Die Galerie Beck & Eggeling aus Düsseldorf nimmt an der TEFAF New York 2026 (15.–19. Mai) teil und zeigt eine Auswahl von Werken, die zentrale Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts abbilden. Die Präsentation verbindet Positionen der Klassischen Moderne mit wichtigen Strömungen der Nachkriegsavantgarde und der ZERO-Bewegung.

Im Fokus steht eine Arbeit von Piero Manzoni aus seiner Achrome-Serie, die ab Ende der 1950er-Jahre entstand. In diesen Werken löste Manzoni die Malerei konsequent von klassischer Farbigkeit und Bildillusion und verschob den Fokus auf Material, Struktur und Wahrnehmung. Die Achrome gelten heute als Schlüsselwerk für den Übergang zur konzeptuellen und materialbasierten Kunst der Nachkriegszeit.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke von Pablo Picasso, Wassily Kandinsky und Max Ernst sowie Positionen von Yayoi Kusama und Künstlern der ZERO-Bewegung wie Heinz Mack und Günther Uecker.

Warum die Moderne für zeitgenössische Kunst entscheidend bleibt

Die in New York präsentierten Positionen machen deutlich, dass viele grundlegende Fragen der zeitgenössischen Kunst bereits in der Moderne und Nachkriegsavantgarde angelegt sind. Ob der Umgang mit Material, die Auflösung klassischer Bildstrukturen oder die Verschiebung hin zu konzeptuellen Ansätzen. Zentrale Entwicklungen heutiger künstlerischer Praxis lassen sich auf diese historischen Positionen zurückführen.

Gerade Künstler wie Piero Manzoni oder Vertreter der ZERO-Bewegung haben die Wahrnehmung von Kunst nachhaltig verändert. Indem sie das Werk nicht mehr ausschließlich als Bild, sondern als Erfahrungsraum verstanden. Diese Perspektive ist bis heute in der zeitgenössischen Kunst wirksam und prägt sowohl junge künstlerische Positionen als auch aktuelle kuratorische Ansätze.

Die Präsentation auf der TEFAF New York 2026 verdeutlicht somit nicht nur kunsthistorische Zusammenhänge, sondern auch die Kontinuitäten zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Ein Spannungsfeld, das für das Verständnis aktueller Kunstproduktion weiterhin relevant bleibt.

 

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Titelbild: Besucherinnen vor einem großen *Achrome* von Piero Manzoni in der legendären ZERO-Ausstellung. * Nul *im Stedelijk Museum Amsterdam, 1962  © Piero Manzoni Foundation. Quelle: Newsletter Beck&Eggeling.

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In seiner Malerei begreift Mack „Farbe als Licht und Licht als Farbe“, was er in seinen Bildern zu erfassen und zu gestalten sucht. Farbintensität korreliert für ihn auch immer mit Lichtintensität, die sich als Farbraum ausbreitet. Das Osthaus Museum Hagen widmet dem Künstler, der kürzlich 92 Jahre alt geworden ist, vom 3. Juni bis zum 3. September 2023 eine große Ausstellung auf zwei Etagen.

Gezeigt werden rund 70 Arbeiten aus den Jahren 1958 bis 2023, darunter 43 zum Teil großformatige Gemälde, sogenannte „Chromatische Konstellationen“. Die Ausstellung konzentriert sich hierbei auf die neueren Arbeiten, die durch einige Referenzbilder aus den früheren Phasen ergänzt werden. Zudem werden Wandreliefs und Objekte, darunter einige Lichtreliefs aus Aluminium zu sehen sein, sowie Skulpturen, überwiegend aus Keramik, und eine Lichtstele.

Das Konzept von Struktur

Der Bildhauer und Maler Heinz Mack (*1931) gehört zu den weltweit bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten unserer Zeit. Die Jahre 1957-1963, die ZERO-Jahre, sind für den bildnerischen Werdegang Macks von besonderer Bedeutung. 1957 entschied sich Mack zunächst gegen eine Malerei der Farbe. Im Mittelpunkt stand damals das Konzept von Struktur. Es entstanden schwarz-weiße Bilder, die Mack als „Dynamische Strukturen“ betitelte.

Farbchromatiken

Nach 1960 entstanden allerdings mehrfarbige Strukturzeichnungen, die Mack selbst als „Farbchromatiken“ bezeichnete. Thema der Farbchromatiken ist das Kontinuum des Farblichts. Sowohl die Abfolge der Lichtfarbe ist hier von Bedeutung wie auch der zwischen den einzelnen Farben sich ausbildende Übergang, die Nuance. Mack überträgt in die Farbchromatiken die Spektralfarben nicht mit naturwissenschaftlichem Anspruch, denn dies bedeutet einen unkreativen, nicht künstlerischen Prozess einleiten. Es ist das jeweilige Bild selbst, welches seine Farben findet, nicht das Prisma hat die Bildfindung zu übernehmen.

Die Identität von Farbe und Licht

Mack gab 1963 die Tafelmalerei gänzlich auf. Zu Beginn der 1990er Jahre entstanden seine neuen Farbbilder, die er bis heute weiterführt. Befragt zu seinen Farbbildern äußerte sich der Künstler damals so: „Die Identität von Farbe und Licht … ist der Gegenstand meiner Malerei, es ist ihr einziger Gegenstand … Das Wesen der Farbe ist ihre Strahlung.“

Wir haben es bei diesen neueren Werken zu tun mit einer „malerischen Malerei“, deren Qualität die Nuance ist. Die Nuance, welche ein entscheidendes Prinzip der Chromatik ist, bezeichnet die Übergangszone von einer Farbe in die andere. Macks Begeisterung, vor allem für klassische Musik, hat eine Analogie zu seiner bis heute andauernden autonomen, vom Gegenständlichen freien Lichtmalerei: „Die Autonomie meiner Malerei muss die gleiche Bedeutung haben, die sie in der Musik hat. Ich vermute auch, dass meine Musikalität und mein Interesse an Klangfarben und Rhythmen meine Malerei beeinflusst. Alles, was ich mache, ist gegenstandfrei, in der Skulptur wie in der Malerei.“

Über den Künstler

1931 in Lollar, Deutschland, geboren, zählt der Maler und Bildhauer Heinz Mack, der an der Kunstakademie Düsseldorf Malerei studiert hat, zu den erfolgreichsten und bekanntesten deutschsprachigen Künstlern der Nachkriegszeit. Seine Arbeiten wurden in über 400 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt und sind in über 140 öffentlichen Sammlungen weltweit vertreten. Neben der Biennale Arte in Venedig (1970) war Mack auch auf der documenta II und III sowie auf der documenta 6 vertreten. 2022 wurden ausgewählte Werke Heinz Macks in der Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig als offizielles Collateral Event der Biennale Arte gezeigt.

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Laut Otto Piene hatte »Zero« die Bedeutung »Neubeginn«. In dem zerstörten Deutschland der Nachkriegszeit gründet er Ende der 1950er-Jahre zusammen mit Heinz Mack eine Bewegung, die auf »der Idee beruht, dass der Wiederaufbau mit den Mitteln der Kunst ins Werk gesetzt werden kann, wenn er vom Geist ausgeht.«

Aus der Initiative dieser jungen deutschen Künstler erwächst dann eine umfassende internationale Bewegung.  Diese Bewegung wird unter demselben Namen ZERO bekannt. In ihr versammeln sich so unterschiedliche wie bahnbrechende Figuren wie Fontana, Klein, Kusama, Manzoni, Alviani, Arman, Tinguely, Spoerri, Soto und andere. Sie alle eint der Wunsch, von Grund auf mit der künstlerischen wie der politischen Vergangenheit aufzuräumen und neue Formen des Schöpferischen auf den Trümmern der alten Welt zu ersinnen.

Als führender Kopf der Gruppe erforscht Otto Piene über seine gesamte Laufbahn unermüdlich die unterschiedlichsten und innovativsten Formen plastischen Schaffens. (Malerei mit Feuer, Skulpturen aus Edelstahl, bemalte Keramik, kinetische Installationen, Film, Performance, Sky Art …).

In dieser fortwährenden Neuerfindung der Kunst hat Otto Piene nie aufgehört, den Sinn der künstlerischen Geste zu hinterfragen.

Le Rouge et le noir

Gleichsam als Spiegel der experimentellen Kreativität Pienes präsentiert die Ausstellung eine Reihe bemalter Keramiken, Feuerbilder, Gouachen auf Papier sowie eine Lichtinstallation. Die Auswahl umkreist die basale Kombination der Farben Rot und Schwarz in Pienes Œuvre.

Den Titel Le Rouge et le noir verwendete der Künstler für mehrere Werke.  Sowie für verschiedene Medien, etwa bemalte Keramik, Öl und Feuer auf Leinwand oder Lichtinstallationen.

Le Rouge et le noir lautete auch der Titel seiner Keramikausstellung im Leopold-Hoesch-Museum. Das Haus in Düren zeigte die Keramiken im Jahr 2010. Als Anklang an den Roman von Stendhal stehen die beiden Farben in Pienes Œuvre für die Leidenschaft und das Streben nach dem Absoluten. Rot und Schwarz sind auch die Farben des Schmelzvorgangs von Materie, der Anblick, der sich einem bietet, wenn man in den Ofen schaut, in dem die Keramik gebrannt wird.

Keramik von Piene

Wie Miró hat sich auch Piene in denselben Jahren der Keramik zugewandt. Um sich mit der Materie als solcher, mit den Elementen auseinanderzusetzen; um zu einer archaischen Geste zurückzukehren, um an den prähistorischen Künstler zu erinnern, der dem unbehauenen Material eine einzigartige Form verleiht, der die Steine zum Sprechen bringt.

Die imposante blutrote Keramik Red Bulls (2011) stellt ein Quartett von Stieren dar, die einer Wandmalerei aus einer prähistorischen Höhle zu entstammen scheinen. Die Skulptur war 2013 in der Energy Fields betitelten Ausstellung von Piene im Museum ZKM in Karlsruhe zu sehen. Was diese kraftvolle Keramik im Besonderen und die Ausstellung überhaupt hinterfragt, ist die fundamentale Energie, die den Ursprung aller Kunst bildet.

»In meinen Keramiken«, so Piene, »kommen die vier Elemente zusammen: das Fließen von Wasser − kombiniert mit Ton −, das später im Feuer des Brennofens verdampft und von der Luft getrocknet wird«.

Zu den Wurzeln der Kunstgeschichte zurückzukehren, um sie ganz neu zu schreiben, kann man als den Geist von ZERO bezeichnen. Der Bewegung, die Piene initiiert hat. Wenn man bedenkt, wie viele junge Künstler sich heute, im Westen wie in Asien, der Keramik zuwenden, dann kann man ermessen, wie visionär Piene in seiner Rückkehr zu diesem Material war.

Eine kleine Retrospektive

Den Arbeiten der letzten Serien von Otto Piene werden in der Ausstellung die Werke aus der ersten Schaffensphase des Künstlers gegenübergestellt. Damit bildet die Schau eine Art kleiner Retrospektive. So zeigt das mit Öl, Feuer und Rauch auf Leinwand gemalte Bild „Die Geburt des Regenbogens“ (The birth of the rainbow, 1966) die Kontinuität in der Verwendung von Feuer im Œuvre von Piene sowie seinen Dialog mit dem Werk von Yves Klein. Einem Freund und Weggefährten Pienes.

Mit Piene, wie auch mit Klein, wird das Feuer zu einer Kunstform, in der die Künstler, beide Kriegskinder, vorführen, dass das Feuer der Kanonen auch zum Instrument der Maler werden kann; dass der Zerstörung durch das künstlerische Schaffen widersprochen werden kann. Das Himmelsfeuer wird zu Feuerorgel. (Fire Organ, 1972). Einem Feuergemälde auf Karton, wo Piene, allem Anschein nach, das Herz der Schöpfung zeigen will.

Und auch für seine Installationen wie die hier vorgestellte Lichtraster o. T. (2012−2014) bildet das gleichermaßen erhabene wie beunruhigende Himmelslicht die Basis. Das Licht ist hier das grafische Element, das dem Bild Form und Bedeutung verleiht. Oder, wie Otto Piene einmal erklärt hat: »Das Licht war das verbindende Element und sozusagen der Schlussstein unserer Kunst«.

Der Grad Null der Kunst

Die Ausstellung wird begleitet von einem originellen Essay von Jerome Neutres. Dem ehemaligen Direktor der Réunion des musées nationaux − Grand Palais (dt. »Vereinigung der Nationalmuseen − Grand Palais«) und ehemaligen Präsidenten des Musée du Luxembourg. Unter dem Titel »Der Grad Null der Kunst« (Le Degré zéro de l’art) stellt der Text die Grundlagen der Arbeit Pienes in den größeren Kontext der Geschichte der zeitgenössischen Kunst ab dem Zweiten Weltkrieg bis heute. Piene erscheint darin als eine der Schlüsselfiguren dieser Geschichte, welche die Tendenzen und Brüche erhellt, die die Kunst seit 60 Jahren kennzeichnen.

Weitere Informationen

Otto Piene, Rouge et noir vom 08. Mai bis 30. Juni 2022, Galerie Gmurzynska USA -43 East 78th Street, NY-10075,United States of America.

Mehr über die Galerie und das Programm:  http://www.gmurzynska.com/

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Der Düsseldorfer Galerist Dirk Geuer und ntv präsentieren die Top-Stars der Kunst. In der Dokumentationsreihe „Inside Art“  werden regelmäßig namhafte Künstler porträtiert. Der Moderator Wolfram Kons gewährt dabei auch tiefe Einblicke in den Prozess des künstlerischen Schaffens. Kunstexperte und Galerist Dirk Geuer, geht in den Ateliers der bedeutendsten internationalen Künstlern ein und aus, er ist also ein guter Partner, um den persönlichen Kontakt zu vermitteln. Egal ob es sich um Julian Schnabel, Tony Cragg, Heinz Mack, Günther Uecker, Hermann Nitsch, Gottfried Helnwein, Alex Katz oder Leon Löwentraut handelt. Geuer kennt sie persönlich und arbeitet mit ihnen zusammen.
 

Erfolgreiche Kooperation wird erweitert

Jetzt erweitern ntv und Geuer die Kooperation: Ab sofort startet die Mediengruppe RTL unter der Marke ntv art monatlich erscheinende Kunst-Highlights, die unter https://www.n-tv.de/Spezial/ntv_kunst/  abgerufen werden können.

„Es handelt sich um Schätze und Raritäten aus unserer Sammlung sowie aus dem Bestand internationaler Künstler, mit denen wir zusammenarbeiten. Neben Grafiken und Unikaten können das auch Skulpturen sein“, betont Dirk Geuer.

Zum Auftakt werden verschiedene Werke des 90-jährigen Günther Uecker angeboten. Unter anderem „Long walk to freedom“. Uecker hat sich mit seinen Werken gegen soziale Missstände sowie Ungerechtigkeit und Unterdrückung stark gemacht. Nach Nelson Mandelas gleichnamiger Autobiografie benannt, zeigt die Skulptur eine in Bronze gegossene Buchausführung des internationalen Bestsellers. In heller und dunkler Ausführung versinnbildlicht das Skulpturen-Duo die Gleichstellung von schwarzen und weißen Menschen.
 

Günther Uecker

Uecker wurde 1930 in Mecklenburg geboren. Heute zählt der 90-jährige zu den renommiertesten deutschen Künstlern weltweit. Uecker, der das Ende des zweiten Weltkrieges und den Einmarsch der roten Armee miterlebt, setzt sich in seiner Kunst immer wieder mit diesen traumatischen Erlebnissen auseinander. 1953 flieht er aus der damaligen DDR. Er nimmt ein Kunststudium an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Otto Pankok auf und kommt mit neuen künstlerischen Positionen in Berührung. Neben der Abstraktion rücken auch Kinetik und Aktionismus in seinen Fokus. Günther Ueckers Gesamtkunstwerk umfasst neben sechs Jahrzehnten Malerei und Objektkunst auch Sound-Installationen und Environments. Ebenso Bühnenbilder und Filme. Zusammen mit Heinz Mack und Otto Piene bildet Uecker die Avantgarde-Bewegung ZERO. Die sich Anfang der 1960er Jahre gegen das weitverbreitete Informel positionierte und einen Neuanfang in der deutschen Kunst nach dem Krieg proklamierte.
 

Es folgen Gottfried Helnwein, Julian Schnabel, Jiri Dokoupil…

Im April geht es bei ntv art weiter mit Gottfried Helnwein als Künstler des Monats. Anlässlich seiner großen Ausstellung im Ludwig Museum Koblenz wird ntv art exklusive Werke des österreichisch-irischen Künstlers präsentieren. Im Mai folgen zum Start einer großen gemeinsamen Ausstellung des US-amerikanischen Künstlers Julian Schnabel und des Kunstrebellen Jiri Dokoupil im Osthaus Museum Hagen grafische Werke der beiden Maler.

Im Juli ist Heinz Mack bei ntv Künstler des Monats. Mack feiert in diesem Jahr seinen 90. Geburtstag und wird vom Kunstpalast mit einer großen Ausstellung gewürdigt.
 

Weitere Informationen

Titelbild: Dirk Geuer und Günther Uecker by Geuer & Geuer art

Direkt zum Kanal: https://www.n-tv.de/Spezial/ntv_kunst/

Mehr über die Galerie Geuer & Geuer:  Galerie, Kunstprojekte und Grafikverlag

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