstreute Kunstwerke wieder zusammenzuführen. Sie rekonstruiert anhand von Kunst, Fotografien und historischen Dokumenten auch die Lebensgeschichten ihrer früheren Eigentümer. Jeder der 15 Sammlungen ist ein eigener Raum gewidmet.

Das verändert den Blick auf die ausgestellten Werke. Ein Picasso bleibt ein Picasso. Gleichzeitig wird sichtbar, dass das Bild einmal Teil eines konkreten Lebens gewesen ist – verbunden mit einem Haus, einer Familie, persönlichen Überzeugungen und einer individuellen Beziehung zur Kunst.

Als Sammeln mehr bedeutete als ein Investment

Die vorgestellten jüdischen Kunstsammler waren keine homogene Gruppe. Unter ihnen befanden sich Unternehmer, Kunsthistorikerinnen, Mäzene und gesellschaftlich engagierte Privatpersonen. Einige verfügten über große finanzielle Mittel, andere bauten kleinere, gezielt ausgewählte Sammlungen auf.

Sie waren jedoch weit mehr als Käufer. Durch ihre Entscheidungen beeinflussten sie, welche Künstler Aufmerksamkeit erhielten, welche Werke ausgestellt wurden und welche neuen Stilrichtungen sich durchsetzen konnten. Viele unterstützten Museen, Kunstvereine und Publikationen, arbeiteten mit Galeristen zusammen oder förderten Künstler unmittelbar.

Damit macht die Ausstellung deutlich, dass Kunstgeschichte nicht allein von Künstlern geschrieben wird. Sammler, Galeristen, Kritiker, Museen und Förderer sind Teil desselben kulturellen Netzwerks. Ohne diese Netzwerke wäre die Geschichte der modernen Kunst in Deutschland anders verlaufen.

Das zeigt sich besonders am Beispiel des Expressionismus. Künstler wie Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff oder Franz Marc mussten sich ihre heutige Anerkennung erst erarbeiten. Sammler und Förderer halfen dabei, ihre Werke bekannt zu machen und gegen konservative Widerstände durchzusetzen. Wie vielschichtig das Werk Franz Marcs über seine berühmten Tierbilder hinaus ist, zeigt aktuell auch die Franz-Marc-Ausstellung im K20 in Düsseldorf.

Wie der Nationalsozialismus die Sammlungen zerstörte

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 änderte sich die Situation jüdischer Sammler grundlegend. Ausgrenzung, Entrechtung, wirtschaftlicher Druck, Zwangssteuern, Vermögenssperren, Ausreiseauflagen, Vertreibung und Ermordung zerstörten nicht nur menschliche Leben, sondern auch über Jahrzehnte gewachsene Kunstsammlungen.

Werke wurden enteignet, beschlagnahmt oder unter dem Druck der Verfolgung verkauft. Andere Bilder mussten zurückgelassen werden oder gerieten über Kunsthändler, Museen, staatliche Stellen und internationale Käufer in neue Besitzverhältnisse.

Damit begann eine zweite Geschichte der Kunstwerke.

Ein Gemälde, das zuvor Teil einer privaten Sammlung gewesen war, konnte später in einem Museum, im Kunsthandel oder bei einem neuen privaten Besitzer auftauchen. Die Namen seiner ursprünglichen Eigentümer verschwanden dabei nicht selten aus der dokumentierten Werkgeschichte. Nach 1945 wurde die problematische Herkunft mancher Arbeiten nicht erkannt – in anderen Fällen aber auch bewusst verschleiert.

Was Provenienzforschung sichtbar machen kann

Genau an diesem Punkt setzt die Provenienzforschung an. Sie untersucht die Herkunft eines Kunstwerks und versucht, dessen Besitzerwechsel möglichst lückenlos zu rekonstruieren.

Wer besaß das Bild? Wann wechselte es den Eigentümer? Unter welchen Umständen geschah das? War ein Verkauf tatsächlich freiwillig – oder war er eine Folge von Verfolgung, wirtschaftlichem Zwang und drohender Flucht?

Diese Fragen sind nicht nur juristisch relevant. Sie betreffen auch die Verantwortung von Museen, Sammlern, Händlern und Auktionshäusern. Bei Werken, die sich zwischen 1933 und 1945 in jüdischem Eigentum befanden, kann die Erforschung der Provenienz darüber entscheiden, ob Restitutionsansprüche geprüft werden müssen.

„Von Monet bis Picasso“ verbindet deshalb Kunstgeschichte mit Erinnerungskultur. Die Ausstellung zeigt nicht nur bedeutende Werke der Moderne, sondern macht auch deren Wege durch Verfolgung, Verlust und jahrzehntelange Zerstreuung sichtbar.

Rosa Schapire: Sammlerin, Kunsthistorikerin und Vermittlerin

Eine der vorgestellten Persönlichkeiten ist Rosa Schapire. Die in Hamburg tätige Kunsthistorikerin, Sammlerin und Kritikerin gehörte zu den wichtigen Unterstützerinnen des Expressionismus. Besonders eng war ihre Verbindung zu Karl Schmidt-Rottluff, dessen Werk sie publizistisch begleitete und förderte.

Ihr Beispiel zeigt, dass die Geschichte des Sammelns keineswegs ausschließlich eine Geschichte wohlhabender männlicher Unternehmer ist. Frauen wirkten ebenfalls als Sammlerinnen, Kunsthistorikerinnen, Mäzeninnen und Vermittlerinnen. Dennoch erhielten sie in der traditionellen Kunstgeschichtsschreibung häufig deutlich weniger Aufmerksamkeit.

Die erneute Beschäftigung mit Rosa Schapire ist daher mehr als die Wiederentdeckung einer einzelnen Persönlichkeit. Sie korrigiert ein Kunstgeschichtsbild, in dem wichtige Akteurinnen lange nur am Rand vorkamen.

Rund 100 Werke – doch eigentlich geht es um Menschen

Die rund 100 Werke der Hamburger Ausstellung bilden den visuellen Mittelpunkt. Ihre besondere Wirkung entsteht jedoch durch die Verbindung von Kunst und Biografie.

Historische Fotografien, Dokumente und persönliche Zeugnisse sorgen dafür, dass die früheren Eigentümer nicht lediglich als Namen in einer Provenienzliste erscheinen. Ihre Lebenswege werden zu einem sichtbaren Bestandteil der Ausstellung.

Das ist ein entscheidender Unterschied. Ein Kunstwerk kann technisch und kunsthistorisch genau dokumentiert sein und trotzdem einen wesentlichen Teil seiner Geschichte verlieren. Eine Inventarnummer ersetzt keine Biografie.

Jüdische Sammler und der Aufstieg der Moderne

Die Ausstellung formuliert eine größere kunsthistorische These: Jüdische Sammler waren nicht bloß passive Besitzer bedeutender Werke. Sie waren aktiv an der Etablierung, Förderung und Verteidigung der modernen Kunst in Deutschland beteiligt.

Viele Künstler, deren Werke heute zum Kanon gehören, mussten sich ihre Anerkennung zunächst erarbeiten. Sammler halfen ihnen dabei, indem sie ihre Arbeiten kauften, ausstellten, publizistisch begleiteten oder in private und öffentliche Netzwerke einführten.

Die Nationalsozialisten zerstörten daher nicht nur einzelne Sammlungen. Sie zerstörten auch einen bedeutenden Teil jener kulturellen Infrastruktur, die die Moderne in Deutschland getragen hatte.

Indem Werke aus den früheren Sammlungen heute wieder gemeinsam gezeigt werden, entsteht zumindest zeitweise eine Form kunsthistorischer Rekonstruktion. Die ursprünglichen Sammlungen lassen sich nicht vollständig wiederherstellen – ihre Bedeutung kann aber erneut sichtbar werden.

Warum die Ausstellung auch für den Kunstmarkt relevant ist

Die in Hamburg erzählten Geschichten reichen bis in den heutigen Kunstmarkt. Provenienz ist längst kein Spezialthema mehr, das ausschließlich Museumsarchive beschäftigt. Die Herkunft eines Werkes kann seine rechtliche Situation, seine Handelbarkeit, seinen Marktwert und seine ethische Bewertung beeinflussen.

Gerade bei Kunst aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts müssen Museen, Auktionshäuser, Galerien und private Käufer deshalb genau hinschauen. Lücken in der Eigentümergeschichte können ein Warnsignal sein – insbesondere, wenn ein Werk zwischen 1933 und 1945 den Besitzer wechselte.

Gleichzeitig zeigt sich heute, wie stark sich die Präsentation und Vermarktung berühmter Künstler verändert hat. Werke werden längst nicht mehr ausschließlich in Museen oder klassischen Galerien gezeigt, sondern auch in hybride Erlebnis- und Netzwerkformate eingebunden. Ein aktuelles Beispiel dafür war die Präsentation von Picasso bei den Berlin Tennis Open 2026, bei der Kunst, Spitzensport und internationale Sammlerkultur aufeinandertrafen.

Der Kontrast könnte kaum größer sein: Während Picasso heute als global bekannte Marke in neue Veranstaltungsformate integriert wird, lenkt die Hamburger Ausstellung den Blick zurück auf jene Menschen, die Werke der Moderne sammelten, bevor viele dieser Künstler ihren heutigen Status erreicht hatten.

„Von Monet bis Picasso“ zeigt damit, warum Provenienzforschung notwendig bleibt. Hinter bekannten Namen wie Monet, Picasso, Kirchner oder Franz Marc stehen Geschichten, die weit über die Entstehung der Bilder hinausreichen. Manchmal ist die Geschichte der früheren Besitzer ebenso aufschlussreich wie die Geschichte des Künstlers.

Kunstgeschichte besteht nicht nur aus Künstlernamen

„Von Monet bis Picasso“ ist mehr als eine Ausstellung berühmter Meisterwerke. Sie erinnert daran, dass Kunstgeschichte nicht nur von Künstlern und Museen geprägt wird.

Sie besteht auch aus Menschen, die Kunst sammelten, Künstler förderten und neue Stilrichtungen gegen gesellschaftliche Widerstände verteidigten. Aus Familien, die Werke über Jahre bewahrten. Aus Netzwerken, die moderne Kunst sichtbar machten. Und aus Menschen, deren Leben durch die Verbrechen des Nationalsozialismus zerstört wurde und deren kulturelle Bedeutung anschließend lange kaum Beachtung fand.

Dass ihre Geschichten heute wieder erzählt werden, verändert auch den Blick auf die Bilder. Ein Kunstwerk besitzt nicht nur einen Urheber. Es hat eine Herkunft, wechselnde Eigentümer und eine Geschichte – und manchmal beginnt ihr folgenreichster Teil erst lange nach dem letzten Pinselstrich.

„Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler:innen in Deutschland“

Ort: Bucerius Kunst Forum, Alter Wall 12, Hamburg
Laufzeit: 11. September 2026 bis 29. März 2027
Umfang: rund 100 Werke aus 15 rekonstruierten Sammlungen
Kuratoren: Dr. Kathrin Baumstark und Stefan Koldehoff
Künstler: unter anderem Paul Cézanne, Claude Monet, Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc, Paula Modersohn-Becker und Max Pechstein
Themen: jüdische Kunstsammler, Moderne, Provenienzforschung, NS-Verfolgung und Erinnerungskultur
Schirmherrschaft: Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier

Weitere Informationen

Titelbild: Ausstellungsansicht „Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler:innen in Deutschland“ im Bucerius Kunst Forum Hamburg. Foto: Ulrich Perrey

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