Wien hat ein neues urbanes Wahrzeichen: Der spanische Künstler Okuda San Miguel gestaltete das größte Wandbild Österreichs. Die monumentale Fassadenarbeit befindet sich am ehemaligen APA-Turm in Döbling und verwandelt ein seit Jahrzehnten leerstehendes Gebäude in ein farbenprächtiges Kunstwerk.

Mit einer Fläche von rund 1.100 Quadratmetern zählt das Projekt zu den größten Street-Art-Interventionen, die Österreich bisher gesehen hat.

Das Kunstwerk: „In Equality“

Das Wandbild trägt den Titel „In Equality“ und ist ein typisches Werk des international bekannten Künstlers. Okuda San Miguel ist für seine geometrischen Formen, kräftigen Farben und surrealen Figuren bekannt, die häufig gesellschaftliche Themen wie Identität, Freiheit und Diversität behandeln.

Das Wiener Projekt greift genau diese Themen auf und setzt ein visuelles Statement für Vielfalt, Offenheit und gesellschaftlichen Wandel.

Ein leerstehender Turm wird zur Leinwand

Der ehemalige APA-Turm in der Gunoldstraße in Wien-Döbling stand über 20 Jahre leer. Durch die Zusammenarbeit mit dem Street-Art-Festival Calle Libre wird das Gebäude nun erstmals wieder aktiv in das Stadtbild integriert.

Mit einer Höhe von rund 52 Metern wird der Turm durch das Wandbild nicht nur optisch aufgewertet, sondern auch zu einem neuen kulturellen Orientierungspunkt im Wiener Norden.

Street Art als Stadtentwicklung

Das Projekt zeigt eindrucksvoll, wie sich Street Art in den letzten Jahren entwickelt hat: weg von illegalen Graffiti hin zu groß angelegten, kuratierten Kunstprojekten im öffentlichen Raum.

Städte wie Wien nutzen diese Form der Kunst zunehmend, um brachliegende Architektur aufzuwerten und neue kulturelle Impulse zu setzen. Das Wandbild von Okuda San Miguel ist damit nicht nur Kunst, sondern auch ein Beispiel moderner Stadtgestaltung.

Bedeutung für Wien und die internationale Kunstszene

Mit dem größten Wandbild Österreichs positioniert sich Wien einmal mehr als wichtige europäische Stadt für Urban Art. Gleichzeitig stärkt das Projekt die internationale Sichtbarkeit der lokalen Street-Art-Szene.

Für Besucher und Kunstinteressierte entsteht damit ein neues Highlight, das sowohl fotografisch als auch kulturell große Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Fazit

Das neue Wandbild von Okuda San Miguel ist mehr als nur Fassadengestaltung – es ist ein starkes visuelles Statement im öffentlichen Raum. Wien erhält damit nicht nur das größte Wandbild Österreichs, sondern auch ein Werk, das die Diskussion über Kunst, Stadtentwicklung und gesellschaftliche Werte sichtbar macht.

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2026 wird der Niederrhein zu einem der spannendsten Schauplätze zeitgenössischer Kunst in Deutschland: Mit der Niederrheintour 2026 realisiert Thomas Baumgärtel eines seiner bislang ambitioniertesten Projekte. Anlass ist ein besonderes Jubiläum – 40 Jahre Spraybanane, jenes ikonische Motiv, das längst weit über die deutsche Kunstszene hinaus Bekanntheit erlangt hat.

Unter dem Motto *„Freiheit für die Kunst“* verwandelt Baumgärtel seine Heimatregion in eine dezentrale Ausstellungslandschaft. Das Konzept ist ebenso klar wie wirkungsvoll: 40 Werkgruppen an 40 Orten – aus 40 Jahren künstlerischen Schaffens.

Wer ist Thomas Baumgärtel?

Thomas Baumgärtel ist international vor allem als „Bananensprayer“ bekannt. Seit 1986 markiert er Museen, Galerien und Kunstorte weltweit mit seiner gesprühten Banane – eine inoffizielle Auszeichnung, die gleichermaßen provoziert und den Kunstbetrieb hinterfragt.

Doch das ikonische Motiv ist nur ein Teil eines vielschichtigen Werks. Baumgärtel arbeitet medienübergreifend – von Malerei und Grafik bis hin zu Installationen, performativen Aktionen und politischer Kunst. Sein Schaffen bewegt sich konsequent im Spannungsfeld von Freiheit und Kontrolle, Hochkultur und Straße sowie Ästhetik und politischer Aussage.

Mehr als ein Symbol: Die Spraybanane

Die Spraybanane zählt heute zu den vielleicht bekanntesten Kunstsymbolen Deutschlands. Ihre Bedeutung geht jedoch weit über Wiedererkennbarkeit hinaus. Sie steht für künstlerische Unabhängigkeit, Meinungsfreiheit, Kritik an Machtstrukturen im Kunstbetrieb sowie den Dialog zwischen urbaner Kunst und institutionellen Räumen.

Gerade im Kontext der Niederrheintour wird deutlich: Die Banane ist weniger Zentrum als vielmehr Einstieg in ein komplexes Gesamtwerk.

 40 Orte – 40 Perspektiven

Die Niederrheintour bringt Kunst in einer außergewöhnlichen Dichte in die gesamte Region des Niederrhein. 40 Museen, Galerien und Institutionen zeigen parallel unterschiedliche Werkgruppen aus vier Jahrzehnten.

Zu den beteiligten Orten zählen unter anderem:  Museum Schloss Moylan, Museum Goch sowie zahlreiche weitere Stationen zwischen Kleve, Krefeld und Neuss.

Jeder Ort beleuchtet eine eigene Facette von Baumgärtels Arbeit. So entsteht eine künstlerische Entdeckungsreise, die Werk und Region gleichermaßen erfahrbar macht.

Alle 40 Stationen der Niederrheintour 2026 des Bananensprayers

Zwischen Street Art und Gesellschaftskritik

Ein zentrales Element von Baumgärtels Werk ist die Verbindung von Street Art, Popkultur und politischer Intervention. Mit dem von ihm geprägten Begriff German Urban Pop Art beschreibt er eine Kunstform, die bewusst im öffentlichen Raum agiert, unmittelbar kommuniziert und gesellschaftliche Themen aufgreift.

Seine Arbeiten verhandeln unter anderem politische Realität, Medienbilder, gesellschaftliche Hierarchien und die Rolle von Kunst im öffentlichen Diskurs.

Ein prägnantes Beispiel sind die sogenannten „Grauen Bilder“: reduzierte, monochrome Darstellungen fotografischer Motive aus Alltag und Medien. Durch die visuelle Vereinheitlichung verlieren diese ihre ursprüngliche Hierarchie – ein Kommentar zur Reizüberflutung der Gegenwart.

Auftakt in Kevelaer – und ein früher Start in Brüggen

Der zentrale Auftakt der Niederrheintour findet am 8. Mai 2026 mit einer Vernissage im Niederrheinisches Museum Kevelaer statt. Bereits im Vorfeld sind jedoch erste Ausstellungen gestartet:

In der Burg Brüggen wurden Ende April im Rahmen der Kunstroute erste Werke präsentiert, darunter die Werkgruppe „Brückenbilder“.

Die Niederrheintour beginnt damit nicht an einem einzelnen Datum, sondern entfaltet sich schrittweise über die Region ganz im Sinne ihres dezentralen Konzepts.

In Kevelaer selbst werden zwei zentrale Werkgruppen gezeigt:

„German Urban Pop Art“
„Graue Bilder“

Die Ausstellung läuft bis Ende August und wird von einem umfangreichen Vermittlungsprogramm begleitet.

Thomas Baumgärtel: Vernissage zur Niederrheintour 2026 in Kevelaer

Eine Hommage an den Niederrhein

Die Niederrheintour ist zugleich eine bewusste Rückbesinnung auf die Herkunft des Künstlers. Als gebürtiger Rheinberger widmet Thomas Baumgärtel das Projekt seiner Heimatregion – und macht den Niederrhein 2026 zu einem kulturellen Resonanzraum mit überregionaler Strahlkraft. Unterstützt von Partnern aus Kunst, Kultur und Wirtschaft entsteht ein Netzwerk, das weit über die Region hinaus sichtbar wird.

Fazit – Ein Projekt mit Signalwirkung

Mit der Niederrheintour 2026 gelingt Thomas Baumgärtel weit mehr als eine klassische Ausstellung. Das Projekt ist zugleich Retrospektive, kulturelle Vernetzung, politisches Statement und Einladung zur aktiven Auseinandersetzung.

Wer sich für zeitgenössische Kunst, Street Art oder gesellschaftliche Fragestellungen interessiert, wird an diesem Ereignis kaum vorbeikommen. Der Niederrhein wird 2026 zu einem Ort, an dem Kunst nicht nur gezeigt, sondern erlebt und diskutiert wird.

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Titelbild/Quelle Webseite Künstler: https://bananensprayer.de

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Im Südosten von Berlin, fernab der etablierten Kunstinstitutionen, hat sich ein Projekt entwickelt, das die Grenzen zwischen Subkultur und anerkannter Kunstform eindrucksvoll verwischt: die Süd Ost Galerie. Initiiert vom Berliner Graffiti-Künstler Akte One, steht sie exemplarisch für eine Entwicklung, die Graffiti aus seinem ursprünglichen Kontext löst und in einen kuratierten, öffentlich zugänglichen Kunstraum überführt.

Ausgangspunkt des Projekts war eine rund 450 Meter lange Schallschutzwand entlang einer Bahntrasse – ein Ort, der ursprünglich rein funktional gedacht war. Im Rahmen von „Akte One & Friends – In the Mix“ wurde diese Fläche von über 20 Künstler:innen gestaltet und in eine der längsten zusammenhängenden Open-Air-Galerien Berlins verwandelt.

Beteiligte Künstler wie Cren, Bustart, Stohead, More, Rico79 oder Spion stehen stellvertretend für verschiedene Strömungen innerhalb der Szene und machen die Galerie zu einem facettenreichen Panorama urbaner Kunst.

Die Stärke der Süd Ost Galerie liegt in ihrem kollektiven Ansatz. Anders als bei isolierten Murals entsteht hier ein fortlaufender visueller Dialog: zwischen klassischen Graffiti-Writern und Street Artists, zwischen Schrift und Bild, zwischen spontaner Geste und konzeptueller Planung.

Wer ist Akte One?

Akte One (bürgerlich Mark Marquardt) gehört zu den prägenden Figuren der Berliner Graffiti- und Urban-Art-Szene. Seit den frühen 1990er-Jahren aktiv, entwickelte er seinen Stil parallel zur Geschichte des Graffiti im wiedervereinigten Berlin – von illegalen Aktionen im Stadtraum bis hin zu internationalen Ausstellungen.

Seine Wurzeln liegen im klassischen Writing: Tags, Pieces, Crew-Strukturen. Doch im Laufe der Jahre hat er seine Praxis erweitert – hin zu Leinwandarbeiten, kuratierten Projekten und interdisziplinären Formaten zwischen Kunst, Musik und urbaner Kultur.

Charakteristisch für seine Arbeiten sind technisch präzise Letterings, dreidimensionale Effekte und kraftvolle Farbverläufe. Gleichzeitig öffnet sich sein Werk zunehmend für konzeptuelle Ansätze und kollaborative Formate.

Mit Projekten wie der Süd Ost Galerie tritt er nicht nur als Künstler, sondern auch als Kurator und Netzwerker auf. Seine Rolle verschiebt sich damit vom Einzelautor hin zum Initiator kollektiver Prozesse. Ein Ansatz, der tief in der DNA der Graffiti-Kultur verankert ist.

Das Buch zum Projekt: „Akte One & Friends – In the Mix“

Parallel zur Entstehung der Wand ist ein umfangreiches Buchprojekt entstanden.
„Akte One & Friends – In the Mix“ dokumentiert die gesamte Entwicklung der Süd Ost Galerie.

Das Buch enthält: Fotografien aller Arbeiten, Künstlerporträts, Hintergrundgeschichten und Einblicke in den Entstehungsprozess und exklusive Making-of-Inhalte (teilweise über QR-Codes abrufbar).

Veröffentlicht wurde es im Frühjahr 2026 im Zuge der offiziellen Projekteröffnung.

Das Buch erhalten Sie direkt über den offiziellen Shop von Akte One (Preis ca. 25 €)

Das Buch ist dabei mehr als ein Katalog. Es fungiert als Erweiterung des Projekts – eine Art mobiles Archiv, das den ephemeren Charakter von Graffiti dokumentiert und dauerhaft zugänglich macht.

https://akteone.de/store/akte-one-and-friends-in-the-mix-book/

Street Art und Graffiti – Vom Widerstand zur Anerkennung

Die Süd Ost Galerie lässt sich nicht verstehen, ohne den größeren Kontext von Street Art und Graffiti zu betrachten. Ursprünglich als Ausdruck von Protest, Aneignung und Sichtbarkeit im urbanen Raum entstanden, war Graffiti lange Zeit mit Illegalität und Subversion verbunden.

Besonders in Städten wie New York City entwickelte sich in den 1970er- und 1980er-Jahren eine visuelle Sprache, die eng mit Hip-Hop-Kultur und jugendlicher Selbstermächtigung verknüpft war.

Heute hat sich dieses Bild stark verändert. Street Art und Graffiti sind längst Teil des globalen Kunstmarkts, werden in Museen gezeigt und von Städten gezielt gefördert. Dennoch bleibt die Spannung zwischen institutioneller Anerkennung und subkultureller Herkunft bestehen.

Gerade diese Ambivalenz macht den Reiz urbaner Kunst aus: Sie ist gleichzeitig spontan und geplant, individuell und gemeinschaftlich, vergänglich und dokumentiert.

Ein urbanes Archiv im öffentlichen Raum

Formal bewegt sich die Süd Ost Galerie zwischen roher Energie und bewusster Komposition. Tags, Stücke und großformatige Wandbilder stehen nicht in Konkurrenz, sondern ergänzen sich zu einem vielschichtigen Gesamtbild.

Die Länge der Wand ermöglicht es, unterschiedliche Stile nebeneinander zu präsentieren, ohne sie zu homogenisieren. Ein seltenes Beispiel dafür, wie Vielfalt im öffentlichen Raum sichtbar gemacht werden kann.

Mit der begleitenden Publikation wird das Projekt zusätzlich nachhaltig verankert: als Schnittstelle zwischen Straße, Dokumentation und Kunstgeschichte.

Die Süd Ost Galerie ist damit mehr als eine bemalte Wand. Sie ist ein Ort der Begegnung, ein Spiegel der Szene und ein lebendiges Archiv urbaner Kunst.

In einer Stadt wie Berlin, die seit Jahrzehnten als Epizentrum von Street Art gilt, setzt sie ein klares Zeichen.
Die Zukunft dieser Kunstform liegt nicht nur im Ausdruck des Einzelnen – sondern im Dialog vieler.

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Die Recherche zur Identität von Banksy stützte sich auf alte Gerichtsdokumente, handschriftliche Aussagen und Reisedaten, die den mutmaßlichen Künstler verschiedenen Aktionen zuordnet. Doch bevor wir uns in kollektive Erleichterung oder Empörung stürzen: Ist das wirklich Banksy – oder ein weiteres Spiel, ein inszenierter „Leak“, wie es nur Banksy selbst schaffen könnte?

Banksy war mehr als ein Name. Er war ein Phantom, eine Idee, ein Konzept. Seit den frühen 2000er-Jahren tauchten seine Schablonengraffitis auf Straßen, Mauern und Wänden in Bristol, London, New York oder dem Westjordanland auf. Es ging nie nur um Bilder, sondern um Botschaften: Gesellschaftskritik, Ironie, Humor – und immer verbunden mit dem Rätsel: Wer ist Banksy eigentlich?

Seine Anonymität war Teil des künstlerischen Konzeptes. Sie schuf Spannung, Schutz und Aufmerksamkeit. Gerade das Unbekannte machte ihn zur Legende.

Die angebliche Enthüllung und ihre Reaktionen

Die Meldung hat weltweit Diskussionen ausgelöst. Auf Social Media empfinden viele Nutzer:innen die Veröffentlichung als Verstoß gegen ein journalistisches Tabu, als Eingriff in künstlerische Freiheit. Andere wiederum bezweifeln, dass es sich wirklich um Banksy handelt, und spekulieren, dass der Künstler selbst die Spur gelegt haben könnte – eine klassische Banksy-Inszenierung, die erneut die Grenzen zwischen Realität und Mythos verschwimmen lässt

Kommentator:innen vergleichen die Enttarnung mit dem Verlust des kindlichen Glaubens an den Weihnachtsmann – eine kulturelle Entzauberung, die weh tut (srf.ch). Gleichzeitig mahnen Anwälte und Experten: Die Enthüllung könnte die Sicherheit des Künstlers gefährden, denn viele seiner Werke entstehen ohne Genehmigung und bewegen sich in einem rechtlich sensiblen Grenzbereich.

Warum die Identität gar nicht so wichtig ist

Selbst wenn die Identität korrekt sein sollte, verändert dies nicht die Wirkung von Banksys Kunst. Sein Einfluss beruht nicht auf dem Namen, sondern auf den Bildern, den politischen Botschaften und den Aktionen selbst. Die Anonymität diente eher als Schmiermittel, um Aufmerksamkeit zu erzeugen und Schutz zu bieten.

Die Werke sprechen weiterhin für sich – und genau darin liegt auch mein Punkt: Die Enthüllung ist weniger ein Ende, sondern vielmehr ein Shift im Narrativ. Weg vom Phantom, hin zu einem Künstler, dessen Botschaften nun noch klarer wirken, ohne dass die Identität des Menschen im Vordergrund steht.

Spekulation: Banksys eigenes Spiel

Eine faszinierende Theorie besagt, dass Banksy die Enthüllung selbst gesteuert haben könnte. Die Medienaufmerksamkeit, die Debatten, das Spekulieren – all das würde sich perfekt in sein Konzept einfügen. Selbst die Zweifel, die Diskussionen und die Kontroversen sind Teil seines Spiels: Die Kunst bleibt nicht nur visuell, sie erstreckt sich auch in die Realität und die Wahrnehmung der Öffentlichkeit.

Prognose: Die Kunst lebt länger als der Künstler

Für mich steht fest: Selbst nach Banksys Tod werden weiterhin Werke von Banksy erscheinen. Sein Stil, seine Handschrift, seine Strategien sind so markant, dass Auftragswerke, Nachahmungen oder geplante posthume Enthüllungen den Geist von Banksy weitertragen werden.

Auch für den Kunstmarkt ist dies spannend: Historisch gesehen steigen die Preise seiner Werke bei jeder neuen Kontroverse oder Enthüllung weiter an. Das „Phantom Banksy“ erzeugt nach wie vor Aufmerksamkeit, die sich in Auktionspreisen, Medienpräsenz und Sammlerinteresse niederschlägt. Und ich glaube fest daran, dass der große Hammer noch kommt – das nächste Werk, das alle bisherigen Rekorde sprengt, vielleicht durch einen spektakulären Ort, ein öffentliches Statement oder eine provokative Aktion.

Die Wertentwicklung wird dabei nicht linear sein – sie hängt von Kontext, Aufmerksamkeit und Mythos ab. Aber eines ist klar: Die Kombination aus politischer Relevanz, künstlerischer Prägnanz und medialer Inszenierung macht Banksy-Werke zu langfristigen Kulturgütern.

Fazit

Die Enthüllung von Banksys Identität ist ein kulturjournalistisches Ereignis. Doch sie beendet nicht den Mythos. Sie verschiebt ihn. Wir können Banksy nun als Mensch mit Namen sehen, oder weiterhin als Symbol für subversive, gesellschaftskritische Kunst.

Die Werke werden bleiben – provokativ, gesellschaftlich relevant, witzig, politisch. Und selbst nach dem Tod von Banksy werden wir uns weiterhin fragen, wer hinter dem nächsten Banksy-Bild steckt, weil die Kunst größer ist als derjenige, der sie erschafft. Selbst wenn wir glauben, seinen Namen zu kennen, werden wir überrascht, herausgefordert und fasziniert – und das ist genau der Grund, warum Banksy mehr als ein Künstler ist: Er ist ein kulturelles Phänomen.

Journalistische Tabus wurden gebrochen – das ist mehr als nur ein Leak.

 

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Zur Webseite des Künstlers: https://www.banksy.co.uk/

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Mit dem neuen Wandbild „Mädchen mit Pflanze“ bringt der Kölner Künstler Thomas Baumgärtel eines seiner zentralen Motive in den öffentlichen Raum. Entstanden ist das rund 2 x 1,6 Meter große Werk in seiner charakteristischen Schablonentechnik an einem Privathaus an der Geldener Straße. Es ist mehr als ein Einzelbild: Es fungiert als Fragment seines umfangreichen Werkzyklus „Apokalypse“.

Zwischen Untergang und Aufbruch

In der Serie „APOKALYPSE“ setzt sich Baumgärtel mit den ikonischen „Vier apokalyptischen Reitern“ auseinander – einem Motiv, das seit Albrecht Dürer die Kunstgeschichte prägt. Doch Baumgärtel übersetzt das historische Thema in eine zeitgenössische Bildsprache: Seine Reiter bewegen sich durch Landschaften, die von Umweltzerstörung, Plastikmüll und ökologischer Krise gezeichnet sind.

Das „Mädchen mit Pflanze“ stammt ursprünglich aus dem Gemälde „Der Blasse Reiter“. Dort erscheint die Szene am Rand einer düsteren Welt – bewusst platziert als Gegenpol zur allgegenwärtigen Bedrohung. Das unscheinbare, beinahe intime Handeln des Kindes wird so zu einem kraftvollen Symbol: Veränderung beginnt im Kleinen.

Kunst als Impuls zur Verantwortung

Auftraggeber des Wandbilds ist der Kevelaerer Unternehmer Markus Rogmann, der gemeinsam mit seiner Frau bei einer Ausstellung Baumgärtels erstmals auf das Motiv aufmerksam wurde. Die unmittelbare Wirkung der Szene gab den Ausschlag für die Umsetzung an der eigenen Hausfassade.

Für Baumgärtel selbst ist das Projekt auch eine persönliche Rückkehr: Der Niederrhein ist seine alte Heimat. Umso bedeutungsvoller ist es für ihn, gerade hier ein Werk zu hinterlassen, das einen Gegenakzent zu den oft dominierenden Narrativen von Krise und Zerstörung setzt.

Seine Botschaft ist klar und bewusst niedrigschwellig: Jeder Mensch kann durch kleine Handlungen zur Veränderung beitragen. Das Pflanzen eines Triebs wird zur Metapher für Verantwortung – und für die Möglichkeit, aktiv Zukunft zu gestalten.

40 Jahre „Bananensprayer“

Bundesweite Bekanntheit erlangte Baumgärtel durch seine ikonische Spraybanane, mit der er seit 1986 Eingänge bedeutender Kunstorte markiert. Die sogenannte „Exzellenz-Banane“ entwickelte sich rasch zu seinem Markenzeichen und steht bis heute als Symbol für künstlerische Freiheit.

2026 feiert der Künstler ein besonderes Jubiläum: 40 Jahre „Bananensprayer“. Dieses nimmt er zum Anlass für eine umfassende Niederrhein-Tour mit 40 Ausstellungen an 40 Kunstorten. Der Auftakt erfolgt im Mai im Niederrheinischen Museum in Kevelaer – und knüpft damit unmittelbar an den Ort seines neuesten Wandbildes an.

Mit „Mädchen mit Pflanze“ gelingt Baumgärtel ein Werk, das sich bewusst der Lautstärke entzieht und gerade dadurch Wirkung entfaltet. Es ist kein plakatives Mahnmal, sondern eine Einladung zum Innehalten – und zum Handeln.

In einer Zeit globaler Unsicherheiten setzt dieses Bild auf eine einfache, aber kraftvolle Idee: Hoffnung wächst dort, wo jemand beginnt, sie zu pflanzen.

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Titelbild: BU: Wandbild „Mädchen mit Pflanze“ von Thomas Baumgärtel; Foto: Thomas
Baumgärtel

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Die Galerie Geißler Bentler aus Bonn präsentiert auf der art KARLSRUHE 2025, vom 20. bis 23. Februar 2025 in Halle 2 /H2/ G14 Werke von Thomas Baumgärtel, Deutschlands bekanntesten Sprayer und Streetart-Künstler, der unter dem Pseudonym Bananensprayer weit über Deutschlands Grenzen hinaus populär ist. Seine Banane ziert Museen und Galerien – weltweit.

Diese Banane benutzt der Künstler in den unterschiedlichsten Bedeutungen. Als Exzellenz-Banane, mit der er Orte oder Menschen auszeichnet. Aber auch als Aufforderung zur Diskussion, indem er sagt: „Nichts ist eindeutig, logisch, gerade – alles ist Banane!“

Arbeiten auf Verpackungskartons

Auf der art KARLSRUHE zeigt die Galerie Geißler Bentler aus Bonn ein ganz neues Gesicht des Künstlers: Arbeiten auf Verpackungskartons.

„Symbolisch stehen die Kartons für Schutz oder Verbergen. Psychologisch betrachtet repräsentieren sie oft, wie wir unsere Gefühle oder Gedanken verpacken und präsentieren. Es geht um die äußere Hülle, die wir anderen zeigen. Sie beeinflussen, wie wir Produkte wahrnehmen, und sind oft ein Ausdruck von Markenidentität. Psychologisch können sie unsere Kaufentscheidungen beeinflussen, indem sie Emotionen wecken. In unserer Gesellschaft spiegeln sie die Wegwerfgesellschaft wider, aber auch den Wunsch nach Bequemlichkeit und Effizienz. Gleichzeitig weisen sie auf die Notwendigkeit von Nachhaltigkeit hin. Sie sind ein Spiegel unserer Zeit und unserer Gewohnheiten. Sie zeigen, wie wir konsumieren und wie wir mit Ressourcen umgehen.

SSymbole unseres Konsums, unseres globalen Welthandels und unserer kapitalistischen Überflussgesellschaft in einer Zeit, in der Millionen Menschen hungern, auf der Straße leben, frieren, auf Kartons schlafen, auf der Flucht oder in Kriege verwickelt sind – in Gaza, in der Ukraine, in Äthiopien, im Jemen, Kenia und vielen anderen Ländern“, so Baumgärtel.

Zudem zeigt die Bonner Galerie eine weitere neue Serie des Kölner Künstlers: Die „Künstlerbananen“, wie die Beuys-Banane als Banane mit dem typischen Hut aus dem original Beuys-Filz, die Mondrian-Banane in der geometrischen Aufteilung a la Piet Mondrian, die verpackte Christo-Banane oder die benagelte Uecker-Banane und viele andere.

Etliche dieser Arbeiten sind auf Baumgärtels Lieblingsuntergrund gesprayt, auf Plakatwand. Alte, dick übereinander geklebte Plakate der Werbeindustrie, die wegen ihrer Dicke entfernt werden mussten, werden vom Künstler gesammelt und von der Rückseite her, die ja direkt einmal auf die Mauer geklebt war, besprüht. „Wenn schon keine wirkliche Mauer, dann wenigstens das, was einmal direkt auf sie plakatiert war, am liebsten samt Abdruck des Mauerwerkes,“ sagt der Künstler.

Thomas Baumgärtel

Thomas Baumgärtel, bekannt als der »Bananensprayer«, wurde 1960 in Rheinberg geboren. Nach seinem Studium der Freien Kunst an der Fachhochschule Köln und der Diplom-Psychologie an der Universität zu Köln etablierte er sich als Künstler in Köln, wo er bis heute lebt und arbeitet.

Sein Markenzeichen, die Banane, verwendet er in den unterschiedlichsten Bedeutungen: Als Excellence-Banane, mit der er bedeutungsvolle Orte der Kunst, zum Beispiel Museen und Galerien, weit über Deutschland hinaus adelt. aber auch als Symbol der Freiheit. Mit diesem Symbol kämpft Thomas Baumgärtel, einer der deutschen Pioniere der Street-Art aber auch – und zwar seit über 30 Jahren – für die Freiheit der Kunst.

Seine Arbeiten befinden sich heute im Besitz öffentlicher und privater Sammlungen. Zum Beispiel der Kunstsammlung NRW und des Leopold-Hoesch Museums in Düren.

Galerie Geißler Bentler

Kontinuität und Veränderung, scheinbare Gegensätze, vereinen sich im Programm der Galerie Geißler Bentler aus Bonn, die sich seit 1981 kontinuierlich mit ZERO-Kunst , vornehmlich dort mit Günther Uecker, Heinz Mack und Otto Piene, beschäftigt. Einer der Höhepunkt der Bonner Galerie war die fulminante ZERO Ausstellung im Jahre 2014 zeitgleich mit der Ausstellung „Countdown To Tomorrow“ im Guggenheim-Museum, New York.

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Mehr über die art Karlsruhe: www.art-karlsruhe.de

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Liebhaber*Innen von Urbaner Kunst dürfen sich im September 2024 auf die zweite Urban Streetart Gruppenausstellung in Bonn freuen!
Von Freitag, 06.09.24 bis zum Sonntag 15.09.24 pr‰sentieren nationale und internationale Künstler*Innen urbane Kunst in unterschiedlichen Stilrichtungen und Facetten. Unter dem Ausstellungstitel „Street Legacy Vol.3“ stellen 20 Künstler*Innen ihre Werke im LOVE YOUR LOCAL STORE, Breite Strasse 28, 53111 Bonn. aus und bieten diese auch zum Kauf an.

Die „Street Legacy Vol.3“ zeigt eine abwechslungsreiche Werkschau mit Arbeiten von beliebten Streetart-Künstler*Innen. Die Ausstellung ist eine Bestandsaufnahme zu aktueller Streetart und urbaner Kunst. Begleitend zur Ausstellung bietet ein Kunstshop den Besuchern preiswerte Kunst direkt zum Mitnehmen. Der Love Your Local Store dient hierbei als passender Ausstellungsort für Kultur und Begegnung – mitten in der Bonner Altstadt. Getränke werden ebenfalls angeboten.

Lineup: Adultremix, Andrea Wycisk, B4K3R, Cinderella Bones, Cuts and Pieces, Dropix, Dan Driftwood, Hellfire, Heroart, Kalaa Baar, Metraeda, Mittenimwald, Neon Ones, Planet Selfie, R.F.Art, SeiLeise, Strassenmaid, Sweetsnini, VctrPlnt, XXXhibition.

Tipp – Zur Street Legacy Vol.3 findet auch eine Kunsttour statt!

 

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Weitere Informationen

Ausstellungszeiten:
Freitag, 06.09.24: Vernissage ab 18h
Samstag, 07.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Sonntag, 08.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Montag, 09.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Dienstag, 10.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Mittwoch, 11.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Donnerstag, 12.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Freitag, 13.09.24.: 14:00 – 19:00 Uhr
Samstag, 14.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Sonntag, 15.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr

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Die Kolbhalle befindet sich zurzeit im Wandel, denn im Rahmen der städtebaulichen Entwicklung des Stadtteils Ehrenfeld soll die „Baulücke“ an der Helmholtzstraße geschlossen werden. Dem Verein „Wir selbst“ wurde in direkter Nachbarschaft ein kleineres Objekt zum Kauf angeboten. Der Zusammenschluss aus Kreativen ist bereits mitten drin – Bauplanung – Finanzierung. Neben der sicherlich einspannenden Projektplanung finden in den Räumlichkeiten aber weiterhin Veranstaltungen statt. Zurzeit läuft das Urban Art Festival MODUS OPERANDI mit insgesamt 38. Künstler.

 

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Ein Einblick in die Ausstellenden Künstler

ALEXANDER GNIDA

Das Kunstkabinett Moll schreibt über den Künstler: Die Werke von Alexander Gnida verschaffen dem Betrachter einen prononzierten Eindruck auf das klassische Graffiti innerhalb des überschaubaren Raumes eines mittelformatigen Bildträgers. Über mehrere Dekaden hinweg hat der autodidaktische Künstler das Handwerk des Graffiti an der frischen Luft und am witterungsbeständigen Objekt erlernt, für sich immer wieder verbessert und erweitert und sich erst in den letzten Jahren zu einer Bearbeitung des innerhäuslichen Bildträgers aus Holz entschieden, die auf erstaunliche Weise die Lebendigkeit von Graffiti wiederzugeben in der Lage ist.

Alexander Gnida – Künstler | www.kunstkabinett-moll.de

ASAK

Andreas Schmidt Aus Köln – ASAK ist Wahlkölner und bezeichnet seinen Weg, selbst als vom Takt geleitet – er macht einzigartige Schallplattenkunst. Er verarbeitet in echter Handarbeit Vinyl Schallplatten und hat dabei eine weltweit einzigartige Methode entwickelt um dieses sensible Material in neues Licht zu stellen.

Ausgewählte Kunstwerke von ASAK finden Sie auch bei uns im Shop!

 

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CÄSAR. TIF
CHRISTIANO ERNESTO
CHRISTOPH STALLKAMP

DANIEL ZAKHAROV

Im kommerziellen Bereich hat sich Daniel Zakharov  auf die People- / Portraitfotografie und Dokumentationen spezialisiert. In den vergangenen Jahren begleitet er zahlreiche Menschen und Projekte mit seiner Kamera – unter anderem fuhr er im Rahmen der DFB-Ehrenrunde mit dem Fifa WM-Pokal drei Monate quer durch Deutschland und fotografierte dabei an die 200.000 Menschen, dokumentierte die Entstehung unterschiedlichster Projekte wie dem Photobook Museum in Köln, arbeitete für den russischen Pavillon auf der renommierten Kunstbiennale in Venedig und porträtierte zahlreiche Künstler, Musiker und Unternehmer.

Mehr über den Fotokünstler finden Sie hier: Home – Daniel Zakharov

ELISE KAROTTI
FRANK ZAPPEL
FUNKYASFUCK
GIZA ONE
GIZEM GUVENDAG
HANSJUERGENOFFICAL
HERR CHOKO
KAI SEMOR
KING PIN
KOKO LOWRES
KRIPS
LATETE
58 LINES
MARCEL KREUZER
MICHAEL PELTZER
MUGGI MAGOO
RANDOM EXP.
ROBERT OISIN CUSACK
SEVERIN HUMBOLDT
SVEN BORMES
TAMARA BERTRAN
THE KUHL KID
VAKHTANG SIKHARULIDZE
VAST STUDIO
VITALI LUKIN
VOLKER DER GOLDENE REITER
WALLSDONTLIE
W.M. GRIFFIN
YLVIS LINDENBAUM

Wir Selbst e.V.

Der Verein „Wir Selbst e.V.“ wurde 1989 bei Bezug der Räumlichkeiten in der Helmholtzstraße 8-32 gegründet. Seit 33 Jahren betreibt er dort unter dem Namen „Kolbhalle“ einen Kulturbetrieb mit Ausstellungen, Theater, Lesungen, Konzerten und internationalem Künstleraustausch.

Wir Selbst e.V. steht für : Wohnen und Arbeiten unter einem Dach – Kunst als ganzheitliches Lebensmodell * Interkultureller Treffpunkt * Plattform für Ausstellungen, Lesungen, Theater, Musik, Performance etc. * Freiräume zur gesunden Entfaltung – Werkstätten, Proberäume, Ateliers * Skulpturengarten und Stadtnatur * Internationale Kooperationen und Künstleraustausch (Vereinssatzung)
Weitere Infos zum Projekt unter Wir Selbst e.V.

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Die MYSTREETARTGALLERY ist ein kleines Unternehmen, welches im Sommer 2023 in Köln-Ehrenfeld von Thorsten Landré gegründet wurde. Die Galerie entstand aus der Idee, faszinierende Motive aus den Bereichen „Paste Up“, „Stencil“ und „Murals“ an einem einzigen Ort zu präsentieren und den begeisterten Streetart Fans „für kleines Geld“ nach Hause zu bringen. Die Galerie wächst seit einem Jahr täglich weiter; sei es mit neuen Motiven und Produkten oder auch mit immer mehr Beteiligungen an physischen Ausstellungen.

Das letzte Interview finden Sie hier!

Interview mit Thorsten Landré 2.0

In dem letzten Jahr ist viel bei dir passiert – wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich bin fast noch an der gleichen Stelle, wie bei unserem ersten Gespräch. Jedoch nur physisch. Mental und emotional bin ich gerade dabei, die Galerie den Entwicklungen der letzten Monate anzupassen.

Was ist seit deiner Gründung passiert und in welche Richtung hat sich dein Projekt entwickelt?

Oh, tatsächlich eine ganze Menge. Ich bin eine starke Lernkurve durchlaufen. Der ursprüngliche Ansatz auch Spotter für Motivbeiträge zu vergüten fand – für mich überraschend – wenig Anklang. Hat aber gleichzeitig unglaublich viel Zeit in Anspruch genommen. Also habe ich dieses Kapitel geschlossen.

Entsprechend konzentriere ich mich seit Herbst letzten Jahres ausschließlich auf die direkte Zusammenarbeit mit Künstlern und ihren Originalwerken. Ich bin wahnsinnig dankbar, dass mir etablierte Artists wie „Planet_Selfie“, „Cuts and Pieces“ oder aber auch „Holger Zimmermann“ ihr Vertrauen geschenkt haben. Gleichzeitig kümmere ich mich aber auch darum, dass Newcomer wie „Muckefucker“ oder „Tom Lehner“ eine Plattform für ihre *urban Street- & PopArt* bekommen.

Besonders freut es mich, dass mystreetartgallery auch immer wieder ausländische Künstler präsentieren kann. „Only Abrahams“ und „LT66Art“ sind nur 2 Beispiele.

Hast du die Resonanz und Entwicklung erwartet und was hast du dir für die Zukunft vorgenommen?

2 x „Nein“. Es gab Aspekte, die habe ich mir erfolgversprechender vorgestellt. So zum Beispiel das Produktangebot für die Printwerke. Hier habe ich mich nun voll auf Premium-Materialien wie Metall und Acrylglas fokussiert. Gleichzeitig habe ich nicht damit gerechnet als Neuling in der Branche so schnell so ein tolles Künstler-Portfolio aufbauen kann. Im Laufe des Juni kommen noch 5 weitere nationale und internationale Artists hinzu.

Für die Zukunft habe ich 2 Themen im Blick: 1. Gibt es nur wenige Galerien, die sich exklusiv dem Thema *urban Street- & PopArt* verschreiben. Darum ist es mein Ziel, Künstlern die bestmögliche Plattform zu bieten. Wobei klar ist, dass die Anzahl immer begrenzt sein wird, da sonst keine optimale Betreuung möglich ist. 2. möchte ich – wenn möglich noch in diesem Herbst – auch eine stationäre Galerie hier in Köln eröffnen. Auch wenn das kaufmännisch natürlich eine große Herausforderung ist, da die meisten Pachtverträge eine Laufzeit von 5 Jahren haben. Bis dahin nehme ich an so vielen Off-Side-Veranstaltungen wie möglich teil.

Gestartet hat deine Plattform online – jetzt bist du auch in der Veranstaltungsbranche tätig?

Nein, gar nicht. Aber ich war in den letzten Monaten immer eine Art „Unter-Aussteller“ und habe bei Gruppenveranstaltungen dann als „Galerist-Gast“ Künstler präsentiert. Das ist nicht nur wichtig für jeden einzelnen Künstler, es unterstützt auch unmittelbar die Online-Galerie. Allerdings war der verfügbare Platz bei Ausstellungen wie der „Street Legacy“ in Bonn oder der „Strassengold“ in Köln natürlich begrenzt. Darum freue ich mit der eigenen Veranstaltungsreihe „Urban Splash“ nun mehr meiner Künstler mit ihren Werken präsentieren zu können.

Künstler können sich aber weiterhin bei euch auf der Plattform direkt bewerben und der Löwenanteil wird dabei an die Artists ausgezahlt – und zukünftig möchtest du mit deinen Events Charity-Projekte unterstützen?

Ja. Mit verschiedenen Künstlern haben wir in den letzten Monaten unterschiedliche soziale Projekte unterstützt. Hierfür bin ich allen teilnehmenden Künstlern und Kunstkäufern sehr dankbar und möchte das unbedingt fortführen.

Am 07.06. startet in der Soldoutgallery in Bochum deine Ausstellung URBAN SPLASH, kannst du schon was im Vorfeld verraten?

Gerne! „Urban Splash“ ist der Name eines neuen Formats von Gruppenausstellung, die ich gemeinsam mit dem Künstler „Cuts and Pieces“ ins Leben gerufen habe. Hierbei präsentiere ich insgesamt fast 60 Werke von 10 Künstlern, die ich auf mystreetartgallery vertrete. Tom Thrasher von der Soldoutgallery stellt für 3 Wochen seine Räumlichkeiten zur Verfügung.

Warum sollte man die URBAN SPLASH unbedingt besuchen? Bzw. was macht deine/die Künstler der Ausstellung so besonders?

Die Antwort ist einfach: 10 Künstler mit fast 60 Werken. Wobei etablierte Künstler Werke präsentieren, die sie so noch nie gezeigt haben und neue Künstler mit ihren Werken sicher für Überraschungen gut sind. Kunst zwischen 30€ und 750€ ist eine schöne Brücke für alle.

 

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Am 18. und 19. Mai 2024 präsentieren sich über 25 Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region mit der ganzen Vielfalt ihrer künstlerischen Arbeiten. Ihr gemeinsamer Nenner: Die Überzeugung, dass es heute nicht mehr ausreicht, nur in eigenen gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Und das Vielfalt bereichert und Spaß macht.

Und das spiegelt sich deutlich im Aufgebot des zweiten Loft of Art WEEKENDs wider: Die 25 KünstlerInnen zeigen ein vielfältiges Portfolio aus Malerei, digitalen Collagen, Fotografie, Illustrationen, Steet-Art, ASCII Art, Upcycling Mode, Schmuckdesign, Wohnkultur und vielem mehr – alles, außer Mainstream. Alles zum Mitnehmen.

Neben einem vielfältigen Aussteller-Mix legen die OrganisatorInnen, selbst KünstlerInnen, großen Wert auf ein kreatives Rahmenprogramm. Im Fokus: Ein buntes musikalisches Line Up von Singer/SongwriterInnen über Indie Rock, Hip Hop, Elektro und Live-Djanes und Djs.

Darüber hinaus sind kreative Side-Events von Schreibmaschinen-Poesie bis Kreativ-Workshops, Teil des WEEKENDs. Und an der Bar gibt es kühle Drinks für die wunderschöne Terrasse der Spieloase.

„Kunst kennt viele Formen. Das Loft of Art WEEKEND ist ein Format, das die Sinne auf vielen Ebenen anspricht und Begegnungen zwischen interdisziplinären Kunstschaffenden und Interessierten in einem unkonventionellen Rahmen und in entspannter Atmosphäre ermöglicht“. – Carolin Herzberg, Mitorganisatorin des Loft of Art WEEKENDs

Loft of Art WEEKEND Eröffnung und Tickets

Das Loft of Art WEEKEND öffnet am Samstag, dem 18.05.2024 um 15:00 Uhr in der Spieloase, Brunnenstrasse 65a in Düsseldorf-Bilk. Live-Musik gibt es ab 15:30 Uhr. Am Sonntag, dem 19.05.2024 sind die Türen dann von 15:00 – 20:00 Uhr inklusive Live-Djs geöffnet.

Der Eintritt ist frei – wer will, kann und darf vor Ort spenden.

Tickets und weitere Infos über das Line Up gibt es hier: https://rausgegangen.de/events/loft-of-art-weekend-0/

Über Loft of Art:

Loft of Art – das sind Carolin Herzberg, Matthias Diebels, Vernice Collet, Lotta Krickel, Gerrit Jansen und Alexandra Lehmberg.

Wir sind Düsseldorfer KünstlerInnen aus Leidenschaft. Ohne Kunsthochschulabschluss. Wir teilen die Überzeugung, dass es mehr denn je darauf ankommt, Horizonte zu erweitern, neue Perspektiven zu entdecken, offen und neugierig zu sein und zu bleiben. Dass es nicht mehr
ausreicht, nur in gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Dafür veranstalten wir regelmäßig unregelmäßig das Loft of Art WEEKEND – je vielfältiger, desto besser. Mit immer neuen KünstlerInnen aus unterschiedlichen Genres. Immer selbstfinanziert und auf Spendenbasis. Alles für die Kunst.

Dabei verstehen wir unser Konzept als Plattform für weniger etablierte und interdisziplinäre Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region. Wir wollen uns miteinander vernetzen, voneinander lernen und gemeinsam wachsen. Als Ausstellungsorte dienen uns wechselnde Düsseldorfer Locations, so durchziehen wir die Stadt und hinterlassen überall unsere Spuren.

 

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Über die Spieloase:

Die „Spieloase in Bilk“ ist ein Kooperationsmodell mit der Stadt Düsseldorf, Amt für Soziales und Jugend und wurde 1985 von Trude Kraus ins Leben gerufen. Seither engagieren sich die MitarbeiterIinnen aus Kindertreff und Verein „Spielen und Leben in Bilk e.V.“ für das Leben im Stadtteil Bilk und bieten für Jung & Alt, Kinder wie Eltern viele tolle, kreative Angebote und Events.

Ein Einblick in die Künstler:

Die MYSTREETARTGALLERY aus Köln, ist gleich mit zwei Künstlern im Rahmen der Veranstaltung präsent. Unser letztes Interview mit dem Gründer Thorsten Landré und mehr über die MYSTREETARTGALLERY finden Sie hier: Kunst in Köln: MYSTREETARTGALLERY – Gründer Thorsten Landré im Interview

Holger Zimmermann

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