Alexandra Kordas hasst den Krieg, weil es weder Gewinner noch Verlierer gibt, und thematisiert in ihren Werken, die verheerenden Folgen des Krieges, insbesondere für Frauen, um ein starkes Zeichen gegen Gewalt und Zerstörung zu setzen. Ihre Arbeiten sind ein kraftvoller künstlerischer Ausdruck ihrer Wut über das menschliche Leid und ihre Forderung nach friedlichen Lösungen für globale Konflikte.

In ihren Werken bringt die bayerische Künstlerin mit beeindruckender Klarheit ihre Abscheu vor Krieg, Grausamkeit und sexueller Gewalt zum Ausdruck.

Ein zentrales Element der Ausstellung ist die Werkreihe „The Six Steps of War“. Inspiriert durch die Ereignisse des Ukraine-Konflikts, setzt sich Alexandra Kordas in diesen Arbeiten mit den psychologischen und emotionalen Dimensionen des Krieges auseinander. Der Titel der Serie, „Die sechs Phasen des Krieges“, verweist auf das Modell des Sozialpsychologen Kurt Lewin. Dieser hat seine Kriegserfahrungen in ein wissenschaftliches Verständnis von Konflikten und ihrer Dynamik übersetzt. In ihren Bildern nutzt Kordas diese sechs Phasen als Leitfaden, um die Erfahrungen der vom Krieg betroffenen Menschen von den ersten Anzeichen des Konflikts bis zur zerstörerischen Endphase darzustellen.

Die Werke, eine Mischung aus abstrakten und figurativen Darstellungen, laden das Publikum dazu ein, die komplexen Themen Krieg und menschliche Emotionen auf eine tiefgründige Weise zu reflektieren. Jedes Gemälde erzählt eine eigene Geschichte, die die Betrachter berührt und zum Nachdenken anregt.

Galleria Vittoria

Die renommierte Galerie, die seit den 1970er Jahren ein wichtiger Bestandteil der italienischen Kunstszene ist, hat zahlreiche Ausstellungen für italienische und internationale Künstler organisiert. Von den historischen Avantgarden bis zu den Erfahrungen der 1950er und 1960er Jahre und der 1990er Jahre ist die Galleria Vittoria bekannt für zahlreiche Ausstellungen bedeutender Künstler wie Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Andy Warhol oder Umberto Mastroianni. Auch aufstrebende Künstler wie Antonio Fiore, Lino Casadei und Anna Saegesser-Pavone konnte man bereits in der Galerie bewundern.

Ausstellung: Hate War – Abstractions Against Disaster: Rom: 04. – 18. Dezember 2024
Galleria Vittoria, via Margutta 103, 00187 Rom.

Alexandra Kordas

Ihr erstes Werk schuf die Münchnerin Autodidaktin 2018. Seitdem hat sie ihren Pinsel nicht mehr abgelegt. Das künstlerische Schaffen entfaltete in ihr wieder die einstige unbändige Kreativität, die für sie als Waldorfschülerin unabdingbar war.

Für Alexandra Kordas ist es essenziell, dass ihre Kunst mit dem Finger auf die Wunden der Gesellschaft und die Verletzungen der Menschen zeigt. Ihre Kunst soll die Augen der Betrachter öffnen. Dabei thematisiert die Künstlerin bewusst schwierige Themen, die man normalerweise nicht gerne ansieht, weil sie schmerzhaft sind und wehtun. Sie hat es zu ihrer Aufgabe gemacht, die Betrachter mit den Problemen und Missständen unserer Welt in Kontakt zu bringen, um eine Auseinandersetzung anzuregen.

Alexandra Kordas arbeitete zuvor als Schauspielerin und Drehbuchautorin. Ihre künstlerische Kreativität und Leidenschaft reiften in den 10 Jahre in der Waldorfschule (Rudolf-Steiner-Schule), die einen Schwerpunkt auf die kreative, künstlerische und spirituelle Welt legt. In der Kindheit der Künstlerin sind traumatische Dinge passiert, die sie mit Schmerzen und Herzblut konfrontierten und verletzten. Aber sie hatte auch das Privileg eines sehr unbeschwerten und unabhängigen Lebens auf der anderen Seite, daher rührt heute ihr künstlerischer Zwiespalt zwischen „Paradies und Fegefeuer“.

Mehr über die Künstlerin: https://alexandrakordas.com/

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Am wichtigsten ist es ihr, dass ihre Bilder eine wichtige Botschaft übermitteln. Sie sollen den Betrachter zum Nachdenken anregen oder aber auch tief in seinem Inneren berühren. Ihr Ziel ist es, ihren Bildern eine Stimme zu geben. Sie ist ein großer Fan von Salvador Dali, dessen Einfluss sich in ihren Werken teilweise widerspiegelt.

Aufmerksame Leser erinnern sich sicherlich an das Werk „CHANGE ME“, welches wir in unserer Kategorie „Werk der Woche“ präsentieren: Werk der Woche #62 surrealistische Acrylmalerei –  „Change me„.

Maja Flügel im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin in Pfaffenhofen, mir geht es sehr gut und momentan arbeite ich an einem neuen Bild was das Thema Liebe/ Hilfe beinhaltet und sich in der Winterjahreszeit abspielt. Mehr verrate ich dazu nicht.

Mit Ihren Arbeiten konzentrieren Sie sich besonders auf die Themen Liebe, Natur, Spiritualität und Mythologie. Muss Kunst immer eine Botschaft haben?

Nein, ganz und gar nicht! Kunst muss ehrlich sein, authentisch und von Herzen kommen. Das ist das Wichtigste! Sie soll das Herz bewegen und den Geist anregen. Es gibt einige Bilder, die keine wirkliche Botschaft besitzen und mich dennoch tief ergreifen. Ich selbst interpretiere nur immer sehr gerne was in meine Bilder hinein. Kunst gibt einem die Möglichkeit bestimmte Themen auf friedvolle Art anzugehen. Das ist einfach ein gewisses Erkennungsmerkmal von mir, weil es mich definiert. Jedes Kunstwerk ist schön und einzigartig, solange es von Herzen kommt.

Wie sind Sie zur Kunst gekommen, und wann bzw. was war der Moment, das Sie sich entschieden haben, Ihre Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Ich male schon seit meinen frühesten Kindertagen. Gib mir ein Blatt Papier und ein paar Buntstifte und ich bin glücklich! So ticke ich bis heute. Nur das ich statt einem Blatt Papier nun eine große Leinwand habe und daneben alle möglichen Acrylfarben. Ich würde meine Liebe zur Kunst gegen nichts eintauschen wollen. Denn sie ist ein Teil von mir. Mit Ihr kann ich mich ausdrücken und widerspiegeln.

Ich habe schon immer zu den großen Malern aufgesehen. Wie z.B. Gustav Klimt, Franz Marc, und selbstverständlich Salvador Dali. Eines meiner großen Träume war auch einmal dazuzugehören. Das Ganze war ein sehr langwieriger Prozess, indem ich auch erst einmal rausfinden musste, welche Art von Kunst ich machen will. Welcher Stil, welche Farben oder Themen soll ich wählen? Was passt zu mir? Wie sollen meine Bilder aussehen? Werden sie einen Wiedererkennungswert haben? Was will ich mit meiner Kunst ausdrücken? Diese ganze Reihe von Fragen musste ich erst einmal selbst für mich beantworten, bevor ich wirklich bereit war, meine Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen.

Sind sie ein großer Fan von Salvador Dali? Warum spricht er Sie so an? Und wie weit prägt er Ihre Kunstwerke?

Ja, ich bin großer Fan. Surrealismus bezeichnet geistige Bewegung und äußert sich gegen traditionelle Normen, was mir gerade in der Kunst sehr gefällt. Salvador Dali setzt genau das um. In seinen Gemälden finden sich Unbewusstes, Absurdes und Fantastisches wieder. Exakt die Kriterien, die diese Kunst ausmachen. Diese Form der Kunst kann dem Normalen nichts abgewinnen.

Und ich denke, Dali ging es genauso, sonst hätte er diese Art von Kunst nicht gewählt. Allein dadurch fühle ich mich in einer gewissen Art mit ihm verbunden. Salvador Dali hat den Surrealismus zu Leben erweckt wie kein anderer und hat definitiv das Fundament für die nächste Generation an Künstlern gelegt. Und wer den Surrealismus liebt und sich damit eingehendes Beschäftigen will, kommt an Salvador Dali nicht vorbei.

Durch Salvador Dali habe ich den Surrealismus kennen und lieben gelernt. Er war der erste Künstler, der mein Interesse geweckt hat. Meine Mutter hatte ein Gemälde von Salvador Dali als Kunstdruck. Es war eines seiner bekanntesten Werke. Die Zeit fließt dahin. Ich konnte nie einfach so an diesem Bild vorbeigehen, ohne es mir mindestens einmal anzusehen. Und so wuchs das Interesse an Dali, den Surrealismus und die Liebe zur Kunst. Aus diesem Grund versuche ich immer wider ein Stück des Surrealismus in meine Werke mit einzubeziehen.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und was passiert, wenn Sie selbst mit einem Kunstwerk unzufrieden sind?

Bis heute sind 24 Kunstwerke entstanden. Das ist natürlich der Albtraum jedes Künstlers, dass das Gemälde am Ende nicht zufriedenstellend ist. Wenn so ein Fall eintritt, dann stelle ich es erst einmal zur Seite, mache eine Pause und gehe dann wieder mit einem klaren Kopf an das Gemälde heran und überarbeite es so lange, bis ich zufrieden bin. Ein Bild aufgeben kommt für mich nicht infrage.

Was war bisher Ihr schönstes Feedback?

Für mich ist es schon ein sehr schönes Feedback, wenn jemand eines meiner Werke zu seinen Favoriten erklärt. Aber das schönste Feedback war wohl der Kommentar: “Das ist Kunst, so wie ich sie liebe!“

Und die härteste Kritik?

Ich habe bisher noch keine harte Kritik einstecken müssen, worüber ich auch sehr dankbar bin. Wenn ich jemanden nicht mit meinen Bildern begeistern kann, dann ist das ebenso. Man kann auch nicht alles und jeden mögen. Aber das Gute ist ja, das es so viele verschiedene Künstler gibt, die ein unglaubliches Talent haben und ihren eigenen Stil. Ich denke das gerade in der heutigen Zeit, in der so viel mit Farben und Materialien experimentiert wird für jeden, was dabei ist.

Ich kann nicht jedem gefallen, genauso wie auch mir nicht jeder gefallen kann. Aber falls Sie es tröstet, meine Mutter meinte mal zu eines meiner Bilder: “Das ist mir zu deprimierend! Du solltest mehr positivere Bilder malen.“ Das ist auch irgendwie eine Ironie. Die härteste Kritik kommt immer aus den eigenen Reihen.(lacht)

Eine meiner Lieblingsarbeiten von Ihnen ist: “GIVE ME PEACE AND GIVE ME LOVE“ – welches Bild würden Sie selbst als ihre eigene Lieblingsarbeit bezeichnen?

Ich denke, das wäre wohl „Ocean Heart“. Ich liebe dieses Gemälde und könnte es nie hergeben. Darum ist es auch bei Artmajeur als unverkäuflich ausgepriesen. Es war das erste Bild, dass ich ganz in Blau gehalten habe und mich am meisten wieder spiegelt. Es ist eigentlich im Gegensatz zu meinen anderen Werken eher minimalistisch gehalten. Besonders die Farben betreffend, da es einfach nur die verschiedensten Blautöne hat. Nichts anderes. Aber gerade das macht es mitunter so besonders. Ich liebe übrigens jede Art von Blau.

Manchmal habe ich Phasen, in denen ich am liebsten alles nur noch in Blau malen würde. Aber dem gebe ich nicht nach. Denn als Künstlerin sollte man sich weiterentwickeln und nicht an einem Konzept festhalten und stehen bleiben. Aber was ich mir definitiv für die Zukunft vorstellen könnte, wäre eine kleine Serie, in der alle meine Werke ganz in Blau gehalten sind. Wenn man ein Bild ganz in Blau hält, dann bekommt das Bild etwas unglaublich Verträumtes.

Apropos träumen – gibt es etwas, was Sie auf dieser Welt gerne ändern würden?

Auf diese Frage kann ich nur mit der beeindruckenden Zitat von Dr.-Ernst-Otto Onnasch Antworten:

„Jeder hat die Welt schon verändert durch sein bloßes Dasein in der Welt. Nimmt man dieses Dasein wirklich ernst, verändert man noch mehr. Die Welt hingegen aus einer Idee und Theorie zu verändern, geht immer nach hintern los, denn die Welt ist unendlich komplexer, als eine Theorie jemals erfassen könnte. Der Glaube, die Welt sei eine Idee oder theoretisch fassbar, negiert unser Dasein so erheblich, dass er selbst zu demjenigen verkümmert, was jene Theorie erfasst.“

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin, die New York Times oder Ähnliches, was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

“Das Einzige was den Menschen durch diese Welt führt, ist sein Herz. Bilde es selbst aus und lass dies nicht andere machen.“

Danke für ihre Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

Titelbild: Maja Flügel vor ihrem Werk THE SOUND OF THE SUN, im Hintergrund „Ocean Heart“. (c)M.Flügel.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.artmajeur.com

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Das Falsterbo Photo Art Museum ist ein neues privates Fotomuseum an einem der schönsten Strände Schwedens, 25 Minuten von Malmö und der Öresundbrücke entfernt. Das 1500 m2 große Gebäude verfügt über Ausstellungsräume für die Sammlung des Museums und temporäre Shows, ein Geschäft und ein Restaurant Bistro Perspektiv, das von renommierten Gastronomen geführt wird. Zusammen mit seinen exklusiven Ausstellungen, der einzigartigen Umgebung, dem Restaurant und dem Geschäft bildet das Falsterbo Photo Art Museum ein neues Ziel im Großraum Kopenhagen, das Touristen aus ganz Schweden und Dänemark sowie internationale Reisende mit der Nähe zum Flughafen Kopenhagen anzieht.

Die Museumssammlungen bestehen aus etwa 450 Originalwerken und Vintage-Prints von einigen der berühmtesten Fotografen der Welt. Darunter Namen wie Robert Mapplethorpe, Irving Penn und Richard Avedon.

Die aktuelle Ausstellung Undressed for Success? Nude, Famous, Oysters & Champagne ist noch bis zum 27. November 2022 geöffnet!

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Undressed for Success? Nude, Famous, Oysters & Champagne

Undressed for Success? Nude, Famous, Oysters & Champagne ist die zweite große Präsentation der großen Fotokunst-Sammlung im Falsterbo Photo Art Museum. Der Fokus der Ausstellung des schwedischen Museums liegt auf Portraits und dem menschlichen Körper. 140 großformatige Originalbilder zeigen weltberühmte Persönlichkeiten. Carl XVI. Gustaf, den Beatles, David Bowie, Lady Gaga, Madonna oder Nelson Mandela – die von weltweit führenden Fotografen festgehalten wurden.

Die Arbeiten der 51 Fotografen wurden in internationalen Magazinen veröffentlicht, in angesehenen Galerien und auf Auktionen auf der ganzen Welt gezeigt und verkauft. Die 140 Arbeiten zeigen Menschen in spielerischen und provokanten Situationen, mal eingefangen in ungestellten Schnappschüssen, mit und ohne Kleidung, posierend oder scheinbar entspannt, oder in aufwendig inszenierten Shootings voller Promi-Kultur und Glamour.

Für eine Gruppe von Fotografen aus China, darunter der gefeierte Ren Hang, steht Nacktheit für Widerstand, Befreiung und das Recht auf Provokation.

„Diese Leute wollen sie selbst sein und nicht der stereotype chinesische Bürger. Es ist wirklich ziemlich unartiger Ungehorsam und schwierig, das Bild zu bekommen, bevor die Polizei auftaucht. Wer weiß, ob sie verhaftet oder nach Hause geschickt worden wären?“ sagte Simon Baker, Direktor der Maison Européenne de la Photographie in Paris, in einem Interview mit der New York Times, das mit Ren Hangs posthumer Ausstellung dort im Jahr 2019 zusammenfiel.

Nacktheit in der Kunst

Der Begriff der Nacktheit in der Kunst verändert sich ständig. Heute wird er nach #Metoo diskutiert, stand aber nach dem Aufstand der 1960er Jahre auch im Westen für Befreiung und Freiheit. In der Fotografie gibt es ein Genre für Nacktheit als Erweiterung der Tatsache, dass die Kunst seit Jahrtausenden nackte Körper darstellt. Oft den weiblichen Körper, aber auch männliche Körper wie im antiken Griechenland, als Ausdruck von Schönheit.

Robert Mapplethorpe und Herb Ritts

Die Auswahl umfasst Werke der Amerikaner Robert Mapplethorpe und Herb Ritts. Ihre Arbeiten sind in den wichtigsten Museen der Welt und in Modemagazinen zu sehen. Mapplethorpes Bilder des männlichen Körpers sind ungeniert sexualisiert und enthalten oft sadomasochistische Symbolik und Utensilien. Durch die Bilder können wir in den Körper und das Verlangen eines anderen eintreten.

Ewa-Mari Johansson

Die Modefotografin Ewa-Mari Johansson, kehrt mit Bildern zurück, in denen der nackte Körper mit Mode vermischt wird. Kürzlich widmete ihr das Museum eine Einzelausstellung. Ihre Fotos zeigen, wie Körper und Mode in Bildern der chamäleonischen Madonna und David Bowie, beide Meister im Erfinden neuer Identitäten und Stile, und der bewunderten und provokativen Lady Gaga unserer Zeit, zu ikonischen Identitäten verschmelzen.

Die Musikszene wird auch in Werken von Brian Duffy, Anton Corbijn und Harry Benson dargestellt.

David LaChapelle

Die Ausstellung zeigt mehr als 15 Werke von David LaChapelle, in denen sich Hyperrealismus, Kitsch und Surrealismus mit dem eigenen Leben der Prominenten und der Dramatik barocker Meisterwerke mischen. Er begann seine Karriere bei Andy Warhol’s Interview und arbeitete für viele der führenden internationalen Magazine wie die Vogue, hat aber nun den Schritt in Richtung Kunstfotografie gemacht, wobei er durch große Galerien vertreten wird. Er mischt religiöse Symbolik und Nacktheit mit Humor. Bei ihm ist die Konsumgesellschaft sowohl kritisiert als auch begrüßt.

weitere beteiligte Fotografen:

Camilla Åkrans, Harry Benson, Bruno Bisang, Tiane Doan na Champassak, Anton Corbijn, Lucien Clergue, Michel Dweck, Brian Duffy, Ren Hang, Jean-Baptiste Huyhn, Russel James, Ewa-Mari Johansson, Mona Kuhn, Robert Mapplethorpe, David LaChapelle, Johan Lindeberg, Herb Ritts , Ellen Von Unwerth.

Die Modelle

Drottning Elizabeth II, Kung Carl XVI Gustaf, Pamela Anderson, Brigitte Bardot, The Beatles, David Bowie, Salvador Dali, Lady Gaga, Richard Gere, Paris Hilton, Kendall Jenner, Nelson Mandela, Madonna, Kate Moss.

Die Sammler hinter dem Falsterbo Photo Art Museum

Hinter dem privaten Museum in Südschweden stehen Claes und Christina Lindquist aus Malmö. Sie haben ihre Sammlung der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Mit dem modernen Fotomuseum ist einzigartiges Ausflugsziel im Großraum Kopenhagen entstanden. Nach einer Zeit der Suche nach einem geeigneten Ort, um Weltklasse-Fotografie zu zeigen, haben sie nun das Museum im Ferienort Falsterbo gegründet. Die private Fotosammlung von internationalem Rang wurde in 15 Jahren aufgebaut und bildet die Grundlage für die Ausstellungen des Museums.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausstellung und das Fotomuseum: https://falsterbophoto.com/

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Vor 7 Monaten verstarb der Star-Friseur Udo Walz, nun sollen rund 200 Exponate aus der Kunstsammlung von Walz versteigert werden. Unter den Auktionsstücken sind unter anderem eine Porzellan-Skulptur von Jeff Koons und eine Figur von  Salvador Dalí zu finden. Ein Teil des Erlöses wird an ein Kinderhospiz gespendet.

Der „Bild“ sagte Witwer Carsten Thamm-Walz: „Ich muss mich ein bisschen befreien und durchatmen. „Die Sachen erinnern mich jeden Tag an Udo und es macht mich natürlich sehr traurig, dass er nicht mehr da ist.“ Doch der Haushalt müsse verkleinert werden.

Die Sammlung hat einen Wert von mindestens  100.000€ und wird im Berliner Auktionshaus Dannenberg unter den Hammer kommen. Am 19. Juni können auf die Kunstwerke aus aller Welt geboten werden.

Wir hoffen, das die Kunstwerke neue Besitzer finden. Vielleicht findet sich ein Museum, welches die Werke der Öffentlichkeit zugänglich macht.

Weitere Informationen

Zur Auktion geht es hier: Auktionshaus Dannenberg | 

Unsere aktuelle digitale Ausstellung „Die Sonne scheint für Alle“ von Julien Bouzoubaa

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Aktuell sammeln wir Spenden für das Tierheim Herzsprung, unter allen Spendern verlosen wir ein Kunstwerk im Wert von ca. 2000€ Alle Information zur Teilnahme: Aktion: Tierheim Herzsprung spenden und Kunstwerk gewinnen |

Wer auf der Suche nach einem Film über Kunst ist, sollte sich „Die Malerei und das Meer“ nicht entgehen lassen. Offene Meere umgibt eine ganz eigene Magie, und die meisten Menschen sitzen gerne am Strand, lauschen den Wellen oder genießen den Sonnenuntergang. Diese Kulisse ist  für viele Maler (und natürlich auch Malerin) ebenso ein entspannter Rückzugsort, sowie ein beliebtes Motiv. Warum sind Künstler so fasziniert vom Meer? Wegen dem Gefühl von Freiheit und unendlicher Weite? Ist vielleicht das mystische was von Wasser ausgeht, die Ungewissheit was dahinter kommt? Oder die spürbare Kraft wenn Meter hohe Wellen gegen eine Steilklippe peitschen? Die Regisseurin Grit Lederer ging 2019 der Frage auf den Grund und besuchte die Schauplätze von berühmten Gemälden, unter anderem von Tintoretto, Caspar-David Friedrich und Salvador Dalí.

Die Malerei und das Meer

Das Meer: Ort der Imagination, Sehnsuchtsraum und Muse – aber auch Kriegsschauplatz und Schlachtfeld. Seit Jahrhunderten ist es zentrales Sujet der Kunst. Im Medium der Malerei gilt das Meer als eines der meistbehandelten Motive schlechthin. Die zweiteilige ARTE-Dokumentation „Die Malerei und das Meer“ widmet sich der blauen Masse und entführt den Zuschauer auf eine sinnliche Reise durch Landschaften und Zeiten. Inspiriert durch Gemälde von Künstlergrößen wie Paul Cézanne, Gustave Courbet, Salvador Dalí, Caspar David Friedrich und William Turner widmen sich prominente Architekten, Schriftsteller und Kunsthistoriker mit Fachwissen und Leidenschaft ausgewählten Werken der Kunstgeschichte. Auch bis dato unbekannte Hintergrundinformationen treten dabei zutage: So führt die italienische Bestsellerautorin Melania G. Mazzucco den Zuschauer durch Venedig – hin zu den versteckten maritimen Motiven in den Werken Tintorettos. Cézannes Urenkel, Philippe Cézanne, liest aus privaten Briefen seines berühmten Vorfahren, während der französische Star-Architekt Rudy Ricciotti den Zuschauer an seiner emotionalen Beziehung zum Mittelmeer und Paul Cézanne teilhaben lässt. Die Direktorin der Stiftung Gala-Salvador Dalí, Montse Aguer, zeigt die versteckt liegenden Felsen der Costa Brava, die Dalí als Inspiration dienten. Kurator Pieter Roelof vom Amsterdamer Rijksmuseum findet in den Marinebildern des Goldenen Zeitalters der Niederlande den Künstler als Kriegsreporter wieder. Quer durch Europa führt die filmische Reise den Zuschauer und lässt hinter Leinwänden Landschaften und Lebensgeschichten aufschimmern – von den Küsten Andalusiens über die Côte d’Azur bis zur Normandie, von den Kreidefelsen Großbritanniens über die Niederlande bis hin zu den Boddengewässern der Ostsee.

Weitere Informationen

Der Film geht knapp 54 Minuten und ist bis zum 16.04.2021 kostenlos in der Mediathek von ARTE verfügbar.
Im Fernsehen wird er das nächste mal am 07.02.2021 ausgestrahlt.

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Vor dem Oberlandesgericht zog das Kunsthaus seine Berufung zurück. Diesen Schritt hatten Richter des Oberlandesgericht nahe gelegt. Das Museum verwendete 13 Dali-Motive in einem Werbevideo, in 6 sahen die Richter eine Urheberrechtsverletzung. Mit dem Urteil aus der ersten Instanz ist das Haus somit günstig davon gekommen. 30.000€ Schadenersatz verhängte das Landgericht München. Zuvor forderte die Fundacion Gala-Salvador-Dali die stolze Summe von mindestens 200.000€.  Schließlich hat das Museum von 2011 bis 2015 in seinem Werbe-Video surrealistische Motive Dali´s mit Sehenwürdigkeiten aus der deutschen Hauptstadt kombiniert. . Beispielsweise war ein kubistischer Engel am berühmten Fernsehturm zu sehen, ebenfalls war eine zerlaufende Uhr an der Gedächtniskirche. Der Video-Clip wurde inzwischen vom Museum gelöscht.

Auf der Made in Hamburg Messe wurden wir auf eine kleine Buchserie aufmerksam und diese wollen wir euch nicht vorenthalten. Zur Zeit gibt es in der Serie 5 Ausgaben und Serie wird fortgesetzt. Mit den Kunst-Quickies erhalten wir seltsame Marotten, Manieren und Machenschaften der großen Künstler und Filmregisseure. Diese kleinen Heftchen bringen so Licht in die Keller und Katakomben der Kunst- und Filmgeschichte. So widmet sich der erste Teil Dali und Frida Kahlo. Salvador Dali kreierte ein Parfum aus Mist und Frida Kahlo besaß einen alkoholkranken Papagei und in der 5. Ausgabe erfahren wir das Leonardo da Vinci Hofnarr beim französischen König war.

„Pixi-Bücher für Erwachsene“, sagte einst die Financial Times Deutschland. Wir sagen, die liebevoll gestalteten booklits sind eine lesenswerte Alternative um kleinere Wartezeiten im Leben zu überbrücken.

Weitere Informationen gibt es hier: https://www.literatur-quickie.org/lesemittelhandel/kunst-quickie/

Titelbild: Foto – ©E.P.DEMIE