Der Kallmann-Preis des Kallmann-Museums Ismaning ist eine bedeutende Auszeichnung für zeitgenössische figurative Kunst in Deutschland. Er wird in Kooperation mit der Kreissparkasse München Starnberg Ebersberg vergeben und richtet sich an Künstler*innen, die in Deutschland leben und sich mit den zentralen Bildthemen des Museumsgründers Hans Jürgen Kallmann auseinandersetzen: Porträt, Tier und Landschaft.

Das Kallmann-Museum ist als spezialisierte Institution auf diese drei klassischen Motive ausgerichtet und widmet sich der Weiterentwicklung der Figur in der modernen und zeitgenössischen Kunst.

Ziel des Kallmann-Preises

Der seit 2018 vergebene Preis fördert künstlerische Positionen, die das Figurative neu interpretieren und weiterdenken. Neben klassischer Malerei sind auch Zeichnung, Installation, Video und interdisziplinäre Arbeiten zugelassen.

Ein zentrales Merkmal ist die Verbindung von Auszeichnung und Ausstellung: Die Preisträger*innen erhalten nicht nur ein Preisgeld, sondern auch eine Einzelausstellung im Kallmann-Museum, die institutionelle Sichtbarkeit ermöglicht.

Dotierung

Der Kallmann-Preis ist insgesamt mit rund 20.000 Euro dotiert. Diese Summe setzt sich zusammen aus:

ca. 3.000 Euro Preisgeld
ca. 16.000 Euro für Produktion und Realisierung der Ausstellung im Museum

Zusätzlich werden in vielen Jahrgängen auch Positionen der Shortlist in die Ausstellung eingebunden. 

Einordnung: Bedeutung im Kunstkontext

Der Kallmann-Preis wird häufig als wichtiger Förderpreis für figurative Kunst in Deutschland wahrgenommen. Eine präzisere Einordnung zeigt jedoch ein differenziertes Bild:

Der Preis ist kein internationaler Spitzenpreis im Sinne globaler Kunstauszeichnungen

Er steht nicht auf einer Ebene mit großen nationalen oder internationalen Kunstpreisen wie etwa dem Preis der Nationalgalerie oder dem Rubenspreis der Stadt Siegen

Seine Stärke liegt vielmehr in seiner klaren inhaltlichen Profilierung und institutionellen Verankerung

 Damit zählt der Kallmann-Preis zu den profilgebenden Förderpreisen für figurative Gegenwartskunst in Deutschland. Besonders im Bereich der gegenständlichen Kunst bietet er eine wichtige Plattform für Sichtbarkeit und museale Präsentation.

Preisträger*innen des Kallmann-Preises (2018–2025)

Die bisherigen ausgezeichneten Künstler*innen sind:

2025 – Javkhlan Ariunbold (Tier / Mythologie, Malerei und Video)
2024 – Ben Greber (Landschaft, Installation und Video)
2023 – keine Vergabe (bedingt durch Museumsumbau)
2022 – Aneta Kajzer (Porträt, Malerei zwischen Figuration und Abstraktion)
2021 – Chris Bierl (Tierdarstellungen / figürliche Positionen)
2020 – Lena von Goedeke (Landschaft, medienübergreifende Arbeiten)
2019 – Doris Maximiliane Würgert (Porträt, Malerei)
2018 – Yvonne Roeb (Tierdarstellungen, erste Vergabe des Preises)

Bedeutung für die zeitgenössische Kunst

Der Kallmann-Preis hat sich innerhalb weniger Jahre als wichtiger Förderpreis innerhalb der figurativen Kunstszene in Deutschland etabliert. Seine Relevanz liegt weniger in internationaler Strahlkraft als vielmehr in seiner klaren kuratorischen Ausrichtung.

In einem Kunstbetrieb, der stark von konzeptuellen und abstrakten Positionen geprägt ist, setzt der Preis einen bewussten Schwerpunkt auf die Weiterentwicklung der gegenständlichen Bildsprache. Damit bietet er Künstler*innen eine institutionelle Plattform, die sich intensiv mit Mensch, Tier und Natur auseinandersetzen.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausschreibung und zur Bewerbung: https://kallmann-museum.de

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Ein schwimmender Kunstraum zwischen Geschichte und Gegenwart. Die ARTE NOAH des Kunstverein Würzburg ist kein klassischer Ausstellungsraum, sondern ein transformierter Frachter mit industrieller Vergangenheit. Ursprünglich als „MS Iris“ auf französischen Kanälen für den Transport von Kohle und Getreide genutzt, wurde das Schiff nach seiner Stilllegung im Jahr 1992 zu einem mobilen Kunstraum umgebaut.

Heute liegt die ARTE NOAH im Alten Hafen Würzburg, eingebettet in den sogenannten Kulturhafen – direkt neben dem Kulturspeicher Würzburg. Der über 100 Jahre alte Lastkahn fungiert damit als besondere Form eines Ausstellungsraums, in dem sich industrielle Architektur und zeitgenössische Kunst unmittelbar überlagern. Der Kontrast zwischen Stahlkörper, sichtbarer Mechanik und künstlerischer Präsentation ist dabei kein Nebeneffekt, sondern Teil des kuratorischen Konzepts.

Oft wird die ARTE NOAH auch als „Arche für Kunst“ beschrieben – ein Bild, das den Anspruch des Projekts gut fasst: Kunst nicht nur zu zeigen, sondern sie in einem beweglichen, historisch aufgeladenen Raumkontext erfahrbar zu machen.

Open ARTE 2026 und Einblicke in das Galerieschiff

Im Rahmen von Open ARTE 2026 öffnet die ARTE NOAH am 25. und 26. April 2026 jeweils von 11 bis 18 Uhr ihre Türen für Besucher*innen. Dabei geht es nicht nur um aktuelle Kunst, sondern auch um Einblicke in die Geschichte des Schiffes, vergangene Ausstellungen und die Arbeitsweise des Kunstvereins.

Ein besonderer Fokus liegt in diesem Jahr auf der neuen Jahresgabe edition #15 (2026), realisiert von Júlia Lema Barros und René Schäfer. Die Werke entstehen aus dem Originalmaterial der Installation „Submerged Reverie“ (ARTE NOAH 2025) und tragen deren materielle und konzeptuelle Spuren weiter – als Unikate zwischen Erinnerung, Transformation und Resonanz.

Sommerausstellung 2026: Mozartfest trifft Gegenwartskunst

Im Zentrum des aktuellen Open Calls steht die Sommerausstellung vom 10. Juni bis 28. Juni 2026. Sie bietet Raum für bis zu sechs regionale Künstler*innen und ist zugleich Teil des Programms zum Mozartfest Würzburg 2026.

Das Festival steht in diesem Jahr unter dem Titel „Beschworene Schönheit – Idol Mozart“ und öffnet ein thematisches Feld zwischen klassischer Ästhetik und zeitgenössischer Interpretation. Die Ausstellung auf der ARTE NOAH reagiert darauf mit künstlerischen Beiträgen, die sich mit Fragen von Wahrnehmung, Körperlichkeit und Bildproduktion auseinandersetzen.

Die thematischen Bezugspunkte reichen von „Der Goldene Schnitt“ über „Plastikträume“ bis hin zu „Im Angesicht des Digitalen“ und „Risse im Spiegel“. Damit entsteht ein Spannungsfeld zwischen historischer Formensprache und gegenwärtigen Bildwelten – bewusst offen für unterschiedliche künstlerische Perspektiven.

Open Call für 2027 und kontinuierliches Programm

Neben der Sommerausstellung 2026 richtet sich der aktuelle Open Call auch an Künstler*innen für das Programmjahr 2027. Für eine der vier Hauptausstellungen auf dem Galerieschiff können sich Kunstschaffende schriftlich oder digital beim Kunstverein Würzburg bewerben.

Der Kunstverein, der seit über 35 Jahren zeitgenössische Kunst zeigt, betreibt die ARTE NOAH als kontinuierlichen Ausstellungsort. Angesetzt sind etwa vier Ausstellungen pro Jahr sowie ergänzenden Formaten wie Talks, Vermittlungsprogrammen und Veranstaltungen im Kontext des Schiffes.

Bewerbung und Fristen

Für die Sommerausstellung 2026 endet die Bewerbungsfrist am 24. April 2026, für das Jahresprogramm 2027 am 30. April 2026.

Die Bewerbung erfolgt schriftlich oder digital direkt an den Kunstverein Würzburg.

Fazit

Die ARTE NOAH steht exemplarisch für eine Form zeitgenössischer Ausstellungsräume, die sich bewusst von klassischen White-Cube-Strukturen löst. Als schwimmende Galerie verbindet sie industrielle Geschichte, mobile Architektur und aktuelle Kunstproduktion zu einem besonderen Kontext. Der sich ständig zwischen Ort, Bewegung und Ausstellung neu verortet.

Weitere Informationen

Titelbild Quelle: https://www.kunstverein-wuerzburg.de/2026-4/

Mehr über den Kunstverein Würzburg: https://www.kunstverein-wuerzburg.de

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Nicht jede Ausstellung beginnt mit fertigen Werken – manche beginnen mit einer offenen Frage. Der aktuelle Open Call der The Ballery Berlin lädt Künstler*innen dazu ein, sich mit einem ebenso vielschichtigen wie ambivalenten Motiv auseinanderzusetzen: dem Affen.

Unter dem Titel „MONKEY“ entsteht für den Zeitraum September bis Oktober 2026 eine Ausstellung, die den Affen nicht als eindeutiges Symbol versteht, sondern als Projektionsfläche. Zwischen Spiegelbild und Instinkt, zwischen Spiel, Neugier und sozialer Hierarchie öffnet sich ein thematisches Feld, das bewusst offen gehalten ist.

Vom Motiv zur offenen Einladung

Dabei geht es weniger um illustrative Antworten als um künstlerische Positionen, die Reibung erzeugen: Der Affe erscheint hier ebenso als Metapher für Wiederholung, Begehren und Zwang wie für Kontrollverlust und fragile Selbstwahrnehmung. In dieser Lesart berührt der Open Call zentrale Fragen unserer Gegenwart – etwa nach Freiheit und Abhängigkeit oder nach der Spannung zwischen sozialer Nähe und Isolation.

Ein Kunstraum zwischen Ausstellung und Begegnung

Open Calls wie dieser sind längst fester Bestandteil der zeitgenössischen Kunstpraxis. Viele Projekträume, Off-Spaces und Institutionen nutzen sie, um neue Positionen zu entdecken und künstlerische Netzwerke zu erweitern. Interessant ist hier jedoch weniger das Format selbst als der Kontext, in dem es stattfindet.

Die The Ballery Berlin wurde 2014 von Simon Williams gegründet und versteht sich nicht als klassische Galerie, sondern als unabhängiger Kunstraum im Berliner Stadtteil Schöneberg. Als interdisziplinärer Ort verbindet sie Ausstellungen mit Performance, Musik und diskursiven Formaten und schafft Räume für Begegnung, Austausch und künstlerische Entwicklung – häufig abseits des kommerziellen Mainstreams.

Vor diesem Hintergrund erscheint auch der Open Call weniger als reines Auswahlverfahren, sondern vielmehr als Einladung zur Teilhabe. Gesucht werden Arbeiten aus Malerei, Fotografie, Installation, Performance sowie experimentellen Formaten.

Bewerben können sich Künstler*innen in allen Karrierephasen, wobei ein besonderer Fokus auf der Berliner Szene liegt – bei gleichzeitig explizit internationaler Offenheit.

Über die Ausstellung hinaus ist ein begleitendes Programm mit Gesprächen, Performances und gemeinschaftlich initiierten Diskussionen geplant. Damit wird die Ausstellung nicht nur zur Präsentationsfläche, sondern zu einem sozialen Raum, in dem Fragen von Verhalten, Identität und gelebter Erfahrung im Kontext der Stadt verhandelt werden.

Wer sich bewerben möchte, kann eine kurze Vorstellung sowie Arbeitsproben per E-Mail an theballery@gmail.com
, via Instagram oder persönlich vor Ort einreichen.

Der Open Call zeigt exemplarisch, wie sich zeitgenössische Ausstellungsformate verschieben: weg von der reinen Präsentation, hin zu offenen, prozesshaften Strukturen. Für Künstler*innen bietet sich hier nicht nur eine Bühne, sondern die Möglichkeit, Teil eines größeren, kollektiven Dialogs zu werden.

Weitere Informationen

Titelbild: Künstlerin: Rosa Von Praunheim – Quelle Instagram.

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In Regionen, in denen Konflikte, Unterdrückung oder politische Gewalt alltäglich sind, geraten kulturelle Großereignisse zu moralischen Prüfsteinen. Sie können Hoffnung auf Stabilität und Dialog symbolisieren – oder als kosmetische Verblendung dienen, die tiefe gesellschaftliche Wunden verschleiert.

Institutionen wie der Louvre Abu Dhabi stehen exemplarisch für diese gefährliche Ambivalenz. Sie inszenieren globale kulturelle Teilhabe und Austausch – doch zugleich sind sie Teil politischer Strategien, die Kunst als Prestigeinstrument und geopolitisches Signal einsetzen. Hier wird Kultur nicht nur gezeigt, sie wird politisch wirksam, oft ohne dass dies offen benannt wird.

Auch Kunstmessen sind längst nicht nur neutrale Plattformen für Austausch. Sie sind Marktplätze, Netzwerke, soziale Räume – und gleichzeitig ökonomische Akteure, die vom Fließen von Kapital und dem Vertrauen in fragile Märkte abhängen. Wenn in denselben Regionen Menschen unter Unsicherheit, Gewalt oder Unterdrückung leben, kann „Neutralität“ nur eine Illusion sein. Wer an einem solchen Markt teilnimmt, positioniert sich – bewusst oder unbewusst.

Gefahr der „Normalisierung“ in Krisengebieten

Die Werbung für Kunstmessen, Biennalen oder Kulturveranstaltungen in Regionen, in denen Krieg und Gewalt den Alltag prägen, kann politische Wirkmechanismen verschleiern und den Eindruck erwecken, als ob Konflikte „kein Hindernis mehr“ seien.

Genau dieser Effekt wurde jüngst in Europa am Beispiel der Venice Biennale sichtbar: Die Entscheidung, das russische Nationale Pavilion nach der Invasion der Ukraine wieder zuzulassen, löste eine breite internationale Kritik aus, da viele Länder befürchten, dies könne dazu beitragen, Russlands Rolle im Krieg zu legitimieren oder zu „normalisieren“ – also als harmlos, neutral oder kulturell unproblematisch darzustellen. Behörden und Politiker sahen darin sogar einen potenziellen Widerspruch zu Sanktionen und ethischen Standards.

Dieses Beispiel zeigt, wie schnell die kulturelle Bühne selbst zu einem geopolitischen Schauplatz wird, auf dem die Teilnahme bestimmter Akteure nicht nur als „künstlerische Präsenz“, sondern als politisches Signal gelesen werden kann – und zwar nicht nur von Fachpublikum, sondern von Regierungen und Öffentlichkeit.

Weitere strukturelle Risiken:

Zerstörung und Verlust von Kulturstätten als Kontext: In der Ukraine wurden seit Beginn des russischen Angriffs hunderte Kulturstätten beschädigt oder zerstört. Die systematische Zerstörung von Museen, historischen Zentren und religiösen Stätten macht sichtbar, wie prekär kulturelles Leben in Kriegsregionen ist – und wie irreführend es wirkt, wenn in einem solchen Kontext „normale“ Kunstveranstaltungen beworben werden, ohne die Gewaltlage einzubeziehen.

Ungleichgewicht zwischen Kriegserfahrungen und Präsentation: Viele internationale Festivals widmen sich zwar thematisch Krieg und Konflikt – sie arbeiten mit Künstlerinnen und Künstlern aus betroffenen Regionen, aber sie tun dies oft an Orten weit entfernt von den Fronten. Die Arbeit selbst entsteht in Schmerz und Risiko, während das Event in sicherer Umgebung stattfindet – ein Spannungsverhältnis, das leicht zu einer ästhetisch konsumierbaren Distanzierung von Gewalt führen kann. Projekte wie die Conflicted Art‑Ausstellungen von ukrainischen Künstlern dokumentieren den Krieg genau dort, wo er passiert; ihre Wirkung kann jedoch in wohlhabenderen Kunstmetropolen völlig anders gelesen werden.

Propaganda und „Artwashing“: Es gibt Fälle, in denen Kunstausstellungen oder Ausstellungsformate instrumentalisiert werden, um politische Narrative zu stützen. Ein Beispiel dafür ist die Dokumentationsreihe „Material Evidence“, die mit klar propagandistischen Botschaften umgeht und Konflikte gezielt aus einer politischen Perspektive darstellt. Solche Inszenierungen verdeutlichen, wie Kulturereignisse bewusst genutzt werden, um Konflikte zu interpretieren, statt sie kritisch zu beleuchten.

Warum neutral oder „kosmopolitisch“ werben gefährlich ist

Wenn Veranstaltungskalender, Flyer und Medienkampagnen musikalisch von „Kunst trotz Krieg“ oder „Kultur kennt keine Grenzen“ sprechen, so klingt das auf den ersten Blick positiv und harmlos. Doch diese Normalisierungsrhetorik kann zwei gefährliche Effekte haben:

Sie verschleiert gewaltvolle Realitäten – und signalisiert, als wäre „alles in Ordnung“, obwohl in der Region Menschen unter Bombardierungen, Vertreibung und Repression leben.

Sie kann politischen Akteuren und Regimen dienen, die genau diese Darstellung benötigen, um international legitimiert oder von Verantwortung freigesprochen zu werden.

Gerade in konfliktreichen Kontexten ist Kultur also kein neutraler Raum. Die Entscheidung, wie und wo Kunst stattfindet, wer sichtbar gemacht wird und wer davon spricht, ist direkt politisch. Sie beeinflusst Narrative darüber, wie Konflikte wahrgenommen werden – ob als dauerhafte humanitäre Katastrophe, als Verhandlungsfeld, als Bühne für Diplomatie oder als „kosmopolitisches Spektakel“.

Verantwortung konkret denken

Sammlerinnen und Sammler tragen mehr Macht, als sie oft wahrnehmen. Jede Kaufentscheidung beeinflusst Sichtbarkeit, Preise und Diskurse. Wer bewusst Positionen unterstützt, die Konflikte thematisieren, kann aktiv gegen die Ästhetisierung von Gewalt wirken. Wer Käufe verweigert, kann politische Signale senden. In beiden Fällen ist Verantwortung keine Option, sondern Pflicht.

Galerien und Institutionen müssen wirtschaftliche Interessen endlich transparent machen. Woher stammen die Mittel? Unter welchen Bedingungen werden Ausstellungen realisiert? Welche Stimmen werden gezeigt, welche marginalisiert? Kuratorische Entscheidungen sind immer politisch – und die Entscheidung, diese sichtbar zu machen, kann zur ethischen Richtlinie werden.

Künstlerinnen und Künstler befinden sich in einem doppelten Spannungsfeld. Sie brauchen Sichtbarkeit und Märkte, sind zugleich aber die Stimme, die Ungerechtigkeit aufdeckt. Kunst ist nie neutral – doch sie kann strategisch genutzt werden, um Machtverhältnisse zu hinterfragen, anstatt sie zu reproduzieren.

Lösungen und Handlungsoptionen

Förderung kritischer Kunstprojekte: Stipendien, Residenzen und Plattformen gezielt für Werke bereitstellen, die Konflikte thematisieren und gesellschaftliche Widersprüche sichtbar machen.

Transparenzpflicht für Institutionen: Offenlegen, woher Mittel stammen, wie Kooperationen zustande kommen und welche politischen Interessen damit verbunden sind.

Bewusste Sammlerentscheidungen: Investitionen nicht nur nach Marktwert, sondern nach ethischer Relevanz und gesellschaftlicher Wirkung treffen.

Dialogräume schaffen: Kunst als Forum nutzen, in dem Konflikte nicht verschleiert, sondern verhandelbar werden – zwischen Markt, Moral und gesellschaftlicher Verantwortung.

Die Herausforderung liegt nicht darin, Widersprüche aufzulösen, sondern sie sichtbar zu halten. Kunst kann Brücken bauen – aber nur, wenn die Bedingungen dieser Brücken transparent und bewusst reflektiert werden.

In einer globalisierten Kunstwelt, in der Kapital, Macht und Kultur untrennbar verwoben sind, ist Haltung keine moralische Luxusfrage. Sie ist Voraussetzung für Glaubwürdigkeit und Wirksamkeit. Und letztlich für die Frage: Welche Rolle soll Kunst in einer Welt voller Konflikte spielen?

Russische Rückkehr zur Biennale Venedig 2026: Kunstfreiheit oder politische Normalisierung?

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Als Plattform für Künstler und Galerien fungieren wir als Schnittstelle zwischen den verschiedensten Bereichen aus der Kunstbranche und auch im Rahmen der Ausstellungsplanung stehen wir immer wieder im Austausch mit Künstlern und den Locations oder Ausstellungshäusern, die sich natürlich vor jeder Veranstaltung ein Bild vom Konzept und Künstler machen möchten. Und auch wenn sich bei uns Künstler bewerben oder wir Einblicke in aktuelle Arbeiten bekommen, merken wir, das auch erfahrene und ausdrucksstarke Künstler manchmal noch Schwierigkeiten haben, ihre Kunstwerke richtig zu fotografieren, zu organisieren und zu beschriften. Dabei ist es auch für Künstler sehr hilfreich, wenn sie die Archivarbeit von Anfang an selbst in die Hand nehmen.

Deshalb kommen im Folgenden einige Tipps, wie Künstler ihre Arbeiten richtig fotografieren, organisieren und beschriften können und warum es wichtig ist.

Im ersten Teil der Serie; geht es darum, wie auch ohne teures Equipment vernünftige Fotos für das Portfolio erstellt werden können. Künstler, die diese bereits haben oder sowieso mit professionellen Fotografen zusammenarbeiten, erfahren im zweiten Teil mehr Tipps zur Dateibenennung und möglichen Ordnerstrukturen für die Archivarbeit. 

Wenn Sie mit ihrer eigenen Struktur bereits zufrieden sind, erhalten im Folgenden noch ein paar Tipps, die Arbeit für potenzielle Galeristen und Kuratoren zu vereinfachen. Gleichzeitig möchten wir zeigen, warum gute Archivarbeit, die Grundlage eines jeden guten Ausstellungskonzeptes ist und wie Sie ihre eigenen Arbeiten pflegen und verwalten können.

Archivarbeit – Die Grundlage eines guten Ausstellungskonzeptes

Als Künstler ist es wichtig, nicht nur Ihre Kunstwerke kreativ zu gestalten, sondern auch effektiv zu verwalten und zu dokumentieren. Die Erstellung von Metadaten für Fotos Ihrer Kunstwerke, die regelmäßige Erstellung von Backups und die Organisation Ihrer Daten in einer Exceltabelle können Ihnen dabei helfen, Ihr Portfolio professionell zu verwalten und Ihre Werke optimal zu präsentieren. Hier sind einige Tipps, wie Sie Metadaten erstellen, Backups machen und Daten in eine Exceltabelle übertragen können:

Metadaten für Fotos der Kunstwerke erstellen

Metadaten sind zusätzliche Informationen, die in den Bilddateien gespeichert werden und wichtige Details über das Kunstwerk enthalten. Verwenden Sie Bildbearbeitungssoftware wie Adobe Lightroom oder kostenlose Tools wie ExifTool, um Metadaten wie Titel, Künstlername, Entstehungsjahr, Medium, Abmessungen und Beschreibung hinzuzufügen.

Achten Sie darauf, dass die Metadaten präzise und einheitlich sind, um eine eindeutige Identifizierung und Zuordnung Ihrer Kunstwerke zu ermöglichen. Verwenden Sie relevante Schlagwörter und Kategorien, um die Suche und Filterung Ihrer Fotos zu erleichtern.

Backup Ihrer Kunstwerksfotos

Erstellen Sie regelmäßig Backups Ihrer Kunstwerksfotos, um sicherzustellen, dass Ihre Dateien vor Datenverlust geschützt sind. Verwenden Sie externe Festplatten, Cloud-Speicherlösungen oder Online-Backup-Services, um Kopien Ihrer Dateien zu speichern. Denn auch wenn technische Geräte einmal den Geist aufgeben oder verloren gehen, starten Sie so nicht wieder bei 0.

Planen Sie automatische Backups oder führen Sie manuelle Sicherungen durch, um sicherzustellen, dass Ihre Daten immer gesichert sind. Überprüfen Sie regelmäßig die Integrität Ihrer Backups und stellen Sie sicher, dass alle wichtigen Dateien und Informationen enthalten sind.

Daten in eine Exceltabelle übertragen

Um Ihre Kunstwerksfotos effizient zu organisieren, können Sie eine Exceltabelle verwenden, um wichtige Informationen zu Ihren Werken zu erfassen. Erstellen Sie Spalten für Titel, Künstlername, Entstehungsjahr, Medium, Abmessungen, Beschreibung und andere relevante Daten. Andere relevante Daten sind von Künstler zu Künstler verschieden, aber beispielsweise kann der Preis, der Standort, der Käufer oder auch die Orte, wo ein Kunstwerk bereits ausgestellt wurde, im späteren Verlauf sehr interessant sein. Ebenso sollten Künstler mit Schlagwörtern arbeiten und ihre Arbeiten einem oder auch mehreren Themengebieten zuordnen.

Übertragen Sie die Metadaten Ihrer Kunstwerksfotos in die entsprechenden Spalten der Exceltabelle, um eine übersichtliche und strukturierte Datenbank Ihrer Werke zu erstellen.

Durch die effiziente Erstellung von Metadaten, regelmäßige Backups Ihrer Kunstwerksfotos und die Organisation Ihrer Daten in einer Exceltabelle können Sie Ihr Portfolio professionell verwalten und Ihr kreatives Schaffen optimal dokumentieren. Investieren Sie Zeit und Aufmerksamkeit in das Metadaten-Management, um Ihre Kunstwerke angemessen zu präsentieren und Ihre Karriere als Künstler voranzutreiben.

Alle Werke auf einen Blick – Die Grundlage für Ausstellungskonzepte

Jetzt können Sie Filter- und Sortierfunktionen nutzen, um all ihre Kunstwerke nach verschiedenen Kriterien zu organisieren und abzurufen. Auch wenn Werke bereits verkauft wurden, ergibt es Sinn, wenn Sie diese Werke bei sich im Portfolio führen. Spätere Galeristen und Kuratoren werden es Ihnen danken! Und natürlich haben Sie nun auch für sich selbst die beste Grundlage für Ausstellungskonzepte erschaffen. Denn wenn das nächste Mal eine Künstlerausschreibung ist, eine Galerie ein Call for Artists startet oder in Ihrer Region ein Stadtfest angekündigt wird – dann können Sie mit wenigen Klicks schauen, ob und welche Werke Sie auf Lager hätten, um sich an einer Ausstellung zu beteiligen.

Wenn Sie wissen wollen, wie Sie ein starkes Ausstellungskonzept erstellen, worauf Sie achten sollten und welche Partner und Sponsoren zu Ihnen passen, um ihre Wunschausstellung in der richtigen Location umzusetzen, dann nutzen Sie gerne unseren Kontakt. 

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Als Plattform für Künstler und Galerien fungieren wir als Schnittstelle zwischen den verschiedensten Bereichen aus der Kunstbranche. Und auch im Rahmen der Ausstellungsplanung stehen wir immer wieder im Austausch mit Künstlern und den Locations oder Ausstellungshäusern, die sich natürlich vor jeder Veranstaltung ein Bild vom Konzept und Künstler machen möchten. Und auch wenn sich bei uns Künstler bewerben oder wir Einblicke in aktuelle Arbeiten bekommen, merken wir, das auch erfahrene und ausdrucksstarke Künstler manchmal noch Schwierigkeiten haben, ihre Kunstwerke richtig zu fotografieren, zu organisieren und zu beschriften. Dabei ist es auch für Künstler sehr hilfreich, wenn sie die Archivarbeit von Anfang an selbst in die Hand nehmen.

Deshalb kommen im Folgenden einige Tipps, wie Künstler ihre Arbeiten richtig fotografieren, organisieren und beschriften können und warum es wichtig ist. Im zweiten Teil der Serie führen wir dann fort, wie die Dateibenennung aussehen kann und welche Möglichkeiten es für die Ordnerstruktur gibt.

Den ersten Teil der Serie „Kunstwerke richtig fotografieren, organisieren und beschriften“ finden Sie hier!

Nachdem Sie jetzt aussagekräftige und hochauflösende Fotos geschossen haben, möchten wir im zweiten Teil auf die Dateibenennung, mögliche Ordnerstrukturen und die Archivarbeit eingehen.

Kunstwerke organisieren und beschriften – Der Anfang der Archivarbeit

Wenn Sie erst am Anfang Ihrer künstlerischen Karriere stehen, dann können Sie sich jetzt freuen. Denn es ist deutlich einfacher, von Grund auf Struktur reinzubringen, als erst nach Jahren damit zu beginnen. Hunderte Kunstwerke aus verschiedenen Jahren, Stilen, Materialien und Techniken auf Ihrem Laptop oder Rechner zu sortieren und zu organisieren.

Am Anfang der Archivarbeit steht erstmal eine vernünftige Dateibenennung der Kunstwerke. Ein wichtiger Schritt für Künstler, um ihre digitalen Werke effizient zu organisieren und zu verwalten, potenziellen Kunden und Ausstellungspartnern Arbeit abzunehmen und gleichzeitig professionelles auftreten. Eine durchdachte und einheitliche Benennung der Dateien erleichtert nicht nur für Künstler selbst, die Identifizierung und Suche von Kunstwerken, sondern trägt auch dazu bei, wichtige Informationen zu speichern und den Überblick über das Portfolio zu behalten.

In der Kunstbranche ist es nicht selten der Fall, das ein Sammler oder eine Galerie auf einen Künstler aufmerksam wird und sich für dessen Entwicklung interessiert oder Werke zu einem bestimmten Thema sucht. Wenn dann Dateien mit dem Titel JPG14564 versendet werden – lässt es den Empfänger bereits ahnen, wie die Struktur des Künstlers aussieht – so eine Struktur, für ein gemeinsames Projekt oder eine Vernissage, deren Umsetzung vielleicht tausende Euros Budget benötigt? Dann lieber gleich Kunstwerke richtig benennen und abspeichern!

DATEIBENENNUNG

1. Titel des Kunstwerks: Der Dateiname sollte den Titel des Kunstwerks enthalten, um eine eindeutige Identifizierung zu ermöglichen. Verwenden Sie den offiziellen Titel des Werks oder eine verkürzte Version, die aussagekräftig und leicht verständlich ist.

2. Künstlername: Fügen Sie Ihren eigenen Namen oder Künstlernamen zum Dateinamen hinzu, um die Urheberschaft des Kunstwerks deutlich zu kennzeichnen. Dies ist besonders wichtig, wenn bspw. Kooperationen mit anderen Künstlern entstanden sind. Hilft aber auch sonst dabei, dem Empfänger – der vielleicht täglich dutzende Kunstwerke gesendet bekommt im Kopf zu bleiben.

3. Entstehungsjahr: Ergänzen Sie das Entstehungsjahr des Kunstwerks im Dateinamen, um die zeitliche Einordnung zu erleichtern und eine chronologische Sortierung zu ermöglichen. Dies hilft auch dabei, ältere und neuere Werke schnell zu unterscheiden.

4. Medium und Größe: Falls relevant, können Sie das Medium und die Größe des Kunstwerks im Dateinamen angeben, um zusätzliche Informationen bereitzustellen. Dies ist besonders hilfreich, wenn Sie verschiedene Techniken oder Formate verwenden.

5. Nummerierung: Verwenden Sie bei Serien oder mehrteiligen Werken eine numerische Nummerierung im Dateinamen, um die Reihenfolge oder Zusammengehörigkeit der Werke zu kennzeichnen. Dies erleichtert die Zuordnung von Werken innerhalb einer Serie.

Beispiel für eine Dateibenennung: „Selbstporträt_3von6_Sommer2021_AcrylCanvas_60x80cm_LillTindemann.jpg“

(Titel)_(Kennzeichnung Serie oder nicht)_(Entstehungsjahr)_(Technik)_(Größe)_(Künstlername).jpg

ORDNERSTRUKTUR

Beim Abspeichern Ihrer Kunstwerke ist es ratsam, eine gut strukturierte Ordnerstruktur auf Ihrem Computer anzulegen, um Ihre Dateien übersichtlich zu organisieren. Erstellen Sie separate Ordner für verschiedene Kategorien wie Gemälde, Skulpturen, Fotografien oder Serien, um eine einfache Navigation und Suche zu ermöglichen. Speichern Sie Ihre Dateien regelmäßig auf externen Festplatten oder Cloud-Speicherlösungen, um sicherzustellen, dass Ihre Werke vor Verlust oder Beschädigung geschützt sind.

Wenn Sie hunderte Kunstbilder aus verschiedenen Jahren und Stilen auf Ihrem Laptop organisieren möchten, ist eine gut durchdachte Ordnerstruktur entscheidend. Um eine überschaubare und schnelle Navigation und Verwaltung Ihrer Dateien zu gewährleisten. Hier ist eine Empfehlung für eine effiziente Ordnerstruktur, die Ihnen helfen kann, Ihre Kunstwerke übersichtlich zu sortieren und zu finden:

1. Hauptordner für Kunstwerke. Erstellen Sie einen Hauptordner mit dem Namen „Portfolio“. So können Sie alle Ihre Kunstbilder an einem zentralen Ort sammeln.

2. Unterteilung nach Jahren. Legen Sie Unterordner für jedes Jahr an, in dem Sie Kunstwerke erstellt haben (z.B. „2020“, „2021“, „2022“). Dies ermöglicht eine chronologische Sortierung Ihrer Werke.

3. Kategorisierung nach Stilen oder Techniken. Erstellen Sie separate Unterordner für verschiedene Kunststile oder Techniken, die Sie verwenden (z.B. „Abstrakt“, „Realismus“, „Fotografie“, „Skulpturen“).

4. Serien oder Projekte. Falls Sie Serien oder Projekte erstellt haben, legen Sie zusätzlich spezielle Unterordner für jede Serie an. Denn selbstverständlich kann ein Kunstwerk auch für mehrere Projekte verwendet worden sein.

Durch die sorgfältige Dateibenennung und Organisation Ihrer Kunstwerke können Sie nicht nur Ihre digitalen Werke effizient verwalten, sondern auch wichtige Informationen speichern und einen klaren Überblick über Ihr Portfolio behalten. Investieren Sie Zeit und Mühe in die eigene Archivarbeit um Ihr kreatives Schaffen optimal zu dokumentieren und zu präsentieren.

Weitere Informationen

Im späteren Verlauf, werden Sie es sich selbst danken, wenn Sie innerhalb von wenigen Klicks maßgeschneiderte Ausstellungskonzepte erstellen können. Im 3. Teil der Serie „Kunstwerke richtig fotografieren, organisieren und beschriften“ vertiefen wir die Archivarbeit. Und zeigen, wie sich Ausstellungskonzepte daraus ziehen lassen.

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Deshalb kommen im Folgenden einige Tipps, wie Künstler ihre Arbeiten richtig fotografieren, organisieren und beschriften können und warum es wichtig ist. Im zweiten Teil der Serie führen wir dann fort, wie die Dateibenennung aussehen kann und welche Möglichkeiten es für die Ordnerstruktur gibt.

Tipps für Künstler: Kunstwerke richtig fotografieren

Professionelle Fotografie: Investieren Sie Zeit und Mühe bei der Erstellung hochwertiger Fotos der Kunstwerke. Verwenden Sie gleichmäßiges, natürliches Licht, einen neutralen Hintergrund und verschiedene Perspektiven, um alle Details und Dimensionen Ihrer Werke einzufangen. Wenn am Ende noch ein Rand bei einem Foto übersteht, der nichts mit dem Werk an sich zu tun hat, dann lässt sich dieser auch ohne großen Aufwand schnell und einfach entfernen – minimaler Aufwand, der die gesamte Wahrnehmung des Kunstwerkes aber positiv beeinflusst.

Oft fertigen Galerien und Ausstellungshäuser zwar im späteren Verlauf auch noch selbst Fotos an, aber für eine Bewerbung oder um sich einen schnellen Überblick verschaffen zu können, ist es wichtig, das die Künstler auch zwischen den Zeilen zeigen, das ihnen ihre eigene Kunst wichtig ist und das wird immer mit der Liebe zum Detail ausgedrückt.

Selbiges gilt für die Pressearbeit und den Verkauf. Den Magazine, Zeitungen und Online-Portale, Online-Galerien und Shops können oft nur mit dem Material arbeiten, was die Künstler  zur Verfügung stellen – auf Ausstellungen und Veranstaltungen machen Pressevertreter in der Regel selbst Bilder, aber es ist für alle Beteiligten hilfreich und vereinfacht die Zusammenarbeit, wenn von Anfang an aussagekräftige Fotos von den Künstlern gestellt werden.

Kunstwerke gut fotografieren auch ohne teures Equipment

1. Natürliches Licht nutzen: Suchen Sie nach einem gut beleuchteten Bereich in Ihrer Wohnung oder Ihrem Atelier, um die Kunstwerke zu fotografieren. Vermeiden Sie direktes Sonnenlicht, da dies zu harten Schatten und Überbelichtung führen kann. Generell sollten Kunstwerke, egal welches Alters jedoch den Kontakt mit Sonnenlicht bestenfalls vermeiden. Ein Fenster mit indirektem Tageslicht ist oft eine gute Lichtquelle.

2. Stabile Unterlage verwenden: Legen Sie Ihr Kunstwerk auf eine stabile Unterlage, um Verwacklungen während der Aufnahme zu vermeiden. Verwenden Sie gegebenenfalls ein Stativ. Oder legen Sie Ihr Smartphone oder Kamera auf eine ebene Fläche, um eine ruhige Aufnahme zu gewährleisten.

3. Richtige Perspektive wählen: Fotografieren Sie Ihr Kunstwerk aus verschiedenen Blickwinkeln, um alle Details und Dimensionen einzufangen. Experimentieren Sie mit verschiedenen Perspektiven, um interessante und ansprechende Aufnahmen zu erhalten. Das ausführliche Portfolio müssen Sie jedoch nur versenden, wenn danach gefragt wurde. Ansonsten reicht in der Regel eine Aufnahme, auf der das gesamte Werk zu sehen ist, um sich einen ersten Eindruck zu verschaffen.

4. Einfacher Hintergrund: Verwenden Sie einen neutralen und unauffälligen Hintergrund, um sicherzustellen, dass Ihr Kunstwerk im Fokus steht. Ein einfacher weißer oder grauer Hintergrund eignet sich gut, um Ablenkungen zu minimieren und Ihr Werk hervorzuheben.

5. Smartphone-Kamera verwenden: Moderne Smartphone-Kameras bieten oft eine gute Bildqualität und zahlreiche Einstellungsmöglichkeiten. Nutzen Sie die Funktionen Ihrer Smartphone-Kamera, um die Belichtung, den Fokus und andere Parameter anzupassen.

6. Bildbearbeitungs-Apps nutzen: Verwenden Sie kostenlose Bildbearbeitungs-Apps wie Snapseed, Adobe Lightroom Mobile oder VSCO, um die Farben, Kontraste und Schärfe Ihrer Fotos zu optimieren. Mit einfachen Bearbeitungswerkzeugen können Sie Ihre Aufnahmen verbessern und professioneller wirken lassen. Hier ist es jedoch wichtig, das die Farben des Kunstwerkes selbst, nicht verfälscht werden, da dies die Einschätzung eines Auktionshauses oder einer Galerie natürlich extrem beeinflussen kann. Bildbearbeitungsprogramme sind also nur der letzte Schliff, um das Kunstwerk auf einem Foto so originalgetreu wie möglich darzustellen.

Durch die Anwendung dieser Tipps können Sie auch ohne teures Equipment oder professionelle Fotografen beeindruckende Fotos Ihrer Kunstwerke erstellen. Nutzen Sie natürliches Licht. Eine stabile Unterlage, die richtige Perspektive und einfache Bildbearbeitungswerkzeuge, um Ihre Werke ansprechend zu präsentieren und Ihr Talent angemessen zu zeigen.

Weitere Informationen

Im zweiten Teil der Serie, gehen wir auf die Dateibenennung und Ordnerstruktur ein – die Grundlage eines jeden Ausstellungskonzeptes. Archivarbeit: Kunstwerke richtig fotografieren, organisieren und beschriften #2 – Arttrado.de

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1760 gründete André Chenue sein Unternehmen, mit dem er am französischen Hof als sogenannter „Layetier“ für die Wäsche von Marie-Antoinette zuständig war. Zunächst kümmerte er sich um die sorgfältige Verpackung der Leibwäsche der Königin und ihrer Kinder. Später wurde Chenue mit der Herstellung von „Layettes“ – Kisten, Verschlägen und Truhen – beauftragt, die für die Aufbewahrung und den Transport der Kleidungsstücke sowie des persönlichen Besitz von Marie-Antoinette notwendig waren. Denn Reisetruhen auf Kutschen wurden zu dieser Zeit rau behandelt, kostbare Kleidung musste sorgfältig und sicher verpackt werden, um unbeschädigt am Ziel anzukommen. Mit maßgeschneiderten Kisten und Koffern konnte der Besitzstand der Königin wie in dieser Zeit üblich von Schloss zu Schloss ziehen, ohne großen Schaden zu nehmen.

Heute sind die Herausforderungen an den Transport von Kunst und Wertgegenständen nicht weniger anspruchsvoll. Was in Zeiten des Ancien Régime die furchige Landstraße war, sind heute die Packstraßen und Förderbänder der großen Versandunternehmen. Denn der Kunsthandel operiert mittlerweile global. Internet und E-Commerce ermöglichen es Sammlern weltweit, an Online-Auktionen teilzunehmen oder Kunstwerke über Online-Plattformen zu erwerben. Daneben spielen soziale Medien inzwischen eine entscheidende Rolle bei der Vermarktung von Kunst und Künstlern, die sich und ihre Werke auf Plattformen wie Instagram präsentieren und darüber mit internationalen Käufern in Kontakt treten.

 

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Durch den Anstieg des globalen Kunsthandels müssen Kunstwerke deshalb immer häufiger über große Entfernungen transportiert werden, gleichzeitig steigen auch die Kundenerwartungen an einen schnellen und kostengünstigen Versand wie sie es vom normalen Online-Handel gewohnt sind.

Smarte Plattform

Mit Moviiu hat die Firmengruppe um Chenue nun eine smarte Plattform entwickelt, die maßgeschneiderte Lösungen für den sicheren und individuellen Versand von Kunstwerken im digitalen Zeitalter anbietet. Entwickelt wurde die innovative Versandlösung bereits im Jahr 2020 durch die Zusammenarbeit von IT-Experten und hochspezialisierten „Kistenmachern“ der Kunstspedition Chenue, die für das sorgfältige Verpacken der oft hochsensiblen Kunstwerke noch heute verantwortlich sind. Das Ergebnis ist eine widerstandsfähige Kartonage-Verpackung, die individuell auf Kunstwerke und Wertgegenstände zugeschnitten wird und einen sicheren Transport gewährleistet.

KI-basiertes Online-Tool

Über ein KI-basiertes Online-Tool auf der Webseite, über das Kunden Angaben zu den Lieferdetails wie Abhol- und Anlieferadresse sowie Abmessungen der Kunstwerke eingeben können, werden Verpackungsgröße, Transportpreis und Versandbedingungen digital berechnet. In wenigen Schritten erstellt das Online-Tool damit ein auf das Kunstwerk zugeschnittenes Angebot. Und ermöglicht zudem die Echtzeitverfolgung der Sendung von Abholung bis zur Auslieferung, sobald das Kunstwerk verpackt und auf dem Weg zum Kunden ist.

In der Schweiz und in Frankreich bietet Moviiu seine smarte Versandlösung bereits seit drei Jahren an. Mit dem Aufbau neuer Verpackungs- und Logistikzentren in Berlin und Düsseldorf können Moviiu Kunden seit November diesen Jahres ihre Kunstwerke auch von Deutschland aus in alle Welt zu verschicken. So konnten insgesamt schon über 900 Kunstwerke versendet werden – und wenn der digitale Handel mit Kunst weiter so rasant zunimmt, könnten es in Zukunft noch viele mehr werden.

Weitere Informationen

Zur Webseite: Express-Transport von Kunst – Moviiu

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Künstler nutzen ihre Werke im Optimalfall nicht nur als Sprachrohr, sondern verstehen sich bestenfalls parallel als Kunstvermittler und versuchen so auch immer ein Kunstfernes Publikum anzusprechen, um den Dialog und Austausch zu fördern. Wenigen Künstlern gelingt dies so gut, wie dem Erfurter Marc Jung.

Nächstes Jahr ist der Künstler Teil einer Gruppenausstellung im Bundestag, anlässlich des Geburtstags der Grundgesetze. Im Interview kommen wir auch noch einmal auf vergangene Projekte zu sprechen und versuchen in Erfahrung zu bringen, ob es auch Promis gibt, mit denen Marc Jung nicht arbeiten würde und wie sich der Ukraine-Krieg auf das Verhalten von Kunstsammlern auswirkt.

(Ein verspätetes) Interview mit Marc Jung

Unser letztes Interview ist fast 2 Jahre her, seit dem ist sicherlich viel passiert – wie geht es dir, wo bist du grade und wodran arbeitest du aktuell?

Sorry, für das lange Warten auf meine Antworten. Jetzt ist es schon über 3 Jahre her, seit dem letzten Interview. Letztes Jahr war ich einfach etwas überwältigt vom Arbeit für die parallelen 2 Solo Shows im Kunstraum Potsdam und in der Galerie Lachenmann Art in FFM und 3 parallelen Gruppenausstellungen.

Ich habe so viele neue Arbeiten in 2 Monaten geschaffen, wie sonst in 2 Jahren. Aber zum Glück weiss ich, wie produktiv und effektiv ich Arbeiten kann, wenn es darauf ankommt. Das ist Fluch und Segen zu gleich. Deshalb bleiben 400 Mails liegen, die ich gerade abarbeite und deshalb kommt auch jetzt erst meine Antwort zu dir.

Du warst zu dem Zeitpunkt erst ein paar Tage aus Mexiko zurück. War der Ausflug beruflich oder privat?

Tatsächlich war das wirklich mal eine kleine private 14 Tage Auszeit letztes Jahr, was ich relativ selten mache. Dazu haben mich auch Freunde überredet, da ein paar von ihnen auch dort waren.

Ach ja, Glückwunsch nachträglich zu der erfolgreichen Charity-Aktion. 14.500€ für den Verein „Ukrainische Landsleute in Thüringen“. Ist es dir wichtig, dich mit deiner Kunst auch für soziale Projekte einzusetzen?

Vielen Dank! Es gab noch ein 2. kleineres Bild mit Till, was wir auch nochmal für 3.500€ versteigert haben. Ich hatte auch noch ein Live Painting in Erfurt gemacht für die Thüringer Bachwochen, welches wir für 6.666€ versteigert haben, was auch Ukrainischen Künstlern zu Gute kam.

Tatsächlich finde, ich dass jeder etwas zurückgeben sollte, wenn er es kann. Auf welche Art und Weise auch immer. Ich habe auch sehr viele tolle Leute kennengelernt, die mir immer weitergeholfen haben auf meinen letzten 20 Jahren.

Kooperationen mit Felix Lobrecht, Rooz, Till Lindemann… gibt es eigentlich auch irgendwelche Promis mit den du nicht arbeiten würdest?

Irgendwie habe ich mir das Glück erarbeitet, bisher nur in Kontakt mit Künstlern zu kommen, die ich für Ihre Arbeit schätze. Für mich ist es eine große Ehre Künstler zu treffen, die ich selber seit Jahren als Fan gefeiert habe und die deine Arbeit auf einmal auch sehr wertschätzen.

Da gab es schon sehr viele tolle Momente, die daraus entstanden sind. Natürlich mag ich auch nicht alle Künstler gleich und würde natürlich auch nicht mit jeden zusammenarbeiten.

Du warst sogar bei Niko Backspin zum Podcast eingeladen. Das du tief in der Hip-Hop Kultur verwurzelt bist, ist kein Geheimnis mehr. Aber du bist, glaube ich – der erste und einzige bildende Künstler, der in der Podcast-Serie „Was ist Rap für dich?“ eingeladen wurde. Wie kam die Zusammenarbeit zustande?

Niko Backspin und Rooz sind absolute Legenden im HipHop und deshalb habe ich sie auch schon sehr lange verfolgt. Und ich habe mich natürlich gefreut mit beiden persönlich zusammen zu arbeiten.

Niko hatte ich in Hamburg während der Millerntor Gallery von Viva con Aqua 2019 endlich persönlich kennengelernt. Dabei habe ich ihm gesagt, dass es mir eine Ehre wäre in einem seiner Formate aufzutauchen und dann hat er mich zum Podcast „Was ist Rap für dich?“ eingeladen. Das war mega!

Die Podcast-Folge können Sie sich hier noch einmal anhören:
Marc Jung – Laut, aggressiv und nach vorne – Was ist Rap für Dich…?!? 

Wo können Kunstfreunde dich oder zu mindestens deine Werke in den nächsten Monaten besuchen/erwarten?

Ich hatte letztes Jahr noch zum Tag der Deutschen Einheit das 2x2m große Signet gestaltet, was in Erfurt präsentiert wurde und der Bundeskanzler Scholz, der Bundespräsident Steinmeier , der Thüringer Ministerpräsident Ramelow, u.a. unterzeichnet haben.

Ich habe Olaf Scholz schon vor der Bundestagswahl kennengelernt und ihm einen Katalog geschenkt und er hat sich in einem Brief bedankt und sein Interesse bekundet. Deshalb hat es uns gefreut, dass wir uns da wieder gesehen haben. Das war eine Ehre für mich, weil ich aus der ehemaligen DDR stamme und nach der Wende in Freiheit aufwachsen konnte und mein Heimatbundesland mich dafür angefragt hat und es auch wieder die Brücke zur Bundesebene geschlagen hat, wie mit dem Bildankauf 2020.

Es gibt Gerüchte… 2024 bist du im Bundestag?

2024 werde ich teil einer Gruppenausstellung im Bundestag sein, anlässlich des Geburtstags der Grundgesetze. Ich werde ich mich mit einem Gesetz auseinandersetzen, eine Arbeit abliefern, die erst ausgestellt und gleichzeitig angekauft wird. Darauf freue ich mich sehr.

Für diesen Sommer ist wieder eine Gruppenausstellung meiner Wiener Galerie Gerald Hartinger in Velden am Wörthersee und eine weitere Gruppenausstellung bei der Galerie Lachenmann Art in FFM geplant.

Aber es kann sich jederzeit wieder was spontanes ergeben, wie die Solo Show in Wiesbaden zu Beginn des Jahres.

Einen Rückblick zur Solo Show in Wiesbaden finden Sie auf dem YouTube-Kanal des Künstlers!

Welchen Beruf hättest du eigentlich gewählt, wenn es mit der Kunst nicht geklappt hätte?

Ich habe während meiner normalen Studienzeit auch noch ein Lehramtsstudium parallel zum Meisterschüler Studium in Dresden gemacht. 2011 Kunst Diplom in Weimar, 2012 1. Staatsexamen Doppelfach Kunst und 2014 1. Staatsexamen Drittfach Sport für Gymnasium in Jena. 2014 habe ich auch den Meisterschüler beendet. Ich habe auch ein paar Projektwochen an Schulen gemacht und dass war /ist mein Backup für schlechte Zeiten und für meinen Hinterkopf als Beruhigung.

Aber darüber musst du dir ja zum Glück keine Gedanken machen. Ohne zu schleimen – gehörst du definitiv zu den wenigen Künstlern, die auch über einen langen Zeitraum und auch in der Krise kontinuierlich abliefern. Hast du ein Tipp für andere Künstler, ihre Karriere in Schwung zu bringen?

Tatsächlich war ich sehr überrascht, dass es auch während Corona sehr gut weiterlief mit Verkäufen, weil die Leute mehr Zeit zu Hause verbracht haben und nicht reisen konnten, etc. Vielen Dank nochmal an die Sammler. Jetzt läuft es natürlich immer noch verhältnismäßig gut. Aber man merkt, jetzt schon, dass die Leute seit dem Krieg in der Ukraine nochmal anders verunsichert sind und das ist auch verständlich, nachdem man erst die Corona Zeit hinter sich gebracht hat und gleich die nächste Katastrophe kam.

Das Wichtigste ist natürlich eine eigenständige künstlerische Position zu erarbeiten und die Kontinuität!

Was war bisher dein schönstes Feedback?

Wie schon gesagt, freue ich mich immer über die Kooperationen mit anderen Künstler, die ich feiere oder mit anderen Leuten, die auch in anderen Bereichen sehr erfolgreich sind und immer gern lobende Worte für meine Künstlerische Position und Entwicklung übrig haben. So zum Beispiel Felix Lobrecht, der mir sagte,
ich soll mich nicht abfucken, dass ich nur 6500 Follower auf Insta habe, weil ich trotzdem der King bin in dem was ich mache! Oder Till, der mir in Dubai ins Ohr flüsterte: „Du machst schon gute Sachen!“ und ich antwortete: „Ja, ihr macht auch schon gute Sachen seit 30 Jahren!“

Und deine härteste Kritik?

Bin ich wohl selbst!

Was ist der Sinn des Lebens?

EINER MUSS DIE SCHEISSE JA MACHEN!

Danke dir für deine Zeit und Mühe! Hoffentlich sehen wir uns nächstes Jahr im Bundestag! 

Weitere Informationen

Weitere Informationen über Marc Jung gibt es auf seiner Website: www.jungmarc.com

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Mit dem Ziel, Kultur und Nachwuchs im Bereich des Möbeldesigns nachhaltig zu fördern, sponsert der in Leipzig ansässige digital-stationäre Händler für Designermöbel smow im Rahmen der Grassimesse 2023 erstmals einen eigenen Preis. Auf der Suche nach innovativen Konzepten und Produkten, dem ehrlichen Umgang mit Material sowie einem nachhaltigen Gestaltungsansatz, soll der smow Designpreis vor allem Gestalter:innen aus dem Bereich Wohndesign fördern. Der Preis ist mit 2.500 € dotiert.

„Im Segment Möbeldesign Fuß zu fassen und sein Talent und Know-how ausbauen zu können, ist schwer. Mit dem smow Designpreis möchten wir dem Nachwuchs einen Anreiz geben, sich dafür zu begeistern und einzubringen. Zum anderen möchten wir die jungen Talente der Branche stärken. Denn so können wir etwas davon zurückgeben, wovon wir als Möbelhändler langfristig profitieren“, erklärt smow Gründer und Designpreis-Initiator Jörg Meinel. Auch Synergien mit den zukünftigen Gewinner:innen hinsichtlich einer Zusammenarbeit sind für den Designmöbelhändler smow denkbar.

smow & GRASSI Museum

smow ist durch den regionalen und thematischen Bezug eng mit dem GRASSI Museum für Angewandte Kunst und der zugehörigen und jährlich stattfindenden Grassimesse verbunden, die als Kunstausstellung und Verkaufsmesse fungiert sowie auch international eine hohe Anerkennung genießt. Zu smow gehört auch der an das GRASSI angegliederte Museumsshop, in dem Kunst- und Kulturinteressierte neben Publikationen und Begleitartikeln zu den jeweils aktuellen Ausstellungen auch Bücher und Produkte zum Kunsthandwerk sowie Accessoires und Geschenkartikel finden können. Nun geht smow noch einen Schritt weiter und ruft den smow Designpreis ins Leben.

Die Initiierung und Förderung eines Nachwuchspreises ist für smow aber keineswegs Neuland. 2005 sponserte smow einen deutschlandweiten Ideenwettbewerb für Architekturstudenten an der Bauhaus-Universität Dessau unter dem Juryvorsitz von Ulrich Müther, bei dem Ideen für einen mobilen smow Showroom gesucht wurden, um die damaligen Brachflächen Leipzigs kreativ und kulturell zu nutzen. Außerdem engagiert sich smow als Förderer beim Internationalen Marianne Brandt Wettbewerb.

Grassimesse 2023

Die Grassimesse findet in diesem Jahr vom 20. bis 22. Oktober 2023 in Leipzig statt. Bereits am 19. Oktober werden die verschiedenen Preise verliehen; den smow Designpreis überreicht an diesem Abend Jörg Meinel. Ab sofort kann man sich für einen Stand auf der Grassimesse 2023 bewerben. Der Bewerbungsprozess endet am 12. Mai 2023. Dann wählt eine unabhängige 10-köpfige Jury aus den eingereichten Arbeiten die Preisträger:innen für 2023 aus.

Mehr Informationen zur diesjährigen Grassimesse sind hier zu finden!

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