Lass es krachen: Vom 5. bis 7. Dezember 2025 findet die 23. Edition von Art Basel Miami Beach (mit VIP-Previews ab dem 3. Dezember) im Miami Beach Convention Center statt. Diese Messe ist ein absoluter Höhepunkt im internationalen Kunst- und Kulturkalender – ein Ort, an dem High-End-Galerien, Sammlerinnen, Künstlerinnen und außergewöhnliche Inszenierungen zusammentreffen, die man nicht verpassen sollte.

Art Basel Miami Beach ist längst nicht nur eine Messe, sondern ein Ereignis, das die gesamte Stadt in Ausnahmezustand versetzt. Wenn 284 der weltweit führenden Galerien ihre ikonischen Werke nach Florida bringen, verwandelt sich Miami Beach in einen vibrierenden Treffpunkt für Künstlerinnen, Kuratorinnen, Kreative und alle, die Kunst nicht nur sehen, sondern erleben wollen. Eine Woche lang verschmelzen Ausstellungen, Performances, Nacht-Events und spontane Begegnungen zu einem intensiven Festivalmoment, der weit über die Messehallen hinausstrahlt. Hinzukommt, dass aufgrund der Verschiebung des Release-Date von GTA6 gibt es jetzt bis November 2026 nur eine Möglichkeit einen Vorgeschmack darauf zu bekommen: Selbst hinfahren.

Was für ein irrer Trip das wird

Es gibt Reisen, die plant man – und dann gibt es Miami während der Art Basel, eine Woche, die sich nicht wie Urlaub anfühlt, sondern wie ein elektrischer Schlag durch das Nervensystem. Schon beim Aussteigen aus dem Flugzeug knallt dir die Luft entgegen wie ein tropischer Startschuss: nicht brütend heiß, aber warm, feucht und intensiv, mit typischen Dezember-Temperaturen von etwa 24 bis 26°C am Tag und angenehmen 16 bis 20°C in der Nacht. Selbst das Meer hat im Dezember noch rund 24 bis 25°C – warm genug, um mitten in der Kunstwoche spontan ins Wasser zu rennen. Alles wirkt größer, lauter, schneller. Die Stadt bewegt sich nicht – sie vibriert.

Miami Beach während der Art Basel ist ein Ausnahmezustand. Menschen aus der ganzen Welt strömen zusammen, jeder mit seinem eigenen Stil, seiner eigenen Geschichte, seiner eigenen Mission. Du läufst durch die Straßen, und alles sieht aus, als wäre es eine Mischung aus Fashion-Shoot, Musikvideo und einem Traum, in dem plötzlich jeder brillant, schön, wild und überdreht ist. Jede Sekunde ist ein Moment, der eskalieren kann.

Die Hotels sind voll, die Bars überfüllt, die Musik kommt von überall. Du hörst Sprachen, Akzente und Lachanfälle, die sich vermischen wie ein chaotisches, aber perfektes Sounddesign der Stadt. Nachts glühen die Neonlichter, Rooftops werden zu Tanzflächen, und irgendwer erzählt dir um vier Uhr morgens die Geschichte seines Lebens, während ihr beide auf einen Strand schaut, der aussieht, als hätte ihn jemand für einen Film über Überfluss und Freiheit ausgeleuchtet.

Du wirst ständig Menschen treffen, die dich überraschen. Künstlerinnen, die seit 48 Stunden wach sind. Sammler, die so viel Geld haben, dass sie nicht mehr in Zahlen, sondern in Kunstwerken zählen. Leute, die nichts trinken wollten und plötzlich Shots bestellen. Leute, die eigentlich früh schlafen gehen wollten und plötzlich auf einem Rooftop stehen, während ein DJ spielt, der eigentlich in Berlin sein müsste.

Und mittendrin du – mit diesem Gefühl, dass die ganze Woche ein surrealer Mix aus Kunst, Wärme, Nachtleben, Luxus und komplettem Overdrive ist. Du siehst Installationen, die dich sprachlos machen, stößt auf spontane Partys, die nur passieren, weil gerade jemand Lust hatte, eine Tür aufzumachen. Alles ist möglich, alles ist übertrieben, alles ist erlaubt.

Miami in dieser Woche ist nicht real. Es ist eine Parallelwelt, eine eigene Zeitrechnung. Du verlierst das Gefühl für Stunden, aber gewinnst Geschichten, die du nie wieder vergisst. Es ist warm, laut, hell, überladen – und genau deswegen so wunderschön.

Es wird nicht nur ein Trip.
>Es wird ein Zustand.
Ein Erlebnis, das jede andere Woche im Jahr blass aussehen lässt.
Ein kompletter Film, den du live erlebst.

Zero 10 – Die Zukunft der digitalen Kunst in Miami

Ein radikaler neuer Raum für Kunst der digitalen Ära

Zero 10 ist Art Basels komplett neu kuratierter Bereich für Kunst der digitalen Ära – ein Raum für Artists, Galerien und Innovator*innen, die an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Kultur arbeiten. UBS fungiert als Global Lead Partner der Art Basel.

Der Name Zero 10 ist eine Hommage an „0,10“ – Kazimir Malevichs revolutionäre Ausstellung aus dem Jahr 1915, die das Denken über Kunst radikal veränderte. Inspiriert von diesem historischen Wendepunkt möchte Zero 10 neue Energie, neue Vitalität und neue Formen des künstlerischen Austauschs einbringen.

Zero 10 beginnt bewusst „bei Null“, richtet den Blick aber nach vorne: auf neue Modelle von Autorschaft, auf neue Formen digitaler Produktion und auf ein Verständnis, wie Kunst sich in einer zunehmend technologischen Welt bewegt.

Kuratiert von Eli Scheinman – einer zentralen Figur digitaler Avantgarde

Die erste Ausgabe von Zero 10 wird von Eli Scheinman kuratiert – einem der prägenden Strategen und Kuratoren digitaler Kunst.
Er gilt als Gestalter neuer Sammlerinnenmodelle an der Schnittstelle von Web3, Technologie und Fine Art und hat zuvor u. a. bei PROOF (später von Yuga Labs übernommen) maßgebliche Projekte geführt. Heute arbeitet er international mit führenden Künstlerinnen und Sammler*innen, um neue Formen der Kunstverteilung und des digitalen Sammelns zu entwickeln.

Was Zero 10 zeigt

Die Erstpräsentation 2025 in Miami bringt Werke zusammen aus:

• generativen Systemen

• Robotics

• digitaler und physischer Skulptur

• Licht- und Sound-Installationen

• codebasierten künstlerischen Praktiken

Der Schwerpunkt liegt auf neuen Modellen von Autorschaft, Exhibition und kulturellem Austausch, die zeigen, wie sich die Kunstwelt im digitalen Zeitalter weiterentwickelt.

Zero 10 wird unterstützt von OpenSea, einem Official Partner der Art Basel Miami Beach 2025.

Zero 10 – Öffnungszeiten und Venue

VIP (Invitation Only):

• Mi, 3. Dezember 2025 – 11:00 bis 19:00 (First Choice)

• Mi, 3. Dezember 2025 – 16:00 bis 19:00 (Preview)

• Do, 4. Dezember 2025 – 11:00 bis 19:00 (First Choice & Preview)

• Do, 4. Dezember 2025 – 16:00 bis 19:00 (Vernissage)

Public (mit Ticket):

• Fr, 5. Dezember – 11:00 bis 18:00

• Sa, 6. Dezember – 11:00 bis 18:00

• So, 7. Dezember – 11:00 bis 18:00

Ort:
Miami Beach Convention Center
1901 Convention Center Drive
Miami Beach, FL 33139

Meridians – die monumentale Seite der Art Basel

Parallel zu Zero 10 präsentiert Meridians großformatige Installationen, immersive Räume und monumentale Werke, die die Grenzen klassischer Messepräsentation sprengen. Kunst wird hier nicht betrachtet – sie wird körperlich erfahren. Zero 10 und Meridians ergeben 2025 die stärkste Kombination aus physischem und digitalem Experiment, die Art Basel je gezeigt hat.

Planung: Tickets, Routing & Stadtvibes

Premium-Passes bieten Zugang zu Previews und exklusiven Bereichen. Gute Planung macht den Besuch intensiver: Lieblingsgalerien markieren, Side-Events einplanen und genug Zeit für Zero 10 und Meridians reservieren.

Während der Messe lebt Miami Beach in einem besonders schnellen Takt: Rooftops, Pop-ups, Performances und Kunst an jeder Ecke.

Die besten Hotels – Luxus, Mid-Range, Budget

Luxus

Ritz-Carlton South Beach
https://www.ritzcarlton.com/en/hotels/miasb-the-ritz-carlton-south-beach/overview/?utm_source=arttrado.de

Hotel Greystone
https://www.greystonehotel.com/

Esmé Miami Beach Hotel
 https://esmehotel.com/

Mid-Range

Catalina Hotel & Beach Club
https://www.catalinahotel.com/

The Palms Hotel & Spa
https://www.thepalmshotel.com/

Lennox Miami Beach
https://www.lennoxmiamibeach.com/offers?gad_source=arttrado.de

Budget

Freehand Miami
 https://freehandhotels.com/miami/

Generator Miami
https://staygenerator.com/hotels/miami?lang=de-DE

South Beach Rooms and Hostels
https://sobehostelbar.hotels-miamibeach.com/en

Tickets & Zugang – Sichere dir deinen Eintritt

Wer nach dieser Woche voller Kunst, Chaos, Sonne, Energie und absoluter Eskalation wirklich dabei sein will, sollte sich frühzeitig um Tickets kümmern. Die Art Basel Miami Beach ist jedes Jahr restlos überlaufen, und die besten Zugänge sind schnell weg.

 Offizieller Ticketshop

https://www.artbasel.com/miami-beach/buy-tickets

Ticketoptionen (Auswahl)

• General Admission
  Zugang zu den öffentlichen Messetagen – perfekt für alle, die die volle Atmosphäre erleben wollen.

• Premium Pass
  Enthält erweiterten Zugang und zusätzliche Programmpunkte; ideal, wenn du tiefer eintauchen willst.

• First Choice / Preview / VIP
  Nur auf Einladung oder als limitiertes Sonderticket erhältlich – frühester Zugang zu allen Präsentationen, bevorzugt von Sammler*innen und Branchenprofis.

Warum du früh buchen solltest

Die Nachfrage explodiert jedes Jahr.
Tickets, Hotels und Flüge werden knapp – und teuer.
Wer wirklich Teil des Art-Basel-Moments sein möchte, wartet nicht.

Direkter Link zum Ticketkauf:

https://ticket.messe-tickets.ch/MCH_shop/4001-miami-beach/Shop

Fazit

Zero 10 ist 2025 das große Zukunftsversprechen der Art Basel Miami Beach – ein radikal neuer Raum, der digitale Kunst ernst nimmt, ihre Avantgarde ins Zentrum stellt und neue Formen des Sammelns und Ausstellens präsentiert. Zusammen mit Meridians, der Stadtenergie und den globalen Galerien entsteht ein Ereignis, das Kunst, Technologie und kulturelle Zukunft verbindet.

Egal, ob du im Ritz aufwachst oder im Freehand mit Künstler*innen Kaffee trinkst – die Art Basel Miami Beach 2025 wird laut, intensiv, digital, monumental und unvergesslich.

Benannt nach dem benachbarten Kult-Restaurant „Brücke“, das einst für seine außergewöhnliche Atmosphäre und seine Funktion als Treffpunkt kreativer Köpfe bekannt war, möchte die Galerie an diese Tradition anknüpfen. Sie versteht sich als Ort mit „Saloncharakter“, an dem Kunst, Musik, Literatur und Begegnungen zu einer Einheit verschmelzen.

Ein Ort mit Geschichte und Vision

Die Isestraße in Harvestehude gehört zu den charmantesten Straßen Hamburgs. Gesäumt von Gründerzeitbauten und kleinen Geschäften, strahlt sie ein urbanes Flair aus, das durch die angrenzende Grünfläche des Isemarkts eine fast dörfliche Note erhält. Inmitten dieser Kulisse liegt das Gebäude, das einst Antiquitäten beherbergte und nun, mit der Galerie Brücke, einen neuen Zweck findet.

Für Carolin Beyer, die seit Jahren in Hamburg als Malerin tätig ist, war die Verbindung zwischen Kunst und dem sozialen Leben von Anfang an der zentrale Gedanke hinter dem Projekt. „Kunst ist kein statisches Objekt an der Wand, sondern etwas, das im Austausch mit Menschen lebt“, erklärt sie. Gemeinsam mit Natascha von Allwörden, die das Gebäude erworben hat, entwickelte sie ein Konzept, das den Raum mit kulturellem Leben füllen soll.

Die Eigentümerin Natascha von Allwörden beschreibt das Projekt als Herzensangelegenheit: „Es geht uns darum, einen Raum zu schaffen, der Menschen verbindet – über Kunst, Musik und Dialog. Die Brücke im Namen steht genau dafür: das Verbinden.“

Die Eröffnungsausstellung: „Über die Brücke“

Den Auftakt machte am 6. Dezember 2024 die Ausstellung „Über die Brücke“, die Werke von renommierten Künstlern wie Gerhard Linnekogel, Michael Zapf und Carolin Windel zeigt. Die kuratierte Auswahl von Fotografien und Gemälden beleuchtet den Begriff „Brücke“ in all seinen Bedeutungen – als architektonisches Bauwerk, als Symbol für Verbindung und Austausch, aber auch als Metapher für Übergänge und Transformationen im Leben.

Daniel Kaiser, Leiter der Kulturredaktion von NDR 90,3, hatte die Ausstellung eröffnet und die Bedeutung des neuen Kulturzentrums für Hamburg klargestellt. „Die Galerie Brücke könnte ein neuer Treffpunkt für kreative Köpfe werden – ganz in der Tradition des Restaurants, nach dem sie benannt ist“, so Kaiser.

Mehr als nur Kunst an den Wänden

Die Galerie versteht sich als Plattform, die weit über klassische Kunstausstellungen hinausgeht. Neben den visuellen Künsten sind Lesungen, Konzerte und Vorträge Teil des Programms. Am 14. Februar 2025 wird zum Beispiel ein Valentinsdinner mit Live-Musik des Gipsy-Jazz-Trios von Giovanni Weiss stattfinden.

„Wir wollen den Menschen mehr bieten als nur Kunst an den Wänden“, betont Beyer. „Die Galerie soll ein Ort sein, an dem man sich austauscht, Neues lernt und inspiriert wird.“ Dazu sind regelmäßige Gesprächsrunden mit Künstlern und Kuratoren geplant, aber auch Workshops, in denen die Besucher selbst kreativ werden können.

Die Veranstaltungsreihe soll bewusst offen gestaltet sein, um ein breites Publikum anzusprechen. „Es ist uns wichtig, dass sich hier nicht nur Kunstexperten, sondern auch neugierige Laien willkommen fühlen“, so Beyer weiter.

Die Verbindung zum Kult-Restaurant „Brücke“

Ein besonderer Aspekt der Galerie Brücke ist ihre Verbindung zum gleichnamigen Restaurant, das viele Jahre lang ein Fixpunkt für Hamburgs Kulturszene war. Das Restaurant, das nur wenige Meter entfernt lag, war bekannt für seine kosmopolitische Atmosphäre und wurde von Künstlern, Intellektuellen und Genussmenschen gleichermaßen geschätzt.

„Die Idee, diese Verbindung im Namen aufzugreifen, kam uns ganz natürlich“, erzählt von Allwörden. „Die Brücke war nicht nur ein Ort des Essens, sondern ein Ort des Austauschs – genau wie die Galerie es sein soll.“

Mit diesem Anspruch möchte die Galerie auch in die Fußstapfen des Restaurants treten und zu einem Treffpunkt werden, an dem sich Kunst- und Kulturschaffende aus ganz Hamburg versammeln.

Das Raumkonzept: Kunst trifft auf Begegnung

Die Räumlichkeiten der Galerie sind so gestaltet, dass sie den Saloncharakter unterstreichen. Im vorderen Bereich gibt es eine Ausstellungsfläche, die durch ihre offene Architektur vielseitig nutzbar ist. Hier können großformatige Gemälde, Fotografien und Installationen präsentiert werden.

Im hinteren Bereich befindet sich ein gemütlicher Salon mit einer kleinen Bühne, der für Lesungen und Konzerte genutzt wird. „Wir wollten einen Raum schaffen, der sowohl intim als auch offen ist“, erklärt Beyer. „Die Galerie ist nicht nur ein Ort des Schauens, sondern auch ein Ort des Zuhörens und Dialogs.“

Ein besonderes Highlight ist der Garten, der in den Sommermonaten für Veranstaltungen im Freien genutzt werden soll. Ob Open-Air-Konzerte oder Gesprächsrunden unter freiem Himmel – die Möglichkeiten sind vielfältig.

Kunst und Nachhaltigkeit

Neben dem kulturellen Anspruch legt die Galerie Brücke auch großen Wert auf Nachhaltigkeit. Die Renovierung der Räumlichkeiten wurde unter ökologischen Gesichtspunkten durchgeführt, und die Galerie arbeitet mit lokalen Handwerkern und nachhaltigen Materialien.

„Nachhaltigkeit ist ein zentraler Wert unseres Projekts“, erklärt von Allwörden. „Wir möchten nicht nur inhaltlich, sondern auch strukturell verantwortungsvoll handeln.“ Dazu gehört auch, dass Künstler gefördert werden, die sich in ihren Werken mit ökologischen und sozialen Themen auseinandersetzen.

Ein neues Kapitel für Harvestehude

Mit der Galerie Brücke beginnt in Harvestehude ein neues kulturelles Kapitel. Die Mischung aus Ausstellungen, Konzerten, Lesungen und Workshops soll die Nachbarschaft beleben und Menschen aus verschiedenen Lebenswelten zusammenbringen.

„Kunst hat die Kraft, Menschen zu verbinden und Horizonte zu erweitern“, sagt Carolin Beyer. „Mit der Galerie Brücke möchten wir einen Raum schaffen, in dem genau das möglich wird.“

Die Eröffnung der Galerie markiert nicht nur die Wiederbelebung eines historischen Ortes, sondern auch die Fortsetzung einer Tradition, die Kunst und Begegnung in den Mittelpunkt stellt. Hamburg darf sich auf ein neues kulturelles Juwel freuen – und auf viele inspirierende Abende in der Galerie Brücke.

(Quellen: Galerie Brücke, KulturPort.De, Bei uns in Norden)

Hier lassen sich also zwei Fliegen mit einer Klappe schlagen. Denn so kann man neben der Kunst auch einen Blick in ein historisches Gebäude der Freistadt werfen. Zudem gibt es die Möglichkeit künstlerisch gestaltete Postkarten und Poster zu erwerben. Auch für Getränke war gesorgt.

Klein aber fein

Die Ausstellung wirkt sehr sympathisch und urig. Außer einem Schild, weist nicht viel in Christiania auf die Ausstellung hin. Der Ausstellungsraum fügt sich in den Charme von Christiania ein und versucht erst gar nicht zu glänzen. Um in die Räume zu gelangen muss man zwei Etagen erklimmen. Der Aufstieg und das Treppenhaus ist dabei bereits ein Kunstwerk für sich. Als wäre die Zeit stehen geblieben, erinnert es an die wilde Zeit der Freistadt. Die Ausstellungsräume bilden einen authentischen Rahmen für die ausgestellte Kunst. Teilweise hängen Kunstwerke ohne Namen schlichtweg an der Decke. Die Ausstellung hat gezeigt, dass es hier in Christiania hier eine gute Möglichkeit gibt, sich als junger Künstler der Öffentlichkeit zu präsentieren. Sei es durch die Teilnahme bei einer Ausstellung der Kuratoren der Berlin Soup oder durch Organisation einer eigenen Ausstellung gemeinsam mit anderen Künstlern.

Wer hat alles ausgestellt und performt?

Betty-Despoina Athanasiadou, Stephen James Back, Doris Bloom, Emilia Bouriti, Nik Bran, Mariella Brandusa, Chris Calmer, Jesper Dalmose/video, Mathias Dalmose, Rolf Demsy, Maria Dubin , Martin Fasting, Lorena Garoiu, Christian Grønne/video, Rasmus Halling, Klaus Holm, Enamul Hoque, Lars Høeg, Leif Dione Joensen, Ra Kajol, Miran Mehsum Khalaf, Alexandra Kostrubala,Tamara De Laval, Johan Lundin, Octavian Neagu, Martin R. Olsen, Charlotte Petersen/video, Lennox Raphael, Ian Scharls, Jørgen Teller, Michael Schiøler Tingsgaard, Søren Tougaard.

 

 

Wer sind die Kuratoren hinter Berlin Soup VI?

Kuratoren von BERLIN SOUP sind Jesper Dalmose und Lennox Raphael. Dalmose & Raphael leben in Kopenhagen, Dänemark. Dalmose & Raphael haben bereits gemeinsam viele Kunstveranstaltungen organisiert und kuratiert. Raphael hat unter anderem für Theater in New York geschrieben und Regie geführt. Dalmose arbeitet mit transformativer Videokunst. Kontakt:  Mail: jesper7dalmose@gmail.com Mail: lennox.raphael@gmail.com 

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Das Kunstwerk „Kulisse“ in Görlitz schlägt derzeit Wellen. Die Künstlerin Lisa Maria Baier nahm in Görlitz an einer Ausschreibung teil. Sie gewann die Ausschreibung durch eine detaillierte Projektbeschreibung. Diese Beschreibung wurde vertragliche Grundlage zwischen ihr und der Stadt Görlitz. Letztlich ersetzte sie ihr ursprüngliches Konzept durch eine politische Botschaft. Nun stritten sich die Künstlerin und die Stadt Görlitz darüber, ob das Kunstwerk der Künstlerin, das nach dem zwischen ihr und der Antragsgegnerin geschlossenen Vertrag im Rahmen der Plattform „G A 2021/22“ im öffentlichen Raum am Standort A errichtet wurde, von der Stadt nach im Streit stehender Kündigung entfernt werden darf.

Was passierte vor der Errichtung des Kunstwerkes Kulisse in Görlitz?

Lisa Maria Baier war  eine der Preisträgerinnen des Wettbewerbs G A 2021/22. Laut der Projektbeschreibung von Lisa Maria Baier geht es bei dem Kunstwerk mit dem Titel „Kulisse“ um Folgendes:

Eine Kulisse sei ein Bestandteil traditioneller Bühnenbilder. In dem Werk werde dieses durch Transparenz einen Austausch mit der Umgebung eingehen. Hierzu führt die Künstlerin, deren Kunstwerk für 6 Sitzplätze konzipiert, aber auch auf 8 Sitzplätze erweitert werden kann, im Einzelnen aus:

„(…) Das Thema „Görlitz als internationaler Drehort“ ist dabei für mich eines der spannendsten Geschichten.“
Mein Projekt beschäftigt sich mit dem Innen- und Außenraum der Zuschauertribüne.
(…) Blickt man von dem Sitz nach vorn blickt man in die Görlitzer Umwelt durch eine Plexiglasscheibe auf welcher spiegelverkehrt das Wort „Kulisse“ in Deutsch, Polnisch und Englisch eingraviert ist.

Die Inschrift soll beide Parteien, die der sitzenden Menschen in der Installation und die der darauf Zulaufenden verbinden. (…) Die Menschen in und auf dem Objekt, sind auf einer Bühne, obwohl diese konzipiert ist wie eine Zuschauertribüne. Sie werden verleitet geradeaus durch die Plexiglasscheibe zu blicken, welche die Wirkung einer transparenten Kinoleinwand hat. Sie werden Görlitz sehen.“

Die Umsetzung des Kunstwerkes

Am 2. Juli 2021 errichtete die Antragstellerin ihr Kunstobjekt „Kulisse“ am vereinbarten Ort nahe der polnisch-deutschen Grenze mit der – zwischen den Beteiligten vereinbarten – Änderung, das Podest aus Holz statt aus Beton zu fertigen.

Das Kunstwerk „Kulisse“ enthält allerdings nur fünf Sitzplätze. Das Plexiglas mit der Aufschrift „Kulisse“ in drei Sprachen wurde weggelassen. Hinzugefügt wurden zwei Elemente, nämlich eine Kleiderstange mit Bügeln, an denen bunte Stoffbänder angebracht sind, und zwei Photos mit Schriftzügen, die auf die Leinwand/Banner aufgezogen wurden. Auf der Leinwand findet sich aus Richtung der Sitzplätze der Schriftzug „Abtreibung ohne Grenzen“ in polnischer Sprache, aus Richtung der anderen Seite der Schriftzug „Frauenrechte“ in polnischer Sprache. Bei den Photographien handelt es sich um Filmsequenzen eines Films des Guardian aus dem Jahr 2020, der das neue Abtreibungsgesetz in Polen thematisiert. Jeweils vor den Sitzplätzen besteht für jemanden, der dort Platz genommen hat, die Möglichkeit, seine Füße in zusätzlich angebrachte Schellen zu stellen, so dass die Assoziation eines gynäkologischen Stuhles bewirkt werden kann.

Reaktion der Stadt: Kündigung des Vertrages

Daraufhin kündigte die Stadt den mit der Künstlerin geschlossenen Vertrag aus wichtigem Grund.

Marlen Hobrack schreibt zu der Rechtfertigung der Kündigung des Bürgermeisters im Monopol Magazin:

Offensichtlich handelt es sich um einen Versuch, den Vorwurf der Beschränkung der Kunstfreiheit zurückzuweisen, in dem [der Bürgermeister] den politischen Charakter des Werkes hervorhebt – ganz so, als bestünde ein Widerspruch zwischen künstlerischer Arbeit und politischem Inhalt. Beim Schutz der Kunstfreiheit geht es aber gerade nicht darum, nur formale Freiheiten der Kunst zu schützen, sondern deren inhaltlichen Kern, den Aussagegehalt.

Vertragsverletzung der Künstlerin oder Verletzung der Kunstfreiheit durch die Stadt?

Doch was ist hier wirklich los? Wurde die Kunstfreiheit verletzt? Auf den ersten Blick ist dies sicher der Fall. Denn grundsätzlich liegt es im Wesen der Kunst, dass diese sich weiterentwickelt und es dadurch zu Abweichungen kommt.

Das Verwaltungsgericht Dresden (Beschluss vom 26.07.2021 – 5 L 564/2) sieht das jedoch anders. Es differenziert rechtlich präzise zwischen der Kunstfreiheit und dem zwischen der Künstlerin und der Stadt Görlitz geschlossenen Vertrag. Und dieser von der Künstlerin signierte Vertrag sei eindeutig. Er lasse keinen Raum für das von ihr letztlich aufgestellte Werk.

In § 2 Abs. 2 dieses Vertrages wird das Kunstwerk „Kulisse“ mit einem Verweis auf Anlage 1 der Künstlerin näher mit Text und Bildern erläutert. So ging es ihr um den Innen- und Außenraum einer Zuschauertribüne. Eindeutig und mehrfach wird dargelegt, dass Görlitz und die Görlitzer Umwelt im Fokus stehen sollte.

Daran hatte sich die Künstlerin jedoch in erheblicher Weise nicht gehalten.

Somit stand die Kunstfreiheit hier gar nicht in Rede. Anders als Lisa Marie Baier meint  spielt das selbstredend wichtige und sehr hoch einzuschätzende Grundrecht der Kunstfreiheit i.S.d. Art. 5 Abs. 3 Satz 1 GG für die Lösung dieses Problems keine Rolle. Die Kunstfreiheit ist hier gewährleistet. Wer aber freiwillig einen Vertrag eingeht und sich daher – ebenso freiwillig – den vertraglichen Bindungen unterwirft, der ist von Gesetzes wegen verpflichtet, sich an die Vertragsbestimmungen zu halten. Der alte Grundsatz „pacta sunt servanda“ gilt für alle Personen, die Verträge eingehen, auch für Künstler:innen – und auch für Konzeptkünstler:innen.

Wie geht es weiter?

Bislang hat die Lisa Maria Baier lediglich im Verfahren des einstweiligen Rechtsschutzes eine Niederlage einstecken müssen. In einem solchen Verfahren prüft das Gericht lediglich summarisch ob eine Klage in der Hauptsache mit hinreichender – und bei Vorwegnahme der Hauptsache mit hoher Wahrscheinlichkeit – Aussicht auf Erfolg hätte. Eine Beschwerde gegen den Beschluss im einstweiligen Rechtsschutz zum OVG wurde bereits eingelegt.

Kommentar

Das künstlerische Begehren der Künstlerin ist gerechtfertigt. Die Lösung des VG Dresden überzeugt aber rechtlich. Wer einen Vertrag unterschreibt, in dem er sich auf ein bestimmtes künstlerisches Konzept einigt, ist daran grundsätzlich gebunden. Freilich wären Ausführungen zur Kunstfreiheit angezeigt gewesen. Denn das sich ständig Verändernde gehört zum Wesen der Kunst. Trotz Vertrages muss also der andere bei Kunst in gewissem Maße Änderungen hinnehmen. Jedoch müssen die Kunstfreiheit und damit verbundene Veränderungen in einem angemessenen Verhältnis zum geschlossenen Vertrage stehen. Das war hier aber nicht der Fall. Das zum Vertragsgegenstand gewordene Konzept wurde nahezu vollständig beseitigt und durch eine einseitige politische Botschaft ersetzt. Sinn und Zweck des Vertrages war es aber gerade sicherzustellen, dass die ausgewählten Kunstwerke geeignet waren, eine Hommage an die Filmstadt Görlitz zu bilden. Damit ging mit der Umgestaltung eine nicht nur unwesentliche Veränderung einher. Anders hätte die Sache sicher ausgesehen, wenn die politische Botschaft das Werk in seiner ursprünglich geplanten Form ergänzt und auch Kritik an der Deutschen Politik beinhaltet hätte (mithin ein gegenseitiges Spiegelvorhalten) unter Beibehaltung des ursprünglichen Grundkonzeptes mit Hauptfokus auf die Filmkulisse als Hommage an Görlitz als Filmstadt wie vertraglich vereinbart. Die Aussichten vor dem Oberverwaltungsgericht sehen daher ebenfalls schlecht aus.

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I. Auch während der Pandemie müssen Kunsttransporte begleitet werden

Während der COVID-19 Pandemie ist es weiterhin erforderlich größere Kunstsammlungen über den Planeten zu bewegen. Auch in Zeiten der Pandemie gilt: Das höchste Risiko für den Verlust oder die Beschädigung eines Objekts besteht während des Transports. Die höchste Verwundbarkeit tritt auf, wenn sich das Objekt in der Obhut, Verwahrung und Kontrolle von Unbekannten befindet.

Zum Beispiel könnte es erforderlich sein eine Sammlung aus einem Museum zum Eigentümer zurück oder zu dem nächsten Museum zu transportieren.

Leihgeschäfte und damit Transporte zu und zwischen Museen gehören daher auch während der Pandemie nicht zum Tagesgeschäft. Denn Museen rechnen damit, dass sie im Rahmen von Lockerungen wieder öffnen können. Wird beispielsweise ein Kunstwerk oder eine Sammlung von Museum A zu Museum B transportiert, schlägt die Stunde der Registrare.

II. Was macht ein Registrar?

Wir möchten im Folgenden zwei Arten von Registraren vorstellen: Der Transport-Registrar, oft auch nur als Courier bezeichnet und der Installations-Registrar vor Ort.

1. Der Registrar als „Book End Shipment” Courier

Der klassische Book End Shipment Kurier/Registrar übernimmt Elemente traditioneller Kurieraufgaben persönlich. Er ist unter anderen aus Versicherungsgründen im Museum, während des Transports und am Frachtterminal permanent anwesend. Er ist beim Entladen oder Laden von Kisten anwesend überwacht die Palettierung oder Depalettierung der Kisten oder das Laden / Entladen in Container.

Der Agent und der Kurier stehen in ständiger Kommunikation, bis das Flugzeug abfliegt oder der LKW beladen ist und unterwegs ist.

2. Der Installations-Registrar

Wie beim Transportregistrar, wenn ein Museum seine Mitarbeiter nicht entsenden kann und ein Kurier erlaubt ist, greift man traditionell gerne auf einen Vertragsregistrar zurück. Zu den Aufgaben gehört insbesondere die Überwachung des Auspackens / Verpackens, die Zustandsprüfung und Installation oder Deinstallation der Objekte.

III. Registrare vor pandemiebedingten Herausforderungen

Grundsätzlich bedienen sich Museen und größere Ausstellungen beim Transport von Kunst der Dienste von Registraren. Diese überwachen und begleiten den Transport permanent. In Zeiten der COVID-19 Pandemie ist ein solches Prozedere nur noch eingeschränkt möglich.

Kuriere fuhren früher mit auf den Lastwagen. Heute  dürfen die Registrare aber nicht mehr in die Lastwagen. Teilweise versuchte man, die Transporte mit Folgeautos zu überwachen. Aber auch dabei besteht im Ernstfall ein zu enger Kontakt für zu lange Zeit.

IV. Die Lösung: Der „virtuelle“ Registrar

Um Reisebeschränkungen und plötzliche Änderungen der Quarantäneregeln zu überwinden, werden Kunstwerke, die normalerweise während des Transports von einem Spezialisten beaufsichtigt werden, stattdessen von „virtuellen Kurieren“ überwacht.

Die Reise von Gemälden wird unter mit Hilfe von umfassender digitaler Echtzeitkommunikation und elektronischen Geräten aus der Ferne verfolgt.

Im Zeitalter von „Zoom“ kann ein einziger virtueller Kurier die Deinstallation der Ausstellung überwachen und die Leihgaben über die beliebte Videokonferenz-App auf ihren Zustand überprüfen.

Ist es für einen menschlichen Kurier unmöglich sein, im Museum oder Lagerhaus anwesend zu sein, wird einfach ein Live-Stream errichtet.

Anstelle einer Person vor Ort, die in einem Hotel untergebracht werden möchte, benötigt man am Absende oder Bestimmungsort grundsätzlich nicht mehr als ein funktionierendes WLAN und ein IPad.

V. Vorteile

Durch diese digitale Überwachung können Fragen und Zweifel bezüglich Sicherung von Kisten und Paletten effektiv kommuniziert werden. Mit der Virtualisierung der Überwachung der Deinstallation, Installation und des Transports von Kunstwerken entstehen erhebliche Kostenvorteile. Mit einem guten Timing kann ein Registrar gleich mehrere Transporte gleichzeitig begleiten.

Das Ausleihen nur einer Arbeit aus den USA kann Kosten von bis zu 20.000 € verursachen: Business Class-Flugtickets, Hotelgebühren und Tagessätze.

Mit Apps wie articheck (https://www.articheck.com/virtual-courier/) und Parcelive (https://hanhaa.com/parcelive/) können diese traditionellen Kosten massiv reduziert werden.

Virtual Courier ist das weltweit erste Softwaresystem, das den Zustand vor, während und nach einem Umzug von Kunst an einem Ort aufzeichnet. Die Innovationen des „Virtual Courier“ von articheck sind intuitiv und kostengünstig. Virtual Courier ist ein projektbasiertes System, das Foto- und Videofunktionen, erweiterte Sicherheitsprotokolle und Tools für die sofortige Zusammenarbeit umfasst, auf die von überall auf der Welt zugegriffen werden kann. Die Verwendung wird aber empfohlen mit einem traditionellen Kurier, Buchstützenkurier oder vertrauenswürdigen Partnern. Völlig ersetzen möchte der virtual Courier von Articheck den klassichen Registrar wohl (noch) nicht.

Das bedeutet aber auch für Künstler unterhalb der „Blue Chip“-Grenze: Wem seine Kunst lieb ist, kann sie grundsätzlich kostengünstig tracken und begleiten lassen und das auch ohne physischen Kurier.

VI. Nachteile & Risiken von virtuellen Registraren

Problematisch könnte sein, dass in verschiedenen Häfen und Airports unterschiedliche Sicherheitsrichtlinien gelten. Das Filmen ist möglicherweise verboten. Daher geht der Transport mit Hilfe eines virtuellen Registrars mit einem erhöhten Kommunikationsaufwand einher. Gegebenenfalls erforderliche Genehmigungen müssen erst beantragt werden. Etwaige regionale Unterschiede bei den Sicherheitsvorkehrungen müssen recherchiert werden.

1. Abhängigkeit von WLAN und Batterie

Ein Risiko besteht bei längeren Transporten insoweit, dass eine permanent gute WLAN-Verbindung sehr wichtig ist. Ebenfalls kommt es entscheidend auf genügend Batterie an. Nichts wäre schlimmer als dass ein Signal oder die Batterie in einem kritischen Moment während eines stundenlangen Videoanrufs erlischt, genau in dem Moment wenn ein wertvolles Gemälde verladen wird.

Hierbei sei aber angemerkt, dass es mittlerweile auch Apps gibt, die auch bei fehlender WLAN Verbindung eine Dokumentation und Aufzeichnung von Verlade- und Transportvorgängen ermöglichen. Lediglich die Echtzeitüberwachung entfällt dann. Ein Upload ist aber im Nachhinein möglich. Hier gilt es also Abzuwägen: Desto höher der Wert des Werkes ist desto weniger sollte das Risiko eines Verbindungsabbruchs eingegangen werden.

2. Risiken verbunden mit der optischen Überwachung

• Schwierigkeiten mit Sichtlinien.
• Schwierigkeiten mit Klarheit und Detailgenauigkeit (geringere Auflösung bei schlechter Verbindung).
• Man muss sich darauf verlassen, dass eine Person die Kamera richtig positioniert.
• Man muss darauf vertrauen ständig eine gute Mobilfunk- / Wi-Fi-Verbindung zu haben.

3. Risiken mit Blick auf Tracker

Probleme könnten auch auftreten bei verschiedenen Arten von Global Positioning Systems (GPS), die üblicherweise als Tracker bezeichnet werden.

Während sich Tracker als nützlich erweisen können, um den Kurier zusätzlich durch Erfassung von Temperatur, Luftfeuchtigkeit und Vibration zu unterstütztn, gibt einige Probleme und unbeantwortete Fragen:

• Inkonsistente Genehmigung durch Flughäfen, Fluggesellschaften oder Kunsttransportunternehmen.
• Regulierung durch die Federal Aviation Administration (FAA) aufgrund von Lithium-Ionen-Batterie-Komponenten.
• Die Standortverfolgung ist im Flug und während des Bodentransports ohne Mobilfunk nicht immer funktionsfähig; Verbindung kann kurz unterbrochen sein.
• Sicherheitsbedenken hinsichtlich unzureichender Verschlüsselung und fehlendem Passwortschutz.
• Es besteht ein plausibles Risiko nicht intensiv geprüften Dritten (Anbieter von GPS-Trackern) Zugriff auf vertrauliche Informationen zu gewähren; das Sicherheitsrisiko bei den Drittanbietern wird zum Sicherheitsrisiko für die Kunstwerke.

Einige dieser Risiken und Problemfelder treten aber freilich nur beim Luft- und Seetransport auf. Viele der Probleme lassen sich vermeiden, wenn der für Kunst derzeit wohl sicherste Transportweg gewählt wird: Der Transport auf dem Boden mit dem LKW oder Transporter.

4. Virtuelle Registrare: Risiken mit Blick auf den Versicherungsschutz

Insbesondere Museen haben in den letzten 30 Jahren von einer Reduzierung der Versicherungsprämien um 75% profitiert. Dies war zurückzuführen auf die Ausweitung der Rolle des Registrars und durch die Etablierung und Umsetzung von „best practices“. Die Versicherungen verlassen sich auf Registrare, um Kunst-Transporte nach Risikokategorie einordnen zu können.

Hält man sich daher nicht an die etablierten Regeln („best practice“) kann dies sich negativ auf die Transportwertgrenzen auswirken.

Die Deckung aufgrund des daraus resultierenden physischen Verlusts nach einem Cyberangriff variiert je nach Land und Land

Politik. Verluste infolge eines Cyberangriffs können die Deckung ungültig machen und sich auf die Prämien auswirken

V. Fazit

Langfristig dürfte für große Transporte ein physischer Registrar wegen des Versicherungsschutzes weiterhin unverzichtbar bleiben, es sei denn die Versicherungsunternehmen passen ihren Versicherungsschutz auf virtuelle Überwachungssysteme um. Virtuelle Kuriersysteme können auch über Corona hinaus die Transportbegleiter effektiv unterstützten. Ob sie diese völlig ersetzen werden bleibt offen. Sie müssen sich erst noch beweisen.

Jedenfalls bieten die technischen Innovationen erhebliche Vorteile für Kunsttransporte.

Dort wo wegen des Versicherungsschutzes eine persönliche Begleitung nicht zwingend erforderlich ist, wäre es zu begrüßen, wenn sich dieser Markt weiterentwickelt und es bald „jedermann“ ermöglicht, seinen Kunsttransport über die üblichen Trackingmöglichkeiten hinaus zu überwachen. Denn wer seine Kunst zum Beispiel mit DHL verschickt, kann mit seinem DHL Trackingcode nicht beweisen, dass das Packet auch mit dem entsprechenden Kunstwerk befüllt wurde. Hier besteht massives Potential. Das Vertrauen in „Internetkunst“ würde weiter steigen.

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Jeder von ihnen spricht über seine Kultur und darüber, was sie dazu zwingt, Kunst auf der Straße zu schaffen, während Tokios fachmännisch aufgenommene Sehenswürdigkeiten und Geräusche einen sensorischen Blick auf die Metropole bieten.

Produzent: Kenichi Yamamura, http://503.nu Regie: Shinsuke Tatsukawa Regieassistent: Masashi Nagara Art Director: Tomori Furukawa, www.satari-design.com Kamerateam: Shinsuke Tatsukawa, Masashi Nagara, Hiharu Takagi Übersetzer: Chris Hammond Besonderer Dank geht an Ethel Seno, John Toba und Nick Wiedner Musik: TIMBER / Aufgeführt von COLDCUT Geschrieben von MATT BLACK (PRS) JON MEHR (PRS) STUART WARREN-HILL (PRS) Veröffentlicht von JUST ISN’T MUSIC LTD c / o DRITTE SEITE AMERIKA (ASCAP) Mit freundlicher Genehmigung von Ninja Tune.

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Ed Ruscha: Buildings and Words ist eine von MOCA in Auftrag gegebene Kurzdokumentation über Ruschas außergewöhnliches Werk. Der Film wurde von Felipe Lima geschrieben und inszeniert und von Owen Wilson erzählt.

In nur 8 Minuten erhalten wir ein super Portrait von Ed Ruscha.

Ed Ruscha

Ed Ruscha wurde 1937 geboren. 1969 veröffentlichte er in der dritten Auflage sein Buch „Twentysix Gasoline Stations 1963″. War das Kunst? Jeder hätte derartig belanglose Bilder von Tankstellen machen können. Die Kurzdokumentation geht dem auf den Grund. In Zeichnungen verarbeitete Ruscha die Motive. Dabei verwendete er immer wieder die selbe Perspektive.

Ein weiteres Werk ist ein Buch: „On the Sunset Strip„. Es besteht aus einem endlos langem Bild, welches von einem Fahrzeug aufgenommen und zusammengeschnitten wurde. Sozusagen ein Vorläufer von Google Street View.

Im Anschluss werden die Wort-bezogenen Werke thematisiert. Zum Beispiel wäre da das Gemälde „OOF“ zu nennen.

OOF ist besonders paradox, da ein Wort ein wortloses Grunzen beschreibt.

Fazit

Wenn man heutzutage die Arbeiten von Ed Ruscha betrachtet, strotzen die Bilder sicherlich nicht von Humor und Schock.

Aber im Jahr 1962 waren diese Arbeiten ein Schlag ins Gesicht gegen die fotografische Landschaft hochnäsiger Künstler mit ihren hochästhetisierten Arbeiten, die den Anspruch hatten, die Fotografie auf den Kunststatus zu heben. Diese Leute wollten die Entwicklung der Fotografie mit 16-Zylindermotoren feiner Bildsprache voranzutreiben.

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Regisseur und Autor: Felipe Lima Produziert von: Ways & Means Ausführende Produzenten: Lana Kim, Jett SteigerProduzent: Rachel Nederveld Erzählt von: Owen Wilson.

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„Future of Art“ ist ein Projekt von Artsy und BMW. Wie wird sich die Rolle der Kunst in einer zunehmend digitalen, globalen und bildgesättigten Welt entwickeln?

In einer interessanten Mini-Filmreihe befragt Artsy verschiedene Künstler nach ihrer Praxis und die Richtung ihrer kreativen Leistung.

Aktuelle Folge: Shirin Neshat

Neshat sieht die Zukunft der Kunst in der Herausforderung und der Akzeptanz der Ungewissheit.

Über die Künstlerin

Die im Iran geborene und in den USA aufgewachsene Künstlerin Shirin Neshat schafft seit über 30 Jahren  Kunstwerke durch Fotografie, Video und Film.

Ihre Arbeit hat sich häufig mit Fragen des Geschlechts, der Identität und politischer Konflikte im Nahen Osten befasst.

2009 gewann sie den renommierten Silver Lion Award bei den 66. Filmfestspielen von Venedig. Und 2019 eröffnete sie im Broad in Los Angeles ihre bislang größte Einzelausstellung „Shirin Neshat: Ich werde die Sonne wieder begrüßen“.

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Regie: Antony Crook Kameramann: Jack Shanahan Produzent: Yuma Morita Herausgeber: Alvaro Deval Musik: Awake von Lambert Kolorist: Antony Crook Künstlerische Kreativdirektion: Marina Cashdan Artsy Projektmanagerin: Beatrice Sapsford Künstlerischer Art Director: Megan Feehan Artsy Leitender Herausgeber: Casey Lesser Alle Bilder unterliegen dem Copyright von Shirin Neshat. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Gladstone Gallery, New York und Brüssel.

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Man geht davon aus, dass das Gemälde gegen Ende des zweiten Jahrzehnts des 16. Jahrhunderts von einem lombardischen Künstler und einem Anhänger des Leonardo-Stils der zweiten Mailänder Periode (1508-1513) gemalt wurde.

Das Gemälde wurde hinter einem Kleiderschrank in einem Privathaus in Ponticelli, östlichen von Neapel, entdeckt. Der 36-jährige Eigentümer der Wohnung wurde in Gewahrsam genommen.

Das Tafelbild wurde, so mutmaßt man,  ursprünglich von Giovan Antonio Muscettola, Berater von Karl V. und seinem Botschafter am päpstlichen Hof, während diplomatischer Missionen im Norden, in Mailand, gekauft.

Es wurde dann ursprünglich in der Familienkapelle in der Basilika San Domenico Maggiore im Herzen von Neapel im unteren Decumano, bekannt als Spaccanapoli, platziert.

Vor zwei Jahren wurde das Gemälde gestohlen. Man geht von einem Insider Job aus, weil bei dem Diebstahl am das Bild sichernden Schloss keinerlei Gewalteinwirkungen ersichtlich waren.

Es ist noch nicht bekannt, ob der Eigentümer der Wohnung der Urheber des Diebstahls der Bascilia war. Laut Alfredo Fabbrocini von der Strafverfolgungsabteilung in Neapel gab der Festgenommene „wenig glaubwürdige Informationen darüber, wie er in den Besitz des Gemäldes kam“ und sagte den Beamten: „Ich habe es auf einem Flohmarkt gefunden.“

Quelle: Original im Englischen erschienen von Lynda Albertson, ARCA

Bildquelle: © SAN DOMENICO MAGGIORE, NAPLES

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Alle weiteren Werke gibt es hier.

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