Wien hat ein neues urbanes Wahrzeichen: Der spanische Künstler Okuda San Miguel gestaltete das größte Wandbild Österreichs. Die monumentale Fassadenarbeit befindet sich am ehemaligen APA-Turm in Döbling und verwandelt ein seit Jahrzehnten leerstehendes Gebäude in ein farbenprächtiges Kunstwerk.

Mit einer Fläche von rund 1.100 Quadratmetern zählt das Projekt zu den größten Street-Art-Interventionen, die Österreich bisher gesehen hat.

Das Kunstwerk: „In Equality“

Das Wandbild trägt den Titel „In Equality“ und ist ein typisches Werk des international bekannten Künstlers. Okuda San Miguel ist für seine geometrischen Formen, kräftigen Farben und surrealen Figuren bekannt, die häufig gesellschaftliche Themen wie Identität, Freiheit und Diversität behandeln.

Das Wiener Projekt greift genau diese Themen auf und setzt ein visuelles Statement für Vielfalt, Offenheit und gesellschaftlichen Wandel.

Ein leerstehender Turm wird zur Leinwand

Der ehemalige APA-Turm in der Gunoldstraße in Wien-Döbling stand über 20 Jahre leer. Durch die Zusammenarbeit mit dem Street-Art-Festival Calle Libre wird das Gebäude nun erstmals wieder aktiv in das Stadtbild integriert.

Mit einer Höhe von rund 52 Metern wird der Turm durch das Wandbild nicht nur optisch aufgewertet, sondern auch zu einem neuen kulturellen Orientierungspunkt im Wiener Norden.

Street Art als Stadtentwicklung

Das Projekt zeigt eindrucksvoll, wie sich Street Art in den letzten Jahren entwickelt hat: weg von illegalen Graffiti hin zu groß angelegten, kuratierten Kunstprojekten im öffentlichen Raum.

Städte wie Wien nutzen diese Form der Kunst zunehmend, um brachliegende Architektur aufzuwerten und neue kulturelle Impulse zu setzen. Das Wandbild von Okuda San Miguel ist damit nicht nur Kunst, sondern auch ein Beispiel moderner Stadtgestaltung.

Bedeutung für Wien und die internationale Kunstszene

Mit dem größten Wandbild Österreichs positioniert sich Wien einmal mehr als wichtige europäische Stadt für Urban Art. Gleichzeitig stärkt das Projekt die internationale Sichtbarkeit der lokalen Street-Art-Szene.

Für Besucher und Kunstinteressierte entsteht damit ein neues Highlight, das sowohl fotografisch als auch kulturell große Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Fazit

Das neue Wandbild von Okuda San Miguel ist mehr als nur Fassadengestaltung – es ist ein starkes visuelles Statement im öffentlichen Raum. Wien erhält damit nicht nur das größte Wandbild Österreichs, sondern auch ein Werk, das die Diskussion über Kunst, Stadtentwicklung und gesellschaftliche Werte sichtbar macht.

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Die Recherche zur Identität von Banksy stützte sich auf alte Gerichtsdokumente, handschriftliche Aussagen und Reisedaten, die den mutmaßlichen Künstler verschiedenen Aktionen zuordnet. Doch bevor wir uns in kollektive Erleichterung oder Empörung stürzen: Ist das wirklich Banksy – oder ein weiteres Spiel, ein inszenierter „Leak“, wie es nur Banksy selbst schaffen könnte?

Banksy war mehr als ein Name. Er war ein Phantom, eine Idee, ein Konzept. Seit den frühen 2000er-Jahren tauchten seine Schablonengraffitis auf Straßen, Mauern und Wänden in Bristol, London, New York oder dem Westjordanland auf. Es ging nie nur um Bilder, sondern um Botschaften: Gesellschaftskritik, Ironie, Humor – und immer verbunden mit dem Rätsel: Wer ist Banksy eigentlich?

Seine Anonymität war Teil des künstlerischen Konzeptes. Sie schuf Spannung, Schutz und Aufmerksamkeit. Gerade das Unbekannte machte ihn zur Legende.

Die angebliche Enthüllung und ihre Reaktionen

Die Meldung hat weltweit Diskussionen ausgelöst. Auf Social Media empfinden viele Nutzer:innen die Veröffentlichung als Verstoß gegen ein journalistisches Tabu, als Eingriff in künstlerische Freiheit. Andere wiederum bezweifeln, dass es sich wirklich um Banksy handelt, und spekulieren, dass der Künstler selbst die Spur gelegt haben könnte – eine klassische Banksy-Inszenierung, die erneut die Grenzen zwischen Realität und Mythos verschwimmen lässt

Kommentator:innen vergleichen die Enttarnung mit dem Verlust des kindlichen Glaubens an den Weihnachtsmann – eine kulturelle Entzauberung, die weh tut (srf.ch). Gleichzeitig mahnen Anwälte und Experten: Die Enthüllung könnte die Sicherheit des Künstlers gefährden, denn viele seiner Werke entstehen ohne Genehmigung und bewegen sich in einem rechtlich sensiblen Grenzbereich.

Warum die Identität gar nicht so wichtig ist

Selbst wenn die Identität korrekt sein sollte, verändert dies nicht die Wirkung von Banksys Kunst. Sein Einfluss beruht nicht auf dem Namen, sondern auf den Bildern, den politischen Botschaften und den Aktionen selbst. Die Anonymität diente eher als Schmiermittel, um Aufmerksamkeit zu erzeugen und Schutz zu bieten.

Die Werke sprechen weiterhin für sich – und genau darin liegt auch mein Punkt: Die Enthüllung ist weniger ein Ende, sondern vielmehr ein Shift im Narrativ. Weg vom Phantom, hin zu einem Künstler, dessen Botschaften nun noch klarer wirken, ohne dass die Identität des Menschen im Vordergrund steht.

Spekulation: Banksys eigenes Spiel

Eine faszinierende Theorie besagt, dass Banksy die Enthüllung selbst gesteuert haben könnte. Die Medienaufmerksamkeit, die Debatten, das Spekulieren – all das würde sich perfekt in sein Konzept einfügen. Selbst die Zweifel, die Diskussionen und die Kontroversen sind Teil seines Spiels: Die Kunst bleibt nicht nur visuell, sie erstreckt sich auch in die Realität und die Wahrnehmung der Öffentlichkeit.

Prognose: Die Kunst lebt länger als der Künstler

Für mich steht fest: Selbst nach Banksys Tod werden weiterhin Werke von Banksy erscheinen. Sein Stil, seine Handschrift, seine Strategien sind so markant, dass Auftragswerke, Nachahmungen oder geplante posthume Enthüllungen den Geist von Banksy weitertragen werden.

Auch für den Kunstmarkt ist dies spannend: Historisch gesehen steigen die Preise seiner Werke bei jeder neuen Kontroverse oder Enthüllung weiter an. Das „Phantom Banksy“ erzeugt nach wie vor Aufmerksamkeit, die sich in Auktionspreisen, Medienpräsenz und Sammlerinteresse niederschlägt. Und ich glaube fest daran, dass der große Hammer noch kommt – das nächste Werk, das alle bisherigen Rekorde sprengt, vielleicht durch einen spektakulären Ort, ein öffentliches Statement oder eine provokative Aktion.

Die Wertentwicklung wird dabei nicht linear sein – sie hängt von Kontext, Aufmerksamkeit und Mythos ab. Aber eines ist klar: Die Kombination aus politischer Relevanz, künstlerischer Prägnanz und medialer Inszenierung macht Banksy-Werke zu langfristigen Kulturgütern.

Fazit

Die Enthüllung von Banksys Identität ist ein kulturjournalistisches Ereignis. Doch sie beendet nicht den Mythos. Sie verschiebt ihn. Wir können Banksy nun als Mensch mit Namen sehen, oder weiterhin als Symbol für subversive, gesellschaftskritische Kunst.

Die Werke werden bleiben – provokativ, gesellschaftlich relevant, witzig, politisch. Und selbst nach dem Tod von Banksy werden wir uns weiterhin fragen, wer hinter dem nächsten Banksy-Bild steckt, weil die Kunst größer ist als derjenige, der sie erschafft. Selbst wenn wir glauben, seinen Namen zu kennen, werden wir überrascht, herausgefordert und fasziniert – und das ist genau der Grund, warum Banksy mehr als ein Künstler ist: Er ist ein kulturelles Phänomen.

Journalistische Tabus wurden gebrochen – das ist mehr als nur ein Leak.

 

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Die Kolbhalle befindet sich zurzeit im Wandel, denn im Rahmen der städtebaulichen Entwicklung des Stadtteils Ehrenfeld soll die „Baulücke“ an der Helmholtzstraße geschlossen werden. Dem Verein „Wir selbst“ wurde in direkter Nachbarschaft ein kleineres Objekt zum Kauf angeboten. Der Zusammenschluss aus Kreativen ist bereits mitten drin – Bauplanung – Finanzierung. Neben der sicherlich einspannenden Projektplanung finden in den Räumlichkeiten aber weiterhin Veranstaltungen statt. Zurzeit läuft das Urban Art Festival MODUS OPERANDI mit insgesamt 38. Künstler.

 

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Ein Einblick in die Ausstellenden Künstler

ALEXANDER GNIDA

Das Kunstkabinett Moll schreibt über den Künstler: Die Werke von Alexander Gnida verschaffen dem Betrachter einen prononzierten Eindruck auf das klassische Graffiti innerhalb des überschaubaren Raumes eines mittelformatigen Bildträgers. Über mehrere Dekaden hinweg hat der autodidaktische Künstler das Handwerk des Graffiti an der frischen Luft und am witterungsbeständigen Objekt erlernt, für sich immer wieder verbessert und erweitert und sich erst in den letzten Jahren zu einer Bearbeitung des innerhäuslichen Bildträgers aus Holz entschieden, die auf erstaunliche Weise die Lebendigkeit von Graffiti wiederzugeben in der Lage ist.

Alexander Gnida – Künstler | www.kunstkabinett-moll.de

ASAK

Andreas Schmidt Aus Köln – ASAK ist Wahlkölner und bezeichnet seinen Weg, selbst als vom Takt geleitet – er macht einzigartige Schallplattenkunst. Er verarbeitet in echter Handarbeit Vinyl Schallplatten und hat dabei eine weltweit einzigartige Methode entwickelt um dieses sensible Material in neues Licht zu stellen.

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CÄSAR. TIF
CHRISTIANO ERNESTO
CHRISTOPH STALLKAMP

DANIEL ZAKHAROV

Im kommerziellen Bereich hat sich Daniel Zakharov  auf die People- / Portraitfotografie und Dokumentationen spezialisiert. In den vergangenen Jahren begleitet er zahlreiche Menschen und Projekte mit seiner Kamera – unter anderem fuhr er im Rahmen der DFB-Ehrenrunde mit dem Fifa WM-Pokal drei Monate quer durch Deutschland und fotografierte dabei an die 200.000 Menschen, dokumentierte die Entstehung unterschiedlichster Projekte wie dem Photobook Museum in Köln, arbeitete für den russischen Pavillon auf der renommierten Kunstbiennale in Venedig und porträtierte zahlreiche Künstler, Musiker und Unternehmer.

Mehr über den Fotokünstler finden Sie hier: Home – Daniel Zakharov

ELISE KAROTTI
FRANK ZAPPEL
FUNKYASFUCK
GIZA ONE
GIZEM GUVENDAG
HANSJUERGENOFFICAL
HERR CHOKO
KAI SEMOR
KING PIN
KOKO LOWRES
KRIPS
LATETE
58 LINES
MARCEL KREUZER
MICHAEL PELTZER
MUGGI MAGOO
RANDOM EXP.
ROBERT OISIN CUSACK
SEVERIN HUMBOLDT
SVEN BORMES
TAMARA BERTRAN
THE KUHL KID
VAKHTANG SIKHARULIDZE
VAST STUDIO
VITALI LUKIN
VOLKER DER GOLDENE REITER
WALLSDONTLIE
W.M. GRIFFIN
YLVIS LINDENBAUM

Wir Selbst e.V.

Der Verein „Wir Selbst e.V.“ wurde 1989 bei Bezug der Räumlichkeiten in der Helmholtzstraße 8-32 gegründet. Seit 33 Jahren betreibt er dort unter dem Namen „Kolbhalle“ einen Kulturbetrieb mit Ausstellungen, Theater, Lesungen, Konzerten und internationalem Künstleraustausch.

Wir Selbst e.V. steht für : Wohnen und Arbeiten unter einem Dach – Kunst als ganzheitliches Lebensmodell * Interkultureller Treffpunkt * Plattform für Ausstellungen, Lesungen, Theater, Musik, Performance etc. * Freiräume zur gesunden Entfaltung – Werkstätten, Proberäume, Ateliers * Skulpturengarten und Stadtnatur * Internationale Kooperationen und Künstleraustausch (Vereinssatzung)
Weitere Infos zum Projekt unter Wir Selbst e.V.

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Das @macroartdot Kunstprojekt wurde von Maja Neuhaus ins Leben gerufen. Jeder MacroArtDot – kurz MAD – bringt Kunst auf den Punkt und an Berliner Wände. Die runden PasteUps mit bis zu 1m Durchmesser und Sticker vereinen als Makroaufnahme aktuelle Kunst im öffentlichen Raum.

Jeder Dot präsentiert Arbeiten von acht Berliner Künstler:innen. Jede:r Künstler:in zeigt sich im eigenen Genre und Thema. Die Straße wird zur Galerie. Auf Instagram @macroartdot werden alle beteiligten Künstler:innen vorgestellt. Pinguindruck hat die erste Auflage von MAD N°1 bis N°4 gesponsert.

Das MAD-Projekt sucht weitere Sponsor:innen, um Kunst im urbanen Raum auf den Punkt zu bringen.

Die ersten 4 MacroArtDots mit 32 beteiligten Berliner Künstler:innen bilden den Anfang einer MAD-Reihe ohne geplantes Ende. MAD N° 5 und N°6 füllen sich bereits mit neuen Beiträgen. Zur Teilnahme am MacroArtDot Projekt sind Berliner Künstler:innen herzlich eingeladen. E-Mail an: macroartdot@gmail.com

 

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Maja Neuhaus

Maja Neuhaus wurde 1977 in Ostberlin geboren.

Mit 12 Jahren wurde meine Welt schlagartig bunt, groß und roch anders. Die Mauer war weg. In das neue Gesellschaftssystem, die Umbrüche und Möglichkeiten konnte ich mich im Schoß der zweiten Hälfte meiner Schulzeit einschwingen.

Nach dem Abitur begann Neuhaus Kommunikationsdesign in Potsdam zu studieren. Nach dem Abschluss des Studiengangs begann sie als Grafikdesignerin zu arbeiten.  Später folgte ein zweiter Studienabschluss – MA Kunsttherapie. Während dieses Studiums an der Alanus Hochschule bei Köln besuchte Neuhaus Kurse der Künstlerin und Bildhauerin Barbara Wichelhaus.

Sei Ende 2019 ist sie freischaffende Künstlerin.

Mehr über die Künstlerin: www.majaneuhaus-art.com

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Am 3. und 4. Juni bieten Buchhändler Neuware und rare Sammlerstücke zum Verkauf an. Begleitet wird die Buchmesse von Podiumsdiskussionen, Lesungen und anderen Veranstaltungen. Die Buchmesse ist Teil des Rahmenprogramms der Ausstellung „EINE STADT WIRD BUNT“, in der noch bis zum 7. Januar 2024 die Hamburg Graffiti History von 1980 bis 1999 zu erleben ist. Das Kombi-Ticket zum Preis von 5 Euro gilt für beide Tage inklusive des Besuchs der Ausstellung.

Entwicklung auf dem Markt der Magazine und Bücher zum Thema „Graffiti”

Drei Bücher, die für eine bemerkenswerte Entwicklung auf dem Markt der Magazine und Bücher zum Thema „Graffiti” stehen: Ging es in den frühen Publikationen in erster Linie darum, die Sprühkunst selbst zu zeigen, so nähern sich zahlreiche Neuerscheinungen dem Thema heute auf andere, oft überraschende Weise. Etwa, indem sie ganz nah ans Sujet heranrücken.

All Surface – Tagging in Dortmund

Kennen Sie das Buch „All Surface“? Es handelt von „Tagging in Dortmund in den 1980er und 1990er Jahren“, Umfang: 244 Seiten, Auflage: 500 Stück. Oder „Radical Passion“? Der 528 Seiten lange Bild-Text-Band handelt von polnischen Trainwritern – und ihrer fast manischen Leidenschaft für das historische Zugmodell „EN57”. Auflage: 1.500 Stück. Oder „Enemy Kids“? Darin erzählt der Writer “Bus126” von seiner Jugend im Berlin der 1990er Jahre.

AKAY – Blackbook 1986 – 1990

„AKAY – Blackbook 1986 – 1990”, eine Replik des Skizzenbuches eines schwedischen Writers – inklusive der zu Analogzeiten üblichen “Fotos zum Ausklappen”. Sie zeigen lange Wandbilder, die nicht ins A4-Format passen.

Hamburg – Stadtporträt

Andere Werke sind eher alternative Stadtporträts, wie der Bildband mit dem unscheinbaren Titel „Hamburg”. Auf 320 Seiten nimmt der der Fotograf Emmet E. Lesende hier mit auf einen Spaziergang zu zahlreichen Werken des Künstlers „OZ” im Hamburger Stadtraum. Ein Versuch, wenn man so will, das flüchtige Werk für die Nachwelt zu retten. Viele Werke wiederum stellen eher eine Form von Stadtgeschichtsschreibung dar, wie „Oslo Graffiti”, in dem es um Writing in der norwegischen Hauptstadt von 1984 bis 2008 geht. Oder, natürlich, „EINE STADT WIRD BUNT”, in dem die Entwicklung der Hamburger Graffitiszene im Kontext von Stadtentwicklung und Subkultur detailliert nachgezeichnet wird.

Und so fällt es der „Unlock Book Fair”, die am 3. und 4. Juni im Museum für Hamburgische Geschichte gastiert, gar nicht so leicht, ihr eigenes Thema einzugrenzen. War es der 2016 gegründeten Buchmesse, noch darum gegangen, kleinen Verlagen für Graffitimagazine und Bücher ein Forum zu bieten, so decken eben diese Verlage – und somit auch die Messe heute ein größeres Themenfeld ab.

Kunsthistorische Abhandlung bis zum fotografischen Langzeitprojekt

Von der kunsthistorischen Abhandlung bis zum fotografischen Langzeitprojekt, von der alternativen Stadterkundung bis zum Porträt von „Hobos“, die als blinde Passagiere in Güterwaggons durchs Land fahren: Wer sich einmal durch die Webshops der einschlägigen Verlage geklickt hat, wird den Eindruck nicht los, dass hier – von Öffentlichkeit und Verlagsindustrie weitgehend unbemerkt – im Umfeld der Graffitikultur ganz neue Erzählformen entstehen.

Graffiti, so die Macher der “Unlock Book Fair”, führe zu eigenwilligen Betrachtungsweisen der Stadt. Natürlich spielt die Werkschau einzelner WriterInnen oder Crews noch immer eine tragende Rolle. Was zum einen daran liegt, dass viele über Jahrzehnte aktive SprüherInnen irgendwann einmal das Bedürfnis verspüren, dem eigenen Schaffen ein Denkmal zu setzen. Und spätestens seit der moderne Digitaldruck es möglich macht, optisch hochwertige Bücher in Kleinstauflage zu produzieren, hat im Prinzip jeder Writer und jede Writerin die Möglichkeit, sein oder ihr persönliches “Best-of” zu produzieren. Das Buch als, wenn man so will, Fortführung des Writing mit anderen Mitteln.

Hybride aus Kunstobjekt und Dokumentation

Ein weiterer Grund für den hohen Stellenwert des Buches innerhalb der Szene, ist seine Verkäuflichkeit. Gerade für WriterInnen, die nicht auf Leinwand oder im Auftrag auf Wand malen, ist das Buch fast die einzige Möglichkeit, die eigenen Werke gegen Geld einzutauschen. Eine Strategie, die sich auch darin äußert, dass viele Bücher neben einer „normalen“ Ausgabe auch als limitierte Sonder-Edition erscheinen, die teils beträchtliche Wertzuwächse erleben und mittlerweile nicht nur auf eBay, sondern auch in klassischen Auktionshäusern gehandelt werden. Es sind auch diese Hybride aus Kunstobjekt und Dokumentation, die die Zahl der Graffitibücher wachsen lässt.  Gerade in Zeiten von Social Media. Denn: Instagram verspricht zwar rasante Verbreitung. Aber nur Print verspricht Relevanz.

Gegründet von Javier Abarca

Gegründet wurde die „Unlock Book Fair” 2016 in Barcelona von Javier Abarca. Der spanische Graffiti-Pionier hatte sich schon zuvor immer wieder mit der Frage beschäftigt, wie man eine Kunst, in der die Mehrheit nur Vandalismus sieht, einer breiteren Öffentlichkeit verständlich machen kann. Er hielt Vorlesungen an Universitäten. Publizierte Aufsätze und organisierte Workshops und Events, wie die „Tag Conference“, die vom 29. Juni bis zum 1. Juli 2023 ebenfalls im Begleitprogramm von „EINE STADT WIRD BUNT“ in Hamburg gastiert und sich mit dem Phänomen des „Tagging“ aus historischer Perspektive beschäftigt. Mit der „Unlock Book Fair” hat Abarca über die Jahre einen Marktplatz – und einen Begegnungsort – für alle Menschen geschaffen, die sich für Graffiti, Urban-Art, Buchkunst, Fotografie, Subkultur, jüngste Stadtgeschichte und alternative Stadterkundung interessieren.

Subway Art von Martha Cooper und Henry Chalfant

Für die Graffitikultur selbst, ist die „Unlock Book Fair“ auch deshalb von enormer Bedeutung, weil sie sich um ihr wichtigstes Medium dreht: das Buch. Welche Wirkmacht Print entfalten kann, hat der Bildband „Subway Art” von Martha Cooper und Henry Chalfant bereits vor fast 50 Jahren gezeigt. Die 1984 erschienene Fotodokumentation über Graffiti auf New Yorker UBahnen gilt als „Bibel“ der Szene. Es ist das meistverkaufte Graffitibuch aller Zeiten und hat maßgeblich dazu beigetragen, dass die Subkultur zum globalen Phänomen wurde und diente Generationen von Writern als Inspirationsquelle.

Vielleicht hat es auch mit dem Nimbus von „Subway Art“ zu tun, dass dem Buch im Graffiti ein so hoher Stellenwert zukommt. Es gibt aber noch einen weiteren, ganz praktischen Grund. Eine Kunst, die auf der Straße zu Hause ist, kann die Zeit nur zwischen Buchdeckeln überdauern. Tags und Pieces auf Wänden und Zügen werden entfernt, verblassen oder fallen Abriss und Neubau zum Opfer. Websites und Social-Media-Profile, die Fotos zeigen, werden möglicherweise gelöscht. Bedrucktes Papier aber bleibt. Unter Umständen für immer.

Weitere Informationen

Unlock Book Fair: Museum für Hamburgische Geschichte, Holstenwall 24, 20355 Hamburg. Graffiti-Buch- und Magazin-Messe, Begleitprogramm: Podiumsdiskussionen, Präsentation von Neuerscheinungen, Lesungen u.v.m.

Samstag, 3. Juni, 11 – 19:30 Uhr, Sonntag, 4. Juni, 11 – 17 Uhr.

Mit Unterstützung durch: Stiftung wissensART und dem Centre for the Study of Manuscript Cultures (CSMC) – Cluster of Excellence „Understanding Written Artefacts“ – der Universität Hamburg.

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Das lange erwartete neue Buch des Street Art Künstlers XOOOOX ist endlich erschienen. Die 160 Seiten umfassende Publikation umfasst zahlreiche Werke von 2012 bis 2022 und ist das zweite Buch über den international wahnsinnig erfolgreichen Street Art Künstler XOOOOX.. XOOOOX ist der derzeit erfolgreichste deutsche Straßen-Künstler. Seine Arbeiten werden schon länger auf dem internationalen Kunstmarkt gehandelt. Der Titel des Buches lautet daher auch „XOOOOX – WORKS 2012–2022“ und ist unter der ISBN 978-3-00-072517-3 erschienen.

XOOOOX

XOOOOX (ausgesprochen „zooks“), geboren 1979, begann mit 15 Jahren mit klassischen Graffiti und ist ein in Berlin lebender Straßenkünstler, der für seinen Guerilla-Stil bekannt ist und mit filigranen Schablonenarbeiten und Installationen im Arte-Povera-Stil arbeitet, die aus verwitterten und verrottenden Materialien bestehen.

Im Alter von 16 Jahren begann XOOOOX, die unzähligen „Vogues“ seiner Schwester durchzublättern, die Modelle auszuschneiden und sie auf Oberflächen in der Stadt zu kleben. Später wechselte er zu Schablonen. Er versucht, einen Kontrast zum Glamour der Modewelt zu schaffen, indem er die stylischen und makellosen Models auf verwitterte und urbane Oberflächen klebt. In vielen seiner Arbeiten verwendet er auch Logos von Modemarken wie Hermes oder Chanel, die er verfremdet. Bei manchen Werken kann dies auch als Hommage verstanden werden. Wie es bei Marken der Fall ist, die auf eine lange Tradition zurückblicken. In anderen Fällen jedoch ist es eher eine Kritik an der Überindustrialisierung der Mode und sie laden den Betrachter ein, diese zu hinterfragen.

Seine lebensgroßen Schablonen Arbeiten zeigen perfekt gestylte weibliche Models wie etwa Valeria, die er nach dem Vorbild von Modekampagnen inszeniert. Bei dem Hintergrund setzt er aber auf Materialien mit Geschichte, wie verweste oder verwitterte Hölzer und Stoffe. Somit schafft er einen Kontrast zu dem Glanz der Modewelt. In vielen seiner Arbeiten nutzt er außerdem Logos von Modemarken wie von Hermes und Chanel, die er verfremdet. In einigen Fällen ist dies durchaus auch als Hommage zu verstehen wie beispielsweise bei Marken, die auf eine lange Tradition zurückblicken. Bei anderen wiederum ist es vielmehr die Kritik an der Überindustrialisierung der Mode und laden den Betrachter dazu ein, diese zu hinterfragen.

XOOOOX arbeitet normalerweise an alten Fassaden. Wichtig sind ihm dabei der Vintage-Look und die Positionierung und gelegentlich gibt es aber auch Arbeiten auf „beweglichen Gütern“ wie Stahltüren oder Stromkästen. Street Art lebt von dem, was sie umgibt und von der Situation, in der sie entsteht. Raue Fassaden, rostige Tore, windige Ecken, Zeitdruck, schwierigste Bedingungen für die Entstehung. Aus diesem Grund werden viele der in Galerien angebotenen XOOOOX-Kunstwerke auf authentischen Holz- und Stahlträgern geschaffen. Er arbeitet auch auf großen Kupferplatten, die im Licht eine besondere Ästhetik entwickeln, die sich mit der Zeit verändert.

Der französische Street-Art-Künstler Blek le Rat führte XOOOOX in die Schablonentechnik ein. Er war ein Pionier der Schablone, der auch in Berlin unterwegs war.

XOOOOX gilt in der Tat als der erste deutsche Straßenkünstler, der neben „Banksy“ auf dem internationalen Kunstmarkt bekannt geworden ist. Obwohl die Werke des Künstlers in der ganzen Stadt zu sehen sind, bleibt seine Identität ein Geheimnis. Auch um gegen den Vorwurf des öffentlichen Vandalismus vorzubeugen.

Die New York Times empfahl XOOOOX am 17. Oktober 2014 als eines der „12 Treasures of Europe“. Das Urban Nation Museum in Berlin erwarb im Februar 2018 ein Werk für seine ständige Sammlung und in Amsterdam wurde 2020 das größte Street Art Museum der Welt in der Lasloods Hall eröffnet. Das Museum wurde von Peter Ernst Coolen auf dem Gelände der NDSM Docks gegründet. Auch XOOOOX-Originale sind dort als Teil der Sammlung zu sehen.

Im Kölner Auktionshaus Van Ham stellte am 7. Oktober 2020 ein Unikat von XOOOOX einen neuen Auktionsrekord auf. Die Arbeit Laguna Bay (Schablone auf Metall) erreichte 8.925 € (ca. 10.000 US $.)

FRANK FLUEGEL GALERIE

FRANK FLUEGEL GALERIE mit Standorten in Nuernberg und Kitzbuehel ist seit über zwanzig Jahren fokussiert auf hochwertige Originale der Pop Art, Street Art und zeitgenössischen Kunst. RANK FLUEGEL GALERIE hat bereist mehrfach XOOOOX in Nürnberg und Kitzbühel ausgestellt

Der Kunstsammler findet original Kunstwerke, Grafiken und Unikate von Adam Handler, Alex Katz, David Shrigley, Kenny Scharf Hunt Slonem, Nathan Paddison, Fanny Brodar, Mel Ramos, Roy Lichtenstein, Andy Warhol oder Julian Opie. Aber auch Editionen und Grafiken von Harland Miller, Katherine Bernhardt, Tom Wesselmann, Sean Scully, Gerhard Richter, Ross Bleckner, Allen Jones, Thomas Ruff, David Gerstein, Peter Doig, Jeff Koons, Tracey Emin, Raqib Shaw und Robert Longo.

Ebenso sind weitere angesagte Street Art Künstler in der Galerie vertreten wie Mr. Brainwash (Thierry Guetta) , XOOOOX, Punk Me Tender, BAMBI, Fringe Southafrica und John Crash Matos.

Natürlich hat die Galerie auch Designobjekte von Maurizio Cattelan, Paul Smith, Richard Orlinski oder Philippe Starck oder Pierre Jeanerette zum Kauf im Angebot.

In regelmäßigem Wechsel finden Ausstellungen in den zentral gelegenen Galerieräumen statt und im Online Shop kann der Sammler die Kunstwerke rund um die Uhr besichtigen und erwerben. Internationale Messeteilnahmen runden das Programm ab.

Mehr über die Galerie: FRANK FLUEGEL GALERIE – Pop Art | Street Art – Kunst kaufen

Weitere Informationen

Titelbild: XOOOOX – WORKS 2012–2022(C)FRANK FLUEGEL GALERIE

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PLANETSELFIE erschien 2016 zunächst an Kölner, dann Berliner – mittlerweile auch an internationalen Wänden und Hotspots wie New York, London, Rio de Janeiro, Rom oder Tokio. Ausgehend von der wachsenden Zahl an „SelfieArmen“ und verzerrten Duckfaces vor kulturellen Highlights urbaner Geschichte, ist PlanetSelfie mit kleinen Paste-Ups angetreten, um auf diesen Missstand aufmerksam zu machen.

„Niemand will zeigen, wer er wirklich ist, sondern lieber, wer er sein MÖCHTE. Findet mit mir heraus, wer IHR sein wollt. Supermario, Supersonic, Heidi oder Alf. Seid ein Teil der Popkultur. Seid ein Teil der Ausstellung!“ – so kündigt der urbane Künstler seine nächste Ausstellung auf Instagram an!

Aufmerksame Leser erkennen den „Love Tank“ des Ausstellungsplakates natürlich!

 

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PS I LOVE YOU in der Gallery Hangover

Die Ausstellung in Düsseldorf trägt den Titel „PS I LOVE YOU“. Die Vernissage findet am 29. April 2022 in der HangOver Gallery Stresemannstrasse 41 / Düsseldorf statt. Eröffnung ist um 18:00 Uhr, angekündigt ist musikalische Begleitung von den DJS : Kazeeno&WalterB38. Ebenso hat PlanetSelfie bereits verraten, das es eine Selfieaktion bei der Vernissage geben soll und ein Gewinnspiel für die Besucher geplant ist.

PS I LOVE YOU läuft bis zum 04.06! Eine Finissage soll ebenfalls stattfinden, dort wird auch der Gewinner bekannt gegeben. Für Öffnungszeiten und weitere Informationen schauen Sie auf der Webseite der Galerie vorbei: https://hangover-gallery.de/

Weitere Informationen

Weitere Informationen über PlanetSelfie: https://www.strassengold.org/

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Mr. Brainwash, wurde durch den Film „Exit Through the Gift Shop“ unter der Regie von Banksy berühmt. Der Film wurde 2011 für den Oscar als bester Dokumentarfilm nominiert. Mr. Brainwash hat inzwischen auch berühmte Sammler und Fans wie Papst Franziskus und die Kardashians. Er entwarf unter anderem das Cover für Madonnas Celebration-Album 2009.

FRANK FLUEGEL GALERIE vertritt seit 2012 den Künstler Mr. Brainwash im deutschsprachigen Raum. In der Filiale in Kitzbühel werden in den Wintermonaten regelmäßig seit 2018 Arbeiten von Mr. Brainwash gezeigt.

Nach dem Auktionsrekord in London für ein Banksy Gemälde bei Sothebys in London gerät Street Art immer mehr in den Fokus der Sammler. So interessieren sich die Sammler nicht unbedingt immer nur für ein Unikat, sondern durchaus auch für Editionen solange sie original sind. Ob die Kunst dabei als Investment oder nur zum betrachten oder als ideeller Wert angeschafft wird ist dabei zweitrangig.

Mr. Brainwash

Geboren 1966 als Thierry Guetta in Garges-lès-Gonesse bei Paris lebt er seit seinem 15. Lebensjahr in Los Angeles. In Los Angeles fand 2008 die erste Ausstellung „Life ist Beautiful“ statt und wurde schnell zum Publikumsmagnet mit mehr als 50.000 Besuchern.

2009 beauftragte Madonna Mr. Brainwash mit der Gestaltung des Albumcovers „Celebration“. Das Unikat dazu gab es auch als Leinwand zu kaufen. 2010 kam der Durchbruch: Mr. Brainwash wurde durch den vielfach ausgezeichneten und für den Oscar nominierten Dokumentarfilm „Exit Through the Gift Shop“ berühmt, in dem er seinen Freund und Street Art Legende Banksy bei der Arbeit begleitete. Dadurch gelangte auch er in die Street Art Szene und begann, Kunstwerke zu schaffen. Er hat damals schon Unikate und Editionen angefertigt. Ab diesem Zeitpunkt war Mr. Brainwash ein Phänomen, ein Superstar, der im Rekordtempo die Kunstwelt mit seinen Originalen eroberte.

Die Unikate und Originale sind sowohl in der Galerie in Kitzbühel als auch in Nürnberg zu kaufen. Manch einer kauft die Werke von Mr. Brainwash auch einfach als Investment, obgleich die Bilder viel zu schön sind als einfach nur als Kapitalanlage zu dienen.

Life Is Beautiful: Icons

Im Februar 2010 wurde die zweite Ausstellung „Life Is Beautiful: Icons“ in New York auf 1,400 m2 eröffnet und war nach wenigen Tagen ausverkauft. Es folgten zahlreiche Ausstellungen in England, Deutschland, Frankreich und zuletzt in Seoul. Gerade erschienen ist ein längeres Interview in der Paris Match.

Mit Stencils Schablonen-Graffiti sowie Siebdrucken und Motiven der Popkultur analog zu Warhol hat der Künstler die Urban Art von der Straße ins Wohnzimmer geholt und beide Kunstrichtungen miteinander verschmolzen.

Die überraschenden Werke wie Juxtapose, F.Y.D. Everyday Life, Einstein, Kate Moss, Life is Beautiful oder Balloon Girl mischen grelle Farben in jeglichen Kombinationen mit bisweilen kontroversen Inhalten. Das Ganze ausgeführt in Mixed Media mit Sprayfarbe, Malerei und Collagetechnik und angereichert mit ironischen Anspielungen, hinter denen sich häufig eine politisch-soziale Message verbirgt.

Weitere Informationen

Titelbild: Mr. Brainwash – Everyday Life. Mixed Media on paper. Unique. (C)FRANK FLUEGEL GALERIE/Quelle:Instagram

Zur Webseite des Künstlers: www.mrbrainwash.com

Weitere Informationen über die Frank Fluegel Galerie: https://www.frankfluegel.com/

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über „die Goldene Tür“ am Hamburger Hafen von Jeannine Platz. 

Diese Woche möchten wir auf einen jungen Künstler aus der Region Düsseldorf/Köln aufmerksam machen. GRK malt erst seit dem Winter 2020, hat aber bereits große Ziele. Offen und ehrlich kommuniziert er nach außen, dass er seine Kunst nutzen möchte, um eine Einkommensquelle zu haben. Von nichts kommt nichts – deshalb malt er jeden Tag und bietet seine Kunstwerke auf den Straßen Kölns, Düsseldorf und der Umgebung an.

Eine „richtige“ Galerie konnte er so zwar noch nicht auf sich aufmerksam machen, aber die ersten Auftragsarbeiten sammeln und auch schon Kontakte knüpfen, die ihm unter anderem die Teilnahme an einer Street-Art-Ausstellung im Sommer 2023 ermöglichen.

GRK sagt über sich selbst, das er ein „einfacher Typ“ sei, er möchte einfach nur als Künstler anerkannt sein. Mit dem, was er kann Geld verdienen und seiner Familie helfen, so das diese sich nie wieder Sorgen machen muss. Im inneren hoffen das sicherlich viele Künstler – aber es gibt wenige, die es so offen nach außen kommunizieren wie GRK, dazu gehört eine Menge Mut – oder Verzweiflung – oder beides.

Ob und wie weit sein Einsatz Früchte tragen wird, lässt sich nur schwierig vorhersagen, aber wir drücken GRK die Daumen und hoffen, das der urban artist, eines Tages sagen kann: „started from the bottom, now we here“.

Los Hermanos von GRK

Das abstrakte, figurative Werk auf Leinwand trägt den Titel „Los Hermanos“. GRK verwendete für das großformatige Bild Acryl- und Sprühfarbe – für einige Highlights benutzte er Wachskreide. Es misst 120cm * 140cm und der Preis liegt bei 500€ für Selbstabholer im Raum Düsseldorf/Köln – ansonsten kommen noch Verpackungs- und Versandkosten hinzu.

Wer den street art Künstler persönlich treffen möchte, sollte seinen Instagram-Kanal verfolgen – dort kündigt der Künstler an, wo er als Nächstes mit seinen Werken anzutreffen ist. Ebenso finden sich dort weitere Kunstwerke von GRK.

 

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über „das kleine geborgene Land“ von Alla Lebed. 

Die Hamburger Künstlerin Jeannine Platz sorgt mit ihren Kunstaktionen und Projekten am Hamburger Hafen regelmäßig für Aufmerksamkeit. So entwarf die Künstlerin vor nicht mal einem Jahr ein 18 Meter langes Wandgemälde, nähe der „Strandperle“ – die Einweihung mit Live-Musik war pure Unterhaltung für die Besucher, aber besonders die zufälligen Spaziergänger am Hamburger Elbstrand zeigten sich begeistert.

Bei ihrem neuesten Kunstwerk im öffentlichen Raum, wieder am Hamburger Hafen handelt es sich um ein Mural – wobei man unter Mural eigentlich eher ein Wandgemälde versteht – Jeaninne Platz wählte für ihr Kunstwerk aber genau genommen eine Tür. Eine große Tür, welche sie mit Blattgold beklebte und darauf mit verschiedensten Farben das Wort Liebe schrieb –  in allen Sprachen der Welt.

Ein starkes Signal und eine Bereicherung für den öffentlichen Raum – unser Werk der Woche!

Jeannine Platz über ihr Liebe-Mural

Auf Instagram schrieb die Künstlerin: „Ich konnte nachts nicht schlafen. Dann bin ich an den Strand gegangen und hab Blattgold an die Tür geklebt und darauf das Einzige geschrieben, das mir eingefallen ist. Danke, geliebte @hhstrandperle , dass ich das machen durfte…danke @rosa_hhhb, dass Du mir geholfen hast.“

Am Sonntag, den 6.3. um 16 Uhr sang die Musikerin @andreaselbymusic  an der „Goldenen Tür“ Lieder für den Frieden und Besucher, die für das Konzert etwas für die Hamburger Organisation @mothers_for_ukraine spendeten, bekamen ein kleines Kunstwerk von Jeannine Platz mit nach Hause.

Die herzerwärmender Musik vor dieser aussagekräftigen Kulisse brachte rund 1000€ für den guten Zweck. Weitere Fotos und Informationen finden sich auch auf dem Instagram-Kanal der Künstlerin. Wer das nächste Event nicht verpassen möchte, sollte der Künstlerin folgen. Bei der Kreativität von Jeaninne Platz, lässt sich nur schwierig vorhersagen, wann das nächste spontane Event stattfinden könnte.

 

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Mehr über die Künstlerin auf ihrer Webseite: Atelier für Malerei & Kalligraphie – Jeannine Platz

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