Ab Herbst 2026 setzt das Neue Museum Nürnberg ein neues Kunstzeichen im Stadtraum. Für „ELKE HAARER. Le Rouge et le Noir“ entwickelt die Nürnberger Künstlerin eine großformatige Arbeit, die eigens auf die Glasfassade des von Volker Staab entworfenen Museums reagiert. Vom 25. September 2026 bis zum 28. Februar 2027 wird das Gebäude am Klarissenplatz selbst zur Bildfläche.

Im Zentrum stehen zwei Farben: Rot und Schwarz. Haarer teilt quadratische Flächen diagonal und ordnet sie zu einer streng komponierten geometrischen Struktur. Durch Spiegelungen in den Ecken entsteht von außen der Eindruck eines rautenförmigen Musters, das sich über die Räume hinter der Glasfassade legt. Die Architektur bleibt sichtbar, erscheint durch die farbliche Intervention jedoch in einer neuen Ordnung.

Wenn Farbe auf Architektur trifft

Elke Haarer setzt nicht einfach eine farbige Fläche vor das Gebäude. Ihre Arbeit entsteht aus einer genauen Analyse des Ortes, seiner Proportionen und seiner räumlichen Struktur. Die einzelnen Farbfelder orientieren sich an den Fassadenräumen und beziehen deren Begrenzungen in die Komposition ein.

Dadurch entsteht ein Wechselspiel zwischen Geometrie, Farbe und Architektur. Die Konstruktion des Museums wird teilweise hervorgehoben, teilweise optisch überlagert. Was gewöhnlich als transparente Hülle wahrgenommen wird, verwandelt sich in eine monumentale Bildfläche.

Diese ortsspezifische Arbeitsweise gehört seit Langem zu Haarers künstlerischer Praxis. Bereits in früheren Projekten reagierte sie auf architektonische Gegebenheiten und veränderte Räume aus deren eigener Struktur heraus. Das Neue Museum beschreibt die Fähigkeit, auf Architektur und Räume zu antworten, als eine besondere Stärke der Künstlerin. (Neues Museum Nürnberg)

Rot und Schwarz als visuelles Drama

Der Titel „Le Rouge et le Noir“ ist Stendhals gleichnamigem Roman aus dem Jahr 1830 entlehnt. Anders als der Titel zunächst vermuten lässt, überträgt Haarer jedoch weder die Handlung noch die gesellschaftlichen Konflikte des Romans in ihre Installation. Nach Angaben des Museums entsteht das Drama der Arbeit allein aus der unmittelbaren Gegenüberstellung der beiden starken Farben.

Rot und Schwarz bilden einen der denkbar härtesten Farbkontraste. Rot wirkt aktiv, körperlich und signalhaft, Schwarz dagegen schwer, begrenzend und zugleich räumlich. In Haarers Komposition treffen beide Farben nicht frei oder gestisch aufeinander, sondern innerhalb eines präzisen geometrischen Systems.

Gerade diese Verbindung aus emotional aufgeladenen Farben und kontrollierter Ordnung erzeugt die Spannung der Arbeit. Das Dramatische liegt nicht in einer erzählten Geschichte, sondern in der formalen Konfrontation: Farbe gegen Farbe, Fläche gegen Raum, Bild gegen Architektur.

Quadrate als Protagonisten

Eine zentrale Rolle spielen die quadratischen Grundformen. Haarer selbst bezeichnet sie als die „Protagonisten“ der Arbeit. Ihre Eigenständigkeit und ihr Charakter entstehen dabei nicht allein durch die geometrische Form, sondern auch durch den jeweiligen Farbauftrag.

Indem die Quadrate diagonal geteilt, gespiegelt und zu größeren Mustern verbunden werden, verlieren sie ihre statische Wirkung. Aus einfachen Flächen entsteht eine Bewegung, die sich über die Fassade fortsetzt. Je nach Blickwinkel können die Formen als Quadrate, Rauten oder Teile eines größeren ornamentalen Systems erscheinen.

Die Arbeit bewegt sich damit zwischen Malerei und gebautem Raum. Sie ist weder ein klassisches Tafelbild noch eine bloße architektonische Dekoration. Vielmehr nutzt Haarer die vorhandene Fassade als räumliche Matrix, aus der sich die Komposition entwickelt.

Elke Haarer: Malerei jenseits der Leinwand

Elke Haarer wurde 1969 geboren und studierte an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg zunächst bei Hanns Herpich und Georg Karl Pfahler, später bei Rolf-Gunter Dienst. Bei Dienst wurde sie Meisterschülerin. Sie lebt und arbeitet in Nürnberg.

Ihre künstlerische Praxis beschränkt sich nicht auf klassische Leinwände. Haarer malt auch direkt auf Wände und Fensterglas und setzt sich immer wieder mit der Beziehung zwischen Bild, Raum und Architektur auseinander. Grafische Gestaltung, Minimal Art, abstrakte Malerei und ortsspezifische Eingriffe bilden dabei wichtige Bezugspunkte.

Bereits in einer Nürnberger Debütantenausstellung im Jahr 2002 wurde ihre Arbeitsweise als genaue Analyse architektonischer Gegebenheiten beschrieben. Am Anfang einer ortsspezifischen Arbeit stehe die Untersuchung der räumlichen Situation und ihrer Nutzung. Das Ziel sei nicht, einen beliebigen Raum lediglich mit Kunst auszustatten, sondern den Ort aus seinem eigenen Kontext heraus zu verändern. (KunstKulturQuartier Nürnberg)

Für die Glasfassade des Neuen Museums ist dieser Ansatz besonders geeignet. Transparenz, Spiegelung, Tageslicht und die Bewegung der Menschen hinter der Fassade werden zu Bestandteilen einer Arbeit, die sich je nach Tageszeit und Betrachtungsposition verändert.

Kunst für den öffentlichen Raum

Eine Besonderheit von „Le Rouge et le Noir“ liegt in seiner Sichtbarkeit. Besucher müssen das Museum nicht betreten, um der Arbeit zu begegnen. Die Glasfassade öffnet sich zum Klarissenplatz und macht die Installation bereits aus dem öffentlichen Raum erfahrbar.

Damit bewegt sich Haarers Arbeit zwischen Museumsausstellung und Kunst im Stadtraum. Sie gehört zum Programm des Hauses, richtet sich jedoch ebenso an Passanten, Pendler und Reisende. Das Neue Museum liegt nur wenige Gehminuten vom Nürnberger Hauptbahnhof entfernt; vom Bahnhof führt der Weg durch den Handwerkerhof direkt zum Klarissenplatz.

Diese Lage erweitert das mögliche Publikum erheblich. Die Arbeit begegnet nicht nur Menschen, die gezielt eine Ausstellung besuchen, sondern auch jenen, die den Platz auf dem Weg durch die Stadt überqueren. Gerade darin liegt eine Stärke von Fassadenkunst: Sie verlässt den geschützten Ausstellungsraum, ohne die institutionelle Verbindung zum Museum aufzugeben.

Eine Fassade in ständiger Veränderung

Wie die Installation wirkt, dürfte wesentlich von Licht, Wetter und Tageszeit abhängen. Tagsüber treffen die roten und schwarzen Flächen auf Spiegelungen des Klarissenplatzes und die sichtbare Architektur hinter dem Glas. Bei Dunkelheit kann die beleuchtete Fassade stärker als geschlossenes Bild hervortreten.

Auch die Bewegung im und vor dem Gebäude verändert die Wahrnehmung. Menschen erscheinen zeitweise hinter den Farbflächen, verschwinden zwischen architektonischen Elementen oder werden selbst Teil der geometrischen Komposition. Die Arbeit bleibt dadurch trotz ihrer strengen Ordnung visuell beweglich.

„Le Rouge et le Noir“ nutzt die Glasfassade nicht als neutralen Untergrund. Ihre Transparenz und ihre Verbindung zwischen Innen- und Außenraum sind ein wesentlicher Bestandteil des Werkes. Die Malerei verändert die Architektur, ohne sie vollständig zu verdecken.

Eröffnung im September 2026

Die Ausstellung wird am Donnerstag, 24. September 2026, um 19 Uhr eröffnet. Simone Schimpf, Direktorin des Neuen Museums Nürnberg, begrüßt die Gäste; Kurator Thomas Heyden führt in das Werk der Künstlerin ein. Der Eintritt zur Eröffnung ist frei. (Neues Museum Nürnberg)

Ab dem folgenden Tag ist „ELKE HAARER. Le Rouge et le Noir“ bis zum 28. Februar 2027 zu sehen. Da sich die Arbeit an der Glasfassade befindet, kann sie vom Klarissenplatz aus jederzeit kostenlos betrachtet werden. Wer zusätzlich die Ausstellungsräume und die Sammlung des Museums besuchen möchte, benötigt eine reguläre Eintrittskarte.

Informationen zur Ausstellung

Ausstellung: ELKE HAARER. Le Rouge et le Noir
Ausstellungsort: Neues Museum Nürnberg – Staatliches Museum für Kunst und Design
Adresse: Klarissenplatz, Luitpoldstraße 5, 90402 Nürnberg
Laufzeit: 25. September 2026 bis 28. Februar 2027
Eröffnung: Donnerstag, 24. September 2026, 19 Uhr
Eintritt zur Eröffnung: frei
Museumseintritt: 9 Euro, ermäßigt 6 Euro; unter 18 Jahren frei
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag 10 bis 18 Uhr, Donnerstag bis 20 Uhr, Montag geschlossen

Die Fassadenarbeit ist vom Klarissenplatz aus ohne Museumseintritt sichtbar. Aktuelle Angaben zu Tickets, Öffnungszeiten und Veranstaltungen veröffentlicht das Neue Museum Nürnberg.

Fazit: Die Architektur wird zum Bild

Mit „Le Rouge et le Noir“ setzt Elke Haarer auf ein bewusst reduziertes Vokabular: Rot, Schwarz, Quadrate und diagonale Teilungen. Aus diesen wenigen Elementen entwickelt sie eine Arbeit, die weit über ein dekoratives Farbspiel hinausgeht. Die Glasfassade wird zur Bildfläche, ohne ihre architektonische Funktion zu verlieren.

Die Stärke der Installation liegt gerade in dieser Verbindung. Haarer fügt dem Gebäude kein unabhängiges Kunstwerk hinzu, sondern entwickelt ihre Komposition aus den räumlichen Bedingungen des Museums. Farbe wird dadurch selbst zum architektonischen Akteur.

Für Nürnberg entsteht eine Arbeit, die sowohl aus der Distanz als markantes geometrisches Zeichen als auch aus der Nähe als präziser Dialog zwischen Malerei, Glas und gebautem Raum funktioniert. Wer ab Ende September über den Klarissenplatz geht, dürfte das Neue Museum jedenfalls neu wahrnehmen – in Rot und Schwarz.

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Die Ausstellung „Gerhard Richter – Atlas: Eine Bildersammlung“ im Neues Museum Nürnberg eröffnet am 21. Mai 2026 und ist ab dem 22. Mai 2026 für das Publikum zugänglich. Die Neupräsentation widmet sich einem zentralen Schlüsselwerk im Schaffen von Gerhard Richter und zeigt erstmals umfassend die Verbindung zwischen seinen Gemälden und den zugrunde liegenden Bildvorlagen.

GERHARD RICHTER UND DER „ATLAS“

Der „Atlas“ ist eine seit 1962 entstandene Bildsammlung aus Fotografien, Zeitungsausschnitten, Skizzen und Fundstücken. Was ursprünglich als persönliches Archiv begann, entwickelte sich über Jahrzehnte zu einem systematisch geordneten Werkkomplex.

Die Ausstellung macht sichtbar, wie Richter aus diesen Bildquellen seine Malerei entwickelt – zwischen Realität, Erinnerung und Abstraktion.

NEUE EINBLICKE IN DAS WERK VON GERHARD RICHTER

Im Zentrum der Präsentation stehen Werke aus der Sammlung Böckmann, die im Dialog mit den zugehörigen Materialien aus dem „Atlas“ gezeigt werden. Dadurch entsteht ein neuer Blick auf Richters künstlerischen Prozess.

Medienstationen, Bücher und großformatige Bildarrangements ermöglichen es Besucherinnen und Besuchern, die Transformation von fotografischer Vorlage in Malerei unmittelbar nachzuvollziehen.

ERÖFFNUNG & INFORMATIONEN

Eröffnung: Donnerstag, 21. Mai 2026, 19 Uhr
Ausstellungsbeginn: 22. Mai 2026
Ort: Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz
Eintritt zur Eröffnung: frei (begrenzte Plätze)

BEGLEITPROGRAMM

Zur Ausstellung wird ein umfangreiches Programm angeboten, darunter:

regelmäßige Führungen am Wochenende
Workshops für Schulklassen
Familienführung am 7. Juni 2026 um 10:30 Uhr
Kuratorenführung mit Susann Scholl am 25. Juni 2026 um 18:00 Uhr
Tickets sind online sowie an der Museumskasse erhältlich.

Weitere Informationen

Titelbild: Gerhard Richter: Atlas, Tafel 397, Stillleben (Kerzen), 1983 © Gerhard Richter 2023 (0243)

Mehr über das Museum: https://www.nmn.de

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Was zunächst wie sorgfältig inszenierte Fotografie erscheint, ist in Wahrheit konsequente Beobachtung. Draschan verbringt oft viele Stunden – nicht selten ganze Tage – in Museen in ganz Europa. Seine Aufnahmen entstehen unter anderem in großen Häusern wie dem Louvre, dem Musée d’Orsay oder dem Kunsthistorisches Museum Wien. Dadurch ist die Serie eng mit international renommierten Institutionen verknüpft – auch wenn sie dort nicht zwingend im klassischen Sinne als Ausstellung konzipiert ist. Vielmehr entsteht sie im laufenden Museumsbetrieb, mitten im Strom der Besucher*innen.

Zur internationalen Sichtbarkeit des Projekts hat auch seine breite mediale Rezeption beigetragen: Draschans Arbeiten wurden in großen Online- und Printmedien wie der BBC, The Guardian oder National Geographic aufgegriffen und diskutiert. Parallel dazu entfaltet die Serie ihre Wirkung besonders stark in digitalen Räumen – etwa über Instagram, wo die visuelle Prägnanz der Bilder eine unmittelbare Verständlichkeit erzeugt und sie weltweit zirkulieren lässt, unabhängig von Sprache oder Kontext.

Auch im Ausstellungskontext ist das Projekt präsent: Neben institutionellen Präsentationen tauchen die Arbeiten regelmäßig in Fotofestivals und Gruppenausstellungen auf, häufig im Spannungsfeld von Street Photography und konzeptueller Fotografie. Diese Vielschichtigkeit der Präsentationsformen trägt dazu bei, dass „People Matching Artworks“ sowohl im musealen als auch im medialen Raum verankert ist.

Der Künstler und das Prinzip hinter der Serie

Der in Wien lebende Fotograf arbeitet konsequent ohne Eingriff in die Situation: Er arrangiert nichts, verändert nichts, spricht die Besucher*innen nicht an. Seine Praxis folgt damit einer dokumentarischen Logik, die sich zugleich konzeptuell lesen lässt. Der entscheidende Akt ist nicht das Eingreifen, sondern das Erkennen.

Die Serie bewegt sich bewusst im Spannungsfeld zwischen Zufall und scheinbarer Inszenierung. Viele der Bilder wirken so exakt komponiert, dass sie fast konstruiert erscheinen. Gerade darin liegt ihre Stärke: Sie legen offen, wie stark unsere Wahrnehmung von Mustern geprägt ist – und wie schnell wir im Zufälligen Bedeutung erzeugen.

The Perfect Match – Ausstellung in Lüneburg

Nun sind ausgewählte Arbeiten von Stefan Draschan in der Kunsthalle Lüneburg zu sehen. Unter dem Titel „The Perfect Match“ versammelt die Ausstellung (19. April – 14. Juni 2026) jene fotografischen Begegnungen, die das Verhältnis von Kunst, Raum und Publikum auf überraschend präzise und zugleich humorvolle Weise neu justieren.

Der Ursprung der Serie reicht zurück ins Jahr 2014: Ein Mann steht vor einem Gemälde von Georges Braque, sein Hemd scheint mit der Farbwelt des Bildes zu verschmelzen – ein flüchtiger Moment, der zur Initialzündung für „People Matching Artworks“ wird. Seither führt Draschans künstlerische Praxis ihn in Museen auf der ganzen Welt, wo er sich oft über Tage hinweg beobachtend durch die Ausstellungsräume bewegt, stets auf der Suche nach diesem einen, kaum planbaren Zusammenspiel.

Die in Lüneburg gezeigten Arbeiten machen dieses Prinzip unmittelbar erfahrbar. Sie zeigen Menschen, die – ohne es zu wissen – Teil eines visuellen Gleichgewichts werden: Formen, Farben und Muster greifen ineinander, als wären sie aufeinander abgestimmt. Dabei entstehen Fotografien von großer Präzision und feinem Witz, die den Museumsraum selbst als lebendige Bühne begreifen.

„The Perfect Match“ führt diese Idee konsequent weiter: Die Ausstellung zeigt, wie Besucher*innen nicht nur Kunst betrachten, sondern unversehens in sie eintreten – oder sie in sich aufnehmen. Kunst und Mensch begegnen sich hier auf Augenhöhe, manchmal so passgenau, dass die Unterscheidung beinahe aufgehoben scheint.

Die Ausstellung wurde am 18. April 2026 im Rahmen einer Vernissage in Anwesenheit des Künstlers eröffnet.

Zur Person: Stefan Draschan

Stefan Draschan, geboren in Linz und heute in Wien lebend, zählt zu jenen zeitgenössischen Fotografen, die mit einem scheinbar einfachen Konzept eine überraschend vielschichtige Bildsprache entwickeln. Bevor er sich verstärkt der Fotografie widmete, arbeitete er auch in anderen kreativen Feldern, was sich in seinem ausgeprägten Gespür für Komposition und visuelle Pointen widerspiegelt.

Seine Praxis ist eng mit der Tradition der Street Photography verbunden, geht jedoch darüber hinaus: Draschan interessiert sich weniger für das spektakuläre Einzelbild als für das stille Zusammenspiel von Raum, Werk und Betrachter*in. Dabei richtet sich sein Blick auf beiläufige, oft übersehene Momente, die erst durch fotografische Verdichtung ihre ästhetische Präzision entfalten.

International bekannt wurde er insbesondere durch „People Matching Artworks“, doch auch darüber hinaus kreisen seine Arbeiten um Fragen der Wahrnehmung, des Zufalls und der Wiederholung. Seine Fotografien zeigen, wie sehr unser Sehen von Mustern geprägt ist – und wie überraschend poetisch jene Augenblicke sein können, in denen sich Alltägliches und Kunst unvermittelt berühren.

 

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Titelbild: Quelle/Stefan Draschan Instagram

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: https://www.kulturbaeckerei-lueneburg.de/

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Zwischen Mythos und Meme – Die Katze als kulturelles Symbol im MARKK Hamburg. Mit der Ausstellung „KATZEN!“ zeigt das Museum am Rothenbaum – Kulturen und Künste der Welt (MARKK), wie viel mehr in der wohl beliebtesten Internet-Ikone steckt. Was heute als Meme millionenfach geteilt wird, blickt auf eine jahrtausendealte Kulturgeschichte zurück – zwischen Verehrung, Projektion und Mythos.

Die vielseitige Schau in Hamburg verbindet Kulturgeschichte, Kunst und Popkultur auf bemerkenswert zugängliche Weise.

Die Katze in der Kulturgeschichte

Die Ausstellung macht eindrucksvoll deutlich, dass die Katze seit Jahrtausenden eine besondere Rolle in unterschiedlichen Kulturen spielt. Von ihrer Verehrung im alten Ägypten bis hin zu ihrer ambivalenten Wahrnehmung im europäischen Mittelalter zeigt sich ein stetiger Wandel im Umgang mit dem Tier.

Historische Objekte und Darstellungen verdeutlichen dabei, wie eng Tierbilder mit religiösen, gesellschaftlichen und symbolischen Vorstellungen verknüpft sind. Die Katze erscheint hier nicht nur als Begleiter des Menschen, sondern als kulturell aufgeladenes Symbol.

Zwischen Verehrung und Skepsis

Besonders interessant ist die Ambivalenz der Katze. Sie bewegt sich zwischen Bewunderung und Ablehnung, Nähe und Distanz.

Diese Gegensätze werden in der Ausstellung anhand von Kunstwerken, Objekten und szenischen Darstellungen sichtbar. Besucher*innen können so nachvollziehen, wie stark kulturelle Deutungen unser Bild von Tieren prägen – und wie sehr diese sich über die Jahrhunderte verändern.

Kunst trifft Popkultur: Die Katze im digitalen Zeitalter

Ein aktueller Schwerpunkt liegt auf der Gegenwart: Katzen sind längst Internet-Stars, von viralen Memes bis zu Social-Media-Phänomenen. Die Ausstellung zeigt, dass sich zwar die Medien verändert haben, nicht aber die Faszination. Eigenschaften wie Unabhängigkeit, Eigenwilligkeit und eine gewisse Unnahbarkeit prägen das Bild der Katze bis heute – online wie offline.

Interaktive Ausstellung und kuratorisches Konzept

„KATZEN!“ überzeugt nicht nur inhaltlich, sondern auch gestalterisch. Interaktive Elemente laden Besucher*innen dazu ein, sich aktiv mit den Themen auseinanderzusetzen und die Ausstellung auf vielfältige Weise zu erleben. Das kuratorische Konzept verbindet fundierte wissenschaftliche Einblicke mit einem leicht zugänglichen, ansprechenden Präsentationsstil – so spricht die Ausstellung sowohl ein interessiertes Fachpublikum als auch neugierige Laien an.

Kunsthistorische Perspektiven auf die Katze

Aus kunsthistorischer Sicht zeigt die Ausstellung, wie wandelbar das Motiv der Katze ist. Von klassischen Darstellungen bis zu zeitgenössischen Interpretationen wird deutlich, dass Katzen immer wieder als Projektionsfläche für menschliche Emotionen, Wünsche und Ängste dienen. Die ausgestellten Werke und Darstellungen verdeutlichen so die vielschichtige Rolle der Katze in der Kunstgeschichte.

Fazit: Lohnt sich „KATZEN!“ in Hamburg?

Die Ausstellung „KATZEN!“ im MARKK ist weit mehr als eine klassische Tierausstellung. Sie verbindet historische Perspektiven, kunsthistorische Einsichten und moderne Popkultur zu einem facettenreichen Bild der Katze – informativ, visuell ansprechend und unterhaltsam.

Eine klare Empfehlung für alle, die sich für Kunst, Kultur und gesellschaftliche Entwicklungen interessieren – und natürlich für alle, die Katzen lieben.

DAS MARKK

Das MARKK – Museum am Rothenbaum – gehört zu den zentralen Kulturinstitutionen Hamburgs und widmet sich den Kulturen der Welt. Es zeigt Sammlungen aus Afrika, Asien, Ozeanien, Amerika und Europa und verbindet ethnologische, kunst- und kulturhistorische Perspektiven.

Mit seinen abwechslungsreichen Ausstellungen und interaktiven Präsentationen richtet sich das MARKK gleichermaßen an Fachpublikum, Familien und kunstinteressierte Besucher*innen. Die Schau „KATZEN!“ ist ein Beispiel dafür, wie das Museum historische Inhalte mit aktuellen Themen und Popkultur verknüpft, um komplexe Zusammenhänge anschaulich und erlebbar zu machen.

Mehr über das Museum: https://markk-hamburg.de/

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SunForceOceanLife ist eine monumentale, immersive Installation des brasilianischen Künstlers Ernesto Neto, die 2019 entstand. Das Werk besteht aus handgehäkelten Netzstrukturen aus polymerem Garn, die den Raum in kräftigen Farben (Orange, Gelb, Grün) füllen. Besucher:innen können durch die Bögen und Tunnel wandeln, die wie organische, lebendige Formen wirken, die zugleich natürlich und surreal erscheinen. Ergänzt wird die Erfahrung durch weiche Unterlagen und plastische Elemente auf dem Boden, die Bewegung, Balance und Körperwahrnehmung spürbar machen.

Die Installation fordert die klassische Distanz zwischen Betrachter:in und Kunstwerk heraus: Statt die Arbeit nur zu betrachten, wird der Raum körperlich erlebbar. Jede Bewegung der Besucher:innen verändert das Raumgefühl und erzeugt kleine Interaktionen mit den weichen, biegsamen Netzstrukturen. Dadurch entsteht ein einzigartiger Dialog zwischen Materialität, Farbe und menschlicher Präsenz.

SunForceOceanLife ist eine Symbiose aus Handwerk, Sinnlichkeit und Konzeptkunst: Häkeln als traditionelle Handarbeit trifft auf moderne Installationskunst, wodurch eine greifbare, sinnliche Erfahrung entsteht, die im digitalen Zeitalter besonders wertvoll wirkt. Die Balance aus Leichtigkeit und Struktur, aus Freiheit der Bewegung und gezielter Komposition macht das Werk formal wie inhaltlich besonders.

Warum ist das Werk so besonders?

SunForceOceanLife ist heute unser Werk der Woche, weil es zeitlos relevant, sinnlich erfahrbar und visuell spektakulär ist. Die Installation ist beeindruckend 12 Meter hoch, überspannt den Raum mit einer Fläche von mehreren hundert Quadratmetern und wiegt schätzungsweise über 1,5 Tonnen, einschließlich aller Netzstrukturen, Polymerböden und hängenden Elemente. Für die Umsetzung arbeitete Ernesto Neto fast ein Jahr zusammen mit einem Team aus Handwerker:innen und Assistent:innen, um die filigranen Netze, die handgehäkelten Bögen und die weichen Unterlagen perfekt aufeinander abzustimmen.

In einer Welt voller digitaler Reize bietet Neto einen Raum, der langsames, körperliches Erleben fordert. Die Kombination aus Bewegung, Farbe, Materialität und Interaktion macht das Werk aktuell besonders spannend und bietet Inspiration für alle, die über Kunst, Raum und menschliche Erfahrung nachdenken.

Zum Verkauf steht SunForceOceanLife nicht – die Arbeit wurde speziell für die Ausstellung im Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) produziert und ist als museale, begehbare Installation konzipiert. Dies unterstreicht die Exklusivität und Einzigartigkeit des Werkes: Es ist ein Erlebnis, das nur vor Ort und aktuell für die Besucher:innen zugänglich ist.

Aktuelle Ausstellung

SunForceOceanLife ist derzeit im Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) zu sehen:

Ort: Museum of Fine Arts, Houston – Main Campus, Cullinan Hall.
Zeitraum: bis 7. September 2026.
Besonderheit: Die Installation ist begehbar, immersive Erfahrung garantiert. Besucher:innen können die Netzstrukturen direkt erleben und Teil des Kunstwerks werden. (mfah.org)

Die Ausstellung zeigt, wie Neto Handwerk, Farbe und Raum kombiniert, um eine körperlich erfahrbare, poetische Welt zu erschaffen, die den Betrachter in den Mittelpunkt rückt.

Während SunForceOceanLife das Zentrum der aktuellen Ausstellung im MFAH bildet, bietet das Museum zusätzliche Begleitprogramme und Künstler‑Workshops an, die das Erlebnis vertiefen. Außerdem sind im gleichen Zeitraum andere Ausstellungen mit eigenständigen Arbeiten, wie beispielsweise Frida Kahlo im Museum zu sehen.

Über Ernesto Neto

Ernesto Neto (*1964, Rio de Janeiro, Brasilien) gehört zu den weltweit bedeutendsten Künstlern der zeitgenössischen Installationskunst. Seine Arbeiten sind multisensorisch, begehbar und körperlich erfahrbar. Seit den 1990er Jahren präsentiert er Installationen, in denen Handwerk, organische Formen und Materialien in immersive Räume verwandelt werden.

Neto will die Trennung zwischen Betrachter:in und Kunstwerk aufheben. In seinen Installationen werden die Besucher:innen selbst zum Bestandteil des Werkes. Haptik, Geruch, Farbe und Form verbinden sich zu einem körperlich-intellektuellen Erlebnis, das den Raum selbst zum Kunstwerk macht.

 

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Mehr über das Museum finden Sie hier: https://www.mfah.org/

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Noch bis zum 16. Februar 2025 zeigt das Museum die aktuelle Ausstellung „OUR HOUSE. Künstlerische Positionen zum Wohnen“. In dieser Ausstellung werden ästhetische, gesellschaftliche und historische Perspektiven des Themas Wohnen beleuchtet. Sie zeigt kunstvolle Inszenierungen von Wohnräumen und geht auf gesellschaftlich relevante Fragestellungen wie die prekäre Wohnsituation von Geflüchteten und Obdachlosen ein. Ergänzend werden ortsspezifische Kunstwerke präsentiert, die sich mit der Frankfurter Wohnsituation und der Geschichte der ehemaligen Villa, die heute das Museum beherbergt, befassen.

Ein Ausstellungsfilm, der die Inhalte der Schau anschaulich zusammenfasst, ist online auf der Website des Museums verfügbar.

Vielseitiges Begleitprogramm zur Ausstellung

Die Ausstellung „OUR HOUSE“ wird durch ein abwechslungsreiches Begleitprogramm ergänzt, das den Besuch für ein breites Publikum noch spannender und erlebnisreicher macht.

Öffentliche Führungen bieten die Möglichkeit, ohne Voranmeldung spannende Einblicke in die Ausstellung zu erhalten. Ein besonderes Highlight stellt die Direktorinnenführung mit Ina Neddermeyer am Donnerstag, 13. Februar, um 18 Uhr dar. Hier steht die Vermittlung exklusiver Hintergrundinformationen zur Schau im Mittelpunkt.

Weitere Informationen zu Führungen in Englisch, Workshops für Menschen mit Demenz, Kreativ-Workshops für Kitas, Schulen und Erwachsene sowie den Online-Angeboten sind im Veranstaltungskalender auf der Website des Museums zu finden.

Ausblick: Visionäre Perspektiven mit „Fixing Futures“

Ab dem 5. April 2025 nimmt das MGGU die Herausforderungen unserer Zeit in den Fokus. Die visionäre Ausstellung „FIXING FUTURES – Planetare Zukünfte zwischen Spekulation und Kontrolle“ beleuchtet Perspektiven und Möglichkeiten für eine nachhaltige Gestaltung des Planeten aus künstlerischer und wissenschaftlicher Sicht. Bis zum 31. August 2025 lädt die Schau dazu ein, diese drängenden Themen zu entdecken.

Dank der Förderung durch die Kulturstiftung des Bundes, den Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien sowie die Hessische Kulturstiftung wird die Ausstellung durch einen zweisprachigen Katalog, interaktive Workshops, Führungen und ein Symposium ergänzt.

 

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Ab dem 9. März ist die Liebieghaus Skulpturensammlung wieder für das Publikum geöffnet und bietet ein abwechslungsreiches Programm vor Ort und online zur Sammlung aus 5.000 Jahren Bildhauerkunst, der Sammlungspräsentation „Splendid White“ sowie zu aktuellen Forschungsprojekten an.

Das Liebieghaus, zentral am Museumsufer in Frankfurt am Main gelegen, zählt mit über 3.000 Werken auf rund 1.600 Quadratmetern Ausstellungsfläche zu den international wichtigsten Skulpturenmuseen. Die Sammlung vereinigt herausragende Skulpturen vom alten Ägypten bis zum Klassizismus: Mit Werken der ägyptischen, griechischen und römischen Antike, des Mittelalters und der Renaissance, des Manierismus, des Barock und Rokoko, des Klassizismus sowie Ostasiens bietet sie in ihrer Vielfalt einen fundierten Überblick über 5.000 Jahre Geschichte der Bildhauerei.

Zu den zahlreichen Meisterwerken der Sammlung zählen unter anderem die marmorne Athena-Skulptur (ca. 450 v. Chr.) nach dem Vorbild von Myron, die Sandsteinfigur Muttergottes (um 1520) von Tilman Riemenschneider und der von Andrea della Robbia um 1500 geschaffene Terrakottaaltar. In den vergangenen Jahren zog das Liebieghaus mit umfangreichen Ausstellungs- und Forschungsprojekten wie „Bunte Götter. Die Farbigkeit antiker Skulptur“ (2008/2009), „Jean-Antoine Houdon: Die sinnliche Skulptur“ (2009/2010) oder „Niclaus Gerhaert. Der Bildhauer des Mittelalters“ (2012) großes Publikumsinteresse auf sich und überzeugte die Fachwelt mit seinen Publikationen und wissenschaftlichen Vorhaben.

Einblick in das Programm im März 2024

Am Sonntag, dem 10. März um 11.00 Uhr widmet sich die Sonntagsführung „Comeback der Meisterwerke“ der Rückkehr der Sammlung ins Liebieghaus. Dabei gibt es neue und alt bekannte Highlights zu entdecken.

Bei Aus erster Hand dreht sich am Donnerstag, dem 14. März um 18.00 Uhr alles um die Restaurierung einer „Maria Inmaculada“ des andalusischen Bildhauers Pedro de Mena – ein wiederentdecktes Meisterstück des spanischen Barocks. Die Restauratoren Miguel González de Quevedo Ibáñez und Harald Theiss erklären direkt in der Restaurierungswerkstatt die Erforschung des Meisterwerks.

Im Atelierkurs „Geheimnisvolles Schlangenhaar“ am Samstag, dem 16. März von 10.30 bis 13.30 Uhr erfahren die Kinder ab 6 Jahren, welches Geheimnis die Schlangen verbergen, formen anschließend selbst Schlangenhaar aus Ton und bemalen ein fantasievolles, schutzgebendes Medusenschild.

Die Highlights der Skulpturensammlung sind am Donnerstag, dem 28. März um 19.00 Uhr Thema einer einstündigen Führung durch das Liebieghaus.

Am Ostersonntag, dem 31. März um 11.00 Uhr geht es in der Sonntagsführung „Leiden, Sterben, Auferstehung“ um die vielfältigen Passionsgeschichten in der Skulpturensammlung.

Informationen zu den Ferienkursen für Kinder und Jugendliche in den Osterferien sowie die Anmeldung finden Sie hier.

Die Sonderöffnungszeiten über Ostern sind folgende: 29. März (Karfreitag), geschlossen, 31. März (Ostersonntag), 10.00–18.00 Uhr, 1. April (Ostermontag), 10.00–18.00 Uhr.

Das vollständige Veranstaltungsprogramm für März 2024 können Sie hier einsehen und herunterladen.

Weitere Informationen

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Die Sammlung Peters-Messer verbindet bekannte Positionen der internationalen Gegenwartskunst wie Kader Attia, John Bock, Andrea Bowers, Sophie Calle und Thomas Hirschhorn mit Werken junger Künstler*innen, darunter Harry Hachmeister, Henrike Naumann und Sophia Süßmilch.

Florian Peters-Messer hat von Anfang an vor allem gesellschaftspolitische Arbeiten gesammelt, die die Umbrüche unserer Zeit kritisch aufgreifen – mal mit beklemmender Direktheit, mal mit expressivem Gestus oder mit konzeptueller Klarheit. Neben den drängenden gesellschaftlichen Herausforderungen liegt ein weiterer inhaltlicher Fokus auf den Themen Gender, Sex und Identität.

„Die Sammlung von Florian Peters-Messer stellt eine wunderbare und ausgesprochen wichtige Ergänzung für den Kunstpalast dar. Ich bin überaus dankbar, dass uns diese anvertraut wurde! Es sind irritierende, aufwühlende und herausfordernde Arbeiten, die durch Peters-Messers Schenkung in unsere Bestände gelangen. Wir schließen durch diese Sammlung eine Lücke. Mit Blick auf die gesellschaftlichen Entwicklungen halte ich es für besonders wichtig, dass wir durch dieses Konvolut in Zukunft noch pointierter aktuelle Themen reflektieren können“, zeigt sich Felix Krämer, Generaldirektor Kunstpalast, erfreut.

310 Werke museal angelegt

Peters-Messers rund 310 Werke umfassende Schenkung ist museal angelegt: Neben Malerei, Zeichnung und Fotografie beinhaltet sie viele Video- und Medienarbeiten sowie großformatige Installationen, die den institutionellen Charakter unterstreichen. Entsprechend hat der Sammler auch in der Vergangenheit die Werke viel und weitreichend ausgestellt – beispielsweise an der Bremer Weserburg, der Miettinen Collection, Berlin, der Werkschauhalle, Leipzig, oder dem Marburger Kunstverein. Peters-Messer ist dem Kunstpalast schon lange verbunden. 2020 kuratierte er hier gemeinsam mit Linda Peitz die Ausstellung Empört Euch! Kunst in Zeiten des Zorns, die in den Fokus nahm, wie Künstler*innen mit ihren Werken auf die Krisensymptome der Gesellschaft reagieren. Seit vier Jahren engagiert sich der Sammler außerdem als Schatzmeister im Verein der Freunde des Kunstpalastes.

„Den Kunstpalast und seine Sammlung kenne ich bereits seit meiner Kindheit sehr gut. Da war es naheliegend, auch großen Teilen meiner Sammlung hier ihr neues Zuhause zu geben, wo ich sie in guten Händen weiß“, erklärt Florian Peters-Messer.

„Ich habe nie bloß für mich selbst gesammelt, es war immer mein Ziel, die von mir als wichtig erachteten Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen, sie dauerhaft für diese zu bewahren und zugänglich zu machen. Kunst ist dazu da, gezeigt zu werden, um andere Sichtweisen auf die Welt zu ermöglichen und Denkräume zu öffnen. Nicht nur einem einzelnen, der ein Kunstwerk erwerben konnte, sondern allen, die es interessiert.“ – Florian Peters-Messer

Felicity Korn, Leiterin der Sammlung Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts am Kunstpalast, unterstreicht die Bedeutung der umfangreichen Schenkung: „Die Sammlung Peters-Messer umfasst viele Positionen, die in der Erwerbungspolitik des Kunstpalastes in den letzten Jahrzehnten wenig Berücksichtigung gefunden haben. Von einem so wichtigen Künstler wie Thomas Hirschhorn haben wir beispielsweise bisher keine Werke in unserer Sammlung gehabt und sind nun Dank dieser Schenkung im Besitz eines umfangreichen Bestandes seiner Arbeiten.“

Eine Werkauswahl der Sammlung wird von 28. August 2024 bis 5. Januar 2025 in der Ausstellung Too Much Future. Schenkung Florian Peters-Messer am Kunstpalast zu sehen sein.

Weitere Informationen

Titelbild: Quelle

Mehr über das Ausstellungshaus: https://www.kunstpalast.de/

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Damit hat Helmut Roller nicht rechnen können, als er am Dienstagnachmittag das Kunstmuseum Stuttgart betrat, um sich die aktuelle Ausstellung „Sieh Dir die Menschen an! Das neusachliche Typenporträt in der Weimarer Zeit“ anzuschauen. Als der pensionierte Kunsterzieher aus Wimsheim an die Museumskasse trat, wurde er bereits von Museumsdirektorin Dr. Ulrike Groos mit einer Jahreskarte und einem Katalog zur aktuellen Ausstellung freudig als 3.000.000. Besucher in Empfang genommen.

»Das Kunstmuseum liegt im Herzen der Stadt, und das längst nicht nur im geografischen Sinne. Viele – auch aus der Region rund um Stuttgart, wie sich heute zeigt – können sich mit dem Haus identifizieren und kommen immer wieder«, ist Dr. Ulrike Groos überzeugt. Tatsächlich hat Helmut Roller das Stuttgarter Kunstmuseum schon häufiger besucht. Besonders in Erinnerung geblieben ist ihm die Werkschau von Elger Esser – als Lehrer mit Schwerpunkt auf Fotografie natürlich naheliegend. Auch für die Werke der Neuen Sachlichkeit, hier allen voran jene von Otto Dix, die in der Sammlungsausstellung stets präsent sind, kann sich Roller begeistern und nimmt sie bei jedem Besuch in Betrachtung.

Dr. Fabian Mayer, Erster Bürgermeister der Landeshauptstadt Stuttgart und Stiftungsratsvorsitzender im Kunstmuseum Stuttgart, überreichte dem Jubiläumsbesucher einen Blumenstrauß und erklärte: »Wie die große Besucherresonanz insbesondere des vergangenen Jahrs zeigt, macht das Kunstmuseum Stuttgart eine rundum gelungene Ausstellungs- und Museumsarbeit, die auch angenommen wird. Über das andauernde öffentliche Interesse am Programm freue ich mich sehr. Hierfür sind Sie, Herr Roller, heute der Beweis.«

Nach einem Gruppenfoto hinterlegte der Jubiläumsgast seine Geschenke erst einmal an der Museumskasse, um sich dem eigentlichen Grund seines Museumsbesuchs zu widmen: der Kunst.

Weitere Informationen

Mehr über das Kunstmuseum Stuttgart: www.kunstmuseum-stuttgart.de

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In der neuen Präsentation liegt besonderes Augenmerk auf einem neuen digitalen Vermittlungs­konzept, mit dem sich die Werke innovativ und spielerisch erschließen lassen. Es entsteht eine aktuell einzig­artige Zugäng­lichkeit zum kreativen Kosmos von Gerhard Richter.

Das Neue Museum Nürnberg zeigt ab Freitag, den 23. Februar 2024 in Gerhard Richter. On Display einen Großteil der hauseigenen Werke des renommierten deutschen Malers. In der Ausstellung in insgesamt drei Sammlungsräumen werden 22 Werke aus dem Bestand des Neuen Museums zu sehen sein. 20 davon sind Dauerleihgaben aus der Sammlung Böckmann, die das Haus im Jahr 2013 erhielt.

Mit insgesamt rund 30 Dauerleihgaben aus der Sammlung Böckmann verfügt das Museum über eine der größten öffentlichen Sammlungen der Werke Richters, die nun erstmals seit 2015 wieder in so großer Vielfalt zu sehen ist. Von unscharfen Fotobildern bis zu abstrakten Gemälden sind Richters Werke aus allen Werkphasen immer eine Herausforderung an unser Sehen.

Besonderes Augenmerk liegt in der neuen Präsentation auf einem neuen digitalen Vermittlungskonzept, mit dem sich die Bestandswerke nun innovativ und spielerisch erschließen lassen. Es entsteht eine aktuell einzigartige Zugänglichkeit zum kreativen Kosmos von Gerhard Richter.

Über die Gerhard Richter Ausstellung:

Die Werke von Gerhard Richter zählen zu den Highlights des Neuen Museums. Ihnen nun dauerhaft drei Räume zu widmen, trägt der einzigartigen Sammlung Böckmann Rechnung. Sie wird ergänzt durch eine Leihgabe aus einer Privatsammlung, zu der ein Aquarell als eine der wenigen Vorstudien des Künstlers überhaupt gezeigt werden kann. Die ausgestellten Werke präsentieren wesentliche Themenphasen von Gerhard Richter: die Fotobilder, Farb- tafeln, Landschaften, Stillleben, die Grauen Bilder, Stadtbilder, Konstruierte Abstraktionen und die umfangreiche Werkgruppe der Abstrakten Bilder.

Zugleich geben sie einen repräsentativen Querschnitt durch vier Jahrzehnte im kreativen Schaffen von Gerhard Richter, der stets an mehreren Werken und in verschiedenen Techniken parallel arbeitet. Vom Frühwerk Lesende am Strand, das zu Studienzeiten während seiner Zeit in Dresden entstand, über das Waldstück aus dem Jahr 1965 bis zum Gemälde Grau von 2003 reicht das zeitliche Spektrum.

Zu den bekanntesten Werken zählen etwa das Seestück (1969) und Schädel mit Kerze (1983). Eigens für die Präsentation kommt erstmalig das großformatige Gemälde Abstraktes Bild (Canaletto) von 1990 aus dem Bundeskanzleramt von Berlin nach Nürnberg.

Die Präsentation

Als Start in die digitale Präsentation des Hauses eignet sich das umfassende und vielschichtige Werk von Gerhard Richter perfekt. Bereits 2022 wurde mit großem Feedback eine Besuchenden-Umfrage im Haus durchgeführt.

Basierend auf diesen Ergebnissen entwickelt das Neue Museum nun für den Ausstellungsbesuch einen Multimediaguide, mit dem in Form einer Webanwendung mehr über Gerhard Richter und sein Werk herauszufinden ist:

Warum sind seine Werke so unterschiedlich? Sind die hohen Preise für seine Werke gerechtfertigt? …

Dank der großzügigen Unterstützung durch das Bayerische Staatsministerium für Wissenschaft und Kunst im Rahmen des Förderprogramms kultur.digital.vermittlung können sich die Besuchenden in einem neuen digitalen Rundgang die Werke spielerisch und leicht zugänglich erschließen, eine für Richters Œuvre bisher noch nicht existierende Vermittlungsform. Die Besuchenden sind eingeladen, die Arbeiten des großen Künstlers neu zu entdecken, Querverweise zwischen den einzelnen Werken zu erkunden, in Filmausschnitten mehr zu erfahren oder Vergleichsbilder in Beziehung zu den Werken zu setzen.

In Vorbereitung ist zudem ein Kinder-Audioguide, der ebenso über das persönliche Smartphone oder Tablet zu nutzen sein wird. Das Projekt wird unterstützt durch das Förderprogramm kultur.digital.vermittlung des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst.

Führungen

Die Führungen zur Ausstellung Gerhard Richter. On Display geben eine Einweisung in die Vielfältigkeit des Multimediaguides und vertiefen in gemeinsamen Gesprächen den Einblick in die Werke. Zudem besteht die Möglichkeit, sich über Fragen und Eindrücke zu den Werken auszutauschen.

Termine: Samstag, 24. Februar, 2. März, 9. März, 16. März, 23. März und 30. März 2024, jeweils 15 Uhr

Kosten: jeweils 3 Euro zusätzlich zum Eintrittspreis. Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.

Weitere Informationen

Titelbild:

Gerhard Richter, „Schädel mit Kerze“, 1986 © Gerhard Richter · Foto: Neues Museum Nürnberg (Annette Kradisch).

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