Im ikonischen Hangar-7 in Salzburg zeigt der Künstler Maxim Wakultschik mit der Ausstellung Beyond the Surface eine immersive Präsentation zeitgenössischer Kunst, die Raum, Licht und Wahrnehmung miteinander verschmelzen lässt. Die von House of Arts kuratierte Soloausstellung ist bis zum 6. Juni 2026 zu sehen und verwandelt den architektonisch außergewöhnlichen Ort in ein vielschichtiges Spannungsfeld aus Energie, Struktur und Bewegung.

Kunst, die sich im Blick verändert

Wakultschiks Werke sind bekannt dafür, sich scheinbar zu verändern, sobald sich der Betrachtungswinkel verschiebt. Sie wirken nicht statisch, sondern in einem permanenten Zustand der Transformation. Der Künstler beschreibt diesen Effekt als ein Wechselspiel aus Auflösung und Neuordnung: Licht, Bewegung und Energie werden dabei zu zentralen Gestaltungsmitteln einer Erfahrung, die über das rein Visuelle hinausgeht.

In Beyond the Surface entfalten sich diese Prinzipien in einer besonders intensiven Form. Über 70 Werke – darunter auch erstmals gezeigte Arbeiten aus dem Jahr 2026 – sind in der offenen Architektur des Hangar-7 installiert und erzeugen den Eindruck einer kontinuierlichen Bewegung. Die Arbeiten wirken, als würden sie atmen, vibrieren oder sich im nächsten Moment neu zusammensetzen.

Der Hangar-7 als architektonischer Resonanzraum

Der Hangar-7, initiiert von Red Bull, ist weit mehr als ein klassischer Ausstellungsort. Seine offene, lichtdurchflutete Struktur schafft eine Umgebung, die Kunst nicht nur zeigt, sondern verstärkt. Gerade diese räumliche Qualität spielt in Wakultschiks Ausstellung eine zentrale Rolle: Die Werke treten in Dialog mit der Architektur und reagieren auf Bewegung und Perspektive der Besucherinnen und Besucher.

So entsteht ein Gesamterlebnis, in dem Raum und Kunst nicht getrennt voneinander existieren, sondern sich gegenseitig beeinflussen.

Zwischen Wissenschaft, Spiritualität und Wahrnehmung

Die Arbeiten von Maxim Wakultschik bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, Philosophie und Naturwissenschaft. Im Zentrum steht die Frage nach dem Ursprung von Existenz und Wahrnehmung. Wakultschik beschreibt seine Arbeit als eine Auseinandersetzung mit dem Moment der Entstehung – einem Punkt, der sinnbildlich für den Urknall oder die Genesis stehen kann.

Seine Werke thematisieren dabei weniger konkrete Formen als vielmehr Zustände: Übergänge zwischen Materie und Energie, Struktur und Auflösung, Sichtbarem und Unsichtbarem. Dadurch entsteht eine Bildsprache, die nicht abgeschlossen wirkt, sondern sich ständig weiterentwickelt.

Kuratorische Perspektive und künstlerische Einordnung

Die Ausstellung wird von House of Arts präsentiert und von Victoria Swarovski kuratorisch mitgeprägt. Im Mittelpunkt steht dabei der Anspruch, Kunst nicht nur auszustellen, sondern erlebbar zu machen.

Im Kontext der Ausstellung betont die Kuratorin die besondere Wirkung der Arbeiten, die Besucherinnen und Besucher regelrecht in das Bild hineinziehen und ihre Wahrnehmung verändern können.

Artist Talk und Rahmenprogramm

Ein besonderes Highlight der Ausstellung ist der Artist Talk am 29. Mai 2026 um 15:00 Uhr, der eine Woche vor Ende der Schau stattfindet. Gemeinsam mit der Galeristin Doris Penning führt der Künstler durch die Ausstellung und gibt Einblicke in seine Arbeitsweise, seine konzeptionellen Überlegungen sowie die Entstehung der Werke.

Die Teilnahme an der Veranstaltung ist kostenfrei, eine Anmeldung ist erforderlich. Journalistinnen und Journalisten können sich direkt über den angegebenen Pressekontakt akkreditieren.

International etablierter Künstler

Maxim Wakultschik ist international in der zeitgenössischen Kunstszene etabliert. Seine Arbeiten wurden bereits in Metropolen wie New York, London, Madrid und Hongkong gezeigt und sind Teil bedeutender privater und institutioneller Sammlungen.

Auch im Jahr 2026 ist der Künstler weltweit präsent, unter anderem auf renommierten Kunstmessen wie der Volta Basel, der The Armory Show in New York sowie der Art Cologne in Köln. In Österreich ist er zusätzlich auf der Kunstmesse Schloss Kammer am Attersee vertreten.

Ausstellung im Überblick

Maxim Wakultschik – Beyond the Surface
Hangar-7, Salzburg
Wilhelm-Spazier-Straße 7A, 5020 Salzburg, Österreich

Laufzeit: bis 6. Juni 2026
Öffnungszeiten: Mo–Sa 09:00–22:00 Uhr, So 09:00–17:00 Uhr

Fazit

Mit Beyond the Surface schafft Maxim Wakultschik eine Ausstellung, die klassische Grenzen zwischen Bild, Raum und Wahrnehmung auflöst. Im besonderen Setting des Hangar-7 entsteht ein immersives Kunsterlebnis, das Besucherinnen und Besucher nicht nur betrachten, sondern physisch und emotional erleben.

Die Ausstellung positioniert sich damit klar im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischer Kunst, Rauminstallation und philosophischer Reflexion – und zählt zu den herausragenden Kunstereignissen in Salzburg im Jahr 2026.

Weitere Informationen 

Titelbild: Beyond the Surface, Museum Hangar-7; Bildrechte: Sarah Matzer

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Im Rahmen der internationalen Kunstsaison 2026 in Venedig präsentiert Rita Sabo ihre Einzelausstellung „UNISON. The Fusion of High Cultures“ im Palazzo Bembo. Die Ausstellung ist Teil des Programms des European Cultural Centre und findet parallel zur Biennale di Venezia statt.

Mit einem vielschichtigen, immersiven Ansatz verbindet Sabo Malerei, Skulptur sowie multisensorische Elemente zu einer Ausstellung, die sich bewusst von rein kunstpolitischen oder linearen Erzählformen löst.

Infobox zur Ausstellung

Künstlerin: Rita Sabo
Titel: UNISON. The Fusion of High Cultures
Ort: Palazzo Bembo, Venedig
Laufzeit:9. Mai – 6. September 2026
Preview: 7. Mai 2026 (14:00–16:00 Uhr)
Veranstalter: European Cultural Centre
Kurator: Tayfun Belgin

Künstlerisches Konzept: Kulturen als vernetztes System

Im Zentrum der Ausstellung steht die Idee, dass sich Kulturen nicht isoliert entwickeln, sondern als miteinander verbundene Systeme verstanden werden können. Sabo greift in ihrer Arbeit auf unterschiedliche kulturelle Referenzen zurück – darunter sumerische, ägyptische, maya-, keltische und buddhistische Traditionen – und führt diese in einer eigenständigen Bildsprache zusammen.

Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft erscheinen dabei nicht als lineare Abfolge, sondern als gleichzeitig erfahrbare Ebenen. Die Werke verbinden symbolische Fragmente, organische Formen und visuelle Codes zu komplexen Bildräumen, die weniger konkrete Aussagen treffen als vielmehr Assoziationsräume eröffnen.

Immersiver Ausstellungsansatz

„UNISON“ ist als multisensorische Ausstellung konzipiert. Neben Malerei umfasst sie auch Skulptur sowie Elemente wie Klang, Video und Duft. Ziel ist es, Wahrnehmung über das rein Visuelle hinaus zu erweitern und ein unmittelbares Erleben zu ermöglichen.

Ein zentraler Bestandteil ist die Werkserie „Woven Codes“, in der feine Linien und Strukturen verschiedene kulturelle Symbole miteinander verbinden und so Netzwerke kollektiver Erinnerung sichtbar machen.

Den räumlichen und inhaltlichen Höhepunkt bildet die skulpturale Arbeit „Sacred Planet“. Die sternförmige Installation greift die 17 Nachhaltigkeitsziele der Vereinten Nationen auf und formuliert eine künstlerische Vision einer vernetzten und ausgewogenen Welt.

Position im Kontext der Biennale

Die Ausstellung ist nicht Teil der offiziellen Biennale, gehört jedoch zum erweiterten Ausstellungsprogramm rund um die Biennale di Venezia. Der Palazzo Bembo zählt zu den etablierten Orten dieser parallelen Präsentationen.

Innerhalb dieses Kontexts setzt Sabo weniger auf tagespolitische Themen als auf eine übergeordnete Perspektive: Im Fokus stehen gemeinsame kulturelle Ursprünge, kollektive Erinnerung und die Frage, wie sich globale Zusammenhänge künstlerisch erfahrbar machen lassen.

Fazit: Kunst als Erfahrungsraum

„UNISON. The Fusion of High Cultures“ versteht sich als Einladung, kulturelle Zusammenhänge nicht analytisch, sondern erfahrungsbasiert zu erkunden. Die Ausstellung verbindet visuelle, räumliche und sinnliche Elemente zu einem offenen System, in dem Bedeutungen nicht vorgegeben sind, sondern im Erleben entstehen.

Damit positioniert sich Rita Sabo im Umfeld der Biennale als eigenständige Stimme, die weniger auf Abgrenzung als auf Verbindung setzt – und Kunst als Raum gemeinsamer Resonanz begreift.

Interview mit Rita Sabo: Ausstellung im Bayerischen Nationalmuseum

Weitere Informationen

Mehr Informationen finden Sie hier: https://ecc-italy.eu

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Mit ihrer radikalen Performancepraxis gehört Florentina Holzinger zu den prägendsten Stimmen der europäischen Gegenwartskunst. Für die Biennale Venedig 2026 gestaltet sie den österreichischen Pavillon – und sorgt bereits vor dem offiziellen Start für intensive Aufmerksamkeit.

Eröffnung während der Preview-Tage

Die Eröffnung von Holzingers Projekt „Seaworld Venice“ fand am 6. Mai 2026 statt – im Rahmen der sogenannten Preview-Tage der Biennale. Diese Tage sind traditionell Presse, Kurator und Fachpublikum vorbehalten und gelten als inoffizieller Auftakt der Ausstellung.

Der reguläre Start der Biennale für das breite Publikum folgt erst am 9. Mai 2026. Dennoch sind es gerade diese frühen Tage, in denen viele der nationalen Pavillons ihre ersten starken künstlerischen Statements setzen – so auch Österreich.

Keine klassische Ausstellung: Performance als Dauerzustand

Was Besucher im österreichischen Pavillon erwartet, ist keine klassische Ausstellung mit statischen Werken. Stattdessen setzt Holzinger auf eine hybride Form aus Installation und Live-Performance.

„Seaworld Venice“ funktioniert als kontinuierlich aktivierter Raum:

Der Pavillon ist während der Öffnungszeiten zugänglich

Performer sind dauerhaft präsent

Aktionen, Szenen und körperliche Interventionen entstehen fortlaufend

Es gibt keine klar definierten Anfangs- oder Endpunkte. Vielmehr entsteht eine Situation, in die Besucher jederzeit eintreten können – mit unvorhersehbarem Verlauf.

Gibt es feste Performancezeiten?

Ein klassischer Spielplan mit fixen Uhrzeiten existiert nicht. Stattdessen arbeitet Holzinger bewusst gegen das traditionelle Theaterformat.

Das bedeutet konkret:

Es gibt keine täglich veröffentlichten Showzeiten

Verdichtete Performances entstehen situativ

Intensität und Ablauf variieren im Tagesverlauf

Zusätzlich sind einzelne „Études“ geplant – einmalige Aktionen, die auch außerhalb des Pavillons stattfinden können, etwa im Stadtraum oder in der Lagune von Venedig.

Körper, Kontrolle und Spektakel

Inhaltlich bleibt Holzinger ihrer künstlerischen Linie treu. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Choreografie, Performance, Zirkus und bildender Kunst.

Zentrale Themen sind:

der Körper als Austragungsort von Macht und Kontrolle

die Inszenierung von Natur und Künstlichkeit

das Verhältnis zwischen Publikum und Performer

Dabei setzt sie auf extreme physische Bilder, die bewusst zwischen Faszination und Überforderung oszillieren. Nacktheit, Risiko und körperliche Grenzerfahrungen sind dabei keine Provokation um ihrer selbst willen, sondern Teil einer konsequenten künstlerischen Untersuchung.

Österreich-Pavillon als performativer Raum

Der österreichische Beitrag fügt sich in eine Tradition konzeptueller und oft körperbezogener Positionen ein, verschiebt diese jedoch deutlich in Richtung Live-Erlebnis.

Der Pavillon wird nicht nur bespielt – er wird selbst zur Bühne:

Architektur, Wasser und technische Elemente verschmelzen

Performer agieren im direkten Austausch mit dem Raum

Besucher werden Teil einer sich ständig verändernden Situation

Fazit: Ein Beitrag, der sich jeder Eindeutigkeit entzieht

Florentina Holzingers „Seaworld Venice“ ist kein Werk, das sich in wenigen Minuten erfassen lässt. Wer den österreichischen Pavillon besucht, sollte Zeit mitbringen – und die Bereitschaft, sich auf ein offenes, dynamisches Setting einzulassen.

Die eigentliche Stärke des Beitrags liegt genau darin: in seiner Unberechenbarkeit, seiner physischen Direktheit und seiner konsequenten Absage an klassische Ausstellungslogiken.

Damit gehört der österreichische Pavillon schon jetzt zu den meistdiskutierten Beiträgen der Biennale Venedig 2026.

Urin im Kunstpavillon: Österreichs Biennale-Beitrag 2026 eskaliert zum Kultur-Shitstorm“

Weitere Informationen

Titelbild: SEAWORLD VENICE 2026, (c) Nicole Marianna Wytyczak

Mehr über die Künstlerin: https://www.seaworldvenice.at

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Die Ausstellung „Gerhard Richter – Atlas: Eine Bildersammlung“ im Neues Museum Nürnberg eröffnet am 21. Mai 2026 und ist ab dem 22. Mai 2026 für das Publikum zugänglich. Die Neupräsentation widmet sich einem zentralen Schlüsselwerk im Schaffen von Gerhard Richter und zeigt erstmals umfassend die Verbindung zwischen seinen Gemälden und den zugrunde liegenden Bildvorlagen.

GERHARD RICHTER UND DER „ATLAS“

Der „Atlas“ ist eine seit 1962 entstandene Bildsammlung aus Fotografien, Zeitungsausschnitten, Skizzen und Fundstücken. Was ursprünglich als persönliches Archiv begann, entwickelte sich über Jahrzehnte zu einem systematisch geordneten Werkkomplex.

Die Ausstellung macht sichtbar, wie Richter aus diesen Bildquellen seine Malerei entwickelt – zwischen Realität, Erinnerung und Abstraktion.

NEUE EINBLICKE IN DAS WERK VON GERHARD RICHTER

Im Zentrum der Präsentation stehen Werke aus der Sammlung Böckmann, die im Dialog mit den zugehörigen Materialien aus dem „Atlas“ gezeigt werden. Dadurch entsteht ein neuer Blick auf Richters künstlerischen Prozess.

Medienstationen, Bücher und großformatige Bildarrangements ermöglichen es Besucherinnen und Besuchern, die Transformation von fotografischer Vorlage in Malerei unmittelbar nachzuvollziehen.

ERÖFFNUNG & INFORMATIONEN

Eröffnung: Donnerstag, 21. Mai 2026, 19 Uhr
Ausstellungsbeginn: 22. Mai 2026
Ort: Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz
Eintritt zur Eröffnung: frei (begrenzte Plätze)

BEGLEITPROGRAMM

Zur Ausstellung wird ein umfangreiches Programm angeboten, darunter:

regelmäßige Führungen am Wochenende
Workshops für Schulklassen
Familienführung am 7. Juni 2026 um 10:30 Uhr
Kuratorenführung mit Susann Scholl am 25. Juni 2026 um 18:00 Uhr
Tickets sind online sowie an der Museumskasse erhältlich.

Weitere Informationen

Titelbild: Gerhard Richter: Atlas, Tafel 397, Stillleben (Kerzen), 1983 © Gerhard Richter 2023 (0243)

Mehr über das Museum: https://www.nmn.de

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Mit der Niederrheintour 2026 realisiert Thomas Baumgärtel eines der größten dezentralen Kunstprojekte Deutschlands. Unter dem Motto „Freiheit für die Kunst“ wird der gesamte Niederrhein zur Ausstellungslandschaft.

Das Konzept ist einzigartig: 40 Werkgruppen an 40 konkreten Stationen in Museen, Kirchen, Off-Spaces und kulturellen Einrichtungen der Region.

Die Idee hinter der Niederrheintour 2026

Statt einer zentralen Ausstellung entsteht ein regionales Netzwerk aus Kunstorten. Jede Station zeigt eine eigenständige Perspektive auf das Werk von Thomas Baumgärtel – von institutionellen Präsentationen bis hin zu experimentellen Off-Spaces.

Der Niederrhein wird dabei selbst zum Ausstellungsraum.

Thomas Baumgärtel und die Niederrheintour 2026

Die 40 Stationen der Niederrheintour 2026

Bedburg-Hau

1. Museum Schloss Moyland – international bedeutendes Zentrum für Joseph Beuys und zeitgenössische Kunst

Brüggen

2. Burg Brüggen – historischer Ausstellungsort mit kulturellem Programm im Denkmalensemble

Emmerich

3. PAN Kunstforum Niederrhein – etablierter Ort für Gegenwartskunst im nördlichen Niederrhein

Geldern

4. KUHnstTurm Niederrhein e.V. – markanter Kunstort mit Fokus auf regionale und experimentelle Positionen

Goch

5. Museum Goch – renommiertes Haus für zeitgenössische Kunst am unteren Niederrhein

Grevenbroich

6. Museum der Niederrheinischen Seele – Villa Erckens
7. Versandhalle – Kombination aus klassischer Museumskultur und offener Ausstellungsarchitektur

Kalkar

8. Städtisches Museum
9. Studio 20.21
10. Historisches Rathaus – historischer Stadtraum trifft auf zeitgenössische Kunst

Kamp-Lintfort

11. Schirrhof
12. Schürmann 8Meter20
13. Kunsthaus Bassier – starke Bündelung unabhängiger Kunst- und Kulturinitiativen

Kevelaer

14. Niederrheinisches Museum Kevelaer e.V. – traditionsreicher Kulturort in der Wallfahrtsstadt

Kleve

15. Museum Kurhaus Kleve – international ausgerichtetes Ausstellungshaus im historischen Kurpark
16. Koekkoek-Haus – ehemaliges Wohnhaus des Malers Barend Cornelis Koekkoek
17. Museum Forum Arenacum – archäologisch und kulturell geprägter Ausstellungsort

Kranenburg

18. Museum Katharinenhof
19. Haus van der Grinten – privates Kunst- und Sammlungszentrum mit Fokus auf Gegenwartskunst

Krefeld

20. Heidefeld & Partner
21. Kunst und Krefeld e.V. – aktive lokale Kunstszene zwischen Galerie und Vereinsstruktur

Moers

22. Die Röhre KG – urbaner Off-Space mit experimentellem Charakter

Moers-Meerbeck

23. Kirche St. Barbara – sakraler Raum als Ort für zeitgenössische Kunst

Mönchengladbach

24. Christian Löhrl – privater bzw. unabhängiger Kunststandort

Mönchengladbach-Reydt

25. Christian Köhler – weiterer individueller Ausstellungsort innerhalb der Stadtstruktur

Nettetal

26. Alte Fabrik – Industriearchitektur als Raum für Kultur und Ausstellung

Neuss

27. Kunstinitiative Wurzeln und Flügel e.V. – engagierter Kunstverein mit regionaler Vernetzung

Rheinberg

28. Altes Rathaus
29. Kulturinitiative Schwarzer Adler e.V.
30. Fischer’s Fotogalerie
31. Bananenturm Orsoy – vielfältige Mischung aus historischer Architektur und unabhängigen Kunstinitiativen

Viersen

32. Narrenmühle Dülken
33. Blaubeermuffinbaum – experimentelle und ungewöhnliche Ausstellungsorte im urbanen Raum

Weeze

34. Schloss Wissen – historisches Wasserschloss mit kultureller Nutzung

Wesel

35. LVR-Niederrheinmuseum
36. Städtisches Museum – zentrale museale Standorte der Stadt Wesel

Wetten

37. Haus Te Gesselen – regionaler Kulturort mit historischem Charakter

Xanten

38. SiegfriedMuseum
39. Stiftsmuseum
40. KulturKirche Mörmter – Verbindung von Geschichte, Mythos und sakralem Raum

Fazit: 40 Stationen, ein offenes Gesamtkunstwerk

Die Niederrheintour 2026 verwandelt den gesamten Niederrhein in ein weit verzweigtes Ausstellungsnetzwerk. Statt eines zentralen Ortes entsteht ein lebendiges System aus 40 Stationen, das Kunst, Architektur und Region miteinander verbindet.

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Als 2019 eine mit Klebeband an die Wand fixierte Banane auf der Art Basel Miami Beach auftauchte, war schnell klar: Das ist kein gewöhnliches Kunstwerk. Maurizio Cattelan hatte mit *Comedian* nicht nur eine Frucht ins Zentrum der Aufmerksamkeit gestellt, sondern ein globales Medienereignis ausgelöst. Auktionen, Memes, Empörung und Belustigung folgten in schneller Abfolge – und machten die Banane zu einem der bekanntesten Kunstsymbole der letzten Jahre.

Seit diesem Höhepunkt wirkt es allerdings vergleichsweise ruhig um den italienischen Konzeptkünstler. Doch diese Ruhe ist trügerisch. 2026 rückt Cattelan wieder ins institutionelle Zentrum der Kunstwelt: Mit einer großen Einzelausstellung in der Neue Nationalgalerie Berlin erhält er erstmals eine umfassende museale Präsentation in Deutschland.

 Ein Künstler, der nie klassisch „produziert“ hat

Maurizio Cattelan gehört seit den 1990er-Jahren zu den ungewöhnlichsten Figuren der zeitgenössischen Kunst. Seine Arbeiten sind selten im klassischen Sinne „schön“ oder „dauerhaft“ gedacht. Stattdessen setzt er auf Irritation, Humor und gezielte Überzeichnung.

Bekannt wurde er durch provokative Skulpturen und Installationen, die religiöse, politische oder gesellschaftliche Systeme unterlaufen – etwa durch eine kniende Hitler-Figur (*Him*) oder durch überzeichnete Szenen aus dem Vatikan-Kontext. Dabei war Cattelan nie nur Künstler im traditionellen Sinn, sondern immer auch Regisseur seiner eigenen Öffentlichkeit.

Seine Werke funktionieren oft weniger als Objekte, sondern als Auslöser von Diskussionen. Genau darin liegt ein zentraler Teil seiner Praxis: Kunst als Ereignis.

Nach dem Hype: bewusste Verknappung statt Rückzug

Nach der weltweiten Aufmerksamkeit rund um *Comedian* hätte man erwarten können, dass Cattelan diesen Moment weiter ausbaut. Klassische Werkproduktion, größere Serien, permanente Sichtbarkeit.

Stattdessen wurde es ruhiger.

Doch diese Ruhe bedeutet nicht Untätigkeit. Vielmehr hat sich sein Arbeiten weiter in Richtung Konzept, Format und Inszenierung verschoben. Statt klassischer Ausstellungen oder klar umrissener Werkzyklen setzt er zunehmend auf:

limitierte Editionen
medienbasierte Projekte
konzeptuelle Interventionen
partizipative Formate

Cattelan arbeitet damit weniger im Rhythmus der Produktion als im Rhythmus der Aufmerksamkeit. Seine Projekte entstehen punktuell – und oft so, dass sie sich schnell wieder in Diskurse und Bilder auflösen.

Kunst als Systemkritik – und Teil des Systems

Ein zentrales Paradox in Cattelans Werk bleibt bestehen: Er kritisiert Systeme, die er gleichzeitig perfekt beherrscht.

Der Kunstmarkt, die Mechanismen der Aufmerksamkeit, die Logik sozialer Medien – all das ist nicht nur Thema seiner Arbeiten, sondern auch deren Verstärker. *Comedian* ist dafür das beste Beispiel: Ein minimalistisches Objekt wurde durch mediale Dynamik zu einem globalen Symbol.

Damit stellt sich immer wieder die Frage: Ist Cattelan ein Kritiker des Systems – oder längst einer seiner cleversten Akteure?

Die Antwort bleibt bewusst offen. Und genau das ist Teil seiner Strategie.

Berlin 2026: Institution trifft auf Ironie

Die kommende Ausstellung in der Neue Nationalgalerie Berlin markiert einen wichtigen Moment in seiner Karriere. Es ist nicht nur eine weitere Präsentation seiner Arbeiten, sondern seine erste große institutionelle Einzelausstellung in Deutschland.

Für ein Haus, das selbst stark mit der Geschichte moderner und zeitgenössischer Kunst verbunden ist, bedeutet diese Ausstellung auch eine Konfrontation mit einer künstlerischen Position, die sich nie eindeutig einordnen lässt.

Zu erwarten ist kein klassischer Rückblick im musealen Sinne, sondern eher eine Verdichtung zentraler Motive seines Werks:

Religion und Macht
Tod und Humor
Institution und Provokation
Öffentlichkeit und Inszenierung

Ob neue Arbeiten gezeigt werden oder bestehende Werke neu kontextualisiert werden, bleibt Teil der Spannung.

Fakten zur Ausstellung: Daten, Ort und Rahmen

Die Ausstellung von Maurizio Cattelan findet im Kontext des Preis der Nationalgalerie 2026 statt und ist klar im Ausstellungskalender der Stadt verankert. Sie läuft **vom 10. September 2026 bis zum 21. Februar 2027 und ist damit über rund fünf Monate in Berlin zu sehen. 

Ausstellungsort ist die Neue Nationalgalerie am Kulturforum (Potsdamer Straße 50), eines der zentralen Häuser für moderne und zeitgenössische Kunst in Deutschland. 

Die Eröffnung fällt bewusst in die Berlin Art Week im September 2026 – ein Zeitraum, in dem die internationale Kunstszene besonders stark auf die Stadt blickt.

Inhaltlich ist die Schau eng an die Preisverleihung gekoppelt: Mit dem Preis wird Cattelan nicht nur ausgezeichnet, sondern zugleich mit einer umfassenden Einzelausstellung geehrt – seiner ersten institutionellen Präsentation dieser Größenordnung in Deutschland

Kuratiert wird das Projekt von Lisa Botti (Neue Nationalgalerie) gemeinsam mit Museumsdirektor Klaus Biesenbach. Die Ausstellung entsteht mit Unterstützung der Freunde der Nationalgalerie und ist Teil eines neu ausgerichteten Preisformats, das gezielt international etablierte Künstler*innen in den institutionellen Kontext Berlins holt. 

Eckdaten zusammengefasst

Zeitraum: 10.09.2026 – 21.02.2027
Ort: Neue Nationalgalerie, Berlin
Anlass: Preis der Nationalgalerie 2026
Eröffnung: im Rahmen der Berlin Art Week

Die Ausstellung positioniert sich damit nicht nur als Einzelereignis, sondern als bewusst gesetzter Fixpunkt im internationalen Kunstkalender.

Warum Cattelan weiterhin relevant ist

Auch Jahre nach seinen größten Skandalen oder Erfolgen bleibt Cattelan interessant, weil er weniger auf Dauerpräsenz als auf Wirkung in Momenten setzt. Seine Karriere folgt keinem linearen Aufbau, sondern einer Logik von Setzungen und Pausen.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von permanenter Sichtbarkeit geprägt ist, wirkt diese Strategie fast gegenläufig. Gerade deshalb funktioniert sie weiterhin.

Cattelan ist kein Künstler, der kontinuierlich „liefert“. Er ist ein Künstler, der Situationen erzeugt – und sie dann dem öffentlichen Diskurs überlässt.

Fazit: Die Rückkehr eines kontrollierten Störfaktors

Die Ausstellung in Berlin könnte daher weniger ein klassischer Karrierehöhepunkt sein als eine erneute Verschiebung seiner eigenen Rolle im Kunstsystem.

Maurizio Cattelan bleibt ein Künstler, der sich nicht festlegen lässt – weder stilistisch noch institutionell. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Humor und Ernst, Kritik und Komplizenschaft, Objekt und Ereignis.

Und genau deshalb ist seine Rückkehr in die großen Ausstellungshäuser nicht einfach nur eine Retrospektive. Sie ist ein erneutes Testfeld für die Frage, wie viel Provokation die Institution Kunst heute noch aushält – und wie viel sie längst selbst absorbiert hat

Biografischer Hintergrund: Zwischen Selbstinszenierung und Systemverweigerung

Maurizio Cattelan wurde 1960 in Padua geboren und zählt zu den eigenwilligsten Künstlerbiografien der Gegenwart. Anders als viele seiner Generation hat er keine klassische akademische Kunstausbildung durchlaufen. Stattdessen arbeitete er zunächst in Gelegenheitsjobs – unter anderem in der Möbelproduktion – und näherte sich der Kunst autodidaktisch.

Diese Herkunft prägt sein Werk bis heute: weniger kunsttheoretisch fundiert als vielmehr intuitiv, subversiv und bewusst gegen institutionelle Erwartungen gerichtet. Seine ersten Arbeiten in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren waren geprägt von ironischer Selbstverweigerung.

Bereits früh verweigerte er sich klassischen Produktionslogiken, etwa indem er Ausstellungsräume leer ließ oder sich selbst aus Projekten „zurückzog“. Diese Strategie wurde zu einem Markenzeichen: Cattelan inszeniert nicht nur Objekte, sondern auch Abwesenheit, Verzögerung und Entzug.

International bekannt wurde er in den 1990er-Jahren durch Ausstellungen auf Biennalen und in großen Institutionen, darunter mehrfach die Venice Biennale. Spätestens zu diesem Zeitpunkt etablierte er sich als Künstler, der Skulptur, Installation und Performance nicht trennt, sondern als Teil eines größeren narrativen und medialen Systems versteht.

Ein wiederkehrendes Element seiner Karriere ist die bewusste Inszenierung von Brüchen. 2011 erklärte Cattelan nach seiner großen Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum überraschend seinen Rückzug aus der Kunstwelt – nur um einige Jahre später wieder mit neuen Arbeiten aufzutauchen. Auch diese Geste war weniger ein tatsächlicher Abschied als vielmehr eine performative Erweiterung seiner Praxis.

Neben seiner künstlerischen Arbeit war Cattelan immer auch als Herausgeber und Initiator tätig. Gemeinsam mit Massimiliano Gioni gründete er das Magazin *Toiletpaper*, das seine visuelle Sprache in den Bereich von Fotografie, Design und Popkultur erweitert.

Die Grenzen zwischen Kunstwerk, Bildproduktion und Medienstrategie werden hier bewusst verwischt. Diese Mischung aus Selbstinszenierung, institutioneller Nähe und gleichzeitiger Distanz macht Cattelans Biografie so ungewöhnlich. Sie folgt keiner klassischen Erfolgserzählung, sondern ist geprägt von Unterbrechungen, Strategiewechseln und kalkulierter Unberechenbarkeit – ein Ansatz, der sich konsequent in seinem Werk widerspiegelt.

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Titelbild: Maurizio Cattelan, Neue Nationalgalerie, Berlin, © Peter Rigaud, 2025

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Die Ausstellung ist abgeschlossen gedacht – aber nicht mehr von ihrer Urheberin begleitet.

„In Minor Keys“ als nicht mehr veränderbare Partitur

Der Titel „In Minor Keys“ verweist ursprünglich auf eine kuratorische Haltung, die auf leise, fragmentierte und nicht-hierarchische Formen künstlerischer Erfahrung setzt. Die Metapher der Molltonart steht dabei nicht für Verlust, sondern für Ambivalenz, Spannung und Offenheit.

Im Kontext der posthumen Umsetzung verändert sich diese Lesart jedoch grundlegend.

Die Ausstellung wird zur:

fixierten Struktur eines Denkprozesses
ästhetischen Partitur ohne aktive Dirigentin
Komposition, die nicht mehr revidiert werden kann

Damit entsteht eine paradoxe Situation:

Ein kuratorisches Konzept, das ursprünglich auf Bewegung, Offenheit und Resonanz ausgelegt war, wird zu einer festen institutionellen Realität.

Die Verschiebung der kuratorischen Autorschaft

Die Realisierung der Biennale erfolgt durch ein kuratorisches Team, das Kouoh zu Lebzeiten in die Entwicklung eingebunden hatte. Dieses Team agiert jedoch nicht als neue kuratorische Instanz, sondern als ausführende Struktur eines bereits definierten Konzepts.

Diese Konstellation verschiebt die klassische Rolle der Kuratorin in drei Richtungen:

1. Von Autorin zu Konzeptgeberin

Das kuratorische Denken bleibt präsent, aber ohne Möglichkeit zur Anpassung.

2. Von Gestaltung zu Umsetzung

Kuratorische Entscheidungen werden zu Ausführungsprozessen.

3. Von Präsenz zu Nachwirkung

Die kuratorische Stimme wird zu einem strukturellen Echo.

Die Biennale als Institution im Ausnahmezustand

Die Entscheidung, keine neue kuratorische Leitung einzusetzen, ist auch institutionell bemerkenswert.

Die Biennale di Venezia folgt damit nicht ihrer üblichen Logik des kuratorischen Wechsels, sondern etabliert eine Form der Kontinuität trotz Abwesenheit.

Das hat mehrere Konsequenzen:

Die Ausstellung wird nicht neu interpretiert
Entscheidungen bleiben unangetastet
Die Institution tritt stärker in den Vordergrund als in früheren Ausgaben

Damit verschiebt sich die Rolle der Biennale selbst:

von einer Plattform kuratorischer Autorschaften zu einem Träger kuratorischer Nachlässe.

Kuratorische Praxis zwischen Erinnerung und Verwaltung

Im Kontext der Gegenwartskunst wird Kuratieren zunehmend als aktiver, interpretierender Prozess verstanden. Die Biennale 2026 zeigt jedoch eine andere Dimension: Kuratieren als Verwaltung eines bereits abgeschlossenen Denkraums.

Diese Form der Umsetzung wirft grundlegende Fragen auf:

Wie verändert sich Bedeutung, wenn sie nicht mehr verhandelt werden kann?
Wo endet Interpretation und wo beginnt Konservierung?
Kann ein kuratorisches Konzept „fertig“ sein, bevor es realisiert wurde?

Gerade hier entsteht die eigentliche Spannung der Ausstellung.

Koyo Kouoh und die Verschiebung globaler Ausstellungspraxis

Koyo Kouoh zählt zu den prägenden Figuren einer global erweiterten kuratorischen Praxis, die sich bewusst von eurozentrischen Modellen entfernt hat. Ihre Arbeit war geprägt von:

postkolonialen Perspektiven
institutioneller Kritik
Fokus auf diasporische Narrative
dem Verständnis von Ausstellung als sozialem Raum

„In Minor Keys“ bündelt diese Ansätze in einer Form, die weniger auf Hierarchie als auf Resonanz und Vielstimmigkeitsetzt.

Dass dieses Konzept nun ohne ihre aktive Präsenz umgesetzt wird, verstärkt seinen paradoxen Charakter:

Eine kuratorische Praxis, die auf Offenheit basiert, wird in eine geschlossene Realisierungsform überführt.

Kunsthistorische Einordnung: Die Biennale als kuratorisches Nachlassmodell

Die Ausgabe 2026 kann damit als seltenes Beispiel eines neuen Typs von Großausstellung gelesen werden:

nicht mehr rein autorenzentriert
nicht vollständig kollektiv
sondern posthum kuratiert im institutionellen Rahmen

Diese Form lässt sich als „kurativer Nachlass“ beschreiben – ein Konzept, bei dem die Idee einer Ausstellung über den Tod ihrer Urheberin hinaus weitergeführt wird, ohne neu verhandelt zu werden.

Fazit: Eine Biennale zwischen Konzept und Abwesenheit

Die Biennale di Venezia 2026 ist damit weder klassische Ausstellung noch reine Hommage. Sie ist ein Zwischenzustand: eine realisierte Idee, die nicht mehr verändert werden kann, aber weiterhin gelesen werden muss.

„In Minor Keys“ wird so zu einem doppelten Raum:

als kuratorisches Konzept über leise Verschiebungen
und als institutionelles Dokument über die Grenzen von Autorschaft

Die entscheidende Frage dieser Biennale lautet deshalb nicht, was gezeigt wird, sondern:

Wie bleibt ein kuratorisches Denken lebendig, wenn seine Stimme verstummt ist?

Die Biennale 2026 – Zwischen leisen Tönen und globaler Neuordnung

Weitere Informationen

Titelbild: By Lard Buurman. – SUD-Salon Urbain de Douala 2010. Photo Lard Buurman. Courtesy doual’art, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org

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Biennale di Venezia 2026: Kuratieren nach dem Tod – Koyo Kouoh

Die Biennale di Venezia 2026 ist längst mehr als eine kuratierte Ausstellung zeitgenössischer Kunst. Mit dem Tod der Kuratorin Koyo Kouoh während der Konzeptionsphase hat sich die Ausgabe in einen seltenen Ausnahmezustand verwandelt: ein Großprojekt, das nicht neu gedacht, sondern in seiner ursprünglichen Form posthum realisiert wird.

Damit verschiebt sich nicht nur die organisatorische Ebene der Biennale, sondern eine der zentralen Fragen der Gegenwartskunst: Wer besitzt kuratorische Autorität, wenn die Autorin nicht mehr anwesend ist?

Posthume Kuratierung als Sonderform institutioneller Praxis

Im klassischen Modell der Biennale ist der Wechsel der kuratorischen Leitung ein definierendes Strukturprinzip. Jede Ausgabe wird bewusst als Bruch, Neubewertung und Neuinterpretation verstanden.

Die Ausgabe 2026 bricht mit dieser Logik.

Statt eines kuratorischen Neustarts wurde entschieden:

das bestehende Konzept vollständig zu übernehmen
den Titel „In Minor Keys“ beizubehalten
die von Kouoh entwickelte Struktur unverändert umzusetzen
ein von ihr selbst eingebundenes Team mit der Realisierung zu betrauen

Diese Entscheidung erzeugt eine ungewöhnliche Konstellation:

Die Ausstellung ist abgeschlossen gedacht – aber nicht mehr von ihrer Urheberin begleitet.

„In Minor Keys“ als nicht mehr veränderbare Partitur

Der Titel „In Minor Keys“ verweist ursprünglich auf eine kuratorische Haltung, die auf leise, fragmentierte und nicht-hierarchische Formen künstlerischer Erfahrung setzt. Die Metapher der Molltonart steht dabei nicht für Verlust, sondern für Ambivalenz, Spannung und Offenheit.

Im Kontext der posthumen Umsetzung verändert sich diese Lesart jedoch grundlegend.

Die Ausstellung wird zur:

fixierten Struktur eines Denkprozesses
ästhetischen Partitur ohne aktive Dirigentin
Komposition, die nicht mehr revidiert werden kann

Damit entsteht eine paradoxe Situation:

Ein kuratorisches Konzept, das ursprünglich auf Bewegung, Offenheit und Resonanz ausgelegt war, wird zu einer festen institutionellen Realität.

Die Verschiebung der kuratorischen Autorschaft

Die Realisierung der Biennale erfolgt durch ein kuratorisches Team, das Kouoh zu Lebzeiten in die Entwicklung eingebunden hatte. Dieses Team agiert jedoch nicht als neue kuratorische Instanz, sondern als ausführende Struktur eines bereits definierten Konzepts.

Diese Konstellation verschiebt die klassische Rolle der Kuratorin in drei Richtungen:

1. Von Autorin zu Konzeptgeberin

Das kuratorische Denken bleibt präsent, aber ohne Möglichkeit zur Anpassung.

2. Von Gestaltung zu Umsetzung

Kuratorische Entscheidungen werden zu Ausführungsprozessen.

3. Von Präsenz zu Nachwirkung

Die kuratorische Stimme wird zu einem strukturellen Echo.

Die Biennale als Institution im Ausnahmezustand

Die Entscheidung, keine neue kuratorische Leitung einzusetzen, ist auch institutionell bemerkenswert.

Die Biennale di Venezia folgt damit nicht ihrer üblichen Logik des kuratorischen Wechsels, sondern etabliert eine Form der Kontinuität trotz Abwesenheit.

Das hat mehrere Konsequenzen:

Die Ausstellung wird nicht neu interpretiert
Entscheidungen bleiben unangetastet
Die Institution tritt stärker in den Vordergrund als in früheren Ausgaben

Damit verschiebt sich die Rolle der Biennale selbst:

von einer Plattform kuratorischer Autorschaften zu einem Träger kuratorischer Nachlässe.

Kuratorische Praxis zwischen Erinnerung und Verwaltung

Im Kontext der Gegenwartskunst wird Kuratieren zunehmend als aktiver, interpretierender Prozess verstanden. Die Biennale 2026 zeigt jedoch eine andere Dimension: Kuratieren als Verwaltung eines bereits abgeschlossenen Denkraums.

Diese Form der Umsetzung wirft grundlegende Fragen auf:

Wie verändert sich Bedeutung, wenn sie nicht mehr verhandelt werden kann?
Wo endet Interpretation und wo beginnt Konservierung?
Kann ein kuratorisches Konzept „fertig“ sein, bevor es realisiert wurde?

Gerade hier entsteht die eigentliche Spannung der Ausstellung.

Koyo Kouoh und die Verschiebung globaler Ausstellungspraxis

Koyo Kouoh zählt zu den prägenden Figuren einer global erweiterten kuratorischen Praxis, die sich bewusst von eurozentrischen Modellen entfernt hat. Ihre Arbeit war geprägt von:

postkolonialen Perspektiven
institutioneller Kritik
Fokus auf diasporische Narrative
dem Verständnis von Ausstellung als sozialem Raum

„In Minor Keys“ bündelt diese Ansätze in einer Form, die weniger auf Hierarchie als auf Resonanz und Vielstimmigkeitsetzt.

Dass dieses Konzept nun ohne ihre aktive Präsenz umgesetzt wird, verstärkt seinen paradoxen Charakter:

Eine kuratorische Praxis, die auf Offenheit basiert, wird in eine geschlossene Realisierungsform überführt.

Kunsthistorische Einordnung: Die Biennale als kuratorisches Nachlassmodell

Die Ausgabe 2026 kann damit als seltenes Beispiel eines neuen Typs von Großausstellung gelesen werden:

nicht mehr rein autorenzentriert
nicht vollständig kollektiv
sondern posthum kuratiert im institutionellen Rahmen

Diese Form lässt sich als „kurativer Nachlass“ beschreiben – ein Konzept, bei dem die Idee einer Ausstellung über den Tod ihrer Urheberin hinaus weitergeführt wird, ohne neu verhandelt zu werden.

Fazit: Eine Biennale zwischen Konzept und Abwesenheit

Die Biennale di Venezia 2026 ist damit weder klassische Ausstellung noch reine Hommage. Sie ist ein Zwischenzustand: eine realisierte Idee, die nicht mehr verändert werden kann, aber weiterhin gelesen werden muss.

„In Minor Keys“ wird so zu einem doppelten Raum:

als kuratorisches Konzept über leise Verschiebungen
und als institutionelles Dokument über die Grenzen von Autorschaft

Die entscheidende Frage dieser Biennale lautet deshalb nicht, was gezeigt wird, sondern:

Wie bleibt ein kuratorisches Denken lebendig, wenn seine Stimme verstummt ist?

Die Biennale 2026 – Zwischen leisen Tönen und globaler Neuordnung

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Titelbild: By Lard Buurman. – SUD-Salon Urbain de Douala 2010. Photo Lard Buurman. Courtesy doual’art, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org

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2026 wird der Niederrhein zu einem der spannendsten Schauplätze zeitgenössischer Kunst in Deutschland: Mit der Niederrheintour 2026 realisiert Thomas Baumgärtel eines seiner bislang ambitioniertesten Projekte. Anlass ist ein besonderes Jubiläum – 40 Jahre Spraybanane, jenes ikonische Motiv, das längst weit über die deutsche Kunstszene hinaus Bekanntheit erlangt hat.

Unter dem Motto *„Freiheit für die Kunst“* verwandelt Baumgärtel seine Heimatregion in eine dezentrale Ausstellungslandschaft. Das Konzept ist ebenso klar wie wirkungsvoll: 40 Werkgruppen an 40 Orten – aus 40 Jahren künstlerischen Schaffens.

Wer ist Thomas Baumgärtel?

Thomas Baumgärtel ist international vor allem als „Bananensprayer“ bekannt. Seit 1986 markiert er Museen, Galerien und Kunstorte weltweit mit seiner gesprühten Banane – eine inoffizielle Auszeichnung, die gleichermaßen provoziert und den Kunstbetrieb hinterfragt.

Doch das ikonische Motiv ist nur ein Teil eines vielschichtigen Werks. Baumgärtel arbeitet medienübergreifend – von Malerei und Grafik bis hin zu Installationen, performativen Aktionen und politischer Kunst. Sein Schaffen bewegt sich konsequent im Spannungsfeld von Freiheit und Kontrolle, Hochkultur und Straße sowie Ästhetik und politischer Aussage.

Mehr als ein Symbol: Die Spraybanane

Die Spraybanane zählt heute zu den vielleicht bekanntesten Kunstsymbolen Deutschlands. Ihre Bedeutung geht jedoch weit über Wiedererkennbarkeit hinaus. Sie steht für künstlerische Unabhängigkeit, Meinungsfreiheit, Kritik an Machtstrukturen im Kunstbetrieb sowie den Dialog zwischen urbaner Kunst und institutionellen Räumen.

Gerade im Kontext der Niederrheintour wird deutlich: Die Banane ist weniger Zentrum als vielmehr Einstieg in ein komplexes Gesamtwerk.

 40 Orte – 40 Perspektiven

Die Niederrheintour bringt Kunst in einer außergewöhnlichen Dichte in die gesamte Region des Niederrhein. 40 Museen, Galerien und Institutionen zeigen parallel unterschiedliche Werkgruppen aus vier Jahrzehnten.

Zu den beteiligten Orten zählen unter anderem:  Museum Schloss Moylan, Museum Goch sowie zahlreiche weitere Stationen zwischen Kleve, Krefeld und Neuss.

Jeder Ort beleuchtet eine eigene Facette von Baumgärtels Arbeit. So entsteht eine künstlerische Entdeckungsreise, die Werk und Region gleichermaßen erfahrbar macht.

Alle 40 Stationen der Niederrheintour 2026 des Bananensprayers

Zwischen Street Art und Gesellschaftskritik

Ein zentrales Element von Baumgärtels Werk ist die Verbindung von Street Art, Popkultur und politischer Intervention. Mit dem von ihm geprägten Begriff German Urban Pop Art beschreibt er eine Kunstform, die bewusst im öffentlichen Raum agiert, unmittelbar kommuniziert und gesellschaftliche Themen aufgreift.

Seine Arbeiten verhandeln unter anderem politische Realität, Medienbilder, gesellschaftliche Hierarchien und die Rolle von Kunst im öffentlichen Diskurs.

Ein prägnantes Beispiel sind die sogenannten „Grauen Bilder“: reduzierte, monochrome Darstellungen fotografischer Motive aus Alltag und Medien. Durch die visuelle Vereinheitlichung verlieren diese ihre ursprüngliche Hierarchie – ein Kommentar zur Reizüberflutung der Gegenwart.

Auftakt in Kevelaer – und ein früher Start in Brüggen

Der zentrale Auftakt der Niederrheintour findet am 8. Mai 2026 mit einer Vernissage im Niederrheinisches Museum Kevelaer statt. Bereits im Vorfeld sind jedoch erste Ausstellungen gestartet:

In der Burg Brüggen wurden Ende April im Rahmen der Kunstroute erste Werke präsentiert, darunter die Werkgruppe „Brückenbilder“.

Die Niederrheintour beginnt damit nicht an einem einzelnen Datum, sondern entfaltet sich schrittweise über die Region ganz im Sinne ihres dezentralen Konzepts.

In Kevelaer selbst werden zwei zentrale Werkgruppen gezeigt:

„German Urban Pop Art“
„Graue Bilder“

Die Ausstellung läuft bis Ende August und wird von einem umfangreichen Vermittlungsprogramm begleitet.

Thomas Baumgärtel: Vernissage zur Niederrheintour 2026 in Kevelaer

Eine Hommage an den Niederrhein

Die Niederrheintour ist zugleich eine bewusste Rückbesinnung auf die Herkunft des Künstlers. Als gebürtiger Rheinberger widmet Thomas Baumgärtel das Projekt seiner Heimatregion – und macht den Niederrhein 2026 zu einem kulturellen Resonanzraum mit überregionaler Strahlkraft. Unterstützt von Partnern aus Kunst, Kultur und Wirtschaft entsteht ein Netzwerk, das weit über die Region hinaus sichtbar wird.

Fazit – Ein Projekt mit Signalwirkung

Mit der Niederrheintour 2026 gelingt Thomas Baumgärtel weit mehr als eine klassische Ausstellung. Das Projekt ist zugleich Retrospektive, kulturelle Vernetzung, politisches Statement und Einladung zur aktiven Auseinandersetzung.

Wer sich für zeitgenössische Kunst, Street Art oder gesellschaftliche Fragestellungen interessiert, wird an diesem Ereignis kaum vorbeikommen. Der Niederrhein wird 2026 zu einem Ort, an dem Kunst nicht nur gezeigt, sondern erlebt und diskutiert wird.

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Titelbild/Quelle Webseite Künstler: https://bananensprayer.de

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Mit der Ausstellung summ_summ: summa_summarum entsteht im Rahmen der IntraRegionale 2026 einer der eindrucksvollsten Schauplätze der diesjährigen Kunstreihe – ein Ort, an dem sich Natur, Klang und Installation zu einem begehbaren Gesamterlebnis verdichten.

Vom 9. Mai bis 18. Juni 2026 verwandelt sich das Gelände von kunst in kontakt e. V. in Hannover-Herrenhausen in ein vielschichtiges „Insekten-Kunst-Areal“. Fünf Künstlerinnen und Künstler entwickeln hier eine Umgebung, die weniger Ausstellung als vielmehr Erfahrungsraum ist.

Ein Gelände wird zur künstlerischen Landschaft

Was diese Ausstellung besonders macht, ist ihr räumlicher Ansatz. Statt klassischer Museumsräume entfaltet sich summ_summ: summa_summarum auf einem offenen Gelände, das selbst Teil der künstlerischen Arbeit wird.
Zwischen Vegetation, Gebäuden und freien Flächen entstehen:

multimediale Installationen
Licht- und Klangräume
Zeichnungen, Objekte und Interventionen
großformatige Videoprojektionen

Die Arbeiten wirken dabei nicht wie platziert, sondern wie Teil eines größeren Ganzen – als hätte sich die Welt der Insekten bereits in die Landschaft eingeschrieben.

Gerade in den Abendstunden entfaltet die Ausstellung ihre besondere Wirkung. Lichtinstallationen und akustische Elemente schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Naturbeobachtung und künstlerischer Inszenierung oszilliert.

Jean-Robert Valentin und das „UV-Spinnennetz“

Einen der visuell prägnantesten Beiträge liefert der Künstler Jean-Robert Valentin.
Seine Arbeit „UV-Spinnennetz“ gehört zu den zentralen Ankerpunkten der Ausstellung. Unter ultraviolettem Licht wird ein Netzwerk sichtbar, das sich der normalen Wahrnehmung entzieht. Strukturen, die im Alltag verborgen bleiben, treten plötzlich hervor und eröffnen eine neue Perspektive auf die Welt der Insekten.

Das Werk macht deutlich, worum es in der IntraRegionale im Kern geht:
nicht nur um Naturdarstellung, sondern um die Frage, wie Wahrnehmung überhaupt entsteht.

Fünf künstlerische Positionen – ein gemeinsames Ökosystem

Neben Jean-Robert Valentin sind Arbeiten von Frank Fuhrmann, Chieko Fumikura, Helmut Hennig und Angelika Wolf zu sehen.

Die Ausstellung bringt damit bewusst unterschiedliche künstlerische Handschriften zusammen – von materialbetonten Arbeiten bis hin zu raumgreifenden Installationen und malerischen Positionen.

Frank Fuhrmann – Installation zwischen Natur und Erinnerung

Der in Hannover aktive Künstler Frank Fuhrmann arbeitet häufig mit Installationen und Objekten, die gesellschaftliche und ökologische Themen aufgreifen. Bereits in früheren Projekten verband er Naturraum und Bedeutungsebene – etwa durch Interventionen im öffentlichen Raum, die auf Umweltfragen oder historische Ereignisse verweisen.

Seine Arbeiten bewegen sich dabei oft zwischen sichtbarer Form und gedanklicher Erweiterung: Das Werk entsteht nicht nur im Objekt selbst, sondern im Nachdenken darüber.

Chieko Fumikura – Malerei zwischen Natur und Symbolik

Die aus Japan stammende Künstlerin Chieko Fumikura ist vor allem für ihre Malerei und großformatigen Bildarbeiten bekannt. Ihre Werke greifen häufig natürliche Prozesse und Strukturen auf und übersetzen sie in symbolische, teils meditative Bildwelten.

In früheren Ausstellungen verband sie organische Formen mit Themen wie Umweltveränderung und menschlichem Einfluss – etwa durch spiralförmige Kompositionen, die Zyklen von Wachstum und Zerstörung sichtbar machen.

Helmut Hennig – Teil eines internationalen Ausstellungskontexts

Helmut Hennig tritt regelmäßig im Kontext von Gruppenausstellungen auf, insbesondere im Umfeld von Projekten, die verschiedene künstlerische Medien zusammenführen. So war er unter anderem an internationalen Ausstellungskonstellationen beteiligt, die Malerei, Installation und gesellschaftliche Fragestellungen verbinden.

Seine Position steht exemplarisch für die Offenheit der IntraRegionale gegenüber unterschiedlichen künstlerischen Zugängen.

Angelika Wolf – künstlerische Position im erweiterten Raum

Auch Angelika Wolf ist Teil dieses bewusst heterogenen Ensembles. Ihre Arbeiten fügen sich in den erweiterten Ausstellungsraum ein, der weniger als klassische Präsentationsfläche funktioniert, sondern als begehbare Struktur, in der sich einzelne Positionen gegenseitig ergänzen und überlagern.

Gemeinsame Fragestellungen

So unterschiedlich die Ansätze auch sind, verbindet die Arbeiten eine zentrale inhaltliche Klammer:

Wie lassen sich Insekten nicht nur darstellen, sondern erfahrbar machen?
Wie verändert sich unser Blick auf Natur, wenn wir Maßstab und Perspektive verschieben?
Und welche Rolle spielt der Mensch innerhalb dieses sensiblen Gefüges?

Im Zusammenspiel entsteht ein vielschichtiges Geflecht aus Installation, Malerei, Klang und Raum – ein künstlerisches Ökosystem, das sich nicht statisch präsentiert, sondern im Erleben entfaltet.

Mehr als Ausstellung: Ein erweitertes Kunstformat

Summ_summ: summa_summarum geht bewusst über die klassische Ausstellung hinaus. Ein vielfältiges Begleitprogramm erweitert das Erlebnis und macht den Besuch zu einer aktiven Auseinandersetzung mit Kunst und Natur.

Regelmäßige Führungen durch das Gelände ermöglichen vertiefende Einblicke in die künstlerischen Arbeiten und deren Hintergründe. Diese finden in der Regel an Wochenenden sowie zu ausgewählten Veranstaltungsterminen statt und werden teils von beteiligten Künstlerinnen und Künstlern selbst begleitet.

Ergänzt wird das Programm durch:

Open-Air-Kinoabende, die das Gelände auch nach Einbruch der Dunkelheit bespielen
performative Formate, bei denen Klang, Bewegung und Raum miteinander verschmelzen
audiovisuelle Interventionen, die gezielt mit Licht, Projektion und akustischen Elementen arbeiten

Gerade in den Abendstunden entsteht so eine besondere Atmosphäre, in der sich die Ausstellung nochmals verändert und neue Wahrnehmungsebenen eröffnet.

Damit wird der Ort nicht nur zur Ausstellungsfläche, sondern zu einem temporären Treffpunkt für Kunst, Austausch und gemeinsames Erleben.

Teil eines größeren Netzwerks

Die Ausstellung ist Teil der IntraRegionale 2026, die als dezentrales Kunstprojekt die gesamte Region Hannover einbezieht.

Mit über 30 Künstlerinnen und Künstlern, rund zehn Ausstellungsorten und mehr als 50 Veranstaltungen entsteht ein Netzwerk, das bewusst über klassische Ausstellungsräume hinausgeht. Kunst wird hier nicht isoliert präsentiert, sondern in Beziehung gesetzt – zu Landschaft, Architektur und gesellschaftlichen Fragestellungen.

Dieses Konzept verlagert den Fokus weg vom einzelnen Ausstellungsort hin zu einer vernetzten kulturellen Bewegung, die sich über Monate hinweg entfaltet.

Die IntraRegionale 2026 in Hannover – Wenn die Kunst zu summen beginnt

Warum diese Ausstellung heraussticht

Innerhalb dieses Netzwerks nimmt summ_summ: summa_summarum eine besondere Rolle ein.

Nicht, weil sie lauter ist –
sondern weil sie unmittelbarer wirkt.

Während viele Ausstellungen auf Betrachtung setzen, fordert diese Schau Bewegung: Besucherinnen und Besucher durchqueren das Gelände, wechseln Perspektiven, erleben Werke im Vorübergehen oder im Verweilen.

Klang, Licht und Raum greifen ineinander – und lassen die Grenzen zwischen Kunstwerk, Umgebung und eigener Wahrnehmung zunehmend verschwimmen.

Ein neuer Blick auf die Welt der Insekten

Vielleicht liegt genau darin die Stärke dieser Ausstellung:

Sie zeigt Insekten nicht einfach als Motiv.
Sie macht erfahrbar, dass Wahrnehmung immer abhängig ist von Perspektive, Licht und Aufmerksamkeit.

Strukturen werden sichtbar, die zuvor verborgen waren.
Geräusche treten in den Vordergrund, die sonst überhört werden.

Und plötzlich verändert sich der Blick auf das, was selbstverständlich schien.

Manchmal genügt ein verändertes Licht,
um das Unsichtbare sichtbar zu machen.

Oder ein leises Summen,
um zu begreifen, wie komplex und lebendig selbst die kleinsten Teile unserer Umwelt sind.

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Seit den 1980er-Jahren prägt er mit seinem expressiven, gestischen Ansatz die internationale Kunstszene und zählt zu den wichtigsten Vertretern einer Kunst, die sich radikal dem Prozess und dem Augenblick verschreibt. Zitkos Arbeiten, die den Betrachter nicht nur visuell, sondern auch körperlich in ihren Bann ziehen, sind in bedeutenden Museen und Sammlungen weltweit zu finden.

Kunstfreunde aus Deutschland haben vom 22. Februar bis 24. April 2025 die Möglichkeit, ausgewählte Arbeiten von Zitko in der Galerie Crone in Berlin zu betrachten. In seiner Ausstellung SO WHAT werden 14 großformatige Arbeiten des Künstlers gezeigt.

Otto Zitko im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin in Wien, es geht so, ich sortiere und räume auf.

Ihre Werke wirken oft dynamisch, fast impulsiv. Spiegelt sich darin Ihre Gefühlswelt wider, oder ist der künstlerische Prozess für Sie eher analytisch?

Es geht um die Konstruktion der Geste. Dass sich auch ab und zu emotionale Befindlichkeiten niederschlagen, kann durchaus sein

Ihre großformatigen Linienzeichnungen interagieren intensiv mit dem Raum. Wie beeinflusst die Architektur eines Raumes Ihre Herangehensweise an ein neues Projekt?

Zweifelsohne sind architektonische Gegebenheiten, Lichtsituation, Möblierung etc. Parameter, die meine künstlerische Entscheidung jeweils mitbestimmen.

Die letzten Jahre waren durch die globale Pandemie geprägt. Inwiefern hat diese Zeit Ihre künstlerische Praxis oder Ihre Perspektive auf Kunst beeinflusst?

Ich war recht froh, mehr Ruhe, Zurückgezogenheit und weniger Leistungsdruck zu verspüren.

Wie sehen Sie die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst in den nächsten Jahren, und welche Rolle möchten Sie dabei spielen?

Da wird sich, vor allem durch den Einsatz von künstlicher Intelligenz, sehr viel ändern. Ich selbst werde meinen Weg weiter gehen, auch generationsbedingt.

Welchen Rat würden Sie jungen Künstlern geben, die am Anfang ihrer Karriere stehen und ihren eigenen Stil finden möchten?

Nicht sofort und primär an die Karriere denken, sondern daran arbeiten, gute Kunst zu machen.

Was macht gute Kunst für Sie aus?

Gute Kunst sollte emotional oder intellektuell berühren können.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Grenzen sind dort zu ziehen, wo Grundrechte anderer, wie etwa das Recht auf Menschenwürde, verletzt wird.

Gibt es ein prägendes Erlebnis aus Ihrer Kindheit oder Jugend, das Ihren Weg als Künstler entscheidend beeinflusst hat?

Mein Großvater war Hobbymaler und Holzschnitzer. Ich habe seine Werke sehr bewundert und gemocht.

Auf welche Ihrer Arbeiten sind Sie ganz besonders stolz?

Ich bin sehr streng, was die Autorisierung meiner Arbeiten betrifft und gebe grundsätzlich nur solche frei, die ich als gelungen betrachte.

Wer soll sich mit Ihrer Kunst auseinandersetzen und warum sollte man die aktuelle/kommende Ausstellung besuchen?

Die Besucher_innen, die Interesse haben, werden Bilder sehen, mit denen ich mich im Sommer/Herbst letzten Jahres auseinandergesetzt habe, sie finalisiert oder eine Entscheidung zur Freigabe getroffen habe. Diese wurden in Relation zueinander gestellt sowie mit neuen Tafeln ergänzt.

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