Ernst Wilhelm Nay (1902–1968) zählt zu den bedeutendsten Künstlern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Seine Malerei ist figürlich und abstrakt. Nays Werkserien sind vielseitig, tiefgründig und farbenreich: Sie erzählen von seiner Auseinandersetzung mit den Urkräften der Natur, rhythmischer Musik, der Antike und Religion oder den Naturwissenschaften. Die Retrospektive im Museum Wiesbaden zeigt mit ihren knapp 100 Gemälden Arbeiten aus allen Schaffensphasen des Künstlers. Ein besonderer Fokus liegt auf den in der Rhein-Main-Region entstandenen Hekate- und Fugalen Bilder. Nay lebte in Hofheim am Taunus zwischen 1945 und 1951.

Ästhetik der Natur

In der Dauerausstellung „Ästhetik der Natur“ halten die Museumswagen ab 12:30 bis 14:30 Uhr Naturobjekte zum Anfassen und genauen Betrachten für die Gäste bereit. Mit kreativen Ideen können junge Gäste von 12 bis 16 Uhr ihre gesammelten Eindrücke am Maltisch in der Wandelhalle festhalten und weiterentwickeln. Ebenfalls werden zwei Führungen für Familien um 12:00 und 12:45 Uhr (30 Min., Teilnehmerzahl begrenzt, Tickets buchbar unter tickets.museum-wiesbaden.de) angeboten.

Von 12—15 Uhr stehen ferner die Museumsguides im Foyer für Gespräche bereit und geben bei einer kostenfreien Führung um 15 Uhr einen „jungen Blick“ auf den Jugendstil. Darüber hinaus wird die Museum MuWi-App von 11—15 Uhr an einem Informationsstand im Eingangsoktogon vorgestellt.

Neben den Dauerausstellungen in den Bereichen Kunst und Natur können derzeit auch die große naturhistorische Sonderausstellung „Vom Wert des Wassers — Alles im Fluss?“ (bis 14. Januar 2024) sowie die Sammlungsintervention „Archipele“ (bis 12. März 2023) besucht werden.

 

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Die Buchung von kostenfreien Tickets unter www.tickets.museum-wiesbaden.de ist empfohlen.

Öffnungszeit am Freien Samstag: 11.00 bis 18:00 Uhr.

Ermöglicht in Kooperation mit den Freunden des Museums Wiesbaden e. V.

Weitere Informationen

Titelbild: www.museum-wiesbaden.de

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Über 50.000 Besucher haben die Ausstellung „FREI. SCHAFFEND. Die Malerin Ottilie W. Roederstein“ bereits seit ihrer Eröffnung im Städel Museum gesehen. Ottilie W. Roederstein (1859–1937), die einen Großteil ihres Lebens in Frankfurt und Hofheim verbrachte, zählte zu den erfolgreichsten Künstlerinnen der Zeit um 1900. Die umfassende Retrospektive öffnete am 20. Juli 2022 für das Publikum und gibt mit 75 Gemälden und Zeichnungen einen Überblick über die künstlerische Entwicklung der stilistisch vielseitigen Künstlerin.

Ottilie W. Roederstein & Frankfurt

Als freischaffende Porträtmalerin war Ottilie W. Roederstein eine feste Größe im männlich dominierten Kunstbetrieb und setzte sich selbstbewusst über die vorherrschenden gesellschaftlichen Normen hinweg. Ihre Werke wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen von Zürich über Paris und Frankfurt bis nach London und Chicago gezeigt und fanden große Anerkennung.

Das Städel Museum erwarb 1902 Roedersteins Gemälde Lesende alte Frau als erstes Werk einer zeitgenössischen Künstlerin. Die Grundlage der Ausstellung bildet demnach die Sammlung des Städel Museums, die mit 28 Werken der Malerin neben dem Stadtmuseum Hofheim am Taunus und dem Kunsthaus Zürich über einen der bedeutendsten Bestände verfügt.

Wie eng ihr Schaffen mit der Geschichte des Städel Museums und der Stadt Frankfurt verbunden ist, zeigt die Ausstellung ebenso anhand historischer Dokumente, Fotografien und Briefe aus dem Nachlass der Künstlerin, die dem Städel Museum 2019 von den Erben ihres Biografen Hermann Jughenn übereignet wurden.

„Frankfurt hat Ottilie Roederstein in sein Herz geschlossen. Die große Porträtmalerin war eine wichtige Person des Kunst- und Kulturbetriebs. Zu Lebzeiten war sie überaus erfolgreich, stellte international aus und erhielt etliche Auszeichnungen.

„Wir freuen uns sehr, dass bereits über 50.000 Besucherinnen und Besucher die Retrospektive dieser Künstlerin gesehen haben. Wir danken unseren Förderern für die außerordentliche Unterstützung bei der Umsetzung der Ausstellung. Als nächstes Highlight präsentiert das Städel Museum ab dem 23. November eine große Guido-Reni-Ausstellung“, sagt Philipp Demandt, Direktor des Städel Museums.

Vermittlungsprogramm der Ausstellung

Auch das Vermittlungsprogramm der Ausstellung erfährt großen Zuspruch. Bereits über 4.000 Mal wurde die speziell entwickelte App heruntergeladen, die mit zahlreichen Abbildungen und von der Schauspielerin Katharina Thalbach gesprochenen Texten zentrale Themenbereiche sowie Stationen von Ottilie Roedersteins Lebensweg anschaulich macht. Die Überblicksführungen vor Ort und die Online-Touren erfreuen sich ebenso großer Beliebtheit. Das gesamte Programm ist zu finden unter staedelmuseum.de.

Ausstellung „FREI. SCHAFFEND. Die Malerin Ottilie W. Roederstein

Die Ausstellung „FREI. SCHAFFEND. Die Malerin Ottilie W. Roederstein“ ist noch bis zum 16. Oktober 2022 im Städel Museum zu sehen. Am Feiertag, Montag, dem 3. Oktober 2022 ist die Ausstellung zusätzlich von 10.00 bis 18.00 Uhr geöffnet und das Publikum kann an diesem Tag in einer Überblicksführung um 14 Uhr mehr über die wichtigsten Werke der Künstlerin erfahren.

Weitere Informationen

Titelbild: Ottilie W. Roederstein, Selbstbildnis mit weißem Hut, 1904.

Im Anschluss an die Roederstein-Ausstellung präsentiert das Städel Museum ab dem 23. November 2022 die Ausstellung „GUIDO RENI. Der Göttliche“. Tickets sind bereits im Online-Shop unter shop.staedelmuseum.de verfügbar.

Parallel sind die Sonderausstellungen „VOR DÜRER. Kupferstich wird Kunst“, ab dem 28. September, und „Michael Müller: Der geschenkte Tag. Kastor & Polydeukes“, ab dem 14. Oktober 2022, zu sehen.

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Im Kunstforum Wien wird ab dem 9. September 2022 eine repräsentative Übersicht des Schaffens von Hermann Rastorfer zu sehen sein. Die Ausstellung schließt an seine erfolgreiche Museumsausstellung in Salzburg an. Hermann Rastorfer (Salzburg, 1930–2009) war ein bewunderter österreichischer Künstler und einflussreicher Designer. Die Retrospektive wird sein künstlerisches Schaffen mit seinen modernen Designs kontrastieren, die die deutsche Werbelandschaft des zwanzigsten Jahrhunderts bis heute geprägt hat. Viele seiner ikonischen Entwürfe sind bis heute in Gebrauch.

Das Werk Hermann Rastorfers kann als das eines Universaltalents der Renaissance angesehen werden. Er war Maler, Zeichner, Bildhauer, Erfinder, Architekt und Grafiker. Er zog die Unabhängigkeit der finanziellen Sicherheit vor. Rastorfer bahnte sich seinen Weg zum Erfolg durch Leidenschaft. Und feste Überzeugung, dass die Welt ein Schauplatz für Wunder ist, die es zu vollbringen gilt.

1958 schrieb Eberhard Hölscher in der Monatsschrift zur Förderung künstlerischer Werbung über den damals 28-jährigen Hermann Rastorfer: „Er steht zwar seinen eignen Arbeiten äußert kritisch gegenüber, gehört aber zu jenen ursprünglichen Begabungen, die weniger aus rationellen Erwägungen als aus einem instinktiven Empfinden für das Richtige heraus an ihre Arbeit gehen“. Dies galt sein ganzes Leben lang.

Die Hermann Rastorfer-Ausstellung im Kunstforum Wien würdigt das Werk des Künstlers, Marketingprofis und bemerkenswerten Menschen. Sein Vermächtnis in der Welt des kommerziellen Designs wirkt bis heute nach. Was Hermann Rastorfer jedoch von seinen Kollegen unterscheidet, ist sein Wille, in seiner Kunst unabhängig zu bleiben, seine Vision und seine Hingabe für das Schöne.

Hermann Rastorfer

Hermann Rastorfer erlernte von 1945 bis 1949 den Beruf des Schriftsetzers, der ihm viele der Fähigkeiten vermittelte, die die Grundlage für seine spätere Arbeit in der Werbung bilden sollten. Von 1948 bis 1962 erhielt er Aufträge für Illustrationen für die Salzburger Nachrichten. Parallel dazu begann er zu malen und zu zeichnen. Einige seiner frühen Arbeiten wurden 1949 in einer Gruppenausstellung in der berühmten Galerie Welz in Salzburg gezeigt, die 1899 gegründet wurde.

Der Künstler schrieb 2008: „Ich sollte schließlich meine weitere künstlerische Entwicklung an Welz binden. Das aber war nicht mein Ziel. Damals wuchs die Erkenntnis, dass ein „freier“ Künstler so frei nicht sein konnte.“

Hermann Rastorfers künstlerische Inspiration reicht zurück bis in die Antike mit zeitlosen Themen wie der griechischen Mythologie, fordert aber auch die Kulturgeschichte mit Mozart heraus. Auch die Darstellung der menschlichen Anatomie war ein Thema, dem er sich unermüdlich näherte. Auf klassische Weise mit der Studie Ecce Homo, aber auch mit zeitgenössischen Einflüssen wie den Schädeln von Jean-Michel Basquiat. Sein künstlerisches Schaffen war leidenschaftlich und produktiv und wird von zeitgenössischen Kunsthistorikern als authentisch und einzigartig in seiner Form beschrieben.

„Versteht man unter Expressionismus jene künstlerische Ausdrucksform, die das Innerste nach außen kehrte und die in der sichtbaren Körperhülle das auszudrücken vermochte, was sich unsichtbar im Inneren verbirgt […], dann zögere ich keinen Augenblick, Hermann Rastorfer als einen Expressionisten der ganz eigenständigen Art zu bezeichnen und aufrichtig zu loben.“ -Dr. Christiane Vielhaber,  Kunstkritikerin und Autorin

Bei Hermann Rastorfer sind die Grenzen zwischen Kunst und Design fließend, beide Tätigkeitsbereiche stehen in ständigem Dialog miteinander. Im Jahr 1954 gründete er seine eigene Werbeagentur und etablierte sich sehr schnell als Schlüsselfigur der Branche. Seine Entwürfe wurden für ihre klare Konzeption mit übergreifenden Gestaltungselementen gefeiert.

Tatsächlich wandte Rastorfer die Prinzipien des modernen Corporate Designs an, lange bevor sich dieser Begriff in Deutschland etablierte, eine Leistung, die in mehreren Artikeln in der Zeitschrift Gebrauchsgraphik gewürdigt wurde. Er qualifizierte visuelles Marketing als: „Unter dem visuellen Marketing verstehen wir ein umfassendes Zusammenwirken aller Faktoren, welche ein Unternehmen und sein Produkt in Erscheinung treten lassen“.

Andreas Koop (Designer und Professor für Typografie und Design) schrieb für das Design Austria Buch über Hermann Rastorfer: „Es wird kaum jemanden geben, der nicht einmal in seinem Leben ein von Rastorfer gestaltetes Produkt in Händen gehalten hat„.

Projekte und Kampagnen

Einige seiner großen Projekte waren Briefmarken für die Deutsche Bundespost, Plakate für die Deutsche Bundesbahn und die berühmte Volkswagen-Kampagne mit dem Slogan „Einen VW müsste man haben!“, die das Image des Unternehmens in den 50er und 60er Jahren mitprägte. In den 1950er und 1960er Jahren revolutionierten kleine, erschwingliche Taschenbücher mit attraktiver Umschlaggestaltung den Buchmarkt und Rastorfer prägte das Erscheinungsbild dieser neuen Buchgattung im deutschsprachigen Raum entscheidend mit. Für die Verlage Ullstein, Fischer und Droemer Knaur schuf er im Laufe der Jahre Hunderte von Einbänden für Belletristik und Sachbücher.

In den 1960er Jahren spezialisierte sich Rastorfer auch auf die Werbung und das Verpackungsdesign für pharmazeutische Produkte und die Lebensmittelindustrie. Für Boehringer Ingelheim setzte das Studio Rastorfer erfolgreich ein effektives und zeitloses Farbcodierungsdesign um. Welches noch heute auf Verpackungen verwendet wird. Für Ferrero ging Rastorfer mit einer neuen Herangehensweise an das umfangreiche Produktsortiment. Er gab Ferrero Küsschen eine eigene von ihm kreierte geometrische Verpackung, einen eigenen Namen und eine eigene Kampagnenidentität.

Während dieser erfolgreichen Jahre im Marketing florierte auch Hermann Rastorfers eigene künstlerische Praxis. Seine Ölgemälde und Zeichnungen sind heute in vielen internationalen Sammlungen vertreten. Bronzeskulpturen, die in den Fußstapfen von Rodin und Maillol stehen, geben der bildhauerischen Tradition eine rohe und zeitgemäße Wendung, sind aber immer noch auf die Figuration ausgerichtet. Seine Skulpturen sind in ständigen Ausstellungen von Peking bis Salzburg zu sehen.

Weitere Informationen

Titelbild:  Hermann Rastorfer Taube (c)Galerie Gmurzynska

Mehr über das Kunstforum finden Sie hier: www.kunstforumwien.at

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Die Ausstellung „ISTnienie” ist eine Retrospektive der Künstlergruppe Twożywo, die zwischen 1994 und 2011 aktiv war. Mariusz Libel und Krzysztof Sidorek arbeiteten anfangs als Gruppe Pinokio, damals unter Beteiligung von Robert Czajka, nach 1998 als Twożywo.

Treffende, überraschende Texte wie: „Und jetzt schreibe, was dich von den anderen unterscheidet” oder „Alle Gesichter im Bus sehen gleich aus“, sowie die synthetische Form ihrer Werke erregten Aufmerksamkeit und rissen die Rezipienten aus den eingefahrenen Gleisen. Ihre Stärke bestand sowohl in der großen Menge der angefertigten Schablonengraffitis, als auch in der Intensität der Botschaften, die an für die Passanten unerwarteten Stellen auftauchten.

Auf den Wänden erschienen großformatige Wallpaintings, unter anderem „Skok w wiarę” („Sprung in den Glauben“) und „Człowieczy los” („Menschliches Schicksal“), der im Rahmen der Städtepartnerschaft Warschau – Düsseldorf in Kooperation mit Klaus Klinger und mit dem hiesigen Verein Farbfieber e.V. entstand.

Auf den Billboards kehrten künstlerische Plakate ein, wie z.B. „Emanacje słabości” („Emanationen der Schwäche“) oder „Mamy po dwadzieścia lat, chcemy zmieniać i budować świat” („Wir sind zwanzig und wollen die Welt verändern“). Warschau wurde geradezu überschüttert von mehrdeutigen Slogans und überraschenden Wortspielen. Die einfachen Formen bildeten einerseits das Contra zum komplexen Inhalt, andererseits ergänzten sie ihn perfekt, da sie ihm die nächste Bedeutungsschicht hinzufügten. Die zufälligen Rezipienten fielen in ein Netz aus verworrenen Theorien und Gedanken.

Der einzige Weg der Rettung, die Möglichkeit, aus der Falle von Twożywo zu entkommen, war den eigenen Pfad zu entdecken – sich eine eigene Meinung zum von den Künstlern aufgegebenen Thema zu bilden oder eine kreative Lösung des künstlerischen Rätsels zu finden. Mit dieser Methode vergleichbar wirkten Mariusz Libel und Krzysztof Sidorek auch als Illustratoren und Designer bei der Gestaltung der Umschläge und Bücher – immer überraschten sie, regten die Kreativität an, rüttelten wach.

Sie bezogen Stellung zu dem angetroffenen Zustand der Realität in kritischer, oft ironischer, bitterer Weise, dabei behielten sie jedoch die Leichtigkeit und arbeiteten mit ihrem eigentümlichen Witz. Sie waren Wegbereiter für die Netzkunst in Polen – sehr geschickt beherrschten sie die Kunst des Netzspinnens und Kreierens von Metadaten und Hyperlinks.

Die Exposition im Polnischen Institut Düsseldorf bildet ein deutsches Pendant zur Ausstellung „prze\T/rwanie” (einver\b/leiben), die auf Initiative der 66P – Subiektywna Instytucja Kultury we Wrocławiu (Subjektive Kulturinstitution in Breslau) – entstand. Eine besondere Rolle bei der erneuten Betrachtung des künstlerischen Schaffens der Künstlergruppe Twożywo spielt Osman Djajadisastra. Dank dessen Unterstützung der retrospektive Bildband „Plądrujemy ruiny rzeczywistości“ / „Wir plündern die Ruinen der Realität“ (Warschau 2020) erschien.

ISTnienie Ausstellung

ISTnienie. Gruppe Twożywo – eine Retrospektive.
Vernissage: Donnerstag, 18. August 2022, 19.00 Uhr.
Dauer der Ausstellung: 19.08 – 16.11.2022.
Kuratorin: Karolina Vyšata, Kunsthistorikerin

 

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Weitere Informationen

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: www.instytutpolski.pl/duesseldorf

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Laut Otto Piene hatte »Zero« die Bedeutung »Neubeginn«. In dem zerstörten Deutschland der Nachkriegszeit gründet er Ende der 1950er-Jahre zusammen mit Heinz Mack eine Bewegung, die auf »der Idee beruht, dass der Wiederaufbau mit den Mitteln der Kunst ins Werk gesetzt werden kann, wenn er vom Geist ausgeht.«

Aus der Initiative dieser jungen deutschen Künstler erwächst dann eine umfassende internationale Bewegung.  Diese Bewegung wird unter demselben Namen ZERO bekannt. In ihr versammeln sich so unterschiedliche wie bahnbrechende Figuren wie Fontana, Klein, Kusama, Manzoni, Alviani, Arman, Tinguely, Spoerri, Soto und andere. Sie alle eint der Wunsch, von Grund auf mit der künstlerischen wie der politischen Vergangenheit aufzuräumen und neue Formen des Schöpferischen auf den Trümmern der alten Welt zu ersinnen.

Als führender Kopf der Gruppe erforscht Otto Piene über seine gesamte Laufbahn unermüdlich die unterschiedlichsten und innovativsten Formen plastischen Schaffens. (Malerei mit Feuer, Skulpturen aus Edelstahl, bemalte Keramik, kinetische Installationen, Film, Performance, Sky Art …).

In dieser fortwährenden Neuerfindung der Kunst hat Otto Piene nie aufgehört, den Sinn der künstlerischen Geste zu hinterfragen.

Le Rouge et le noir

Gleichsam als Spiegel der experimentellen Kreativität Pienes präsentiert die Ausstellung eine Reihe bemalter Keramiken, Feuerbilder, Gouachen auf Papier sowie eine Lichtinstallation. Die Auswahl umkreist die basale Kombination der Farben Rot und Schwarz in Pienes Œuvre.

Den Titel Le Rouge et le noir verwendete der Künstler für mehrere Werke.  Sowie für verschiedene Medien, etwa bemalte Keramik, Öl und Feuer auf Leinwand oder Lichtinstallationen.

Le Rouge et le noir lautete auch der Titel seiner Keramikausstellung im Leopold-Hoesch-Museum. Das Haus in Düren zeigte die Keramiken im Jahr 2010. Als Anklang an den Roman von Stendhal stehen die beiden Farben in Pienes Œuvre für die Leidenschaft und das Streben nach dem Absoluten. Rot und Schwarz sind auch die Farben des Schmelzvorgangs von Materie, der Anblick, der sich einem bietet, wenn man in den Ofen schaut, in dem die Keramik gebrannt wird.

Keramik von Piene

Wie Miró hat sich auch Piene in denselben Jahren der Keramik zugewandt. Um sich mit der Materie als solcher, mit den Elementen auseinanderzusetzen; um zu einer archaischen Geste zurückzukehren, um an den prähistorischen Künstler zu erinnern, der dem unbehauenen Material eine einzigartige Form verleiht, der die Steine zum Sprechen bringt.

Die imposante blutrote Keramik Red Bulls (2011) stellt ein Quartett von Stieren dar, die einer Wandmalerei aus einer prähistorischen Höhle zu entstammen scheinen. Die Skulptur war 2013 in der Energy Fields betitelten Ausstellung von Piene im Museum ZKM in Karlsruhe zu sehen. Was diese kraftvolle Keramik im Besonderen und die Ausstellung überhaupt hinterfragt, ist die fundamentale Energie, die den Ursprung aller Kunst bildet.

»In meinen Keramiken«, so Piene, »kommen die vier Elemente zusammen: das Fließen von Wasser − kombiniert mit Ton −, das später im Feuer des Brennofens verdampft und von der Luft getrocknet wird«.

Zu den Wurzeln der Kunstgeschichte zurückzukehren, um sie ganz neu zu schreiben, kann man als den Geist von ZERO bezeichnen. Der Bewegung, die Piene initiiert hat. Wenn man bedenkt, wie viele junge Künstler sich heute, im Westen wie in Asien, der Keramik zuwenden, dann kann man ermessen, wie visionär Piene in seiner Rückkehr zu diesem Material war.

Eine kleine Retrospektive

Den Arbeiten der letzten Serien von Otto Piene werden in der Ausstellung die Werke aus der ersten Schaffensphase des Künstlers gegenübergestellt. Damit bildet die Schau eine Art kleiner Retrospektive. So zeigt das mit Öl, Feuer und Rauch auf Leinwand gemalte Bild „Die Geburt des Regenbogens“ (The birth of the rainbow, 1966) die Kontinuität in der Verwendung von Feuer im Œuvre von Piene sowie seinen Dialog mit dem Werk von Yves Klein. Einem Freund und Weggefährten Pienes.

Mit Piene, wie auch mit Klein, wird das Feuer zu einer Kunstform, in der die Künstler, beide Kriegskinder, vorführen, dass das Feuer der Kanonen auch zum Instrument der Maler werden kann; dass der Zerstörung durch das künstlerische Schaffen widersprochen werden kann. Das Himmelsfeuer wird zu Feuerorgel. (Fire Organ, 1972). Einem Feuergemälde auf Karton, wo Piene, allem Anschein nach, das Herz der Schöpfung zeigen will.

Und auch für seine Installationen wie die hier vorgestellte Lichtraster o. T. (2012−2014) bildet das gleichermaßen erhabene wie beunruhigende Himmelslicht die Basis. Das Licht ist hier das grafische Element, das dem Bild Form und Bedeutung verleiht. Oder, wie Otto Piene einmal erklärt hat: »Das Licht war das verbindende Element und sozusagen der Schlussstein unserer Kunst«.

Der Grad Null der Kunst

Die Ausstellung wird begleitet von einem originellen Essay von Jerome Neutres. Dem ehemaligen Direktor der Réunion des musées nationaux − Grand Palais (dt. »Vereinigung der Nationalmuseen − Grand Palais«) und ehemaligen Präsidenten des Musée du Luxembourg. Unter dem Titel »Der Grad Null der Kunst« (Le Degré zéro de l’art) stellt der Text die Grundlagen der Arbeit Pienes in den größeren Kontext der Geschichte der zeitgenössischen Kunst ab dem Zweiten Weltkrieg bis heute. Piene erscheint darin als eine der Schlüsselfiguren dieser Geschichte, welche die Tendenzen und Brüche erhellt, die die Kunst seit 60 Jahren kennzeichnen.

Weitere Informationen

Otto Piene, Rouge et noir vom 08. Mai bis 30. Juni 2022, Galerie Gmurzynska USA -43 East 78th Street, NY-10075,United States of America.

Mehr über die Galerie und das Programm:  http://www.gmurzynska.com/

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Nach verschiedenen Museumsausstellungen in Europa zeigt das Osthaus Museum Hagen, anlässlich des 75. Geburtstags von Sylvester Stallone, eine umfassende Retrospektive seiner Werke. Beleuchtet wird das Gesamtwerk von den späten sechziger Jahren bis heute sowie die verschiedenen künstlerischen Phasen des Actionstars. Zu sehen sind mehr als 50 Bilder, darunter Selbstporträts und noch nie zuvor gezeigte frühe Arbeiten.

Stallones Bilder sind einerseits „action-geladen“ und ausdrucksstark wie seine Filme und andererseits feinnervig und vielschichtig in ihren Aussagen. Der kunstaffine Hollywoodstar nutzt kenntnisreich verschiedene Kunstformen wie Surrealismus, Expressionismus und Abstraktion als Ausdrucksformen. Die Malerei ist seit 55 Jahren ein enger und konstanter Bestandteil der kreativen Ausdrucksformen von Sylvester Stallone, wobei sein künstlerisches Schaffen sein filmisches Schaffen befruchtet und umgekehrt.

Sylvester Stallone: „Das ist es, was ich an der Malerei liebe, sie ist die einzig wahre Kommunikation, die man haben kann. Schreiben kann man manipulieren, Malen ist der schnellste und reinste Übersetzer des Unterbewusstseins. Wenn etwas in einem vorgeht und man auf die Leinwand trifft, ist es schwer, es zu fälschen. Der Künstler auf der Leinwand ist für mich die Nummer eins, wenn es darum geht, seine Gefühle zu vermitteln.“

Stallones berühmteste Filmfigur ROCKY entstand lange vor dem Film Script zuerst auf der Leinwand und ist als «Finding Rocky“ von 1975 in der Ausstellung zu sehen.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher zweisprachiger Katalog, herausgegeben von Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen.

Sylvester Stallone – seine Kunst

Bereits in jungen Jahren entdeckte Stallone die Liebe zur Malerei. Seine frühen Werke, die er mit Mike Stallone signierte, waren sehr experimentell. Aus finanziellen Gründen arbeitete er jedoch als Autor und begann seine Schauspielkarriere. In den siebziger Jahren und bis Ende der Achtziger Jahre schuf er düstere, ausdrucksstarke Werke, in denen er unter anderem den Tod seiner Managerin und weitere Schicksalsschläge verarbeitete. Zu dieser Zeit arbeitete Stallone vor allem mit illustrativen graphischen Linien und grellen Farben.

1989/90 zeichnete sich ein Wandel ab: Sylvester Stallone beschäftigte sich intensiv mit zeitgenössischer Kunst und studierte Künstler wie Picasso, Gerhard Richter oder Anselm Kiefer. Er setzte sich mit den abstrakten Werken von Mark Rothko auseinander und entwickelte seinen ganz eigenen Stil. Es entstanden zahlreiche expressionistische Werke, teils als verfremdete Selbst-Porträts, teils auch mit Sprache spielend.

Sylvester Stallone – Jüngste Museumsausstellungen

2013 State Russian Museum St. Petersburg
2015 Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nizza

Osthaus Museum Hagen

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdanke es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Im Osthaus Museum Hagen wird Kunst zum Genuss und Sinnenfreude zum Erlebnis. Als Ort der Inspiration, des sinnlichen Genusses und der kommunikativen Auseinandersetzung agiert das Osthaus Museum publikumsnah und besucherorientiert.

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Weitere Informationen

Titelbild: Finding Rocky – Copyright: courtesy Galerie Gmurzynska artwork Sylvester Stallone

Mehr über das Museum Osthaus: Osthaus Museum Hagen

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