Mit „Seit ich auf Erden bin“ zeigt der Künstler Matthias Göhr ein Werk, das sich zwischen Malerei, innerer Reflexion und emotionaler Verdichtung bewegt. Das quadratische Format von 70 × 70 cm wirkt dabei wie ein in sich geschlossenes Denkfeld – ein Raum, in dem sich Erinnerung, Gegenwart und Imagination überlagern.

Technisch basiert das Werk auf Dispersion auf Leinwand. Dabei handelt es sich um eine wasserbasierte Acrylfarbe, deren Bindemittel feine Pigmente dauerhaft miteinander verbindet. Die Farbe trocknet matt bis seidenmatt auf und ermöglicht sowohl transparente als auch dichte, lasierende Schichtungen – ein Medium, das in der zeitgenössischen Malerei häufig für seine Vielschichtigkeit und Stabilität eingesetzt wird.

Charakteristisch für Göhrs Arbeitsweise ist der offene, prozesshafte Entstehungsweg: Er arbeitet oft parallel an mehreren Leinwänden, meist am Boden liegend und zunächst ohne klassischen Keilrahmen. Die Farbe entsteht aus selbst hergestellten Pigment-Acryl-Mischungen, wodurch jede Oberfläche eine eigene materielle Handschrift trägt. Erst in einer späteren Phase wird die Leinwand auf einen Rahmen gespannt, wenn die kompositorische Struktur bereits angelegt ist und weitere malerische Verdichtung erfolgt.

Inhaltlich beschreibt das Werk eine introspektive Bewegung. Göhr selbst versteht das Bild als eine Art gedankliche Reise. Ein Nachdenken über das Leben mit all seinen Gegensätzen – über Schönheit und Verlust, über Vergänglichkeit, Erinnerungen, Wünsche und das, was möglicherweise noch bevorsteht. Dabei bleibt das Motiv bewusst offen und nicht erzählerisch festgelegt. Vielmehr entsteht ein Zustand, der sich zwischen Gefühl und Wahrnehmung bewegt und sich erst im Blick der Betrachtenden vollständig entfaltet.

Besonders prägnant ist die Farbgebung: Das Grün markiert eine neue Phase im Werk des Künstlers. Es ist das erste Mal, dass Figuren in dieser spezifischen Farbwelt erscheinen. Das Grün verweist dabei nicht nur auf Natur, sondern auch auf Wandel und Neubeginn – eine Assoziation, die der Arbeit eine subtile, fast leise Hoffnung einschreibt.

Trotz seiner konzeptuellen Tiefe bleibt das Bild offen und zugänglich. Es ist ein typisches Werk von Göhr in seiner strukturellen Anlage. Es unterscheidet sich jedoch deutlich in der Farbigkeit von früheren Arbeiten und markiert damit zugleich Kontinuität und Veränderung innerhalb seiner künstlerischen Entwicklung.

„Seit ich auf Erden bin“ ist ein Bild, das weniger eine eindeutige Antwort gibt als vielmehr einen Raum öffnet. Ein Raum für Erinnerung, Wahrnehmung und das eigene innere Erzählen.

 

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Der Künstler Matthias Göhr

Matthias Göhr ist ein freischaffender Maler aus der Pfalz, der seit 1992 kontinuierlich in Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten ist. Seine Arbeiten wurden dabei sowohl in regionalen Kulturinstitutionen als auch auf Kunstmessen und in Galerien im deutschsprachigen Raum gezeigt.

Ein wichtiger Schwerpunkt seiner Ausstellungstätigkeit liegt in Süddeutschland und angrenzenden Regionen. So war er unter anderem mit Einzelausstellungen wie „Sehnsucht“ im Kreishaus Südliche Weinstraße vertreten, wo seine Werke einem breiten Publikum im öffentlichen Raum präsentiert wurden.

Auch in kleineren Galerien und Projekträumen war Göhr regelmäßig präsent. Etwa mit Ausstellungen wie „Seelenzauber“ in der Galerini, die seine malerische Bildwelt im Kontext zeitgenössischer Gruppen- und Einzelausstellungen zeigte.

Darüber hinaus ist seine Arbeit auch im Messekontext sichtbar geworden. Göhr nahm wiederholt an Kunstmessen und jurierten Ausstellungen teil. Darunter etwa die Art Karlsruhe sowie weitere regionale und internationale Formate im Bereich zeitgenössischer Malerei.

Seine Werke werden dabei häufig im Rahmen von thematischen Gruppenausstellungen gezeigt, die sich mit Natur, Figur, Erinnerung und inneren Bildwelten beschäftigen. Kritisch beschrieben wird seine Malerei oft als eine Verbindung aus narrativer Offenheit und atmosphärischer Verdichtung. Bilder, die zwischen figurativer Andeutung und abstrakter Auflösung oszillieren.

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Der globale Kunstmarkt war schon immer eng mit wirtschaftlicher und politischer Stabilität verknüpft. Historisch entstanden wichtige Kunstzentren meist dort, wo Kapital, Infrastruktur und internationale Mobilität zusammenkamen – etwa in Paris im frühen 20. Jahrhundert, später in New York oder London. Die Golfregion versucht seit etwa zwei Jahrzehnten, diese Dynamik strategisch zu nutzen. Mit kulturellen Großprojekten wie dem Louvre Abu Dhabi, geplanten Museumskomplexen wie dem Guggenheim Abu Dhabi und internationalen Kunstmessen wie Art Dubai positionieren sich die Emirate als kulturelle Schnittstelle zwischen Europa, Asien und Afrika.

Aus Sicht des Kunstmarkts ist diese Strategie nachvollziehbar: Während etablierte Zentren wie London oder New York unter steigenden Kosten, strengeren Regulierungen und geopolitischen Spannungen leiden, versuchen neue Regionen, Sammler, Galerien und Institutionen anzuziehen. Der Golf profitiert dabei von steuerlichen Vorteilen, massiven staatlichen Investitionen und einer wachsenden lokalen Sammlerszene.

Doch die aktuelle geopolitische Lage zeigt auch die strukturelle Verwundbarkeit dieses Modells. Der internationale Kunsthandel basiert stark auf physischer Mobilität: Sammler reisen zu Messen, Werke werden über internationale Logistiknetzwerke transportiert, und große Verkäufe entstehen oft im direkten persönlichen Austausch. Sobald Flugverkehr, Versicherungen oder Transportwege unsicher werden, reagiert der Markt empfindlich.

Fragmentierung des globalen Kunstmarkts

Analysten beobachten deshalb zunehmend eine Fragmentierung des globalen Kunstmarkts. Anstatt eines klaren Zentrums entstehen mehrere regionale Knotenpunkte – etwa Hongkong für Asien, New York für Nordamerika und Dubai oder Abu Dhabi für den Nahen Osten. Diese Entwicklung könnte den Markt langfristig resilienter machen, führt aber kurzfristig zu stärkerer Volatilität.

Für Galerien, Künstler und Sammler bedeutet das eine strategische Neuorientierung. Diversifikation von Märkten, hybride Messeformate und digitale Vertriebsplattformen werden zunehmend zu festen Bestandteilen des Kunsthandels. Gleichzeitig bleibt das Vertrauen in politische Stabilität ein entscheidender Faktor: Kunstmärkte wachsen meist dort am stärksten, wo Investoren langfristige Sicherheit erwarten.

Die glitzernden Pavillons von Art Dubai und der geplanten Frieze Abu Dhabi-Messe markieren seit Jahren einen strategischen Machtwechsel im globalen Kunstmarkt: Die Perspektiven rücken vom traditionellen Nord- und West Zentrum hin zu neuen Wachstumsregionen wie dem Nahen Osten. Doch aktuell prallt auf dieses Wachstum ein harter geopolitischer Schlag: Der Krieg im Nahen Osten, inklusive der iranischen Angriffe auf die Vereinigten Arabischen Emirate, hat nicht nur politische, sondern auch kulturelle Konsequenzen. Flughäfen schließen zeitweise, der Tourismus geht spürbar zurück und wichtige Logistikachsen sind unterbrochen – all das erschüttert das Netzwerk, auf dem der globale Kunsthandel beruht. (welt.de)

Wachstum unter Spannung – Marktanalysen und Stimmen aus der Branche

Laut dem Art Basel & UBS Global Art Market Report 2026 zeigte der internationale Kunstmarkt 2025 ein moderates Wachstum, blieb aber weiterhin verwundbar gegenüber geopolitischen Risiken. Clare McAndrew, Gründerin des Marktanalyse-Instituts Arts Economics, schrieb dazu:

*„Der Markt … operierte weiterhin in einem volatilen geopolitischen Umfeld, insbesondere im grenzüberschreitenden Handel …“* (ft.com)

Und Noah Horowitz, CEO von Art Basel, ergänzt: *„Obwohl gestiegene Kosten, geopolitische Unsicherheiten und Bedenken wegen Zöllen weiterhin das Geschäft beeinflussen, hat sich das Käufervertrauen im Laufe des Jahres verbessert …“*

Diese Einschätzungen zeigen, dass der internationale Kunstmarkt zwar in verschiedenen Regionen expandiert, dabei aber stärker als je zuvor von äußeren politischen Kräften beeinflusst wird.

Direkte Stimmen aus den Golf-Messen

Trotz der Zuspitzung der Lage halten die Messeveranstalter an ihren Programmen vorsichtig fest – und betonen gleichzeitig die Bedeutung von Kultur und Kreativität für die Region.

Aus der offiziellen Pressemitteilung zur Art Dubai 2026, deren Sprecherin Dunja Gottweis, Fair Director von Art Dubai, erklärte:

„Seit 20 Jahren prägt Art Dubai Dubais kreative Identität und steht heute als eine der weltweit markantesten Kunstmessen in einer der dynamischsten Städte der Welt Kultur und Kreativität bilden eine lebendige und beständige Kunstszene in Dubai und unterstützen ein globales Netzwerk von Künstlern, Galeristen, Sammlern und Kuratoren.“ (artdubai.ae)

Auf Nachfrage äußerte ein Sprecher der Messe gegenüber der *Welt*, dass es einen „täglichen Dialog mit Galerien aus der Region und internationalen Sammlern“ gebe und dass das Wohlergehen aller im Zentrum stehe. Gleichzeitig bekräftigte er, man gehe davon aus, dass die Messe „gestärkt aus dieser Situation hervorgehen wird“. (welt.de)

Abu Dhabi Art / Frieze Abu Dhabi – Vision und Wachstum

Auch in Abu Dhabi betonen die Veranstalter die Bedeutung ihres Events. In einer Pressemitteilung zur letzten Ausgabe von *Abu Dhabi Art* heißt es aus der Leitung:

„Die aktuelle Ausstellerliste mit über 140 Galerien aus 37 Ländern spiegelt den wachsenden Sammlermarkt in Abu Dhabi und die starke staatliche Förderung der kreativen Industrie wider. Die Messe verbindet Künstler, Sammler und ein Publikum im Dialog, der Grenzen überschreitet und neue Möglichkeiten schafft.“

Die Messe soll 2026 als Frieze Abu Dhabi neu starten, ein Meilenstein in der globalen Expansion des Frieze‑Netzwerks. (en.wikipedia.org.)

Prognose: Wenn der Krieg anhält

Fachleute sehen mehrere Szenarien für den Kunstmarkt in Dubai/Abu Dhabi:

Nachhaltige Unsicherheit: Internationale Galerien könnten ihre Präsenz reduzieren, Sammlerreisen werden unregelmäßiger. Hochpreisige Werke könnten stärker in etablierten Märkten wie London, New York oder Hongkong gehandelt werden.

Regionale Konsolidierung: Lokale Käufer und institutionelle Sammler übernehmen eine größere Rolle, unterstützt durch staatliche Fördermaßnahmen. Das Emirat könnte sich als „resilientes, regionales Zentrum“ stabilisieren, jedoch global weniger relevant werden.

Digitale Erweiterung: Virtuelle Messen, Online-Auktionen und hybride Formate gewinnen an Bedeutung – sie halten internationale Reichweite aufrecht, verändern aber klassische Messeerlebnisse.

Fazit:

„Wenn der Krieg nicht gestoppt wird, wird der Golfmarkt für internationale Sammler volatil bleiben. Preise könnten stagnieren oder lokal verschoben werden, während hybride Formate und regionale Käufer stärker in den Vordergrund rücken.“ – Marktanalysten, Art Basel & UBS Report 2026.

Ob sich die Golfregion trotz geopolitischer Spannungen als neues Zentrum des Kunstmarkts behaupten kann, wird sich in den kommenden Jahren entscheiden – auf den Messebühnen von Dubai, Abu Dhabi und darüber hinaus.

Praxis-Guide für Galerien, Künstler und Sammler

Die aktuelle Situation zeigt, dass der Kunstmarkt zunehmend von geopolitischen Risiken abhängig ist. Wer jetzt professionell handelt, kann Marktanteile sichern und Risiken minimieren.

Strategien in Zeiten geopolitischer Unsicherheit

Galerien – Risikomanagement und Marktresilienz

Hybride Präsenz etablieren: Messeauftritte mit digitalen Formaten kombinieren (virtuelle Rundgänge, Online-Kataloge, digitale Auktionen.

Logistik & Versicherung optimieren: Notfalllager, alternative Transportwege und abgesicherte Versicherungspolicen prüfen.

Diversifikation der Märkte: Nicht nur auf den Golfmarkt setzen; Partnerschaften in Europa, Asien und Nordamerika pflegen.

Transparente Kommunikation: Käufer, Sammler und Institutionen über Sicherheitsmaßnahmen, Versandoptionen und hybride Messeformate informieren.

Künstler – Sichtbarkeit und strategische Positionierung

Digitale Reichweite maximieren: Virtuelle Galerien, Social Media und Online-Portfolios aktiv nutzen.

Portfolio- und Marktdiversifikation: Kooperationen außerhalb der Konfliktregion sichern Einkommensquellen.

Flexibilität in der Projektplanung: Ausstellungen und internationale Projekte mit Szenarienplan für Verschiebung oder Digitalisierung konzipieren.

Sammler – informierte Entscheidungen und strategische Streuung

Risikostreuung der Investitionen: Diversifikation über etablierte Märkte und Emerging Markets.

Informationsbasierte Entscheidungen: Sicherheits- und Lageberichte prüfen, eng mit Galerien, Kuratoren und Experten austauschen.

Digitale Marktchancen nutzen: Online-Auktionen und virtuelle Messen für sichere Transaktionen.

Langfristige Perspektive: Fokus auf Werke mit kultureller, ästhetischer und marktwirtschaftlicher Substanz. Qualität setzt sich immer durch.

Kunst zwischen Verantwortung und Realität

Angesichts der aktuellen Konflikte stellt sich unweigerlich die Frage, ob Kunstmessen und Ausstellungen in Zeiten von Krieg überhaupt vertretbar sind. Kritiker sehen darin eine Form der kulturellen Normalisierung politischer Krisen – oder sogar eine strategische Inszenierung von Stabilität durch Staaten, die sich international als sichere Kulturstandorte präsentieren wollen. Großprojekte rund um Institutionen wie den Louvre Abu Dhabi werden dabei nicht selten als Teil einer geopolitischen Imagepolitik gelesen.

Gleichzeitig argumentieren viele Akteure der Kunstwelt, dass gerade in Krisenzeiten Räume für kulturellen Austausch und internationale Begegnung wichtiger denn je sind. Kunstmessen wie Art Dubai fungieren nicht nur als Marktplätze, sondern auch als Plattformen für Dialog, Sichtbarkeit und künstlerische Reflexion von Konflikten. Für Künstlerinnen und Künstler aus der Region können sie zudem eine der wenigen Möglichkeiten darstellen, international präsent zu bleiben.

Die Frage lässt sich daher nicht eindeutig beantworten. Zwischen wirtschaftlichen Interessen, kultureller Diplomatie und künstlerischer Freiheit bewegt sich der Kunstmarkt in einem Spannungsfeld, das die Widersprüche der globalisierten Gegenwart besonders deutlich sichtbar macht.

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Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert.

Interview mit Felix Vierfinger

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich bin gerade zu Hause, mir geht es sehr gut und zur Zeit arbeite ich an einem Gefängnis-Projekt.

Wie bist du überhaupt zur Kunst gekommen?

Mein Vater war ein Buddelschiffbauer und ab und an durfte ich als Kind mit anpacken, Figuren basteln usw. Später habe ich Kerzenständer und Blumenbänke aus Metall gebaut. Also Kunst liegt in der Familie.

Du baust aber nicht nur Skulpturen sondern malst auch, einige deiner Arbeiten werden bald über das Auktionshaus der Gallery1503 in Wien versteigert, was kannst du schon über die Serie verraten?

Die gemalten Bilder, die zur Auktion gehen, gehören zur Kollektion „Die Seelen des Lichtes“ Abstrakte Kunst. Diese Bilder haben noch eine Besonderheit. Diese entstanden ursprünglich als Fotokunst aus meinen eigenen Lichtelementen. Einige Kunden fragten mich, ob die Bilder gemalt wurden? Zu diesem Zeitpunkt gab es diese nur als Foto auf Leinwand. Heute male ich diese Bilder mit Vorlage von Fotografie. Da es diese Fotos nur bei mir gibt, kann ich diese auch malen. Jedes Bild ist ein Unikat und Handsigniert.

 

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 Wie kam es zu deinem Künstlernamen und deiner auffälligen Signatur?

Durch einen Unfall habe ich einen Finger verloren. Kunstwerke leben ja auch von der Wiedererkennung der Künstler, ob im Still oder in der Signierung. Der Künstlername hat sich daraus ergeben und klingt gut. 

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und was ist die größte Herausforderung bei der Arbeit mit Metall?

Rund 40 Werke sind von mir erschaffen worden. Metall kann im Gegensatz zu Holz noch bearbeitet werden. Die Herausforderung bei Metall ist, dass man einen guten Anfang findet und reichlich Schrott im Hause hat.

Was bedeutet für dich Kunst, bzw. was möchtest du mit deinen Werken ausdrücken?

Für mich sind meine Bilder Ausdruck von Freude. Dem Betrachter stellt sich eher die Frage: Was könnte das sein? Also, ist meine Kunst auch Anregung für eigene kreative Gedankenprozesse.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach schön sein?

Hinter einem Kunstwerk muss nicht immer ein tieferer Sinn dahinterstecken. Manchmal ist es einfach nur die farbenfrohe Erscheinung, die dem Menschen ein Lächeln ins Gesicht treibt.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Ich weiß nicht, Kunst kann einfach keine Grenzen kennen! Ein Künstler, der mit Grenzen arbeitet, kann nie das Beste aus sich herausholen.

Warum sollten Kunstsammler sich mit deinen Werken auseinander setzen?

Kunstsammler sind Menschen, die schöne Kunst, außergewöhnliche Kunstwerke sammeln, sich daran erfreuen. Meine Bilder und Skulpturen sind einfach ein Muss! 🙂)

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Ach, ich muss in der Öffentlichkeit nicht unbedingt über meinen Unfall reden. 

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times  oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Ich sage der Welt, dass Ihr schon viel zu lange an meinen Kunstwerken vorbeigegangen seid.

Danke dir für deine Zeit und Mühe! 

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1760 gründete André Chenue sein Unternehmen, mit dem er am französischen Hof als sogenannter „Layetier“ für die Wäsche von Marie-Antoinette zuständig war. Zunächst kümmerte er sich um die sorgfältige Verpackung der Leibwäsche der Königin und ihrer Kinder. Später wurde Chenue mit der Herstellung von „Layettes“ – Kisten, Verschlägen und Truhen – beauftragt, die für die Aufbewahrung und den Transport der Kleidungsstücke sowie des persönlichen Besitz von Marie-Antoinette notwendig waren. Denn Reisetruhen auf Kutschen wurden zu dieser Zeit rau behandelt, kostbare Kleidung musste sorgfältig und sicher verpackt werden, um unbeschädigt am Ziel anzukommen. Mit maßgeschneiderten Kisten und Koffern konnte der Besitzstand der Königin wie in dieser Zeit üblich von Schloss zu Schloss ziehen, ohne großen Schaden zu nehmen.

Heute sind die Herausforderungen an den Transport von Kunst und Wertgegenständen nicht weniger anspruchsvoll. Was in Zeiten des Ancien Régime die furchige Landstraße war, sind heute die Packstraßen und Förderbänder der großen Versandunternehmen. Denn der Kunsthandel operiert mittlerweile global. Internet und E-Commerce ermöglichen es Sammlern weltweit, an Online-Auktionen teilzunehmen oder Kunstwerke über Online-Plattformen zu erwerben. Daneben spielen soziale Medien inzwischen eine entscheidende Rolle bei der Vermarktung von Kunst und Künstlern, die sich und ihre Werke auf Plattformen wie Instagram präsentieren und darüber mit internationalen Käufern in Kontakt treten.

 

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Durch den Anstieg des globalen Kunsthandels müssen Kunstwerke deshalb immer häufiger über große Entfernungen transportiert werden, gleichzeitig steigen auch die Kundenerwartungen an einen schnellen und kostengünstigen Versand wie sie es vom normalen Online-Handel gewohnt sind.

Smarte Plattform

Mit Moviiu hat die Firmengruppe um Chenue nun eine smarte Plattform entwickelt, die maßgeschneiderte Lösungen für den sicheren und individuellen Versand von Kunstwerken im digitalen Zeitalter anbietet. Entwickelt wurde die innovative Versandlösung bereits im Jahr 2020 durch die Zusammenarbeit von IT-Experten und hochspezialisierten „Kistenmachern“ der Kunstspedition Chenue, die für das sorgfältige Verpacken der oft hochsensiblen Kunstwerke noch heute verantwortlich sind. Das Ergebnis ist eine widerstandsfähige Kartonage-Verpackung, die individuell auf Kunstwerke und Wertgegenstände zugeschnitten wird und einen sicheren Transport gewährleistet.

KI-basiertes Online-Tool

Über ein KI-basiertes Online-Tool auf der Webseite, über das Kunden Angaben zu den Lieferdetails wie Abhol- und Anlieferadresse sowie Abmessungen der Kunstwerke eingeben können, werden Verpackungsgröße, Transportpreis und Versandbedingungen digital berechnet. In wenigen Schritten erstellt das Online-Tool damit ein auf das Kunstwerk zugeschnittenes Angebot. Und ermöglicht zudem die Echtzeitverfolgung der Sendung von Abholung bis zur Auslieferung, sobald das Kunstwerk verpackt und auf dem Weg zum Kunden ist.

In der Schweiz und in Frankreich bietet Moviiu seine smarte Versandlösung bereits seit drei Jahren an. Mit dem Aufbau neuer Verpackungs- und Logistikzentren in Berlin und Düsseldorf können Moviiu Kunden seit November diesen Jahres ihre Kunstwerke auch von Deutschland aus in alle Welt zu verschicken. So konnten insgesamt schon über 900 Kunstwerke versendet werden – und wenn der digitale Handel mit Kunst weiter so rasant zunimmt, könnten es in Zukunft noch viele mehr werden.

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Zur Webseite: Express-Transport von Kunst – Moviiu

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Das letzte Werk der Woche: TOP von Jesna Lehpamer können Sie hier nachlesen. Die Künstlerin EWA MAZUR-KOJ und ARTVORIA erhielten erstmalig den ARTTRADO-Kunstpreis 2022: ARTTRADO Kunstpreis: Werk der Woche 2022. Diese Woche steht bei uns das Kunstwerk Paradiesvogel von der Hamburger Künstlerin Julia Sachau im Mittelpunkt.

Paradiesvogel von Julia Sachau

Der „Paradiesvogel“ misst 120 x 120 cm und wurde mit Acrylfarben auf Leinwand gefertigt. Das farbenfrohe Werk könnte ein hoffnungsvolles neues Jahr einläuten, zumindest bringt es genug positive Ausstrahlung und Energie mit sich. Auf ihrem Instagramkanal gab die Künstlerin bekannt, das die Arbeit für sie eine ganz besondere Bedeutung hat und nur noch der passende Rahmen fehlt.

Wir haben nachgefragt, was das Werk für Julia Sachau so besonders macht. In ihrer Antwort offenbarte die Künstlerin, dass der Paradiesvogel in einer Zeit entstand, in der es der Künstlerin nicht gut ging und ich sie mit Hilfe der Kunst bzw. Farben negative Emotionen in Positive transformieren konnte.

 

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Julia Sachau – Transformation im Farbenrausch

Farbenfroh. Leuchtend. Mit opulenter Farbschicht – das ist der Stil von Julia Sachau. Ihren unverwechselbaren, lebendigen Stil hat die Künstlerin und Designerin seit frühester Kindheit entwickelt. Am Meer, dort wo Julia aufgewachsen ist, liebt sie es zu spazieren oder einfach nur dem beruhigenden Meeresrauschen zu lauschen.

Gerade in schweren Zeiten lernte sie wie wichtig ihre Wurzeln sind. Diese inneren Erfahrungen und tiefen Gefühle finden Ausdruck in ihrer Arbeit. Das expressive, einzigartige Spiel mit Farbe ist pure Emotion und Sinnbild ihres Strebens nach Schönheit. Reisen, der Zauber und die Kultur ferner Länder, Begegnungen, Kontraste – all diese Dinge erscheinen leuchtend und ausdrucksstark in ihren Bildern. Julia Sachau lebt und arbeitet in Hamburg.

Die Künstlerin über ihr Werk

Dieses Kunstwerk spiegelt die Lebensfreude und positive Energie im Leben wider. Die graue Grundierung ist die stabile Basis, von der das Neue und Positive kommt. Es hat eine stabilisierende, neutrale Wirkung und steht im Kontrast zu dem bunten Mix der Acrylfarben.

Die Anordnung der Acrylfarbe steht für die Vielfalt an Gefühlen, die wir in uns tragen und die oft explosionsartig zum Vorschein kommen. Der Paradiesvogel gehört zur Fairy Tales-Serie der Künstlerin.

Fairy Tales

Formen, die an märchenhafte Fabelwesen oder Archetypen unseres Lebens erinnern. Verwandlungen, die unsere Fantasie anregen und erst im Geist des Betrachters entstehen. Meine zweite Bilderserie ist eine Hommage an die träumerische Schaffenskraft des Menschen. Ein Feuerwerk der Farben – leuchtend und kraftvoll. Der Kontrast aus meditativen, pastellfarben grundierten Verläufen – akribisch in endlosen Überarbeitungen angelegt – und kontraststarken, leuchtenden Formen soll ansprechen, verwandeln und unser Sehen verändern. – Julia Sachau

Weitere Informationen

Zur Webseite der Künstlerin: Home | Julia Sachau Art

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Falls Sie das letzte Werk der Woche verpasst haben, können Sie hier mehr über die  individuell gestaltete Gitarre, mit dem Namen „Green Hornet“ von Reen Flash nachlesen.

01 von ARTVORIA by Cosima Keller

Das goldene Kunstwerk 01, stammt aus dem Jahr 2022 und ist damit eine der jüngsten Kreationen aus dem Hause ARTVORIA. Für das 120cm *180cm große Gemälde auf Leinwand verwendete Cosima Keller goldfarbene Folie, (in diesem Falle kein Blattgold, sondern umfunktionierte Rettungsschutzfolie, Acrylfarben und selbst hergestellte Strukturpaste. Diese Materialien wurden mit Spachtel, Schwamm, Pinsel, Rakel und Malmesser als Werkzeug verarbeitet.

Cosima Keller über ihr Werk

Mit diesem Bild wollte ich folgendes zum Ausdruck bringen: Zentrales Element sind die stilisierten Zeichen für die Unendlichkeit, die aber bewusst nicht in das Zentrum gesetzt wurden, sondern in Dualität am Rand dargestellt wurden. Dies soll die Möglichkeit offen lassen, dass es auch Parallelität geben kann – respektive geben könnte.

Die Unendlichkeit kann nicht in einer konkreten Szenerie dargestellt werden, da sie untrennbar mit Zeit und Raum verbunden ist, also immer da war und immer da sein wird. Daher bleibt es dem Betrachter überlassen, was er in den Gebilden sieht. Aber was auch immer er sieht, ist es stets die Realität. Die hellen Farben stellen die ältesten Elemente des Periodensystems dar. Mein bevorzugtes Gold symbolisiert das Element, dass ausschließlich in einer Supernova entstanden sein kann. Bei der Darstellung kam es mir gestalterisch auf eine geometrische Balance an.

 

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Unser Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Interview mit Cosima Keller/Artvoria. Ausgewählte Werke finden Sie in Kürze in unserem Shop! Bei Interesse an einem goldenen Kunstwerk als Auftragsarbeit, nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über „Blag“/„Благо“ von Viktoryia Perez.

Diese Woche sind wir auf ein sehr persönliches Kunstwerk von Angela Sepeur aufmerksam geworden. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Nürnberg. Ein halbjähriger Studienaufenthalt in Südafrika pflanzte in ihr schon vor vielen Jahren den Samen für lebendige, ausdrucksstarke Farben und Formen, was sich in ihren abstrakten Werken deutlich widerspiegelt. Diese entstehen überwiegend intuitiv mit dem Ziel der Freiheit von Geradlinigkeit und Perfektion.

Neben ihren intuitiven Arbeiten greift die Künstlerin in ihren Bildern regelmäßig einzelne Themen auf und verarbeitet in ihnen Emotionen und Erfahrungen – wie auch in dem vorgestellten Werk „Fuck you Alzheimer’s“.*

Fuck you Alzheimer’s von Angela Sepeur

Das Werk „Fuck you Alzheimer’s“ entstand Anfang 2022. Für das 50 cm x 40 cm Bild auf Leinwand verwendete die Künstlerin Acrylfarbe, Sprühlack und Ölpastellkreide. *Die Künstlerin ist als Angehörige von der Krankheit Demenz bzw. Alzheimer betroffen und möchte mit dieser Arbeit für das Thema sensibilisieren.

Die Künstlerin über das Werk

In dem Werk „Fuck you Alzheimer’s“ steckt ein prall gefülltes, buntes menschliches Leben, geboren aus der Grenzenlosigkeit des Universums. Ein Leben, in dem Liebe und Freude, Leid und Schmerz Hand in Hand gehen. Eine Existenz voller Erinnerungen, über die sich langsam und unaufhaltsam der grausame Schleier des Vergessens legt.

In dem Bild stecken Trauer, Wut und Ohnmacht – Emotionen, die in den späten Abendstunden Schicht für Schicht auf die Leinwand aufgetragen wurden. Gleichzeitig soll es daran erinnern, die Zeit mit geliebten Menschen ganz bewusst zu erleben. Niemand von uns weiß, wie viel gemeinsame Zeit uns bleibt, genießen wir sie!

 

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Einblicke in ihre Arbeit, weitere Werke und Ausstellungsankündigungen teilt die Künstlerin regelmäßig auf ihrem Instagram-Kanal: @sepeur_contemporary.

Demenz braucht Verständnis!

„Demenz“ und „Alzheimer“ sind nicht dasselbe: Unter Demenz versteht man ein Muster von Symptomen, das viele verschiedene Ursachen haben kann. Eine Demenz führt dazu, dass sich verschiedene geistige Fähigkeiten im Vergleich zum früheren Zustand verschlechtern. Die Alzheimer-Krankheit ist die häufigste Ursache für eine Demenz, es gibt aber noch viele weitere Ursachen – so erklären es die Experten des „Deutsche Alzheimer Gesellschaft e.V“ auf der eigenen Homepage.

Alzheimer-Telefon

Das Alzheimer – Telefon ist ein bundesweites Beratungsangebot für Menschen mit Demenz, für Angehörige sowie für alle, die sich beruflich oder ehrenamtlich engagieren. Seit Januar 2002 nehmen jährlich zwischen 5.000 und 6.000 Menschen dieses Angebot in Anspruch.

Mit Sorgen, Fragen oder Problemen können sich Betroffene und Angehörige auch gerne schriftlich an den Verein wenden. Ihre E-Mail-Anfragen werden von den geschulten Beraterinnen und Beratern des Alzheimer-Telefons beantwortet.

Bundesweite Hilfe durch professionelle Beratung: https://www.deutsche-alzheimer.de/

Weitere Informationen

Einmal im Monat erscheint der Demenz-Podcast mit Informationen für An-und Zugehörige.In jeder Folge widmet sich die Autorin und Moderatorin Christine Schön mit Expertinnen und Experten in etwa 30 Minuten einem Schwerpunktthema wie z.B. Kommunikation, Selbstfürsorge, Rechtliches, Sinn & Sinnlichkeit und vielem mehr. Gemeinsam mit dem medhochzwei Verlag ist die Deutsche Alzheimer Gesellschaft Herausgeber des Podcasts. Der Demenz-Podcast kann auf Spotify, Apple Podcasts, Podscout, gPodder und natürlich auf der Webseite gehört werden.

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über das Kunstwerk „Falling“ von der Künstlerin Richild von Holtzbrinck.

Diese Woche steht bei uns ein Acrylgemälde auf Canvas von Ewa Mazur-Koj im Fokus. Das Kunstwerk mit dem Namen „Die blaue Madonna“ war in der engeren Auswahl für die 11. Revierkunst im LWL-Industriemuseum. Die verantwortliche Kuratorin entschied sich jedoch kurzfristig für andere Werke, weshalb wir uns dazu entschieden haben, diese Arbeit noch einmal besonders zu präsentieren.

Die blaue Madonna von Ewa Mazur-Koj

Die blaue Madonna entstand im letzten Jahr, 2021 und gehört in dieser Schaffensphase zu den eigenen Lieblingswerken der Künstlerin. Das Original misst 40x 40 x3 cm und wird in einem Schattenfugenrahmen präsentiert.

Ewa Mazur-Koj verwendete für die Arbeit dominante und kontrastreiche Farben; Gelb, Blau mit Neon und pinke Akzente. Obwohl die Künstlerin dem Akt-Bereich zuzuordnen ist, malt sie ziemlich selten Gesichter und wenn, haben diese geschlossene Augen.

Die Inspiration zu diesem Bild war die blaue Madonna aus dem Jahr 1934 von Tamara De Lempicka. Es ist also eine Hommage.

Mazur-Koj über ihr Werk

Ich habe probiert, die junge Schönheit, Verletzlichkeit, aber auch Stärke verträumt, realistisch, aber auch gleichzeitig modern abzubilden. Deswegen ist das Bild so kontrastvoll. Wie es auch oft auch in meinen anderen Bildern der Fall ist, ist der Hintergrund abstrakt.

Ich habe mit vielen dicken Schichten Acrylfarbe und Spachtel gearbeitet, bis ich das Gefühl hatte – es ist vollendet. Der Zufall wollte, dass die ukrainischen Landesfarben dort abgebildet sind und das Bild so noch eine kleine zusätzliche Bedeutung bekommen hat.

Neben dem Unikat gibt es auch eine limitierte Fine-Art-Print-Edition auf Hahnemühle Papier. Die Druckedition ist auf 50 Stück limitiert, nummeriert und von Ewa Mazur-Koj auf der Rückseite signiert. Ein Zertifikat wird zusätzlich ausgestellt. Der Preis für die Druckvarianten liegt aktuell zwischen 30€ und 60 € plus Versand.

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Ewa Mazur-Koj

Die am 11.12.1977 in Polen geborene Künstlerin studierte Werbetechnik in Katowice (Polen). Deutschland, genauer gesagt Nordrhein-Westfalen, ist nicht nur ihre heutige Lebens- und Wirkstätte, sondern auch der Ort, an dem Ewa im Beisein des Malers Thomas Koch ihre ersten Gemälde geschaffen hat. Aber auch in Neapel hat die Künstlerin bei Carlo Alberto Palumbo Unterricht nehmen können.

Ewa Mazur-Koj ist Teil der Gruppe FemArt Dortmund. Die erste Ausstellung des Netzwerks, „Fieberträume [Fever Dreams]“ im Februar war ein voller Erfolg. Ihre Bilder sind abstrakt und real zugleich, kräftig, aber nicht weniger sensibel, erotisch und dennoch verletzlich.

Es ist eine Kunst zwischen den Welten, in der die Wirklichkeit von einer traumartigen, phantastischen Atmosphäre beherrscht wird – eine Atmosphäre, von der die Betrachtenden eingenommen werden.

Ihre Bilder befinden sich in privaten Sammlungen in Polen, Deutschland, Italien und Schweiz.

Einblicke hinter die Kulissen und Ausstellungsankündigungen teilt die Künstlerin regelmäßig auf ihrem Instagram-Kanal!

 

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Mehr über die Künstlerin – https://ewamazurkoj.art/

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Die experimentierfreudige Künstlerin Tamara Javurek, auch bekannt unter dem Namen „MaraArt“, lässt sich von ihrer Kunst leiten und verfolgte bisher mit ihren Kunstwerken keinen roten Faden – sprich, keine Werkserien, sondern einzelne Kunstwerke, die für sich selbst stehen. Eine kleine Ausnahme bildet vielleicht ihre bisher dreiteilige „Lost Place„-Serie. Jedoch ist ihre Elemente-Serie die erste, die auch als solche geplant bzw. angesetzt wurde.

Die Künstlerin selbst sagt, das es einige Zeit gebraucht hat, um sich mit dem Gedanken an einer Serie zu befassen. Diesmal hat sie sich zum Ziel gesetzt, Bilder zu malen, die eine klare Linie haben und nebeneinander ein zusammenhängendes Gesamtkunstwerk zu kreieren.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin aus Pforzheim finden Sie hier:
Interview: MaraArt über ihre Anfänge & Zukunftspläne

Die 4 Elemente by MaraArt

Diese Strukturbilder entstanden aus der Idee heraus die 4 Elemente, die für unser Überleben existenziell wichtig sind, bildlich darzustellen. Diese Gemälde haben eine ausgeprägte Struktur, die den Bilder einen besonderen 3-D-Effekt verleiht, und leben von den intensiven Farben, die Tamara Javurek hierbei verwendete.

Die kräftigen Farbtöne strahlen pure Lebenslust und Freude aus, vom sonnigen, warmen Orange des Feuers, über das lebendige Blau des Wassers und die rotbraunen Töne der Erde, die den Ursprung allen Lebens darstellt.

Alle 4 Leinwände der „Elemente-Serie“ sind 50cm * 50cm * 2cm groß. Für diese Kunstwerke setzte die Künstlerin hochpigmentierte Acrylfarben unterschiedlicher Opazität sowie reine Farbpigmente ein. Durch die Verwendung verschiedener Strukturmaterialien erhalten diese speziellen Exponate einen besonderen 3-D Effekt und zeichnen sich mittels der verwendeten Farben durch eine hohe Farbtiefe aus. 

Die neuen Kunstwerke sind über die Webseite der Künstlerin zu erwerben!  

Weitere Ausgewählte Arbeiten finden Sie auch bei uns im Shop. 

Weitere Informationen

Titelbild: Element 2 – Wasser (c)MaraArt

Wenn Sie die Werke einmal in natura erleben wollen – MaraArt Ausstellungstermine 2022

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Der Künstler David Stoll weckte durch ein Missverständnis unser Interesse, ursprünglich war seine E-Mail für eine Galerie bestimmt – der Inhalt, eine Vorstellung seines besonderen Kunstprojektes „you define art“ bot jedoch genug Gesprächsstoff für ein kleines Interview.

So schriebt David Stoll: „Ich kann die Willkür und den Preis von Kunst oft nicht greifen, nicht verstehen. Aber ich würde gerne. Deshalb kam ich auf die Idee, Bilder zu malen, welche sich nur über ihren Preis definieren. Bilder, bei welchen der Preis gleichzeitig auch die Kunst ist. Einfach, um Kunst und ihren Preis für jeden greifbar und verständlich zu machen.“

Auch wenn das Kunstprojekt „you define art“ noch in den Kinderschuhen steckt, sehen wir in „you define art“ und David Stoll ein gewisses Potenzial und möchten unsere Leser und Kunstfreunde auf ihn aufmerksam machen und dazu einladen, sein Projekt von Anfang an zu verfolgen. Denn seine Unbeschwertheit und Frische, die er auf den Kunstmarkt bringt, lädt zur Diskussion ein. Was kostet Kunst und was darf Kunst überhaupt kosten?

Interview mit David Stoll

Grüße dich David, wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Danke gut! Momentan sitze ich auf dem Sofa und freue mich, deine Fragen beantworten zu dürfen. Vielleicht gehe ich aber später noch in den Keller und male.

Du malst im Keller?

Ja, hauptsächlich aus Platzgründen. Ich mag aber auch die Stille und Abgeschiedenheit.

Ich möchte auf dein Kunstprojekt „you define art“ zu sprechen kommen, auf dem dazugehörigen Instagram Kanal wurde am 03.12.2021 gleich ein ganzer Schwung an Werken hochgeladen, diese sind vermutlich nicht alle an diesem Tag entstanden – seit wann beschäftigst du dich mit dem Projekt?

Seit gut einem Jahr, in der Zwischenzeit haben sich einige Bilder angesammelt. Auf Instagram habe ich zu Beginn direkt 9 Bilder hochgeladen, damit es im Feed schöner aussieht.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein von @you.define.art geteilter Beitrag

Welches war das erste Werk aus der Serie und welches das letzte?

Das erste Bild war sevenhundred. Das hatte aber keinen bestimmten Grund, sondern die Zahl passte einfach von der Länge her gut aufs Papier. Das letzte Bild war twelvethousand.

Gibt es eine Reihenfolge in der die du Beträge „abarbeitest“ oder Kreuz und Quer nach Lust und Laune?

Tatsächlich Kreuz und Quer nach Lust und Laune. Mal bestimme ich „dieses Bild ist 17€ wert“, dann wieder „dieses Bild ist 87.000€ wert“. Ich mag den Gedanken, dass meine Kunst erst zum Leben erwacht, und, mit sehr viel Pathos gesprochen, erst geboren wird, sobald jemand den Preis dafür zahlt. Denn ab diesem Moment hat das Bild eine Bedeutung, ab diesem Moment hat es einen Wert, ab diesem Moment ergibt es Sinn. Jemand bezahlt 87.000€ dafür, also ist es 87.000€ wert. Deshalb kann ich meine Bilder auch nicht verschenken, denn so blieben Sie ohne Seele und Bedeutung. So wäre es tatsächlich nur Farbe auf Papier.

Rein theoretisch ließe sich die Serie unendlich lange fortführen, hast du damit deine eigene Sisyphusarbeit kreiert oder ist bereits ein Ende der Serie geplant?

Darüber habe ich noch nicht nachgedacht. Zum einen macht es mir Spaß, zum anderen fasziniert mich der Gedanke und die Ausführung immer wieder aufs Neue. Ich mag den Kontrast zwischen meinen Bildern. Dass es Bilder für 11€ aber auch 700.000€ gibt. Deshalb würde ich dem ganzen kein Ende setzen wollen. Außerdem glaube ich, dass sich diese Idee noch weiterentwickeln lässt. Zu Beginn habe ich auf Papier gemalt, momentan arbeite ich an einer Barockserie. Hierfür kaufe ich alte Barockgemälde und übermale sie mit meiner eigenen willkürlichen Preisvorstellung. Was ich damit sagen möchte: Die Idee bleibt die gleiche aber die Umsetzung entwickelt sich weiter. Deshalb würde ich dem ganzen kein Ende und keine Grenzen setzen wollen.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Ich denke schon, dass es Grenzen gibt.

Du hast Kunst nicht studiert oder ähnliches, erst durch den Besuch einer Kunstausstellung bist du selbst zum Künstler geworden. Welche Ausstellung war das, die den Stein ins Rollen gebracht hat?

Es ehrt mich zwar, dass du mich so nennst, aber ich kann mich mit dem Begriff Künstler nicht wirklich identifizieren. Für mich fühlt sich die Idee dahinter viel mehr nach Kunst an als der Entstehungsprozess selbst. Aber zurück zu deiner Frage. Es war nicht DIE EINE Ausstellung, die mich dazu gebracht hat, selbst zu malen. Vielmehr hatte ich immer wieder das Gefühl, Kunst und ihren Preis einfach nicht greifen, verstehen und mir erklären zu können. Warum kostet ein Bild mit roten Punkten 19.500€? Was macht es so wertvoll? Die Anordnung der Punkte? Der Stil? Der Künstler? Oder einfach der Preis selbst?

Warum ist jemand bereit, diesen Preis zu bezahlen? Und das geht ja noch viel weiter. Warum kostet ein Jackson Pollock 140 Millionen Euro? Mark Rothko 87 Millionen? Ich will aber überhaupt nicht den Eindruck erwecken, als würden mich diese Preise stören. Ganz im Gegenteil. Ich bin unglaublich fasziniert davon, dass es Menschen gibt, die durch den Erwerb dieser Bilder diesen Preis rechtfertigen.

Trotzdem konnte ich mir den Preis einfach nie erklären und hatte den Drang, diese scheinbare Willkür irgendwie fassen und verstehen zu können. Auf die Idee, Zahlen auf Papier zu schreiben, kam ich dann tatsächlich im Traum. Als ich am nächsten Morgen aufgewacht bin, war ich noch immer angetan. Diese willkürliche und doch für jeden verständliche, weil offensichtliche Preisgebung, fand ich spannend.

Wie definierst du denn Kunst bzw. was ist sie dir wert?

Manche Dinge gefallen einem einfach, und andere nicht. Ich glaube Kunst ist den Menschen das wert, was sie bereit sind zu zahlen. Das hängt denke ich aber vor allem mit der finanziellen Situation des Käufers zusammen. Einem Millionär wird Kunst mehr wert sein als einem Normalverdiener, weil sie ihm mehr wert sein kann. Dabei können beide die gleiche Ergriffenheit fühlen, aber der eine kann sie bezahlen, der andere nicht.

Was möchtest du mit deiner Kunst erreichen?

Ich möchte Kunst und ihren Preis für jeden verständlich machen. Man soll meine Bilder anschauen und denken: „Ja, ich verstehe dieses Bild und seinen Preis.“ Außerdem möchte ich, dass jeder für sich selbst definieren kann, wie viel ihm Kunst wert ist.

Sind schon Ausstellungen geplant – bzw. wo würdest du gerne einmal ausstellen?

Ich schreibe zwar fleißig das MoMA in New York an, aber von dort habe ich leider noch keine Rückmeldung erhalten. Auch sonst hatte ich noch nie die Chance, meine Idee der großen Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Natürlich träume ich von schicken Galerien in Stockholm, Paris, New York und Co. Bisher ist mein Keller aber die Galerie und ich ihr einziger Besucher. Aber das ist in Ordnung, ich glaube an meine Idee und bin überzeugt, auch andere Menschen mit ihr ansprechen zu können.

Das bin ich auch! Ich danke dir für deine Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

David Stoll auf Instagram: @you.define.art • Instagram-Fotos und -Videos

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