Maria Trezinski (*1994 in Braunschweig) gehört zu einer jüngeren Generation zeitgenössischer Malerinnen, deren Arbeiten sich intensiv mit der visuellen und symbolischen Kraft der Natur auseinandersetzen. In ihren großformatigen Gemälden verbindet sie präzise Naturbeobachtung mit expressiven malerischen Gesten und ungewöhnlichen Perspektiven.

Tiere, Pilze oder organische Strukturen erscheinen bei ihr oft stark vergrößert und rücken so in den Mittelpunkt einer Bildwelt, die zwischen Faszination, Vitalität und unterschwelliger Bedrohung oszilliert. Dabei nutzt Trezinski eine vielschichtige Bildsprache aus Öl- und Sprühfarbe, die sowohl detailreiche Passagen als auch spontane, fast rohe Farbspuren ermöglicht.

Adel (1) by Maria Trezinski

Das Werk „Adel (1)“ (2024), Öl- und Sprühfarbe auf Leinwand, 180 × 130 cm, gehört zu diesen eindrucksvollen Tierdarstellungen. Im Zentrum steht ein Hahn, dessen Körper die Bildfläche fast vollständig einnimmt. Die monumentale Größe des Motivs verleiht dem Tier eine beinahe heraldische Präsenz. Als würde es aus dem Alltag herausgehoben und zum Symbol von Stärke, Stolz und Dominanz.

Gleichzeitig wirkt die Darstellung nicht statisch: Dynamische Farbflächen und Sprühspuren durchziehen das Gefieder und lassen Bewegung, Energie und eine gewisse Unberechenbarkeit entstehen. Die malerische Behandlung des Hahns oszilliert zwischen realistischer Form und expressiver Auflösung, wodurch das Tier zugleich konkret und archetypisch erscheint.

Der Titel „Adel“ spielt dabei auf die würdevoll-aufrechte Haltung des Hahns an, welche an traditionelle Embleme von Macht und Rang erinnert. In der monumentalen Inszenierung des Tieres verdichtet Trezinski Naturbeobachtung und symbolische Aufladung zu einem Bild, das gleichermaßen kraftvoll, irritierend und faszinierend wirkt.

Adel (1), 2024, Öl- und Sprühfarbe auf Leinwand. 180 × 130 cm. Preis auf Anfrage.

Fazit

Was „Adel (1)“ so besonders macht, ist die unmittelbare Dynamik und Spannung, die das Bild ausstrahlt. Der Hahn im Sprung verkörpert Energie, Entschlossenheit und den Drang, sich zu behaupten. Wir haben dieses Werk als Kunstwerk der Woche ausgewählt, weil es nicht nur die Kraft des Tieres beeindruckend einfängt, sondern auch symbolisch für den Beginn des Frühlings, Neuanfang und Frühlingsgefühle stehen kann. Als Frühlingsbote vermittelt der Hahn Aufbruchsstimmung und Lebendigkeit – ein passender Impuls, um die neue Jahreszeit zu feiern.

Maria Trezinski „Holometabola“ in der Städtischen Galerie Lehrte

Zudem lässt sich Trezinskis Arbeit in einen größeren kunsthistorischen und biografischen Zusammenhang einbetten. Sie ist ausgebildete Meisterschülerin an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und hat sich seither mit einer Bandbreite an Solo‑ und Gruppenausstellungen profiliert, darunter auch eine kommende Einzelausstellung in der Städtischen Galerie Lehrte im Rahmen der IntraRegionale 2026.   Einer renommierten Kooperation mehrerer Kunstinstitutionen in der Region Hannover, die zeitgenössische Positionen zur Natur und Tierwelt präsentiert.

Vernissage: 24.04.26 um 19 Uhr: Dauer der Ausstellung: 24.4. – 19.06.26

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: https://intraregionale.org/kunst-2026/trezinski/

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Die Holzskulptur Smokers Man von Michaela Achatz entstand im Jahr 2024 und spiegelt die künstlerische Handschrift der Künstlerin stark wieder. Für das Kunstwerk wurde eine 100-jährige Linde mit Witterungsspuren und Eschenholz verwendet. Ein Porzellan-Aschenbecher und Kunststoffrohr ergänzen das Gesamtbild. Gefestigt  wurde es mit Schrauben und Metallverbindungen.

Smokers Man misst 80 x 35 x 35 cm und wiegt rund 15Kg. Das Holz wurde handgeschnitzt, kombiniert mit industriellen Elementen und das Eschenholz ist von Hand gehobelt und mit Öl behandelt worden. Das Kunstwerk ist ein Unikat und wird mit Signatur und Echtheitszertifikat geliefert.

Michaela Achatz ist freischaffende Künstlerin. Ihre Werke entstehen intuitiv – ohne vorgefertigte Skizzen, direkt im Dialog mit dem Material. Besonders fasziniert ist die Künstlerin von Holz, das bereits eine Geschichte trägt: gezeichnet von Witterung, Zeit und seinen natürlichen Strukturen. Diese Spuren lässt sie zu einem Teil ihrer Kunst werden.

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Smoker Man von Michaela Achatz

In der Skulptur vermischt Michaela Achatz Holz, Farbe und geometrische Formen in einer dynamischen Komposition, die sowohl einen ansprechenden ästhetischen Reiz ausübt als auch zum Nachdenken anregt. Die Verwendung von hellem Holz als Grundmaterial verleiht der Skulptur eine organische Note, während die stilisierte Gesichtsform an der Spitze des Werkes kraftvoll erscheint. Diese Darstellung evoziert Emotionen und lädt den Betrachter ein, eine tiefere Verbindung zur menschlichen Erfahrung herzustellen.

Die Skulptur ist so konstruiert, dass sie den Eindruck von Bewegung und Dynamik vermittelt. Die wellenförmige Anordnung der Holzplatten, die spiralförmig angeordnet sind, könnte  das Streben und die Herausforderungen des Lebens symbolisieren. Unter den Holzplatten befinden sich leuchtend farbige Elemente, die direkt aus der Popkultur inspiriert scheinen und möglicherweise den Einfluss von Spiel und Spaß verkörpern. Diese Elemente erzeugen einen starken visuellen Kontrast, der einerseits die Dynamik der Skulptur verstärkt, andererseits die ernsten Aspekte der menschlichen Existenz hinterfragt.

Das Spiel mit verschiedenen Texturen und Materialien unterstreicht nicht nur den handwerklichen Ansatz des Künstlers, sondern auch den Dialog zwischen Tradition und zeitgenössischer Kunst. Der strukturierte, rohe Holzlook steht in aufregendem Gegensatz zu den glatten, bunten Akzenten, und schafft damit eine faszinierende visuelle Spannung.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Smokers Man“ nicht nur ein ästhetisches Erlebnis bietet, sondern auch eine tiefere Reflexion über die Balance zwischen Natur und Kultur, Ernsthaftigkeit und Verspieltheit anregt. Es fordert den Betrachter auf, sich mit seiner eigenen Wahrnehmung der Realität auseinanderzusetzen und dabei die Schönheit in der Unterschiedlichkeit zu erkennen.

 

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Jede Skulptur von Michaela Achatz entwickelt sich aus dem Moment heraus. Sie folgt den organischen Linien des Holzes, lässt sich von Rissen, Kanten und Maserungen leiten, bis eine ausdrucksstarke, reduzierte Form entsteht. Nicht Perfektion interessiert sie, sondern das Lebendige – das Unvorhersehbare, das jedem ihre Werk seinen eigenen Charakter gibt.

Inspiration findet sie nicht nur in der Natur, sondern auch viel in Menschen. So beobachtet Achatz Bewegungen, Gesten, Haltungen – oft sind es flüchtige Momente, Begegnungen auf der Straße, die sie tief berühren und ihre Kunst beeinflussen. Präsenz, Vergänglichkeit und Ausdrucksstärke sind zentrale Elemente ihrer Arbeit. Sie möchte keine fertigen Antworten geben, sondern Raum für eigene Wahrnehmungen und Emotionen öffnen.

Ihr künstlerischer Weg ist unkonventionell. Ohne akademische Ausbildung, aber mit umso mehr Leidenschaft und Experimentierfreude hat sie ihre eigene Formsprache entwickelt. Seit 2020 widmet Michaela Achatz sich konsequent der Kunst – frei von vorgegebenen Normen, aber tief verbunden mit dem Material.

Michaela Achatz im Interview

Wo sind Sie gerade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin gerade mitten im kreativen Prozess und arbeite aktuell an drei Skulpturen, wobei eine davon bereits weiter fortgeschritten ist. Meine Arbeiten entstehen intuitiv, und dieser Moment, wenn aus dem rohen Material eine Form sichtbar wird, fasziniert mich jedes Mal
aufs Neue.

Wie viele Kunstwerke haben Sie bis heute erschaffen und wie viele davon würden Sie als gelungen bezeichnen?

Da ich Quereinsteigerin bin, habe ich in den letzten Jahren viele verschiedene Richtungen ausprobiert – von Holzskulpturen über abstrakte Malerei bis hin zu Mixed-Media-Arbeiten. Seit letztem Jahr liegt mein Fokus klar auf der Bildhauerei. Seit Sommer 2024 habe ich fünf Skulpturen fertiggestellt und arbeite aktuell an drei weiteren.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess eines Ihrer Werke vorstellen?

Meine Arbeit ist stark intuitiv. Ich beginne nie mit einer festen Skizze oder einem klaren Plan, sondern lasse mich vom Material leiten. Besonders das Holz „spricht“ zu mir – ich arbeite oft mit unperfektem Holz, mit Witterungsspuren, Ästen und Rissen. Ein makelloser, perfekt zugeschnittener Block würde mich nicht inspirieren. Ich folge den natürlichen Strukturen und entdecke dabei die Skulptur, die bereits im Holz verborgen liegt.

Mit welchen Materialien arbeiten Sie?

Ich arbeite hauptsächlich mit Lindenholz, besonders für meine Köpfe, da es sich hervorragend für feine Schnitzarbeiten eignet. Gleichzeitig experimentiere ich gerne mit Esche, Fichte, Eiche und Nussbaum, um ihre spezifischen Eigenschaften in meine Skulpturen einfließen zu lassen. Besonders inspirieren mich Hölzer mit Witterungsspuren, Astlöchern und Rissen, da sie bereits eine Geschichte erzählen und meine Formgebung beeinflussen. Neben Holz arbeite ich auch mit Metall, Porzellan und recycelten Materialien. Ich kombiniere verschiedene Materialien und suche immer nach neuen Wegen, diese miteinander zu verbinden. Demnächst mache ich einen Schweißkurs, um Metall noch stärker in meine Skulpturen einfließen zu lassen. Ich finde es spannend, wie sich harte, industrielle Materialien mit dem organischen Charakter von Holz kombinieren lassen.

Was machen Sie mit einem Kunstwerk, wenn Sie selbst einmal nicht zufrieden sind?

Ich lasse es stehen. Manchmal braucht ein Werk einfach Zeit. Es gibt Momente, in denen ich nicht weiterkomme, aber das bedeutet nicht, dass das Werk gescheitert ist – es muss vielleicht einfach ruhen, bis der richtige Impuls kommt. Oft entstehen gerade aus diesem
Prozess heraus die spannendsten Werke.

Was macht gute Kunst für Sie aus?

Gute Kunst bewegt. Sie kann faszinieren, Freude bereiten oder einen unerwarteten Moment der Erkenntnis hervorrufen. Ich liebe es, wenn ein Kunstwerk eine emotionale Reaktion auslöst – sei es bei mir während des Schaffensprozesses oder bei jemandem, der es später betrachtet.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben, oder kann sie auch einfach nur schön sein?

Kunst muss nicht zwangsläufig eine klare Botschaft haben. Für mich zählt vor allem, dass sie wirkt – und das ist für jeden Menschen unterschiedlich. Ein Kunstwerk kann tief berühren, ästhetisch ansprechend sein oder einfach nur einen Moment des Staunens und der Faszination auslösen. Das allein ist bereits wertvoll.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Kunst eröffnet neue Perspektiven, gibt Denkanstöße und hinterfragt Grenzen. Doch wo verlaufen diese überhaupt? Grenzen können einschränken, den Blick verengen – und doch sind sie tief in gesellschaftlichen und moralischen Normen verankert.

Ich finde es spannend, immer wieder über diese „Grenzen“ hinauszudenken und sie bewusst zu hinterfragen. Während meiner Zeit in China vor zehn Jahren wurde mir durch den Kontakt mit einer mir völlig fremden Kultur bewusst, wie sehr unser Denken von erlernten Grenzen geprägt ist. Diese Erfahrung hat mich inspiriert, meinen Kopf zu öffnen und stets zu fragen: Was liegt dahinter? Was bleibt verborgen? Genau dieser Reiz treibt mich an – der Wunsch, über das Offensichtliche hinauszublicken. Trotzdem gibt es für mich eine klare Grenze: Kunst sollte moralische und ethische Grundwerte nicht überschreiten.

Wie sind Sie überhaupt zur Kunst gekommen?

Kunst hat mich schon seit meiner Kindheit fasziniert – ich habe immer gerne kreativ gearbeitet. Damals hatte ich jedoch noch nicht den Mut oder das Vertrauen, dass ich diesen Weg wirklich gehen könnte. Vor etwa fünf Jahren bin ich dann wieder intensiver zur Kunst zurückgekommen und habe zunächst viel experimentiert. Ich begann mit Malerei, Motorsägen-Skulpturen und Mixed Media und habe mit verschiedenen Materialien gearbeitet. Die Malerei hat mich interessiert, aber ich hatte nie das Gefühl, dort wirklich außergewöhnliche Werke zu schaffen. Mit der Bildhauerei ist das anders – sie fesselt mich, macht mir Spaß und gibt mir das Gefühl, wirklich einzigartige Kunst zu erschaffen. In meinen Skulpturen sehe ich etwas Besonderes, das bleibt und eine eigene Präsenz hat. Dieses Gefühl treibt mich an und lässt mich immer weiter in die Formensprache des Materials eintauchen.

Können Sie uns schon verraten, was als nächstes bei Ihnen passiert?

Momentan arbeite ich daran, meine Kunst einem größeren Publikum zugänglich zu machen. Ich möchte gezielt mit Galerien in Kontakt treten und meine Werke in passenden Ausstellungen präsentieren. Gleichzeitig bleibe ich meiner künstlerischen Intuition treu und lasse mich weiterhin von neuen Materialien und Ideen inspirieren. Wo genau mich dieser Weg hinführt, weiß ich noch nicht – aber sicher ist, dass ich ihn weitergehe.

Danke für Ihre Zeit und Mühe!

Wer die Künstlerin bei der Arbeit gesehen hat, weiß – dass das mehr als ein leeres Versprechen ist. Wir sind gespannt, wohin die Reise von Michaela Achatz gehen wird und werden mit Sicherheit berichten.

 

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Ihre Leidenschaft für die Kunst entdeckte Julia Mann bereits mit 19 Jahren, doch erst später wurde die Malerei zu ihrem Lebensweg. Sie entwickelte eine eigene, unverwechselbare Handschrift: Mit intuitiven Pinselstrichen und leuchtenden Neonfarben erschafft sie Kompositionen, die den Betrachter visuell herausfordern, ihn einladen in eine unbeschwerte Welt einzutauchen und sich seiner eigenen Stärken bewusst zu werden. Besonders die harmonische Balance der fließenden Farben verleiht ihren Werken eine mitreißende Dynamik.

Ihre Kunst ist international gefragt und findet sowohl in nationalen als auch internationalen Privatsammlungen großen Anklang. In Mainz
zählt sie zu den bekannten Künstlerinnen. Mit ihrem Slogan «Farben voller Emotionen» macht sie deutlich, worum es ihr geht: Kunst, die bewegt, berührt und die Welt ein Stück bunter macht.

Das Leben ist bunt.

Dieses Motto beschreibt die Kunstwerke von Julia Mann am treffendsten. Die Künstlerin setzt auf leuchtende, kraftvolle Farben, die voller Leidenschaft strahlen und ihre tiefen Emotionen nach außen transportieren. Ihre Werke sind Ausdruck purer Lebensfreude, sollen den Betrachter fesseln und sich positiv auf die eigene Person auswirken. Sie laden dazu ein, den Moment zu genießen, zu träumen und die Seele baumeln zu lassen.

Soft Pink Wonderland – Unser Werk der Woche

Das Kunstwerk Soft Pink Wonderland entstand 2025 und misst 120x100cm. Das mixed media Bild ist sehr kräftig und feminin. Der farbenfrohe Eyecatcher strahlt in einen Raum. Mit Bleistift hat die Künstlerin ganz leicht die Botschaft „Love“ versteckt. Das Bild ist ein gutes Beispiel, das Kunstwerke bei der Ansicht im Internet NIE so gut zur Geltung kommen, wie bei einem physischen Besuch einer Ausstellung. Kunstfreunde können das Kunstwerk bis zum 29. März 2025 bei NIO DEUTSCHLAND in Frankfurt besichtigen – dort trifft Kunst auf Innovation.

Kunst trifft auf Innovation

Im Nio House Frankfurt läuft die Ausstellung von Julia Mann bis zum 29. März. Am letzten Tag ist auch eine Finissage mit anwesender Künstlerin angesetzt. Die Vernissage läuft von 17:30 bis voraussichtlich 19:00 Uhr.

Einen Einblick in die Ausstellung gibt die Künstlerin auch auf ihrem Instagramkanal.

 

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Nadia Schreiner gestaltet ihre Bilder mit Hingabe und minutiöser Präzision. Detailverliebtheit prägt ihr Schaffen und lässt Kunstfreunde und Sammler immer wieder aufs Neue staunen. Mit Painting Journeys® möchte die Künstlerin Weltoffenheit, Optimismus und Farbe in den oft grauen Alltag bringen. In ihren Werken zeichnet sich Lebensfreude ab und das wissen auch immer mehr Käufer zu schätzen – Nadia Schreiner ist vielleicht noch ein kleiner Geheimtipp, macht sich aber bereits einen Namen, weit über die Grenzen von Luxemburg hinaus.

Im Interview mit Nadia Schreiner

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Aktuell lebe ich mit meinem Ehemann unserem 3 jährigen Sohn und meinem alten Atelierkater 🙂 in Wöllstein in Rheinland-Pfalz. Es geht mir sehr gut, ich bin sehr produktiv/kreativ gerade da ich kurz vor einer großen Ausstellung stehe. Grade male ich ein zwei Meter hohes Bild mit einem Segelschiff.

Im bürgerlichen Leben sind Sie Flugbegleiterin. Wie haben Ihre Reisen Ihre künstlerische Entwicklung beeinflusst? Gibt es ein bestimmtes Land oder eine Stadt, die einen besonders bleibenden Eindruck hinterlassen hat?

Ich sage mal so, es hat eigentlich ALLES mit dem Reisen angefangen. Gemalt habe ich schon immer, aber ich hatte meinem Weg noch nicht gefunden. Erst als ich anfing die ganze Welt zu sehen wurde ich grenzenlos kreativ, und PAINTING JOURNEYS war geboren. Eigentlich hat mich jedes Land und Stadt kreativ und auch menschlich beeinflusst.

Japan ist allerdings ein Land das meine Bilder besonders beeinflusst hat. Von dort nehme ich immer das hochwertige handgeschöpfte Papier mit und verarbeite es in meinen japanischen Bildern.

Können Sie uns durch Ihren kreativen Prozess führen? Wie verwandeln Sie Ihre Reiseerlebnisse in Kunstwerken bzw. – wie kann ich mir den Entstehungsprozess ihrer Arbeiten vorstellen?

Mir schießen die Ideen und wie sie aussehen sollten, also das fertige Bild einfach in den Kopf. 🙂 Es ist so wie ein Wasserhahn. Wenn man ihn aufdreht kommt ständig Wasser raus. Wenn man dann kein Eimer drunter stellt geht das Wasser verloren. So ist es auch mit meinen Ideen. Ich brauche dann gleich eine Leinwand um meine Idee festzuhalten sonst geht sie verloren. Aber dann kommt gleich die nächste. Es gibt keine Grenzen.

Was bedeutet „Painting Journeys“ für Sie Persönlich, abgesehen von der künstlerischen Darstellung Ihrer Reisen?

Painting Journeys am Anfang bedeutete es, dass ich meinen „Reisebildern“ einen Namen gegeben habe. Jetzt bedeutet es so viel mehr für mich. Durch Painting Journeys konnte ich mich selbst finden und verwirklichen. Es bedeutet nicht nur das Reisen in den Bildern sonst auch die alltäglichen kleinen schönen Abenteuer, die unser Leben so besonders machen.

Wie hat die künstlerische Laufbahn Ihrer Mutter Ihre eigene Kunst beeinflusst? Gibt es bestimmte Techniken oder Philosophien, die Sie von ihr übernommen haben?

Der Einfluss meiner Mutter auf meine Kunst war/ist natürlich enorm. Durch sie habe gesehen was es bedeutet sich künstlerisch auszuleben und auszuprobieren. Das Talent meiner Mutter fand ich immer bemerkenswert und, wie sie nebenbei als erfolgreiche Künstlerin 3 Kinder großgezogen hat war/ist bewundernswert. Meine Mutter hatte andere Techniken, einfach eine andere Art zu malen, aber ihre Philosophien wie zum Beispiel: Es gibt keine Fehler auf der Leinwand, oder wenn man den Kopf ausschaltet das Herz und die Seele anschaltet bevor man malt, ist man am besten😊

Wo sehen Sie „Painting Journeys“ in den nächsten fünf Jahren? Gibt es neue Projekte oder Ideen, die Sie gerne umsetzen möchten?

Zukunftsvision, das ist immer schwer glaub ich einen Künstler zu fragen. Ich bin froh wenn ich meine Bilder weiter malen kann und ich damit Menschen glücklich mache. Ich habe eine 180x180cm Leinwand im Atelier stehen, wenn ich dieses Bild anfange, wird es mich Wochen/Monate kosten aber ich weiß es wird ein Highlight😊.

Wie möchten Sie mit Ihrer Kunst den Alltag der Menschen bereichern? Was hoffen Sie, dass die Betrachter aus Ihren Werken mitnehmen?

Wenn wir ehrlich sind, sind die Nachrichten der Welt sehr oft ziemlich negativ und herausfordernd. Meine Bilder sollen die Menschen fröhlich machen und sie für einen Moment die Realität vergessen lassen. Ganz oft kommen die Menschen grimmig rein und gehen mit einem Lächeln wieder raus. Das freut mich immer am meisten.

Mein „Symbol“ ist der Schmetterling. Weil es einfach faszinierend ist, dass aus einer Raupe, wenn sie stirb ein Schmetterling wird. Für mich bedeutet es, dass egal was gerade nicht so schön ist und man denkt es geht nicht weiter, es eigentlich noch schöner weitergehen wird.

Glauben Sie, dass das Reisen nicht nur Ihre Kunst, sondern auch Ihr Leben als Ganzes bereichert hat? Wenn ja, wie?

Absolut! Die Welt zu sehen, die verschieden Kulturen, Menschen….Das alles öffnet den persönlichen Horizont. Reisen bildet, wie man so schön sagt😊

Wie reagieren die Menschen auf Ihre Kunst? Gibt es besondere Rückmeldungen oder Geschichten von Betrachtern, die Ihnen besonders im Gedächtnis geblieben sind?

Es gibt eigentlich durchgehend nur positive Rückmeldungen. Aber ja, ich habe das Glück, dass meine Bilder sehr beliebt sind und die Menschen die Bilder kaufen weil es ihr zu Hause bereichert. Ich darf mir das neue zuhause der Bilder ganz oft persönlich anschauen oder wenn das nicht geht dann kriege ich immer ein Foto😊

Was bedeutet für Sie Kunst?

Was bedeutet Kunst für mich, hmm eigentlich alles. Zusammen mit meiner Familie vervollständigt mich die Kunst.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

So lange sie niemandem schadet darf die Kunst alles.

Was darf auf keinen Fall über Sie an die Öffentlichkeit gelangen?

😊Diese Frage wurde mir noch nie gestellt. Ich habe keine „Leichen“ im Keller oder als junges Ding Nacktfotos machen lassen😊Also denke ich, ich stehe ganz gut da😊

Wer soll Ihre Kunst auf keinen Fall kaufen?

Hmmm, ich sage immer bei meinen Bildern: Das Bild findet seinen Menschen, und der Mensch sein Bild. Jeder der sich an meinen Kunstwerken erfreut darf sie kaufen. Nicht so glücklich wäre ich wenn sie verändert oder gar zerstört werden würden. Wenn ich das wüsste würde ich es niemals verkaufen.

Danke für Ihre Zeit und Mühe und frohes Schaffen. Ich bin gespannt auf die Solo-Ausstellung!

Anmerkung der Reaktion: Das 116.Werk der Woche finden Sie hier!

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Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.painting-journeys.com/

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Ekaterina Travianskaia ist eine Künstlerin, die an die transformative und heilende Kraft der Kunst glaubt. Ihr Atelier ist weit mehr als nur ein kreativer Raum. Es ist ein Ort der Inspiration, des Ausdrucks und der persönlichen Entfaltung. Hier bietet sie Workshops für Kinder und Erwachsene an, um Menschen dabei zu unterstützen, ihr kreatives Potenzial zu entdecken und durch Kunst neue Perspektiven zu gewinnen.

In ihren Kursen erlebt die Malerin immer wieder, wie Kunst Brücken baut – zwischen Generationen, Kulturen und Herzen. Kunst schenkt Energie, schafft Verbindung und erlaubt es, Emotionen auszudrücken, die oft keine Worte finden. Besonders am Herzen liegt Travianskaia dabei die Arbeit in Pflegeheimen und Kliniken, wo sie kreative Workshops organisiert, in denen Kunst zu einer sanften, aber kraftvollen Therapie wird. Durch einfache künstlerische Techniken können Menschen emotionale Entlastung finden, innere Ruhe spüren und sich unabhängig von ihren körperlichen oder seelischen Herausforderungen künstlerisch entfalten.

Meine Mission ist es, Kunst für alle zugänglich zu machen – unabhängig von Alter, Fähigkeiten oder Lebensumständen. Denn ich bin überzeugt: Kunst heilt, öffnet neue Horizonte und hilft uns, uns selbst und die Welt um uns herum neu zu entdecken.

Das Geheimnis des Waldes

Das Kunstwerk „Das Geheimnis des Waldes“ stammt aus dem Jahr 2025 und wurde mit Ölfarben auf Leinwand gefertigt und auf Keilrahmen gespannt. Das Bild misst 75cm * 115cm. Bei Interesse an dem Kunstwerk oder weiteren Arbeiten der Künstlerin, nutzen Sie gerne unseren Kontakt! 

„Das Geheimnis des Waldes“ zeigt einen Wald, durchflutet von sanftem Licht und voller lebendiger Ruhe. Es ist eine Hommage an die Stille, die Harmonie und die flüchtige Schönheit des Moments, wenn die ersten Sonnenstrahlen durch das dichte Laub brechen und den Raum mit Magie erfüllen. Ein Tor zum Frühling.

Die Künstlerin über ihr Werk

Für mich ist es wichtig, nicht nur die visuelle Realität einzufangen, sondern auch die Atmosphäre und die Emotionen, die die Natur in uns hervorruft. In diesem Werk habe ich mit sanften Farbübergängen gearbeitet, um eine Tiefe und eine leichte Nebelhaftigkeit zu schaffen, Der Betrachter  soll in diesen Wald eintauchen, seine Stille und Frische spüren.

Als Künstlerin glaube ich daran, dass Kunst Frieden und Inspiration schenken kann. Meine Arbeit zielt darauf ab, Menschen durch Malerei einen emotionalen Zugang zur Natur zu ermöglichen. Und sie an Momente der inneren Ruhe und Verbundenheit zu erinnern.

 

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„Ich kann nicht malen.“ Diesen Satz hört Künstlerin Sina Schulz oft – sei es bei ihren Malkursen oder in der Kunsttherapie. Dabei geht es gar nicht um das Können, sondern darum, die eigene Kreativität und sich selbst zu entdecken. Für Sina ist das Malen ein wunderbarer Weg, mit den eigenen Gefühlen in Kontakt zu kommen und diese in Farben und Formen auszudrücken. Im Podcast KLARGEFÜHL kann man sich von ihrer Begeisterung anstecken lassen und erfährt vieles über die Künstlerin hinter den farbenfrohen und fantasievollen Kunstwerken, die immer mehr Kunstfreunde und Sammler begeistern! Ausgewählte Arbeiten der Künstlerin finden Sie auch bei uns im Shop! 

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier – ebenso haben wir eine ihrer Arbeiten in unserer Kategorie „Werk der Woche“ genauer unter die Lupe genommen!

Malen für die Seele – Durch Kreativität ins Fühlen kommen

Gemeinsam mit Stephanie Werner hat die aufstrebende Künstlerin über das Thema Kunst, intuitive Malerei, Kunsttherapie und die Angst vor der weißen Leinwand gesprochen und natürlich über das Thema Kunsttherapie und warum Malen so wichtig ist.

Wer Lust auf Inspiration hat und mehr zu dem Thema wissen möchte, schaut oder hört unbedingt rein. Den Link zum Video findet sich hier, ansonsten gibt es den Podcast auch auf fast allen gängigen Podcast Portalen!

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Zur Webseite der Künstlerin: https://www.sinakunst.de

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Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert, so auch der auffällige Weinschrank mit dem Namen KAULI, welcher 2010 entstand.

Ein Interview mit dem Künstler finden Sie hier: Felix Vierfinger im Interview – Auffällige Skulpturen und Malereien

Werk der Woche #114 – Weinschrank KAULI

Der Weinschrank „Kauli“ wurde aus Stahl gefertigt und mit einer Tresortür versehen, im inneren ist eine LED-Beleuchtung mit Fernbedienung angebracht, was eine gekonnte Präsentation der Gläser ermöglicht und gleichzeitig, bei geöffneter Tür eine atmosphärische, zusätzliche Lichtquelle in jeden Raum bringt.

Der Eyecatcher wurde im letzten Arbeitsschritt mit Acrylfarben lackiert. Der Weinschrank wiegt rund 90Kg und misst 200 cm x 90 cm x 50 cm. KAULI wurde auch bereits im Trendmöbelhaus mömax in Wiesbaden ausgestellt. Bei Interesse an dem Originalwerk, Fragen oder Anmerkungen nutzen Sie gerne unseren >Kontakt< .  

Der gefragte Künstler Felix Vierfinger ist auch für Auftragsarbeiten offen, dabei fertigt er nicht nur Skulpturen, sondern auch Malereien und Mixed Media Werke. Gelegentlich gibt Felix Vierfinger Einblicke in seine neuen Arbeiten auf seinem Instagramkanal.

 

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Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert.

Interview mit Felix Vierfinger

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich bin gerade zu Hause, mir geht es sehr gut und zur Zeit arbeite ich an einem Gefängnis-Projekt.

Wie bist du überhaupt zur Kunst gekommen?

Mein Vater war ein Buddelschiffbauer und ab und an durfte ich als Kind mit anpacken, Figuren basteln usw. Später habe ich Kerzenständer und Blumenbänke aus Metall gebaut. Also Kunst liegt in der Familie.

Du baust aber nicht nur Skulpturen sondern malst auch, einige deiner Arbeiten werden bald über das Auktionshaus der Gallery1503 in Wien versteigert, was kannst du schon über die Serie verraten?

Die gemalten Bilder, die zur Auktion gehen, gehören zur Kollektion „Die Seelen des Lichtes“ Abstrakte Kunst. Diese Bilder haben noch eine Besonderheit. Diese entstanden ursprünglich als Fotokunst aus meinen eigenen Lichtelementen. Einige Kunden fragten mich, ob die Bilder gemalt wurden? Zu diesem Zeitpunkt gab es diese nur als Foto auf Leinwand. Heute male ich diese Bilder mit Vorlage von Fotografie. Da es diese Fotos nur bei mir gibt, kann ich diese auch malen. Jedes Bild ist ein Unikat und Handsigniert.

 

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 Wie kam es zu deinem Künstlernamen und deiner auffälligen Signatur?

Durch einen Unfall habe ich einen Finger verloren. Kunstwerke leben ja auch von der Wiedererkennung der Künstler, ob im Still oder in der Signierung. Der Künstlername hat sich daraus ergeben und klingt gut. 

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und was ist die größte Herausforderung bei der Arbeit mit Metall?

Rund 40 Werke sind von mir erschaffen worden. Metall kann im Gegensatz zu Holz noch bearbeitet werden. Die Herausforderung bei Metall ist, dass man einen guten Anfang findet und reichlich Schrott im Hause hat.

Was bedeutet für dich Kunst, bzw. was möchtest du mit deinen Werken ausdrücken?

Für mich sind meine Bilder Ausdruck von Freude. Dem Betrachter stellt sich eher die Frage: Was könnte das sein? Also, ist meine Kunst auch Anregung für eigene kreative Gedankenprozesse.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach schön sein?

Hinter einem Kunstwerk muss nicht immer ein tieferer Sinn dahinterstecken. Manchmal ist es einfach nur die farbenfrohe Erscheinung, die dem Menschen ein Lächeln ins Gesicht treibt.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Ich weiß nicht, Kunst kann einfach keine Grenzen kennen! Ein Künstler, der mit Grenzen arbeitet, kann nie das Beste aus sich herausholen.

Warum sollten Kunstsammler sich mit deinen Werken auseinander setzen?

Kunstsammler sind Menschen, die schöne Kunst, außergewöhnliche Kunstwerke sammeln, sich daran erfreuen. Meine Bilder und Skulpturen sind einfach ein Muss! 🙂)

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Ach, ich muss in der Öffentlichkeit nicht unbedingt über meinen Unfall reden. 

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times  oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Ich sage der Welt, dass Ihr schon viel zu lange an meinen Kunstwerken vorbeigegangen seid.

Danke dir für deine Zeit und Mühe! 

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Seit 2017 arbeitet die Künstlerin Sina Katharina Schulz selbstständig in ihrem eigenen Atelier „Atelier Mal anders“ in Freigericht Somborn in dem sie auch Kunstkurse, Workshops und Kunsttherapie für Jung und Alt gibt. Die Liebe und auch ihre persönliche Achtsamkeit für die Natur ist in der Kunst von Sina Katharina Schulz immer Thema. Neben ihren intuitiv-mystischen Werken, liebt sie auch die Verarbeitung von Naturmaterialien, Pigmenten und Erden in ihren abstrakten Mixed Media Werken. Es ist die Fülle von Materialien und die Vielfalt von Techniken und Möglichkeiten die Sina Schulz bei diesen Arbeiten fasziniert.

Ihre aktuelle Ausstellung NATUR VERBUNDENHEIT ist noch bis zum 14.07.24 in den Räumen der Kurpark- Residenz in Bad Salzschlirf zu besichtigen. Für die Finissage ist am 14.07.24 um 15:30 Uhr ist Live-Gesang von der Sängerin Nina Kosel angekündigt.

Werk der Woche #113: Yggdrasil

Yggdrasil misst 100cm x120cm und wurde mit Acrylfarben auf Leinwand gefertigt. Das Werk wurde von der nordischen Mythologie inspiriert. Die nordische Schöpfungsgeschichte umfasst den Mythos vom Baum des Lebens. Der Weltenesche Yggdrasil, die alles Leben in die Welt brachte. Als Symbol für die weibliche Urkraft, als Symbol für Fruchtbarkeit und Wachstum. Gehegt und gepflegt wird der Baum von den Nornen, die drei Weisen Frauen, die Jugend, das Erwachsenenalter und die Weisheit des Alters darstellen.

Da mich der Baum als Symbol des Lebens und der Urkraft schon immer fasziniert hat, musste ich ihn einfach malen – als Göttin, als Frau und Schöpferin der Welt.

Yggdrasil in der Edda –  Enstehungsgeschichte der nordischen Mythologie

Nachdem in der Sage der Edda die Götter den Ur-Riesen Ymir getötet haben, erschaffen sie, dem Mythos nach, aus seinem Leichnam alle existierenden Dinge. Die Weltenesche Yggdrasil ist demnach der erste Baum, der wächst. Er ist der größte und prächtigste Baum der Welt. Seine Äste breiten sich über alle neun Welten aus und erstrecken sich über den Himmel. Ein namenloser Adler sitzt im Geäst, zwischen seinen Augen ist ein Habicht, der Vedrfölnir genannt wird.

Yggdrasil hat drei große Wurzeln, von denen eine nach Jötunheim,dem Land der Riesen, wächst, wo sich auch Mimirs Brunnen befindet. Die andere Wurzel führt nach Nilfelheim zur Quelle Hvergelmir, wo der Drache Nidhöggar an ihr nagt. Die dritte Wurzel findet sich in der Nähe von Asgard. Das Eichhörnchen Ratatöskr klettert immer zwischen der Baumkrone und Wurzeln hin und her und verbreitet dabei üble Nachrede vom Adler bis zum Drachen. Die zwei Schlangen Gaoin und Moin, die von Grafwitnir (Grabeswolf) abstammen, nagen an den Wurzeln von Yggdrasil.

Unter den Zweigen des Baums halten die Götter Gericht. Am Fuße Yggdrasils liegt auch der Urdbrunnen, an dem die drei Nornen Urd(das Gewordene), Verdandi (das Werdende) und Skuld (was da kommen soll) ihren Sitz haben, die das Schicksal der Menschen bestimmen. In der nordischen Mythologie heißt es sogar, wenn Yggdrasil zu beben oder zu welken beginnt, naht das Weltenende.

Sina Katharina Schulz über ihr Werk

Der Baum ist seit je her besonders wichtig für uns Menschen, denn er ist schon weit vor uns auf diese Welt gewesen. Er ist sozusagen mit eines der ältesten Lebewesen auf unserer Erde. Er gibt uns Schutz, Wärme, er dient uns als Material zum Bauen unserer Häuser, er spendet uns Schatten, sorgt für saubere Luft zum Atmen und er spendet Nahrung mit seinen Früchten, er ist ein Heim und Lebensraum für unzählige Tier und Pflanzenformen.

Auch sehe ich Bäume als Symbol für Wachstum und Ideen, die in uns reifen. In der Kunsttherapie steht der Baum unter anderem auch für die Darstellung der eigenen Person, als Ich -Symbol. Ich selbst verbringe sehr gerne Zeit im Wald, in der ich Bäume studiere und beobachte. Die Verästelung der Blätter am Stamm, das Spiel von Licht und Schatten, das entsteht, wenn die Blätter sich im Wind bewegen und das beruhigende Rauschen, was dadurch entsteht. Bäume haben etwas wunderbar inspirierendes und beruhigendes für mich.
All das hat mich dazu bewegt Yggdrasil zu malen, aber als weibliche Form, als Göttin und Erschafferin der Erde und des Lebens, angelehnt an die nordische Mythologie.

 

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