Vom 3. bis 6. September 2026 wollte Hamburg zum „globalen Hotspot für zeitgenössische Kunst“ werden. Unter dem Titel „Crossing Currents“ versammelte die erste Hamburg Art Week rund 100 Kunstorte: große Museen, kommerzielle Galerien, private Sammlungen, Künstlerhäuser, Off-Spaces und unabhängige Initiativen. Sechs farblich markierte Routen sollten durch dieses Angebot führen. Dazu kamen Ausstellungseröffnungen, Performances, Gespräche, Workshops, Konzerte und ein Nachtprogramm.

Das klingt nach einem neuen Großereignis. Doch schon die Zahl von 100 Kunstorten wirft eine einfache Frage auf: Für wen ist ein solches Programm eigentlich gemacht? Kein Besucher kann innerhalb von vier Tagen 100 Orte sinnvoll erleben. Und wenn ein erheblicher Teil der beteiligten Häuser lediglich das zeigt, was ohnehin gerade zu sehen ist, stellt sich eine zweite Frage: Entsteht hier tatsächlich ein Festival – oder vor allem eine gemeinsame Werbeoberfläche für den bestehenden Kunstbetrieb?

100 Kunstorte sind kein Besuchsprogramm

Die Zahl 100 funktioniert hervorragend als Schlagzeile. Sie vermittelt Größe, Vielfalt und die Bedeutung einer ganzen Kunststadt. Als Orientierung für das Publikum taugt sie jedoch kaum. Wer an vier Tagen jeweils acht Stunden unterwegs gewesen wäre, hätte für jeden Ort rechnerisch nicht einmal 20 Minuten gehabt – sämtliche Wege, Pausen, Gespräche und Wartezeiten bereits eingeschlossen.

Natürlich erwartet niemand ernsthaft, dass alle Beteiligten besucht werden. Gerade deshalb ist die prominente Zahl weniger eine Einladung als eine Marketingkennzahl. Sie beschreibt die Größe des Netzwerks, nicht das mögliche Kunsterlebnis eines einzelnen Menschen.

Hinzu kommt, dass „rund 100 Kunstorte“ nicht mit 100 tatsächlich getrennt anzusteuernden Adressen gleichzusetzen ist. Der gedruckte Faltplan verzeichnete nach einem Bericht des Kunstmagazins Monopol 84 Stationen. Mehrere Galerien wurden unter derselben Station zusammengefasst, etwa im Kontorhaus an der Admiralitätsstraße. Das ist organisatorisch nachvollziehbar, zeigt aber, wie flexibel sich die Größe einer solchen Veranstaltung darstellen lässt: Je nach Zählweise geht es um Institutionen, beteiligte Akteure, Ausstellungsräume oder physische Stationen.

124 Termine – darunter mehr als 50 Führungen

Eine Auswertung des veröffentlichten Programms der Hamburg Art Week ergibt 124 terminierte Einträge: 25 am Donnerstag, 32 am Freitag, 37 am Samstag und 30 am Sonntag. Diese Zahl steht allerdings nicht für 124 eigenständige Kunstprojekte. Wiederholte Führungen und mehrfach aufgeführte Performances wurden bei jedem Termin erneut gezählt.

Mehr als 50 Einträge waren Führungen, kuratierte Rundgänge oder Walk-and-Talk-Formate. Rund 27 Programmpunkte wurden als Eröffnung, Ausstellungseröffnung, Opening oder Sneak Preview angekündigt. Hinzu kamen Künstlergespräche, Vorträge, Lesungen, Workshops, Performances, Konzerte, ein Kurzfilmabend und das Nachtprogramm im Golden Pudel Club. Einzelne Veranstaltungen lassen sich mehreren Kategorien zurechnen.

Diese Verteilung ist aufschlussreich. Die eigentliche Leistung der Art Week lag zu einem erheblichen Teil nicht in der Produktion neuer Ausstellungen, sondern in der Vermittlung, Verdichtung und zeitlichen Koordination. Das ist keineswegs wertlos. Gerade kostenlose Führungen können Schwellen senken und Menschen in Räume bringen, die sie allein vielleicht nicht betreten hätten. Es ist aber etwas anderes als ein Festival, das aus einer eigenen kuratorischen Idee heraus neue künstlerische Projekte entwickelt.

Nicht alles war nur eine geöffnete Tür

Die pauschale Behauptung, die beteiligten Kunstorte hätten lediglich ihre Türen geöffnet, wäre trotzdem falsch. Einige Beiträge wurden neu produziert, bewusst auf das Wochenende gelegt oder durch zusätzliche Formate erweitert.

Die Hamburger Kunsthalle eröffnete am 3. September „This is the Modern World. Durchbrüche in der Kunst 1900–1960“. Die neue Präsentation greift auf den eigenen Bestand zurück, ordnet aber rund 125 Werke neu und war zeitlich klar mit der Art Week verbunden. Das Kunsthaus Baurs Park zeigte mit „Tell me, grounds“ vier neue ortsspezifische Arbeiten von Simone Karl, Julia Nordholz, elena victoria pastor und The New Liquidity. In der Galerie Tom Reichstein konnten Besucher Anna Guðjónsdóttir bei der Entstehung eines monumentalen Gemäldes erleben – als Vorblick auf eine Ausstellung, die offiziell erst am 18. September eröffnet wurde.

Auch das eigens kuratierte Performanceprogramm „Pulse“ schuf zusätzliche Akzente. Dazu gehörten Sarah Ama Duahs „To Build to Bury to Remember“ in Kooperation mit Kampnagel und der Hamburger Kunsthalle, Ricardo Urbinas Tanzarbeit „What Separates Us“, „Talking Dances“ in der Massoumi Contemporary Art Gallery und „The Mona Lisa Syndrome“ im nachtspeicher23. Mit „Current Affairs“ gab es außerdem zwei Diskussionsveranstaltungen. Bemerkenswert offen war bereits der Titel des internationalen Panels: „Why Another Art Week?“

Die Hamburg Art Week bestand also nicht nur aus geöffneten Galerietüren. Aber die eigens entwickelten oder deutlich erweiterten Beiträge bildeten einen Rahmen um eine sehr viel größere Menge bereits vorhandener Ausstellungen und Strukturen.

Vieles existierte schon vor der Hamburg Art Week

Genau an dieser Stelle beginnt die berechtigte Kritik. Mehrere öffentlichkeitswirksame Bestandteile des Wochenendes waren keine Erfindungen der neuen Art Week.

Der „Lange Donnerstag“ der Kunstmeile fiel auf den ersten Donnerstag im September. Verschiedene Hamburger Museen und Ausstellungshäuser öffnen an diesem Termin ohnehin regelmäßig länger; die Hamburger Kunsthalle bietet 2026 jeden ersten Donnerstag im Monat von 18 bis 21 Uhr freien Eintritt an. Auch das Galerieformat Walk & Talk bestand bereits und wurde laut Art-Week-Website in diesem Jahr als Partnerroute eingebunden. Das Projekt add art zeigt seit 2013 Kunst in Unternehmen. Für die Art Week öffneten Buss Gruppe, Lohmann konzept und sitegeist ihre Türen – eine interessante Gelegenheit, aber ebenfalls die Integration eines etablierten Formats.

Auch die 9. Triennale der Photographie lief bereits seit dem 5. Juni und noch bis zum 22. September. Mehrere beteiligte Häuser präsentierten dementsprechend Ausstellungen, die nicht für die vier Tage im September entstanden waren. Andere Museen zeigten reguläre Sammlungs- oder Sonderausstellungen und ergänzten diese um Führungen.

Damit wird „Crossing Currents“ vor allem zu einem Dach. Unter diesem Dach wurden neue Eröffnungen, eigens entwickelte Performances, laufende Museumsausstellungen, vorhandene Sammlungen und bereits etablierte Rundgangsformate nebeneinandergestellt. Diese Bündelung kann Aufmerksamkeit erzeugen. Sie sollte aber nicht mit der Neuproduktion eines vollständigen Festivalprogramms verwechselt werden.

Sechs „kuratierte“ Routen – aber worin besteht die kuratorische These?

Das Herzstück der Hamburg Art Week waren sechs sogenannte Currents. Die Yellow, Green, Blue, Purple, Orange und Red Current verbanden nach eigener Darstellung unterschiedliche Facetten der Hamburger Kunstlandschaft. Insgesamt führten die sechs Hauptrouten zu 57 aufgeführten Stationen; weitere Teilnehmer erschienen als Side Currents oder innerhalb der Partnerformate.

Die Routen waren ohne Zweifel praktisch. Yellow verband große Institutionen rund um Kunstmeile und Oberhafen, Green führte durch St. Pauli, Blue konzentrierte sich unter anderem auf Fleetinsel und Admiralitätsstraße, Purple auf Gängeviertel und Neustadt, Orange auf Orte östlich der Alster und Red auf den Westen der Stadt.

Doch genau darin liegt die Schwäche des Begriffs „kuratiert“. Die Verbindungen erscheinen überwiegend geografisch und institutionell. Formulierungen wie „klassische Moderne trifft auf zeitgenössische Experimentierfreudigkeit“ oder „vom künstlerischen Nachwuchs zu namhaften Positionen“ bleiben so weit, dass beinahe jedes heterogene Stadtprogramm darunter passen könnte. Eine starke inhaltliche These, die bestimmte Werke oder Ausstellungen zwingend miteinander verbindet, lässt sich aus den Routenbeschreibungen kaum erkennen.

Die Currents waren damit vor allem ein Leitsystem. Das ist für eine weitläufige Stadt hilfreich, aber noch keine kuratorische Erzählung im engeren Sinn. Der Name „Crossing Currents“ versprach sich kreuzende Strömungen. Im Programm verliefen diese Strömungen häufig eher nebeneinander.

Sichtbarkeit für Off-Spaces – oder erneut ein Vorteil für bekannte Namen?

Eine der überzeugendsten Ideen der Hamburg Art Week war, Museen, Galerien und unabhängige Räume auf derselben Plattform zu zeigen. Ein kleiner Projektraum konnte zumindest auf der Karte neben Kunsthalle, Deichtorhallen oder MARKK erscheinen. Für Orte ohne große Kommunikationsbudgets ist eine solche gemeinsame Öffentlichkeit wertvoll.

Gleichzeitig verteilt sich Aufmerksamkeit nicht automatisch gerecht, nur weil alle Logos auf derselben Website stehen. Besucher müssen auswählen. Bei 100 Beteiligten greifen viele zwangsläufig auf bekannte Namen, zentrale Lagen und redaktionelle Empfehlungen zurück. Große Institutionen dienen dann als Anker, während abgelegene Orte weiterhin zusätzliche Überzeugungsarbeit leisten müssen. Das gilt etwa für Stationen in Harburg, Bergedorf oder Blankenese, die sich nicht beiläufig in einen innerstädtischen Rundgang einbauen lassen.

Ob die Art Week den kleineren Räumen tatsächlich neues Publikum gebracht hat, lässt sich ohne belastbare Besucherzahlen nicht beantworten. Bislang ist vor allem die Möglichkeit von Sichtbarkeit dokumentiert, nicht ihre Wirkung.

„Globaler Hotspot“ ist zunächst eine Behauptung

Die Stadt Hamburg bezeichnete die Hansestadt während der Art Week als „globalen Hotspot für zeitgenössische Kunst“ und lud Besucher aus aller Welt ein. Solche Formulierungen gehören zum üblichen Vokabular des Kulturmarketings. Gerade deshalb sollten sie nicht ungeprüft als Ergebnis übernommen werden.

Für eine internationale Bilanz bräuchte es Zahlen: Wie viele Gäste reisten eigens an? Welche internationalen Kuratoren, Sammler oder Institutionen nahmen teil? Welche neuen Kooperationen entstanden? Welche Künstler erhielten daraus weitere Ausstellungen oder Verkäufe? Kurz nach dem Ende der Gründungsausgabe liegen öffentlich noch keine belastbaren Angaben vor, mit denen sich diese Fragen beantworten ließen.

Auch der Termin war nicht konkurrenzfrei. Vom 4. bis 6. September fand gleichzeitig die 18. Ausgabe der DC Open in Köln und Düsseldorf statt, an der rund 50 Galerien beteiligt waren. Nur wenige Tage später begann die Berlin Art Week. Wer internationales Fachpublikum nach Hamburg holen wollte, konkurrierte damit am selben Wochenende mit dem Rheinland und anschließend mit Berlin. Dass Hamburg auf der Route in den deutschen Kunstherbst liegen kann, ist denkbar. Ein Selbstläufer ist es nicht.

Deutschland hat längst mehr als eine Art Week

Hamburg erfindet mit seinem neuen Format keine Lücke im deutschen Kunstkalender. Die Berlin Art Week vereint inzwischen mehr als 100 Partner und kombiniert Institutionen, Projekträume, Galerien und eine Kunstmesse. Die DC Open bildet seit Jahren den gemeinsamen Saisonauftakt der Galerien in Köln und Düsseldorf. Various Others in München setzt mit 39 Orten stärker auf Kooperationen zwischen Münchner Teilnehmern und internationalen Partnern.

Gerade dieser Vergleich macht die Profilfrage für Hamburg dringlich. Eine gemeinsame Karte, längere Öffnungszeiten, Führungen und ein Abendprogramm gehören inzwischen zum Standard solcher Formate. Wenn die Hamburg Art Week dauerhaft relevant werden will, braucht sie ein Merkmal, das nicht einfach durch die Zahl der Beteiligten ersetzt werden kann.

Das könnte eine konsequente Förderung neuer Produktionen sein. Denkbar wären verbindliche Kooperationen zwischen großen Institutionen und kleinen Off-Spaces, gemeinsame Aufträge an Künstler, ein deutlich erkennbares Jahresthema oder Projekte, die ausschließlich während der Art Week erlebt werden können. Auch eine transparente Dokumentation darüber, welche neuen Verbindungen, Aufträge und Besucher tatsächlich entstanden sind, würde den Anspruch glaubwürdiger machen.

Die Hamburg Art Week macht sichtbar – aber produziert sie genug Neues?

Die erste Hamburg Art Week hat eine reale Stärke der Stadt sichtbar gemacht: Hamburg besitzt nicht nur große Museen, sondern auch zahlreiche Galerien, Künstlerhäuser, private Sammlungen und unabhängige Räume. Dass diese Akteure erstmals geschlossen auftraten, ist eine organisatorische Leistung. Die kostenlosen Führungen, das Performanceprogramm und einzelne neue Ausstellungen gaben dem Wochenende mehr Substanz als einer bloßen gemeinsamen Öffnungszeit.

Trotzdem bleibt nach der Analyse des Programms ein Zweifel. Ein erheblicher Teil dessen, was unter „Crossing Currents“ angeboten wurde, existierte bereits, lief ohnehin oder stammte aus etablierten Partnerformaten. Die neue Art Week bündelte diese Angebote, versah sie mit einer gemeinsamen Gestaltung und verdichtete sie auf vier Tage. Das erzeugt Aufmerksamkeit – aber Aufmerksamkeit allein ist noch keine kuratorische Identität.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht, ob irgendein Besucher alle 100 Orte schaffen konnte. Das konnte niemand, und das war vermutlich auch nie vorgesehen. Entscheidend ist, ob die Art Week dem Publikum eine Auswahl bot, die mehr war als eine geografische Route, und ob für Künstler und Kunstorte etwas entstand, das ohne dieses Wochenende nicht existiert hätte.

Nach ihrer ersten Ausgabe ist „Crossing Currents“ vor allem ein großes gemeinsames Schaufenster. Ein solches Schaufenster kann für Hamburg nützlich sein. Damit daraus ein unverwechselbares Kunstereignis wird, muss die nächste Ausgabe jedoch mehr leisten, als vorhandene Programme unter einer neuen Marke zusammenfließen zu lassen.

ARTTRADO -FAZIT: Was die Hamburg Art Week runder gemacht hätte

Die Antwort kann nicht lauten: beim nächsten Mal 120 statt 100 Kunstorte. Hamburgs Kunstszene braucht nicht noch mehr Einträge auf einer Karte, sondern Gründe, weshalb diese vier Tage für Künstler, Räume und Publikum einen Unterschied machen. Dafür gäbe es einige konkrete Möglichkeiten.

Hundert Orte, aber zehn echte Neuproduktionen.

Die Art Week könnte jedes Jahr neue Arbeiten finanzieren, die ohne sie nicht entstehen würden: Installationen im Hafen, Performances auf einer Fähre, Interventionen in leer stehenden Ladenlokalen oder Projekte für ungewöhnliche öffentliche Orte. Ein offen ausgeschriebener Produktionsfonds würde aus dem gemeinsamen Schaufenster zumindest teilweise eine Werkstatt machen. Entscheidend wäre, dass das Geld tatsächlich bei den Künstlern ankommt und nicht überwiegend in Kommunikation, Technik und Eventarchitektur fließt.

Große Häuser teilen Reichweite und Budget.

Jede große Institution könnte ein verbindliches Tandem mit einem Off-Space, einem Künstlerhaus oder einer selbstorganisierten Initiative eingehen. Nicht als freundliche Erwähnung im Programmheft, sondern als gemeinsame Produktion mit geteiltem Budget und gemeinsamer Öffentlichkeitsarbeit. So würde die Art Week die Ungleichheiten der Hamburger Kunstlandschaft nicht nur abbilden, sondern Ressourcen tatsächlich neu verteilen.

Eine Stadt, eine strittige Frage.

„Crossing Currents“ war offen genug, um beinahe alles einzuschließen. Stärker wäre ein Jahresthema, das Reibung erzeugt: Wem gehört die Stadt? Was verschwindet, wenn Räume teurer werden? Welche künstlerische Arbeit bleibt unsichtbar? Die Routen könnten dann nicht nur nach Farben und Stadtteilen, sondern als unterschiedliche Antworten auf diese Frage kuratiert werden. Erst dadurch würde aus einem Leitsystem eine gemeinsame Erzählung.

Zehn gute Tagespläne statt 100 gleichwertiger Empfehlungen.

Niemand braucht die Illusion, alles schaffen zu können. Hilfreicher wären klar redigierte Touren für zwei, vier oder acht Stunden – zugeschnitten auf Familien, Nachtmenschen, Erstbesucher, Performancefans oder barrierearme Wege. Eine täglich wechselnde Auswahl könnte außerdem gezielt kleinere und weniger zentral gelegene Räume hervorheben. Weniger Auswahl wäre hier kein Verlust, sondern eine kuratorische Leistung.

Eine Kunstlinie durch die ganze Stadt.

Ein kostenloser Bus, ein Art-Week-Ticket für Bus und Bahn oder sogar eine temporäre Kunstfähre könnte zentrale Institutionen mit Harburg, Bergedorf, Wilhelmsburg und dem Hamburger Westen verbinden. In den Fahrzeugen könnten kurze Performances oder Gespräche stattfinden. Mobilität wäre dann selbst Teil des Programms – und abgelegenere Kunstorte müssten nicht darauf hoffen, dass Besucher nach mehreren Stationen in der Innenstadt noch eine längere Fahrt auf sich nehmen.

Offene Ateliers – aber mit Honorar statt Gratisarbeit.

Wer die Hamburger Kunstszene kennenlernen will, sollte nicht nur fertige Ausstellungen sehen, sondern auch die Orte, an denen Kunst entsteht. Eine begrenzte und sorgfältig ausgewählte Reihe offener Ateliers könnte Arbeitsprozesse, Proben und unfertige Werke zeigen. Voraussetzung müssten verbindliche Honorare, Produktionszuschüsse und bezahlte Aufsichten sein. Sichtbarkeit ist keine angemessene Vergütung, wenn Künstler dafür zusätzliche Arbeit leisten.

Ein Ergebnis, das am Montag noch existiert.

Nach dem letzten Rundgang sollte nicht alles wieder verschwinden. Denkbar wären Anschlussstipendien, Ankäufe durch Hamburger Unternehmen, längerfristige Residenzen oder ein leer stehender Raum, den jedes Jahr ein anderes Kollektiv für zwölf Monate erhält. Ein öffentlicher Bericht könnte anschließend zeigen, wie viele Honorare, Aufträge, Verkäufe, Kooperationen und neue Besuche tatsächlich entstanden sind. Das wäre aussagekräftiger als die bloße Zahl teilnehmender Orte.

Keine dieser Ideen verlangt, das bestehende Netzwerk abzuschaffen. Im Gegenteil: Die organisatorische Plattform wäre ihre Voraussetzung. Sie würde aber einen Perspektivwechsel erzwingen. Nicht die Art Week selbst müsste möglichst groß erscheinen, sondern ihr Nutzen für die Hamburger Kunst- und Kulturszene müsste möglichst konkret werden. Hamburg braucht keine größere Art Week. Hamburg braucht eine Art Week, nach der für seine Künstler und Kulturorte mehr übrig bleibt.

Weitere Informationen

Titelbild: Foto: Fred Romero/Wikimedia Commons, CC BY 2.0, Ausschnitt bearbeitet

„Es geht um die Reise der Materie und des Geistes. Nichts bleibt, alles wandelt sich – genau wie meine Zeit in dieser Stadt“, sagt Armah.

Caspar Nii Armah lässt „THE JOURNEY“ ein letztes Mal ausARTen

„THE JOURNEY“ war von Beginn an nicht als klassische Ausstellung statischer Werke gedacht. Ausgangspunkt war eine rund 60 Quadratmeter große, mit Skizzenpapier ausgekleidete Wandfläche im Eingangsbereich des ARTLOFT.Hamburg. Caspar Nii Armah bemalte sie live vor Publikum mit schwarzer Acryl- und Ölfarbe.

Doch die entstandene Arbeit sollte nicht dauerhaft bestehen bleiben. Teile des großformatigen Werks wurden ausgeschnitten, andere zerrissen und teilweise verbrannt. Die dabei entstandene Asche wurde anschließend mit schwarzer und weißer Asche vermischt und zum Material für neue Arbeiten.

Die Zerstörung bildete damit nicht den Schlusspunkt des Werks, sondern den Ausgangspunkt seiner nächsten Form. Über diesen Prozess berichtete ARTTRADO bereits zum Start von „THE JOURNEY“.

Mit „ausARTen“ führt Armah dieses Prinzip nun konsequent bis zum Ende der Ausstellung fort.

„ausARTen“ macht das Ende selbst zum künstlerischen Prozess

Statt „THE JOURNEY“ nach dem letzten Ausstellungstag schlicht abzubauen, wird die Präsentation für das Finale vollständig neu konfiguriert. Werke werden umgehängt und räumlich verdichtet, zugleich kommen neue Arbeiten hinzu.

Damit verändern sich nicht nur die Räume, sondern auch die Beziehungen zwischen den einzelnen Werken. Arbeiten, die bislang getrennt voneinander oder in einer bestimmten Nachbarschaft zu sehen waren, treten in neue Dialoge. Bekannte Bilder erhalten durch ihre veränderte Umgebung einen anderen Kontext.

„ausARTen“ wird so weniger zur klassischen Finissage als zu einer letzten Transformation der Ausstellung. Nicht nur einzelne Arbeiten verändern sich. Am Ende wird die Ausstellung selbst zum Material.

Caspar Nii Armah verabschiedet sich von Hamburg

Das Finale besitzt für Caspar Nii Armah zugleich eine persönliche Dimension. Der Künstler lebt seit 2013 in Hamburg und wird die Stadt nach dem Ende von „THE JOURNEY“ verlassen. Seine nächste Reise führt ihn zunächst nach Ghana, das Heimatland seines Vaters.

Damit erhält der Ausstellungstitel rückblickend eine zusätzliche Bedeutung. Die Reise, die innerhalb der Ausstellung durch Entstehung, Zerstörung und Neubeginn sichtbar wird, setzt sich im Leben des Künstlers außerhalb des Ausstellungsraums fort.

Armah wurde in Berlin geboren und wuchs ab seinem 13. Lebensjahr in Kassel auf. Dort entwickelte sich auch seine Verbindung zur Urban Art. Seine künstlerische Arbeit bewegt sich heute zwischen urbaner Kunst, freier Malerei und grafischer Verdichtung.

Kennzeichnend ist eine unmittelbare, körperliche Arbeitsweise, bei der der Entstehungsprozess nicht hinter dem fertigen Werk verschwindet. Malerei wird bei Armah nicht ausschließlich als Ergebnis präsentiert. Das Entstehen, Verändern und mitunter auch Zerstören wird selbst zum Bestandteil der Arbeit und der Begegnung mit dem Publikum.

ARTLOFT.Hamburg als Bühne für Veränderung

Auch der Ausstellungsort fügt sich in dieses Konzept ein. Das ARTLOFT.Hamburg versteht sich als Off-Location für besondere künstlerische Positionen, immersive Installationen und Formate, bei denen Kunst nicht ausschließlich als abgeschlossenes Objekt präsentiert wird.

Die ehemalige Industriehalle verbindet historische Bausubstanz mit modernen architektonischen Ergänzungen. Für „THE JOURNEY“ wird dieser Gegensatz zwischen Bestehendem und Neuem zum räumlichen Echo des Ausstellungskonzepts.

„ausARTen“ knüpft damit sowohl an die Entwicklung von „THE JOURNEY“ als auch an die Idee eines Ausstellungsraums an, in dem Veränderung nicht als Störung, sondern als Teil des künstlerischen Prozesses verstanden wird.

„ausARTen“: Das Finale von THE JOURNEY

Am Donnerstag, 27. August 2026, ab 19 Uhr wird „THE JOURNEY“ im ARTLOFT.Hamburg ein letztes Mal neu erfahrbar.

ausARTen – das Finale von THE JOURNEY
Datum: Donnerstag, 27. August 2026
Beginn: 19 Uhr
Ort: ARTLOFT.Hamburg, Am Neumarkt 23, 22041 Hamburg
Eintritt: frei
Anmeldung: art@artloft.hamburg

Für Caspar Nii Armah ist „ausARTen“ damit mehr als der letzte Abend einer Ausstellung. Das Finale folgt derselben Logik, die „THE JOURNEY“ von Beginn an bestimmt hat: Ein Werk entsteht, wird verändert oder zerstört und liefert dadurch das Material für etwas Neues.

Nun trifft dieses Prinzip auch auf die Ausstellung selbst zu. Sie endet nicht in ihrem bisherigen Zustand, sondern verändert sich ein letztes Mal.

Und während „THE JOURNEY“ in Hamburg endet, beginnt für Armah bereits die nächste Reise.

Caspar Nii Armah: Kunst zwischen Urban Art und freier Malerei

Caspar Nii Armahs künstlerische Entwicklung ist eng mit unterschiedlichen Orten und kulturellen Einflüssen verbunden. In Berlin geboren, zog er im Alter von 13 Jahren nach Kassel. Dort kam er mit Urban Art und der Graffiti-Kultur in Berührung, die seinen Zugang zur Kunst nachhaltig prägen sollten. Seit 2013 lebt und arbeitet Armah in Hamburg.

Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Urban Art, freier Malerei und grafischen Strukturen. Statt sich auf eine klar abgegrenzte Stilrichtung festzulegen, verbindet Armah unterschiedliche Ausdrucksformen miteinander. Linien, Flächen, Schriftfragmente und gestische Elemente verdichten sich zu Arbeiten, in denen Spontaneität und bewusste Komposition aufeinandertreffen.

Eine besondere Rolle spielt dabei der Entstehungsprozess selbst. Armah arbeitet unmittelbar und körperlich, verändert Werke, übermalt, zerlegt und verwendet vorhandenes Material weiter. Das fertige Bild ist dadurch nicht zwangsläufig ein endgültiger Zustand. Arbeiten können Ausgangspunkt für neue Werke werden, Materialien ihre ursprüngliche Funktion verlieren und in einem anderen Zusammenhang wieder auftauchen.

Diese Haltung zeigt sich besonders deutlich in „THE JOURNEY“. Das Zerschneiden und Verbrennen der monumentalen Arbeit zu Beginn der Ausstellung war keine nachträgliche Inszenierung ihrer Zerstörung, sondern Teil eines fortlaufenden Prozesses. Aus den Überresten entstand neues Material und aus dem vermeintlichen Ende der Ausgangspunkt für weitere Arbeiten.

Auch biografische Erfahrungen und Fragen nach Herkunft, Veränderung und Identität finden Eingang in Armahs künstlerische Arbeit. Seine familiären Wurzeln führen nach Ghana, während Berlin, Kassel und Hamburg unterschiedliche Stationen seiner eigenen Biografie markieren. Mit seinem bevorstehenden Aufbruch nach Ghana erhält diese Auseinandersetzung nun eine weitere, sehr konkrete Dimension.

Bei Armah ist Veränderung damit nicht nur Thema seiner Kunst. Sie ist Teil ihrer Methode.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausstellung und das ARTLOFT: https://artloft.hamburg/

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Hamburg. Was geschieht, wenn ein Kunstwerk bewusst zerstört wird? Und welche kreative Kraft kann aus seinem Ende entstehen? Mit seiner aktuellen Ausstellung „The Journey“ im ARTLOFT.Hamburg widmet sich der Künstler Caspar Nii Armah genau diesen Fragen. Die Schau verbindet zeitgenössische Kunst, philosophische Reflexion und soziales Engagement zu einem außergewöhnlichen Gesamtkonzept.

Kunst zwischen Vergänglichkeit und Erneuerung

Im Zentrum von „The Journey“ steht ein radikaler künstlerischer Prozess. Caspar Nii Armah gestaltete zunächst rund 60 Quadratmeter Wandfläche im ARTLOFT.Hamburg mit Skizzenpapier. Darauf entstanden filigrane Zeichnungen aus schwarzen Linien, rhythmischen Formen und ornamentalen Strukturen, die sich über die weißen Flächen bewegten und eine intensive visuelle Dynamik entwickelten.

Doch die Arbeiten waren lediglich eine Zwischenstation. Die großformatigen Wandbilder wurden anschließend zerrissen und größtenteils verbrannt. Die entstandene Asche nutzte der Künstler als neues Material: Vermischt mit Acrylfarbe wurde sie zur Grundlage weiterer Werke, die nun in der Ausstellung präsentiert werden.

Dieser Prozess macht Transformation selbst zum eigentlichen Kunstwerk. Aus Vergänglichkeit entsteht Neues, aus Zerstörung eine neue Bildsprache.

Ovids Gedanke als Leitmotiv

Der Ausstellung liegt ein Gedanke zugrunde, der bereits den römischen Dichter Ovid in seinen „Metamorphosen“ beschäftigte: „Alles wandelt sich, nichts vergeht.“

Armah übersetzt diese Idee in eine zeitgenössische künstlerische Praxis. Seine Arbeiten zeigen Veränderung nicht als Verlust, sondern als fortlaufenden Prozess, in dem neue Formen und Bedeutungen entstehen. Die entstandenen Werke tragen dabei die Spuren ihrer eigenen Geschichte sichtbar in sich.

Große Resonanz bei der Vernissage

Die Eröffnung der Ausstellung stieß auf großes Interesse. Mehr als 150 Gäste besuchten die Vernissage im ARTLOFT.Hamburg, darunter zahlreiche Künstlerinnen und Künstler sowie Vertreter aus Kultur, Wirtschaft und Medien.

Arne Heckt, Leiter des ARTLOFT.Hamburg, zeigte sich von der Resonanz begeistert. Bereits am Eröffnungsabend fanden erste Arbeiten ihren Weg in private Sammlungen. Besonders hervorgehoben wurde dabei die Konsequenz, mit der Caspar Nii Armah die Themen Zerstörung und Neuschöpfung künstlerisch erfahrbar macht.

Kunst für den guten Zweck

Über die künstlerische Ebene hinaus besitzt „The Journey“ eine soziale Komponente. Teile des Hauptwerks wurden zugunsten von Ankerland e.V. versteigert. Der Verein unterstützt schwer traumatisierte Kinder und Jugendliche durch therapeutische Angebote.

Der Erlös der Versteigerung fließt vollständig in diese Arbeit. Damit erweitert die Ausstellung ihren Gedanken von Transformation auf gesellschaftliche Verantwortung und konkrete Hilfe.

Caspar Nii Armah: Zwischen urbaner Kunst und freier Malerei

Caspar Nii Armah wurde in Berlin geboren, wuchs in Kassel auf und lebt seit 2013 in Hamburg. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen urbaner Kunst, freier Malerei und grafischer Verdichtung.

Bekannt wurde er durch Werkreihen wie „Natural Spirits“, „Natural Identity“, „Basic Trust“, „Rhythm and Writing“ und „Elements – Lost and Found“. Charakteristisch für seine Arbeiten sind rhythmische Linienführungen, reduzierte Formensprache und eine hohe visuelle Energie.

Zu seinen wichtigen Stationen zählen Projekte in Hamburg, Berlin und Kassel. 2022 war er Teil des Zukunftsdorf22, eines Partnerprojekts der documenta fifteen. Auch im öffentlichen Raum hat der Künstler durch großformatige Arbeiten auf sich aufmerksam gemacht.

ARTLOFT.Hamburg als Ort für besondere Kunstprojekte

Mit „The Journey“ unterstreicht das ARTLOFT.Hamburg seinen Anspruch, mehr als eine klassische Galerie zu sein. Die ehemalige Industriehalle in Hamburg-Wandsbek bietet Raum für experimentelle Ausstellungen, immersive Installationen und künstlerische Begegnungen.

Die Architektur verbindet historische Bausubstanz mit modernen Elementen und schafft damit selbst einen Ort des Wandels – passend zum Thema der aktuellen Ausstellung.

Ausstellung bis Juni 2026

„The Journey“ von Caspar Nii Armah ist noch bis zum 5. Juni 2026 im ARTLOFT.Hamburg, Am Neumarkt 23 in Hamburg, zu sehen. Besucher können die Ausstellung montags bis freitags von 10 bis 17 Uhr besuchen.

Die Ausstellung zeigt eindrucksvoll, wie zeitgenössische Kunst Fragen nach Vergänglichkeit, Erinnerung und Neuanfang verhandeln kann – und macht Transformation selbst zum künstlerischen Medium.

 

 

 

 

 

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Ein Tag in Hamburg muss nicht durchgetaktet sein, um sich vollständig anzufühlen. Im Gegenteil: Die Stadt entfaltet ihren Reiz oft genau dann, wenn man ihr Raum lässt. Diese Tour versteht sich daher weniger als fester Plan, sondern als Richtung – ein Vorschlag, wie sich ein Tag zwischen Kulinarik, Kunst und Stadtgefühl entwickeln kann.

Söhne Hamburgs nahe Hauptbahnhof: Ein entspannter Start in den Tag

Der Ausgangspunkt liegt zentral rund um den Hamburg Hauptbahnhof. Von hier aus sind viele Orte fußläufig erreichbar – ideal, um ohne großen Aufwand in den Tag zu starten.

Für ein erstes Ankommen bietet sich das kleine Café Söhne Hamburgs an. Ein unscheinbares, kleines Mischcafé, das genau durch seine Zurückhaltung überzeugt.

Besonders hervorzuheben ist das selbstgebackene Brot – klar eine Empfehlung. Die Speisen werden frisch zubereitet, individuell zusammengestellt und wirken dadurch nie standardisiert. Auch wenn die Auslage nicht sofort alles hergibt, wird flexibel auf Wünsche eingegangen, was dem Ort eine angenehm persönliche Note verleiht.

Die Auswahl wirkt bewusst reduziert, aber hochwertig: gut belegte Brote mit verschiedenen Salatsorten, frischen Kräutern und kleinen Details, die den Unterschied machen. Überraschend ist dabei auch das Preisniveau, das trotz der frischen Zutaten und Qualität angenehm moderat bleibt.

Der Kaffee kommt in guten Größen und ist geschmacklich rund – genau richtig, um entspannt in den Tag zu starten. Ein kleiner Moment bleibt besonders hängen: Bei uns sorgt ein Versehen kurz für Irritation, als wir selbst versehentlich Salz statt Zucker in den Kaffee geben. Die Situation wird jedoch sofort freundlich aufgefangen und unkompliziert mit einem neuen Kaffee gelöst – eine kleine Geste, die viel über den Umgang im Café verrät.

Als einzige kleine Einschränkung bleibt, dass das Café recht kompakt ist und keine eigenen Toiletten bietet. Dafür entschädigt jedoch das Gesamtgefühl aus Qualität, Freundlichkeit und Atmosphäre deutlich. Auffällig ist außerdem, dass es zusätzlich auch Ramen im Angebot gibt – ein Grund mehr, definitiv noch einmal wiederzukommen und diesen Teil der Karte beim nächsten Besuch zu testen.

Für einen Moment wirkt es hier so, als würde der hektische Rhythmus der Stadt draußen bleiben. Ein kurzer Stillstand im besten Sinne, bevor Hamburg direkt wieder in Bewegung übergeht.

Kunstcluster Innenstadt: kurze Wege, dichte Eindrücke

Rund um die Hamburger Kunsthalle entsteht ein kompakter Kunst-Cluster, der sich ideal zu Fuß erkunden lässt. Die kurzen Distanzen machen diesen Bereich besonders attraktiv für eine flexible, nicht lineare Tour.
So liegen die Deichtorhallen Hamburg etwa 10 bis 15 Minuten entfernt und bieten mit großformatigen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst und Fotografie einen klaren Kontrast zur Kunsthalle.

Nur wenige Minuten weiter befindet sich das Kunsthaus Hamburg im Bereich Oberhafen, das stärker auf junge, experimentelle Positionen ausgerichtet ist.

Auch der Kunstverein in Hamburg liegt nur rund 5 bis 8 Gehminuten entfernt und ergänzt das Umfeld um einen kuratierten, oft experimentellen Zugang zur zeitgenössischen Kunst.

Der gesamte Bereich funktioniert damit weniger als Abfolge einzelner Institutionen, sondern als zusammenhängende Kunstlandschaft – alle Orte liegen innerhalb von etwa 5 bis 15 Minuten Fußweg. Genau diese Nähe erlaubt es, die Route flexibel zu gestalten und spontan zu erweitern oder zu verkürzen.

Kunsthaus Hamburg: „Fictional Healing“ von Daniel Hopp

Die Arbeit setzt an Orten an, die man im Alltag oft übersieht, obwohl sie ständig präsent sind: Bahnhöfe, öffentliche Plätze, Übergangsräume. Orte, an denen Bewegung, soziale Realität und Unsichtbarkeit aufeinandertreffen.

Was zunächst wie ein dokumentarischer Ansatz wirken könnte, entwickelt sich schnell zu etwas anderem. Die Ausstellung entsteht im Austausch mit Menschen, deren Lebensrealität Teil der Arbeit wird. Geschichten, Erinnerungen und Fragmente persönlicher Erfahrungen werden aufgenommen und in filmische Situationen übersetzt, die später erneut gebrochen und neu inszeniert werden.

Im Zentrum stehen Video- und Installationsarbeiten, in denen sich Realität und Vorstellung nicht mehr klar trennen lassen. Figuren erscheinen nicht als feste Charaktere, sondern als Zustände – als Möglichkeiten von Identität, nicht als Definition.

Ergänzt wird das Ganze durch Interviews, die sehr nah an den Beteiligten bleiben, ohne sie zu überfordern. Es entsteht eine Form von Nähe, die nicht aufdrängt, sondern begleitet.

Ein besonders stiller Moment bleibt hängen: ein Stern auf dem Boden, der an einen der Beteiligten erinnert, der während der Entstehung verstorben ist. Es ist kein dramatischer Einschnitt, eher ein leiser Hinweis darauf, dass hinter der Arbeit echte Biografien stehen.

Daniel Hopp im Interview: Zwischen Realität, Spiel und Beziehung

Versteckter Food-Spot – Hobenköök im Oberhafen

Nach der Ausstellung führt der Weg nur wenige Schritte weiter in das Hobenköök im Oberhafenquartier – ein Ort zwischen Restaurant, Markthalle und regionalem Ernährungskonzept.

Der Name bedeutet „Hafenküche“ und beschreibt den Ansatz ziemlich genau: eine norddeutsch geprägte Küche, die eng mit regionalen Produzent:innen arbeitet. Grundlage dafür ist die angeschlossene Markthalle, in der Produkte von über 200 Erzeugern aus Hamburg und Umgebung zusammenlaufen und direkt in die Küche einfließen. Das Konzept setzt konsequent auf Regionalität, Saisonalität und kurze Lieferketten – viele Gerichte entstehen täglich neu aus dem, was die Region gerade hergibt.

Höbenschnack: „Knollenkutter“ – ein Abend zwischen Produkt und Herkunft

An diesem Tag waren wir Teil eines Abends aus der Höbenschnack-Reihe – einer regelmäßig stattfindenden Eventserie der Hobenköök, bei der Produzent:innen, Küche und Gäste in einem gemeinsamen Format zusammenkommen. Jeder Abend steht unter einem eigenen kulinarischen Thema und verbindet ein mehrgängiges Menü mit direktem Austausch über Herkunft und Produkte.

Unser Besuch fand im Rahmen des Themenabends „Knollenkutter“ statt, der sich kulinarisch vollständig dem Thema Wurzelgemüse, sowie norddeutscher Produktküche widmete und nebenbei die veganen Räucher-Variationen genau dieser Marke vorstellt.

Das Menü: vier Gänge aus der Region

Die Vorspeise bestand aus geröstetem Buttermilch-Schwarzbrot mit Frischkäse, Gewürzgürkchen und Möhrenlachs.

Im Zwischengang folgte eine Knollenselleriecreme mit Apfel, karamellisierten Mandeln und Sellerie.

Der Hauptgang bestand aus Rotkohlpfannkuchen mit Rapsmayonnaise, Zwiebelsalat und Roter Bete.

Zum Abschluss wurde eine dunkle Schokoladen-Ganache mit eingelegten Früchten, Kakaobiskuit und Sellerie-Sorbet serviert.

Zwischen Experiment und Regionalität

Auffällig ist der konsequente Einsatz der Produkte aus dem Hobenköök-System selbst: Der Koch arbeitet eng mit den Zutaten der angeschlossenen Markthalle und regionalen Partnerbetriebe, wodurch das Menü direkt aus der vorhandenen Produktlandschaft entsteht.

Insgesamt wirkt das Menü stimmig und gut durchdacht, mit klarer Handschrift und starkem regionalem Bezug. Mutig ist vor allem der Einsatz von Sellerie im Dessert – eine Entscheidung, die nicht zwingend für jeden funktioniert, aber den experimentellen Ansatz des Abends unterstreicht. Gerade solche Brüche zeigen jedoch, dass hier bewusst mit Grenzen gearbeitet wird, statt sich auf sichere Kombinationen zu verlassen.

Die Höbenschnack-Reihe wird regelmäßig fortgeführt und variiert thematisch mit den jeweiligen Abenden. Nach „Knollenkutter“ folgen unter anderem „Frischgefischt“ am 05.05.2026, sowie weitere Formate wie „Überquell“ und „arteFakt“ in den darauffolgenden Monaten.

Der Raum selbst bleibt dabei bewusst unaufgeregt – eher Markthalle als klassisches Restaurant, eher funktional als inszeniert. Gerade dadurch entsteht nach dem Ausstellungsbesuch ein ruhiger Gegenpol, der den Tag für einen Moment herunterfährt, ohne ihn zu brechen.

Mehr über das Hobenköök-Restaurant und den Hobenschnack finden Sie hier!

Rund um das Hobenköök – ein Quartier im Wandel

Das Hobenköök steht nicht isoliert im Raum, sondern ist Teil eines sich stark entwickelnden Quartiers im Oberhafen. Gerade deshalb lohnt es sich, den Besuch nicht nur auf das Restaurant selbst zu beschränken, sondern die Umgebung bewusst mitzudenken – vor oder nach dem Essen.

Die Gleishalle Oberhafen – Arbeiten zwischen Industrie und Kreativraum

Direkt nebenan liegt die Gleishalle Oberhafen. Die ehemalige Bahn- und Lagerhalle wurde zu einem offenen Kreativ- und Veranstaltungsraum umgenutzt, ohne ihren industriellen Charakter zu verlieren.

Die Halle dient heute als flexible Plattform für Ausstellungen, Märkte, Events und kreative Zwischennutzungen. Statt klassischer Museumssituation entsteht hier eher ein offener Experimentierraum, in dem sich urbane Produktion, Design und temporäre Kulturformate überlagern.

Gerade im Zusammenspiel mit der Hobenköök entsteht so ein spannendes Nebeneinander: Essen, Produktion und kulturelle Nutzung liegen hier buchstäblich Wand an Wand.

Mehr über die Veranstaltung in der Gleishalle finden Sie hier: https://gleishalle.de/

GRÜN & GRAU – Stadtentwicklung zwischen Natur und Industrie

Ebenfalls im Umfeld bewegt sich das Projekt GRUEN & GRAU Oberhafenquartier (oft auch als Grau & Grün im Kontext der Quartiersentwicklung bezeichnet).

Hier geht es weniger um einen einzelnen Ort als vielmehr um eine städtebauliche Idee: das Spannungsfeld zwischen industrieller Bestandsstruktur („Grau“) und neuen, begrünten, offenen Stadtflächen („Grün“). Ziel ist es, das Oberhafenquartier behutsam weiterzuentwickeln, ohne seinen rauen Charakter zu verlieren.

Das Projekt zeigt sich vor allem in Zwischennutzungen, Freiflächen und experimentellen Stadtbausteinen, die das Quartier langsam transformieren, ohne es vollständig zu glätten oder zu ersetzen.

Ein Quartier als Erweiterung der Route

Was sich hier zeigt, ist weniger eine klassische Sehenswürdigkeit als ein Stadtgefüge im Übergang. Genau deshalb lässt sich der Besuch im Hobenköök flexibel erweitern: als kurzer Spaziergang davor, als Verdauungsweg danach oder als bewusste Pause zwischen zwei Programmpunkten.

Die gesamte Route im Oberhafen funktioniert dadurch nicht linear, sondern modular – je nachdem, wie viel Zeit man sich nimmt und welchen Fokus man setzen möchte.

Ankommen im MADISON Hotel

Nach einem Tag zwischen Kunst, Bewegung und kulinarischen Zwischenräumen verändert sich der Rhythmus erneut. Die Stadt wird leiser, die Wege länger, obwohl sie eigentlich kurz bleiben.

Der Weg führt ins MADISON Hotel Hamburg – ein zentral gelegenes Hotel zwischen Hafen, Innenstadt und Speicherstadt, das sich gut in diese Art von Tagesstruktur einfügt. Kein Ort, der sich in den Vordergrund drängt, sondern einer, der den Tag bewusst abfedert.

Bar als Übergangsraum

Statt den Abend sofort zu beenden, entsteht hier noch einmal ein kurzer Zwischenzustand. Die Bar des Hauses wirkt zurückgenommen, ruhig und klar organisiert – ein Ort, an dem der Tag nicht abrupt stoppt, sondern langsam ausläuft.

Dabei bleibt ein Moment besonders hängen: ein Whisky Sour, der sich ohne große Erwartungen als einer der besten herausstellt, den wir je getrunken haben. Kein überhöhtes Erlebnis, eher eine stille Überraschung im richtigen Moment – genau dann, wenn der Tag eigentlich schon zur Ruhe kommt.

Ein Drink, ein kurzer Moment ohne Programm, ohne nächste Entscheidung. Gerade nach einem intensiven Tag wie diesem entsteht hier eine Art Gegenraum zur Stadt: kontrolliert, ruhig, aber nicht steril.

Übernachten als Teil der Route

Das MADISON funktioniert dabei nicht nur als klassisches Hotel, sondern als bewusster Ruhepunkt innerhalb der Route. Durch die Lage bleibt man nah an allem – und gleichzeitig weit genug entfernt, um den Tag wirklich abzuschließen.

Gleichzeitig eignet sich das Hotel auch als Startpunkt für eine zweite Bewegung durch die Stadt: Richtung Hafen, Speicherstadt oder zurück in die Innenstadt in einem anderen Tempo.

Hamburg nach dem Tag

Was bleibt, ist weniger ein einzelner Eindruck als ein Zusammenspiel aus Orten, Übergängen und Momenten. Die Stadt wirkt am Ende weniger wie eine Abfolge von Stationen, sondern wie ein Geflecht aus Möglichkeiten.

Und genau dort, zwischen Rückzug und nächstem Aufbruch, endet dieser Tag – ohne wirklich abgeschlossen zu sein.

ARTTRADO City Guide – Hannover entdecken: Kunst und Kultur entlang des Roten Fadens

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Titelbild: Bild von Liggraphy.

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Mit ihr verliert die Kunstwelt eine Akteurin, die sich bewusst zwischen den klassischen Rollen bewegte – weder reine Galeristin noch Kuratorin, sondern vor allem eines: eine Vermittlerin.

Zwischen Sammlung, Szene und Öffentlichkeit

Als Tochter des renommierten Sammlers Harald Falckenberg war sie eng mit einer der bedeutendsten Privatsammlungen für Gegenwartskunst in Deutschland verbunden, der Sammlung Falckenberg, die heute Teil der Deichtorhallen Hamburg ist.

Doch Jenny Falckenberg blieb nicht im Schatten dieser Institution. Sie entwickelte eine eigene Rolle – jenseits klassischer Strukturen. Ihr Fokus lag darauf, Kunst zugänglich zu machen, Kontexte zu schaffen und Menschen miteinander zu verbinden.

Sie arbeitete an der Schnittstelle von:

Kunst und Gesellschaft
Künstler:innen und Sammler:innen
Ausstellung und Erlebnis

Projekte und Formate

Auch wenn viele ihrer Aktivitäten bewusst informell und projektbasiert waren, lassen sich einige wiederkehrende Formate benennen:

1. Interdisziplinäre Kunst-Events & Kooperationen

Falckenberg organisierte regelmäßig Ausstellungen und Veranstaltungen in ungewöhnlichen Kontexten – oft in Verbindung mit Mode, Musik oder Marken. Diese Formate brachen mit der klassischen White-Cube-Logik und erreichten ein neues Publikum.

2. „Ball d’Amour“ (Charity- und Kunstformat)

Ein besonders sichtbares Projekt war ihr gesellschaftlich-künstlerisches Eventformat, das Kunst, Inszenierung und Fundraising verband. Hier zeigte sich exemplarisch ihr Ansatz: Kunst als Erlebnisraum und sozialer Katalysator.

3. Künstler*innen-Vermittlung und Aufbau von Netzwerken

Sie arbeitete intensiv daran, junge Positionen sichtbar zu machen und gleichzeitig etablierte Künstler:innen in neue Kontexte zu bringen. Ihre Arbeit bestand oft weniger in einzelnen Ausstellungen als im langfristigen Aufbau von Beziehungen.

Was sie geleistet hat

Ihr eigentlicher Beitrag zur Kunstszene lässt sich nicht nur an Projekten messen, sondern an einer Haltung:

Sie hat neue Öffentlichkeiten für Gegenwartskunst erschlossen
Sie hat Kunst aus institutionellen Räumen herausgelöst und in soziale Kontexte überführt
Sie hat früh verstanden, dass Kunstvermittlung auch Inszenierung und Kommunikation ist
Sie hat als „Kunstagentin“ eine Rolle geprägt, die heute immer wichtiger wird

Damit stand sie exemplarisch für eine Generation, die den Kunstbetrieb seit den 2010er-Jahren verändert hat.

Was bleibt – und was jetzt fehlt

Mit dem Tod von Jenny Falckenberg verschwinden keine großen, klar umrissenen Ausstellungsprojekte. Was fehlt, ist etwas anderes – und schwerer zu ersetzen:

ein Netzwerk, das an eine Person gebunden war.

Viele ihrer Formate lebten von:

persönlichen Beziehungen
spontanen Ideen
ihrem Gespür für Menschen und Konstellationen

Das bedeutet konkret:

Institutionen wie die Deichtorhallen Hamburg arbeiten unverändert weiter
Freie, eventbasierte Formate könnten wegfallen oder sich verändern
Künstlerische Netzwerke müssen sich neu ordnen

Ihr Tod hinterlässt daher weniger „offene Projekte“ als vielmehr ein unbesetztes Wirkungsfeld.

Eine Lücke im System

Die vielleicht treffendste Beschreibung ihrer Bedeutung ist diese:

Jenny Falckenberg hat nicht nur Kunst gezeigt – sie hat Situationen geschaffen, in denen Kunst stattfinden konnte.

Gerade diese Rolle ist im heutigen Kunstsystem zentral: als Verbindungsglied zwischen Markt, Institution und Öffentlichkeit. Ihr Wegfall macht sichtbar, wie stark die Szene noch immer von einzelnen Persönlichkeiten getragen wird.

Fazit

Mit Jenny Falckenberg verliert die Kunstwelt eine Akteurin, die sich bewusst nicht in bestehende Kategorien einordnen ließ. Ihr Einfluss lag weniger in einzelnen Ausstellungen als in der Art und Weise, wie sie Kunst gedacht und vermittelt hat.

Oder anders gesagt:

Mit ihrem Tod endet kein Projekt – sondern eine bestimmte Form, Kunst in die Gegenwart zu holen.

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Ein Universum zwischen Kunst und Rock’n’Roll. Mit dem „UDOVERSUM“ in Hamburg wird das Werk von Udo Lindenberg nicht einfach ausgestellt, sondern begehbar gemacht. Die Ausstellung versteht sich als immersive Erlebniswelt, die Musik, Kunst und Lebensgeschichte miteinander verschmilzt.

Besonders bemerkenswert: Das Projekt steht im Zeichen seines 80. Geburtstags im Jahr 2026 und würdigt damit ein außergewöhnliches künstlerisches Lebenswerk. Im Zentrum steht dabei nicht nur das bildnerische Schaffen, sondern das gesamte künstlerische Universum eines der bekanntesten deutschen Rockmusiker und Maler.

Multimediales Ausstellungskonzept

Das UDOVERSUM setzt auf ein bewusst immersives Konzept. Besucher bewegen sich durch verschiedene Stationen, die unterschiedliche Facetten seines Lebenswerks beleuchten:

originale Bühnenkostüme und Requisiten
handschriftliche Notizen, Skizzen und Entwürfe
musikalische Stationen seiner Karriere
großflächige audiovisuelle Installationen
Licht- und Soundräume, die seine Songs erlebbar machen

Statt klassischer Distanz entsteht so eine unmittelbare Nähe zum Künstler und seinem Werk.

Die Bildwelt von Udo Lindenberg

Ein zentraler Bestandteil der Ausstellung ist seine unverwechselbare Malerei. Besonders die sogenannten „Likörelle“ – mit Likör, Tusche und Acryl geschaffene Bilder – haben seinen Stil geprägt. Udo Lindenberg wurde 1946 in Gronau (Nordrhein-Westfalen) geboren und zählt zu den prägendsten Figuren der deutschen Rock- und Popkultur.

Wichtige Fakten zu seiner Kunst:

Beginn der Malerei: Ende der 1990er-Jahre intensiver Einstieg in die bildende Kunst
Stil: „Likörelle“ (Mischtechnik aus Likör, Tusche und Acryl)
Künstlerisches Motivspektrum: Musik, Politik, Gesellschaftskritik, Selbstinszenierung

Zahlreiche Präsentationen in deutschen Museen und Galerien seit den 2000er-Jahren u. a. große Einzelausstellungen in Städten wie Hamburg, Berlin und München. Seine Werke wurden in verschiedenen kulturellen Institutionen und Ausstellungshäusern gezeigt, häufig in Verbindung mit Musik- und Popkultur-Kontexten.

Lindenberg ist kein klassisch akademisch ausgebildeter Maler, sondern ein autodidaktisch geprägter Künstler, der Musik und Bildkunst konsequent miteinander verbindet.

Typisch für seine Arbeiten sind:

comicartige, überzeichnete Figuren
politische und gesellschaftliche Anspielungen
wiederkehrende Figuren wie sein „Paniker“-Alter Ego
starke Bezüge zu Hamburg, Bühne und Popkultur

Diese Bildsprache zieht sich wie ein roter Faden durch das gesamte UDOVERSUM.

Mehr als eine Ausstellung

Das Konzept versteht sich weniger als klassische Retrospektive, sondern als Gesamterlebnis. Musik, Kunst und Biografie werden nicht getrennt gezeigt, sondern bewusst miteinander verwoben.

Damit entsteht ein Raum, der nicht nur Werke zeigt, sondern ein Lebensgefühl transportiert – zwischen Rock’n’Roll, Ironie und gesellschaftlichem Kommentar.

Titel der Ausstellung: UDOVERSUM – Die große Udo Lindenberg Ausstellung.
Ort: stilwerk Hamburg, Große Elbstraße 68, Hamburg.
Laufzeit: 30. April 2026 – 04. Oktober 2026.
Konzept: Immersive Erlebniswelt mit Kunst, Musik, Biografie und Multimedia-Installationen.
Tickets: Online im Vorverkauf erhältlich (Zeitfenster-Tickets mit festen Einlasszeiten).
Preisniveau: Voraussichtlich mittlerer zweistelliger Bereich.

Fazit

Das UDOVERSUM Hamburg setzt 2026 einen neuen Maßstab für Künstlerausstellungen in Deutschland. Es zeigt Udo Lindenberg nicht nur als Musiker oder Maler, sondern als kulturelles Gesamtkunstwerk, das sich jeder klaren Kategorisierung entzieht.

Weitere Informationen

Titelbild Quelle YouTubeVideo: https://www.youtube.com/

Zu den Tickets: https://www.eventim.de/

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Zwischen Mythos und Meme – Die Katze als kulturelles Symbol im MARKK Hamburg. Mit der Ausstellung „KATZEN!“ zeigt das Museum am Rothenbaum – Kulturen und Künste der Welt (MARKK), wie viel mehr in der wohl beliebtesten Internet-Ikone steckt. Was heute als Meme millionenfach geteilt wird, blickt auf eine jahrtausendealte Kulturgeschichte zurück – zwischen Verehrung, Projektion und Mythos.

Die vielseitige Schau in Hamburg verbindet Kulturgeschichte, Kunst und Popkultur auf bemerkenswert zugängliche Weise.

Die Katze in der Kulturgeschichte

Die Ausstellung macht eindrucksvoll deutlich, dass die Katze seit Jahrtausenden eine besondere Rolle in unterschiedlichen Kulturen spielt. Von ihrer Verehrung im alten Ägypten bis hin zu ihrer ambivalenten Wahrnehmung im europäischen Mittelalter zeigt sich ein stetiger Wandel im Umgang mit dem Tier.

Historische Objekte und Darstellungen verdeutlichen dabei, wie eng Tierbilder mit religiösen, gesellschaftlichen und symbolischen Vorstellungen verknüpft sind. Die Katze erscheint hier nicht nur als Begleiter des Menschen, sondern als kulturell aufgeladenes Symbol.

Zwischen Verehrung und Skepsis

Besonders interessant ist die Ambivalenz der Katze. Sie bewegt sich zwischen Bewunderung und Ablehnung, Nähe und Distanz.

Diese Gegensätze werden in der Ausstellung anhand von Kunstwerken, Objekten und szenischen Darstellungen sichtbar. Besucher*innen können so nachvollziehen, wie stark kulturelle Deutungen unser Bild von Tieren prägen – und wie sehr diese sich über die Jahrhunderte verändern.

Kunst trifft Popkultur: Die Katze im digitalen Zeitalter

Ein aktueller Schwerpunkt liegt auf der Gegenwart: Katzen sind längst Internet-Stars, von viralen Memes bis zu Social-Media-Phänomenen. Die Ausstellung zeigt, dass sich zwar die Medien verändert haben, nicht aber die Faszination. Eigenschaften wie Unabhängigkeit, Eigenwilligkeit und eine gewisse Unnahbarkeit prägen das Bild der Katze bis heute – online wie offline.

Interaktive Ausstellung und kuratorisches Konzept

„KATZEN!“ überzeugt nicht nur inhaltlich, sondern auch gestalterisch. Interaktive Elemente laden Besucher*innen dazu ein, sich aktiv mit den Themen auseinanderzusetzen und die Ausstellung auf vielfältige Weise zu erleben. Das kuratorische Konzept verbindet fundierte wissenschaftliche Einblicke mit einem leicht zugänglichen, ansprechenden Präsentationsstil – so spricht die Ausstellung sowohl ein interessiertes Fachpublikum als auch neugierige Laien an.

Kunsthistorische Perspektiven auf die Katze

Aus kunsthistorischer Sicht zeigt die Ausstellung, wie wandelbar das Motiv der Katze ist. Von klassischen Darstellungen bis zu zeitgenössischen Interpretationen wird deutlich, dass Katzen immer wieder als Projektionsfläche für menschliche Emotionen, Wünsche und Ängste dienen. Die ausgestellten Werke und Darstellungen verdeutlichen so die vielschichtige Rolle der Katze in der Kunstgeschichte.

Fazit: Lohnt sich „KATZEN!“ in Hamburg?

Die Ausstellung „KATZEN!“ im MARKK ist weit mehr als eine klassische Tierausstellung. Sie verbindet historische Perspektiven, kunsthistorische Einsichten und moderne Popkultur zu einem facettenreichen Bild der Katze – informativ, visuell ansprechend und unterhaltsam.

Eine klare Empfehlung für alle, die sich für Kunst, Kultur und gesellschaftliche Entwicklungen interessieren – und natürlich für alle, die Katzen lieben.

DAS MARKK

Das MARKK – Museum am Rothenbaum – gehört zu den zentralen Kulturinstitutionen Hamburgs und widmet sich den Kulturen der Welt. Es zeigt Sammlungen aus Afrika, Asien, Ozeanien, Amerika und Europa und verbindet ethnologische, kunst- und kulturhistorische Perspektiven.

Mit seinen abwechslungsreichen Ausstellungen und interaktiven Präsentationen richtet sich das MARKK gleichermaßen an Fachpublikum, Familien und kunstinteressierte Besucher*innen. Die Schau „KATZEN!“ ist ein Beispiel dafür, wie das Museum historische Inhalte mit aktuellen Themen und Popkultur verknüpft, um komplexe Zusammenhänge anschaulich und erlebbar zu machen.

Mehr über das Museum: https://markk-hamburg.de/

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Axel Beyers Fotografien sind geprägt von Klarheit und Reduktion. Inmitten des visuellen Chaos der Stadt sucht er nach präzisen Kompositionen – nach Momenten, in denen sich Struktur, Fläche und Licht zu einem „bildnerischen Klima“ verdichten. Dabei bewegt sich seine Praxis bewusst zwischen dokumentarischer Genauigkeit und künstlerischer Interpretation.

Ein zentrales Thema seiner Arbeit ist der urbane Wandel: Abriss, Neubau und temporäre Zustände erzeugen Bilder, die oft schon im Moment ihrer Entstehung zu Dokumenten der Vergangenheit werden. Serien und Diptychen erweitern diese Perspektive – sie öffnen neue Assoziationsräume und verdichten einzelne Beobachtungen zu komplexeren Erzählungen.

Für Trasferta richtet Beyer seinen Blick auf den Hamburger Stadtteil St. Georg – und schafft damit eine direkte Verbindung zwischen Ausstellungsraum und Stadtraum.

Bis zum 27.03.2026 werden ausgewählte Arbeiten im Rahmen der TRASFERTA Ausstellung im Hamburger Nachtspeicher23 gezeigt. Mehr über die Ausstellung finden Sie hier!

Über den Künstler Axel Bayer

Der in Lüneburg geborene Fotograf Axel Bayer zählt zu den prägnanten Stimmen der deutschen Autorenfotografie, wenn es um das Spannungsfeld zwischen dokumentarischer Genauigkeit und poetischer Verdichtung geht. Seit seinem Studium des Kommunikationsdesigns an der Fachhochschule Hamburg, wo er sich früh intensiv der Fotografie zuwandte, entwickelt Bayer eine Bildsprache, die urbane Räume, gesellschaftliche Bruchstellen und stille Absurditäten gleichermaßen sichtbar macht.

Bekannt wurde er insbesondere durch sein Langzeitprojekt „Bebra Curiosa“, das nicht nur 2010 beim Dummy Award ausgezeichnet wurde, sondern sich auch in Ausstellungen, Publikationen und internationalen Präsentationen etablierte. Seine Arbeiten bewegen sich dabei stets zwischen Konzept und Beobachtung – mal als präzise Serie, mal als installative Rauminszenierung, wie etwa im Museum der Arbeit.

Mit Ausstellungen im In- und Ausland, darunter die Deichtorhallen Hamburg, sowie der Auszeichnung mit dem Georg Koppmann Preis im Jahr 2019, hat Bayer seine Position in der zeitgenössischen Fotografie kontinuierlich gefestigt. Im Gespräch mit ARTTRADO gibt er Einblicke in seine künstlerische Entwicklung.

Gespräch mit Axel Beyer

Wie würden Sie Ihre fotografische Handschrift beschreiben?

Ich mag aufgeräumte Bilder. Im allgemeinen optischen Chaos der Stadt bemühe ich mich, klare Kompositionen zu finden.

Wann beginnt für Sie Fotografie – im Moment des Sehens oder erst beim Auslösen?

Auf jeden Fall im Moment des Sehens. Erfahrung und Intuition lassen mich Situationen erkennen, in denen ich durch „Verdichtung“ Bilder erzeugen kann. Der Auslöser ist dann nur noch der mechanische Akt.

Ihre Bilder zeigen oft Details, die leicht übersehen werden. Wie entwickeln Sie dieses Gespür?

Das kommt durch Erfahrung und ständiges Unterwegssein. Man ist permanent auf Empfang und gleicht die eigene Vorstellung von guten Bildern mit der Realität ab.

Warum haben Sie sich für den Stadtteil St. Georg entschieden?

Ich finde es spannend, in einem Raum Dinge zu zeigen, die direkt mit dem Umfeld der Galerie korrespondieren. Besucher erkennen das oft und sind dann inspiriert, genauer hinzuschauen.

Wie hat die Zusammenarbeit mit Paolo Moretto Ihre Arbeit beeinflusst?

Paolo hat mich eingeladen, weil er trotz unterschiedlicher Praxis eine gewisse Wesensverwandtschaft gesehen hat. Beim Hängen der Arbeiten haben sich tatsächlich verblüffende Parallelitäten gezeigt. Der Kontext seiner Bilder hat teilweise auch meine Sicht auf meine eigenen Motive verändert.

 

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Warum arbeiten Sie häufig mit Diptychen oder Serien?

In der Kombination wachsen die Bilder über sich hinaus und öffnen neue Assoziationen. Im besten Fall entsteht dabei so etwas wie ein „drittes Bild“.

Wann ist ein Bild oder eine Serie für Sie fertig?

Nach einer Fototour bin ich immer gespannt auf die Sichtung am großen Monitor. Dann folgt Auswahl und Nachbearbeitung. Bei Serien kann es lange dauern – sie entstehen oft über einen längeren Zeitraum und erfordern Geduld und Ausdauer.

Arbeiten Sie eher intuitiv oder geplant?

Eindeutig intuitiv – aus dem Moment heraus.

Wie bewegen Sie sich zwischen Dokumentation und Interpretation?

Ich bemühe mich um eine dokumentarische Sehweise – mit normalen Brennweiten, möglichst ohne Verzerrung und bei diffusem Licht. Aber durch die Auswahl des Ausschnitts bleibt jedes Bild letztlich eine persönliche Interpretation.

Was interessiert Sie besonders im Stadtraum?

Weniger einzelne Gebäude, sondern das Gefüge von Flächen und Formen – idealerweise wie ein Bühnenbild. Wichtig ist ein bestimmtes „bildnerisches Klima“, mit möglichst neutralem Licht.

Welche Themen stehen im Zentrum Ihrer Arbeit?

Vor allem die Stadt im Umbruch. Wenn Gebäude verschwinden, entstehen neue Blickachsen – und Bilder, die schnell zu Dokumenten der Vergangenheit werden.

Welche Rolle spielt der Betrachter?

Das hängt vom Interesse ab. Im besten Fall wird er dazu angeregt, genauer hinzusehen.

Warum arbeiten Sie gerne in Offspaces wie dem nachtspeicher23?

Ich habe dort oft mit starkem Ortsbezug gearbeitet. Das stößt auf Interesse, weil der Lebensraum der Besucher mit verhandelt wird. Außerdem schätze ich den direkten Austausch.

Welche Einflüsse prägen Ihre Arbeit?

In den 80ern waren es die „New Topographics“, vor allem amerikanische Fotografen wie Stephen Shore oder Joel Meyerowitz. In Deutschland etwa Michael Schmidt oder Wilhelm Schürmann. Heute kommt viel Inspiration aus dem Internet – verbunden fühle ich mich zum Beispiel mit Peter Bialobrzeski.

Können stille Fotografien heute noch gesellschaftliche Fragen aufwerfen?

Gerade heute. In Zeiten der Reizüberflutung stoßen ruhige, präzise Bilder auf große Resonanz. Für mich ist Ästhetik die Voraussetzung für einen intensiven Eindruck. Die einfache Aussage „so sieht es aus“ kann sehr stark sein.

Wie behaupten sich Ihre Arbeiten im Zeitalter von Instagram?

Das großformatige Bild im Ausstellungsraum hat für mich eine ganz andere Wirkung als das schnelle Scrollen auf dem Smartphone.

Wie gehen Sie mit urbaner Dynamik und Veränderung um?

Das ist ein fortlaufender Prozess. Mein Projekt „Temporäre Einsichten“ beschäftigt sich genau damit – mit der Dokumentation städtischer Veränderung.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler auf seiner Webseite! – https://www.axelbeyer.de/about

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Paolo Moretto, geboren 1959 in Verona, Italien. Seine Ausbildung erhielt er in den Jahren 1985 bis 1989, sowohl in der staatlichen Kunstschule für Bildhauer „Scuola d´Arte Paolo Brenzoni“ in Verona (Schüler von L. Brazzarola) als auch bei dem Privatdozent für Kunstgeschichte und Malerei, G. Longhetto.

1998 war Moretto Stipendiat der Druckwerkstatt der Städtischen Galerie Wolfsburg, 2003 erhielt er ein Arbeitsstipendium im Paul-Ernst-Wilke-Atelier/Bremerhaven Anfang bis Mitte der 90er Jahre war Paolo Moretto in Oldenburg ansässig und dort Mitglied der inzwischen historischen Produzentengalerie und Ateliergemeinschaft KARG. Heute lebt und arbeitet Moretto als freischaffender Künstler in Hamburg, Deutschland.

Dort zeigt er aktuell auch gemeinsam mit Axel Beyer die Ausstellung TRASFERTA. Der Titel der Ausstellung – „Unterwegssein“ – lässt sich dabei nicht nur geografisch lesen, sondern auch als künstlerisches Prinzip: Morettos Praxis ist geprägt von Bewegung im Denken, im Material und im Bild. Ausgangspunkt ist Neugier, verstanden als Form von Forschung. Daraus entstehen Arbeiten, die weniger linear erzählen als vielmehr Assoziationen freisetzen – ohne dabei auf narrative Tiefe zu verzichten.

Gleichzeitig zeigt sich in seiner Haltung eine deutliche Distanz zum etablierten Kunstbetrieb. Moretto versteht Kunst als eigenständigen Denkraum – jenseits von Marktlogiken und schnellen Lesbarkeiten. Seine Arbeiten fordern Aufmerksamkeit, Zeit und die Bereitschaft, sich auf Fragment und Vieldeutigkeit einzulassen.

Über Paolo Moretto

Paolo Moretto arbeitet mit Collage, Mixed Media und objekthaften Konstruktionen. Seine Bildsprache speist sich aus Fragmenten – visuellen wie materiellen – und verbindet persönliche, historische und kulturelle Referenzen.

Inspiration findet er häufig in unspektakulären Kontexten: Industriegebiete, urbane Zwischenräume oder Überreste von Werbeplakaten werden zu Ausgangspunkten seiner Arbeiten. Dabei ist der Zufall weniger prägend, als es zunächst scheint – vielmehr folgt jede Kombination einer bewussten Setzung.

Seine künstlerischen Einflüsse reichen von historischen Avantgarden bis zur Nachkriegsmoderne, darunter Positionen wie Robert Rauschenberg, Mario Schifano oder Sigmar Polke. Auch Strömungen wie Dada, Pop Art oder der Situationismus bilden wichtige Bezugspunkte.

„Nur die Götter wissen, wann es fertig ist“ – Paolo Moretto

Auszüge aus dem Gespräch mit Paolo Moretto

Wie würden Sie Ihre künstlerische Sprache in einem Satz beschreiben?

„Mir fehlt ein passender Ausdruck … nur ein Wort: situationistisch.“

Welche Rolle spielt Bewegung oder Reise in Ihrer Arbeit?

„Ich reise relativ gerne – aber nur in Europa. Ein Flug darf nicht länger als drei Stunden dauern.“

Wie entsteht eine neue Arbeit?

„Ich glaube, Neugier ist die Grundlage der Forschung.“

Wie entscheiden Sie, welche Materialien zusammenkommen?

„Ich entscheide anhand des Themas, das ich mir selbst vorgeschlagen habe.“

Wann ist eine Arbeit für Sie fertig?

„Das hängt davon ab … sobald mich die Kombination zufriedenstellt. Aber das heißt nicht, dass es fertig ist – nur die Götter wissen es!“

Welche Rolle spielt der Zufall in Ihren Collagen?

„Der Zufall spielt in dem von mir geschaffenen System eine minimale Rolle; bewusst muss alles zusammenpassen.“

Was inspiriert Sie im Alltag?

„Gewöhnliche Plätze, Industriegebiete – und Überreste von Werbeplakaten.“

Arbeiten Sie eher narrativ oder assoziativ?

„Wenn wir assoziativ im sozialen Sinne meinen … ja. Aber an Erzählung mangelt es nicht.“

Warum arbeiten Sie in Serien?

„Serielle Kreation umfasst eine Vielzahl von Perspektiven – und nimmt eine eher erzählerische Bedeutung an.“

Welche Rolle spielt der Ausstellungsraum?

„Ein Ausstellungsraum ist die Bühne der Erzählung. Im nachtspeicher23 spielt er durch seine besonderen und begrenzten Dimensionen eine herausfordernde Rolle.“

Arbeiten Sie gerne mit anderen zusammen?

„Ja – ein intellektueller Austausch muss stattfinden, auf Grundlage von Kompromissen.“

Welche Einflüsse prägen Ihre Arbeit?

„Russischer Suprematismus, Dada, Futurismus, Situationismus, internationale Pop Art … und Künstler wie Rauschenberg, Schifano, Polke, Dieter Roth, Martin Kippenberger …“

Wie stehen Sie zum Kunstmarkt?

„Der Kunstmarkt … pfeif drauf! Der ist purer Dreck!“

Kann Collage heute noch subversiv sein?

„Die Kunstwelt befindet sich im kompletten Chaos … der einzige Weg ist, im ‚Underground‘ zu bleiben, um tun zu können, was man will.“

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler finden Sie auf seiner Webseite: https://www.paolomoretto.com/biographie/

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Paolo Morettos vielschichtige malerische Material-Collagen bilden einen ganz eigenen zeitgeschichtlichen Kosmos. Diese treffen bei der Ausstellung TRASFERTA auf Beyers aktuelle fotografische Diptychen und Raum-Situationen aus dem direkten Umfeld der Galerie im Stadtraum St. Georg. Die Ausstellung im Nachtspeicher23 in Hamburg ist vom 13.03. bis zum 27.03.2026 zu den regulären Öffnungszeiten zu besichtigen. Eröffnung: Freitag, 13. März 2026, 18-21 Uhr. Abschluss: Freitag, 27. März 2026, 18-21 Uhr.

Zwischen Spurensuche und Bilddialog – Trasferta im nachtspeicher23

Abseits der großen Institutionen lebt die Hamburger Kunstszene von kleinen, engagierten Projekträumen, die neue Perspektiven auf zeitgenössische Kunst ermöglichen. Einer dieser Orte ist der Offspace nachtspeicher23 im Stadtteil St. Georg. Mit der Ausstellung Trasferta präsentiert die Galerie derzeit eine dialogische Schau zweier künstlerischer Positionen, die sich auf unterschiedliche Weise mit urbanen Räumen, Bewegung und Erinnerung auseinandersetzen.

Der Titel der Ausstellung – aus dem Italienischen übersetzt etwa „Auswärtsspiel“ oder „Unterwegssein“ – deutet bereits an, worum es hier geht: um das Erkunden von Orten und die Spuren, die Menschen in ihnen hinterlassen. Die Arbeiten des Mixed-Media-Künstlers Paolo Moretto entfalten sich als vielschichtige Bildoberflächen. Collageartige Fragmente, malerische Gesten und Materialüberlagerungen verbinden sich zu visuellen Erzählungen, in denen persönliche Erinnerungen und historische Bezüge miteinander verschmelzen.

Dem gegenüber stehen die fotografischen Arbeiten von Axel Beyer, die den urbanen Raum mit präzisem Blick untersuchen. Seine Fotografien – teilweise als Diptychen angelegt – richten den Fokus auf Details des Stadtraums, auf Strukturen, Oberflächen und flüchtige Momente des Alltags. Besonders spannend ist dabei der Bezug zum unmittelbaren Umfeld der Galerie: Einige Motive entstehen direkt in der Nachbarschaft von St. Georg und verleihen der Ausstellung eine lokale Verankerung.

Gerade im Zusammenspiel der beiden Positionen entwickelt Trasferta ihre Wirkung. Malerei und Fotografie treten in einen stillen Dialog, der Fragen nach Bewegung, Erinnerung und Wahrnehmung stellt. Der kleine Ausstellungsraum von nachtspeicher23 wird dabei zum Ort einer konzentrierten Begegnung mit Kunst – nahbar, experimentell und offen für Entdeckungen.

Paolo Moretto

Der italienische Künstler Paolo Moretto arbeitet an der Schnittstelle von Malerei, Collage und Materialexperiment. In seinen Arbeiten verbindet er unterschiedliche Bild- und Bedeutungsebenen zu vielschichtigen visuellen Kompositionen. Fragmente aus Fotografien, grafischen Elementen oder gefundenen Materialien treffen auf malerische Gesten und schaffen Bildräume, in denen persönliche Erinnerungen und historische Bezüge miteinander verschmelzen.

Morettos Werke sind dabei weniger als lineare Erzählungen zu verstehen als vielmehr als offene Bildlandschaften, in denen sich verschiedene Perspektiven überlagern. Das Motiv der Reise, der Bewegung und der kulturellen Spurensuche spielt in seiner Arbeit immer wieder eine zentrale Rolle.

Mehr über den Künstler finden Sie hier: https://www.paolomoretto.com/

Axel Beyer

Der Fotograf Axel Beyer beschäftigt sich in seinen Arbeiten intensiv mit dem urbanen Raum und den oft übersehenen Details des Alltags. Seine Fotografien richten den Blick auf Strukturen, Oberflächen und architektonische Fragmente, die im hektischen Rhythmus der Stadt leicht übersehen werden. Häufig arbeitet Beyer mit seriellen Formaten oder Diptychen, in denen Bildpaare miteinander in Beziehung treten und neue Bedeutungen erzeugen. Durch diese präzise, zugleich poetische Beobachtung entsteht eine fotografische Sprache, die urbane Räume nicht nur dokumentiert, sondern ihre verborgenen ästhetischen Qualitäten sichtbar macht.

Mehr über den Künstler: https://www.axelbeyer.de/about

nachtspeicher23 – Offspace für zeitgenössische Kunst in St. Georg

Die Galerie nachtspeicher23 gehört zu den kleineren, aber lebendigen Offspaces der Hamburger Kunstszene. Gegründet wurde der gemeinnützige Verein 2008 im Stadtteil St. Georg, unweit des Hauptbahnhofs. Die Galerie wird überwiegend ehrenamtlich betrieben und versteht sich bewusst als alternative Plattform außerhalb des kommerziellen Kunstmarktes.

Der Fokus des Projektraums liegt darauf, zeitgenössische Kunst zugänglich zu machen und Künstler:innen Raum zum Experimentieren zu geben. Die Ausstellungen wechseln meist monatlich und zeigen ein breites Spektrum an Medien – von Malerei und Fotografie über Installation und Skulptur bis hin zu Video- und Aktionskunst. Neben der Präsentation neuer Arbeiten versteht sich die Galerie auch als Diskurs- und Begegnungsort. Wo der Austausch zwischen Künstler:innen und Publikum gefördert wird.

Typisch für Offspaces wie nachtspeicher23 ist die inhaltliche und kuratorische Freiheit: Projekte entstehen häufig kollaborativ, experimentell oder thematisch gebündelt und können schneller auf gesellschaftliche oder künstlerische Entwicklungen reagieren als große Institutionen. Gerade für junge oder unabhängige Positionen bietet der Raum daher eine wichtige Bühne innerhalb der Hamburger Kunstlandschaft.

Weitere Informationen: https://nachtspeicher23.hamburg/

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