Axel Beyers Fotografien sind geprägt von Klarheit und Reduktion. Inmitten des visuellen Chaos der Stadt sucht er nach präzisen Kompositionen – nach Momenten, in denen sich Struktur, Fläche und Licht zu einem „bildnerischen Klima“ verdichten. Dabei bewegt sich seine Praxis bewusst zwischen dokumentarischer Genauigkeit und künstlerischer Interpretation.

Ein zentrales Thema seiner Arbeit ist der urbane Wandel: Abriss, Neubau und temporäre Zustände erzeugen Bilder, die oft schon im Moment ihrer Entstehung zu Dokumenten der Vergangenheit werden. Serien und Diptychen erweitern diese Perspektive – sie öffnen neue Assoziationsräume und verdichten einzelne Beobachtungen zu komplexeren Erzählungen.

Für Trasferta richtet Beyer seinen Blick auf den Hamburger Stadtteil St. Georg – und schafft damit eine direkte Verbindung zwischen Ausstellungsraum und Stadtraum.

Bis zum 27.03.2026 werden ausgewählte Arbeiten im Rahmen der TRASFERTA Ausstellung im Hamburger Nachtspeicher23 gezeigt. Mehr über die Ausstellung finden Sie hier!

Über den Künstler Axel Bayer

Der in Lüneburg geborene Fotograf Axel Bayer zählt zu den prägnanten Stimmen der deutschen Autorenfotografie, wenn es um das Spannungsfeld zwischen dokumentarischer Genauigkeit und poetischer Verdichtung geht. Seit seinem Studium des Kommunikationsdesigns an der Fachhochschule Hamburg, wo er sich früh intensiv der Fotografie zuwandte, entwickelt Bayer eine Bildsprache, die urbane Räume, gesellschaftliche Bruchstellen und stille Absurditäten gleichermaßen sichtbar macht.

Bekannt wurde er insbesondere durch sein Langzeitprojekt „Bebra Curiosa“, das nicht nur 2010 beim Dummy Award ausgezeichnet wurde, sondern sich auch in Ausstellungen, Publikationen und internationalen Präsentationen etablierte. Seine Arbeiten bewegen sich dabei stets zwischen Konzept und Beobachtung – mal als präzise Serie, mal als installative Rauminszenierung, wie etwa im Museum der Arbeit.

Mit Ausstellungen im In- und Ausland, darunter die Deichtorhallen Hamburg, sowie der Auszeichnung mit dem Georg Koppmann Preis im Jahr 2019, hat Bayer seine Position in der zeitgenössischen Fotografie kontinuierlich gefestigt. Im Gespräch mit ARTTRADO gibt er Einblicke in seine künstlerische Entwicklung.

Gespräch mit Axel Beyer

Wie würden Sie Ihre fotografische Handschrift beschreiben?

Ich mag aufgeräumte Bilder. Im allgemeinen optischen Chaos der Stadt bemühe ich mich, klare Kompositionen zu finden.

Wann beginnt für Sie Fotografie – im Moment des Sehens oder erst beim Auslösen?

Auf jeden Fall im Moment des Sehens. Erfahrung und Intuition lassen mich Situationen erkennen, in denen ich durch „Verdichtung“ Bilder erzeugen kann. Der Auslöser ist dann nur noch der mechanische Akt.

Ihre Bilder zeigen oft Details, die leicht übersehen werden. Wie entwickeln Sie dieses Gespür?

Das kommt durch Erfahrung und ständiges Unterwegssein. Man ist permanent auf Empfang und gleicht die eigene Vorstellung von guten Bildern mit der Realität ab.

Warum haben Sie sich für den Stadtteil St. Georg entschieden?

Ich finde es spannend, in einem Raum Dinge zu zeigen, die direkt mit dem Umfeld der Galerie korrespondieren. Besucher erkennen das oft und sind dann inspiriert, genauer hinzuschauen.

Wie hat die Zusammenarbeit mit Paolo Moretto Ihre Arbeit beeinflusst?

Paolo hat mich eingeladen, weil er trotz unterschiedlicher Praxis eine gewisse Wesensverwandtschaft gesehen hat. Beim Hängen der Arbeiten haben sich tatsächlich verblüffende Parallelitäten gezeigt. Der Kontext seiner Bilder hat teilweise auch meine Sicht auf meine eigenen Motive verändert.

 

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Warum arbeiten Sie häufig mit Diptychen oder Serien?

In der Kombination wachsen die Bilder über sich hinaus und öffnen neue Assoziationen. Im besten Fall entsteht dabei so etwas wie ein „drittes Bild“.

Wann ist ein Bild oder eine Serie für Sie fertig?

Nach einer Fototour bin ich immer gespannt auf die Sichtung am großen Monitor. Dann folgt Auswahl und Nachbearbeitung. Bei Serien kann es lange dauern – sie entstehen oft über einen längeren Zeitraum und erfordern Geduld und Ausdauer.

Arbeiten Sie eher intuitiv oder geplant?

Eindeutig intuitiv – aus dem Moment heraus.

Wie bewegen Sie sich zwischen Dokumentation und Interpretation?

Ich bemühe mich um eine dokumentarische Sehweise – mit normalen Brennweiten, möglichst ohne Verzerrung und bei diffusem Licht. Aber durch die Auswahl des Ausschnitts bleibt jedes Bild letztlich eine persönliche Interpretation.

Was interessiert Sie besonders im Stadtraum?

Weniger einzelne Gebäude, sondern das Gefüge von Flächen und Formen – idealerweise wie ein Bühnenbild. Wichtig ist ein bestimmtes „bildnerisches Klima“, mit möglichst neutralem Licht.

Welche Themen stehen im Zentrum Ihrer Arbeit?

Vor allem die Stadt im Umbruch. Wenn Gebäude verschwinden, entstehen neue Blickachsen – und Bilder, die schnell zu Dokumenten der Vergangenheit werden.

Welche Rolle spielt der Betrachter?

Das hängt vom Interesse ab. Im besten Fall wird er dazu angeregt, genauer hinzusehen.

Warum arbeiten Sie gerne in Offspaces wie dem nachtspeicher23?

Ich habe dort oft mit starkem Ortsbezug gearbeitet. Das stößt auf Interesse, weil der Lebensraum der Besucher mit verhandelt wird. Außerdem schätze ich den direkten Austausch.

Welche Einflüsse prägen Ihre Arbeit?

In den 80ern waren es die „New Topographics“, vor allem amerikanische Fotografen wie Stephen Shore oder Joel Meyerowitz. In Deutschland etwa Michael Schmidt oder Wilhelm Schürmann. Heute kommt viel Inspiration aus dem Internet – verbunden fühle ich mich zum Beispiel mit Peter Bialobrzeski.

Können stille Fotografien heute noch gesellschaftliche Fragen aufwerfen?

Gerade heute. In Zeiten der Reizüberflutung stoßen ruhige, präzise Bilder auf große Resonanz. Für mich ist Ästhetik die Voraussetzung für einen intensiven Eindruck. Die einfache Aussage „so sieht es aus“ kann sehr stark sein.

Wie behaupten sich Ihre Arbeiten im Zeitalter von Instagram?

Das großformatige Bild im Ausstellungsraum hat für mich eine ganz andere Wirkung als das schnelle Scrollen auf dem Smartphone.

Wie gehen Sie mit urbaner Dynamik und Veränderung um?

Das ist ein fortlaufender Prozess. Mein Projekt „Temporäre Einsichten“ beschäftigt sich genau damit – mit der Dokumentation städtischer Veränderung.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler auf seiner Webseite! – https://www.axelbeyer.de/about

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Seit den 1980er-Jahren prägt er mit seinem expressiven, gestischen Ansatz die internationale Kunstszene und zählt zu den wichtigsten Vertretern einer Kunst, die sich radikal dem Prozess und dem Augenblick verschreibt. Zitkos Arbeiten, die den Betrachter nicht nur visuell, sondern auch körperlich in ihren Bann ziehen, sind in bedeutenden Museen und Sammlungen weltweit zu finden.

Kunstfreunde aus Deutschland haben vom 22. Februar bis 24. April 2025 die Möglichkeit, ausgewählte Arbeiten von Zitko in der Galerie Crone in Berlin zu betrachten. In seiner Ausstellung SO WHAT werden 14 großformatige Arbeiten des Künstlers gezeigt.

Otto Zitko im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin in Wien, es geht so, ich sortiere und räume auf.

Ihre Werke wirken oft dynamisch, fast impulsiv. Spiegelt sich darin Ihre Gefühlswelt wider, oder ist der künstlerische Prozess für Sie eher analytisch?

Es geht um die Konstruktion der Geste. Dass sich auch ab und zu emotionale Befindlichkeiten niederschlagen, kann durchaus sein

Ihre großformatigen Linienzeichnungen interagieren intensiv mit dem Raum. Wie beeinflusst die Architektur eines Raumes Ihre Herangehensweise an ein neues Projekt?

Zweifelsohne sind architektonische Gegebenheiten, Lichtsituation, Möblierung etc. Parameter, die meine künstlerische Entscheidung jeweils mitbestimmen.

Die letzten Jahre waren durch die globale Pandemie geprägt. Inwiefern hat diese Zeit Ihre künstlerische Praxis oder Ihre Perspektive auf Kunst beeinflusst?

Ich war recht froh, mehr Ruhe, Zurückgezogenheit und weniger Leistungsdruck zu verspüren.

Wie sehen Sie die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst in den nächsten Jahren, und welche Rolle möchten Sie dabei spielen?

Da wird sich, vor allem durch den Einsatz von künstlicher Intelligenz, sehr viel ändern. Ich selbst werde meinen Weg weiter gehen, auch generationsbedingt.

Welchen Rat würden Sie jungen Künstlern geben, die am Anfang ihrer Karriere stehen und ihren eigenen Stil finden möchten?

Nicht sofort und primär an die Karriere denken, sondern daran arbeiten, gute Kunst zu machen.

Was macht gute Kunst für Sie aus?

Gute Kunst sollte emotional oder intellektuell berühren können.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Grenzen sind dort zu ziehen, wo Grundrechte anderer, wie etwa das Recht auf Menschenwürde, verletzt wird.

Gibt es ein prägendes Erlebnis aus Ihrer Kindheit oder Jugend, das Ihren Weg als Künstler entscheidend beeinflusst hat?

Mein Großvater war Hobbymaler und Holzschnitzer. Ich habe seine Werke sehr bewundert und gemocht.

Auf welche Ihrer Arbeiten sind Sie ganz besonders stolz?

Ich bin sehr streng, was die Autorisierung meiner Arbeiten betrifft und gebe grundsätzlich nur solche frei, die ich als gelungen betrachte.

Wer soll sich mit Ihrer Kunst auseinandersetzen und warum sollte man die aktuelle/kommende Ausstellung besuchen?

Die Besucher_innen, die Interesse haben, werden Bilder sehen, mit denen ich mich im Sommer/Herbst letzten Jahres auseinandergesetzt habe, sie finalisiert oder eine Entscheidung zur Freigabe getroffen habe. Diese wurden in Relation zueinander gestellt sowie mit neuen Tafeln ergänzt.

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Dhira Sarah Barein wurde in eine Künstlerfamilie geboren und entwickelte bereits im Kindesalter eine Leidenschaft für Kunst. Nachdem sie viele Jahre mit ihrer Mutter in Indien gelebt hatte, prägte diese Zeit ihren künstlerischen Stil maßgeblich. Später führten Studienreisen nach Spanien, Holland und Südamerika zu weiteren Veränderungen in ihren Werken.

Die innere Gespaltenheit und die ständige Suche nach der Bedeutung des Lebens inspirierten Barein zu einem Stil, der geprägt ist von idealistischen Weltbildern. In denen Menschen, Tiere und Umwelt in einer friedlichen Verbindung stehen. Seit 2001 hatte sie viele Ausstellungen in Indien, Spanien und Deutschland und nahm Aufträge entgegen, hauptsächlich in Pune/Indien, Ibiza/Barcelona/Spanien und Hamburg.

Ihre Werke wurden international ausgestellt, zudem erhielt sie als Künstlerin mehrere Stipendien und nahm an Kunstprojekten und  Messen teil. Ihre jüngsten Soloausstellungen und Performances fanden in Neu Isenburg, Wiesbaden und Darmstadt statt, sowie auf Mallorca und in Stuttgart. Gleichzeitig führt Dhira Sarah Barein auch ihre eigene Galerie – Dhira Art Galerie – nur einen Steinwurf von Frankfurt am Main entfernt. Im Interview möchten wir die Künstlerin und Galeristin besser kennen lernen.

Am SAMSTAG, den 20. April 2024 beginnt die Eröffnung von der neusten Ausstellung von Dhira Sarah Barein. In ihrer Galerie in der Kronengasse 5, 63263 Neu Isenburg. Um Anmeldung wird gebeten, nutzen Sie dafür auch gerne unseren Kontakt!

Dhira Sarah Barein im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Nachdem ich mein Leben lang in der Welt herum gebummelte bin ich nun seit 12 Jahren in Neu-Isenburg das ist 5 Minuten von Frankfurt am Main. Meine Arbeit beschäftigt sich schon immer mit Harmonie. Das sieht man nicht nur in den Sujets aber auch in den Farbgebung, wobei jetzt nur mehrere Begebenheiten in meinem Leben sehr stark noch die Komponente der Vergänglichkeit hinzu kommt. Außerdem versuche ich immer wieder Bewegung in das Gesehene zu bringen, sei es durch einen Schal oder ein paar Haare die davon fliegen.

Am 20.04 findet deine nächste Ausstellung statt – was können die Besucher erwarten?

Ich habe noch keinen Namen für die Ausstellung, aber es wird etwas mit Emotionen zu tun haben. Außerdem findet am selben Abend eine spannende Diskussionsrunde statt, zu der Künstler und Galeristen geladen sind in den Dialog miteinander zu gehen, es können Fragen über Kunst gestellt und beantwortet werden.

Wie würdest du deine Kunst einem Blinden erklären?

Abstrakte Hintergründe mit harmonischen Farbgebungen, Sujet mit schönen Frauen, mit Schmuck, Blumen oder Tieren oder anderem die in einer friedlichen Verbindung miteinander stehen. Idealistische Weltbilder, Schwung entsteht durch fliegende Kleider, Haare oder anderes was fliegt.

Du bist nicht nur Künstlerin, sondern auch Galeristin – wie bekommst du die verschiedenen Tätigkeiten unter einen Hut und wo liegt dein Schwerpunkt?

Mein Schwerpunkt liegt an meiner Herzensangelegenheit, ich sage immer „my best place to be“ ist hinter der Leinwand, da hält der beste Urlaub nicht mit. Manchmal ist es nicht einfach beides alleine unter einen Hut zu bekommen. Daher habe ich mich auch entschieden mir Hilfe zu holen.

Was war der Auslöser? Gab es einen Moment, in dem du dich entschieden hast, deine Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Ja, da war ich Anfang 20. Und jemand wollte ein 120×120 Bild kaufen. Damals gab es noch keine Digitalfotografie und er hat nur ein Bild von mir gesehen. Aber es gefiel ihm so gut, das war in Hamburg, er bot mir außerdem an in seinem Seminarhaus eine Ausstellung zu machen, das lief sehr gut, also habe ich weiter gemacht.

Gibt es etwas, was du auf dem Kunstmarkt gerne ändern würdest?

Ja, ich denke, im Moment wird so viel Fokus auf Individualität gelegt und so wenig auf das wahre Können eines Künstlers, das fängt schon im Studium an, zumindest bei vielen Unis. Ich bin manchmal schockiert welche Kunst juriert wird. Außerdem könnte der Staat etwas mehr für die Unterstützung von Künstlern tun. Der Beruf muss genauso ernst genommen werden wie jeder andere denn mal ganz ehrlich, wie sähe die Welt aus ohne Kunst?

Ich stelle hier die Fragen 😂. Im letzten Jahr 2023 hattest du 12 Events bei dir in der Galerie – dieses Jahr ist noch nicht soviel öffentlich gemacht worden – kannst du schon verraten, was die Besucher in den nächsten Monaten erwarten können?

Da ich einige Projekte, Solo und Gemeinschafts-Ausstellungen und Messen nicht nur in Deutschland vorhabe, habe ich bis jetzt nicht so viel in der Galerie geplant.

Die nächste Solo Ausstellung in meiner Galerie ist nach langem mal wieder mit meinen eigenen Werken, am 25.5.2024 kommt eine Foto Ausstellung mit Nabiha Dahhan und Irmin Bernstedt, am 8.6. ist ein persischer Abend mit Lesung und Musik angesetzt. Und dann erst im Herbst wieder eine Ausstellung mit Malerei von Irina Wolff und Vitali mit Skulpturen.

Aber ich plane ja längerfristig mit dir zu arbeiten. Und wenn alles gut geht, werden noch mehr Events dazu kommen und trotzdem kann ich mich dadurch mehr auf meine eigenen künstlerische Entwicklung konzentrieren.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Meine persönliche Meinung? Nein, es gibt Grenzen, da können wir ja am 20. mal drüber diskutieren.

Sehr gerne, danke für die Einladung! In deinen Werken finden sich Bezüge zu Tod, Geburt und dem Leben als solches, verarbeitest du damit auch persönliche Erfahrungen oder Erlebnisse?

Ja, manchmal schon, vor ein paar Monaten ist eine gute Freundin von mir gestorben, es ist ein Bild in orangenen Tönen entstanden es sieht etwas jugendstilmässig aus, eine Mutter mit Baby und vielen Blumen im Haar, die Blumen symbolisieren jedes Lebensjahr auf der Erde, das Bild heißt „The Beginning“.

Wie kann man sich deinen Schaffensprozess, die Entstehung einer Arbeit von dir vorstellen? Hast du eine bestimmte Herangehensweise? Rituale? Arbeitsabläufe oder kommt da auch viel aus der Situation selbst?

Meistens sehe ich ein Foto z.B. eine Frau in irgendeiner schönen Pose, das ist die Grundsubstanz, die wird dann geschmückt und verändert, dabei ist das ein sich wandelnder Prozess, das Bild sagt mir dann irgendwie was es noch braucht. Manchmal fange ich auch mit dem Hintergrund an und da wird dann das Sujet darauf montiert. Manche Künstler machen sich Zeichnungen oder Photoshop Kollagen, ich arbeite lieber frei. Und schaue was passiert, dadurch wird das Bild lebendiger. Außer natürlich bei einer Auftragsarbeit, da halte ich mich natürlich an das Gewünschte.

Wir brauchen Schlagzeilen, gibt es Künstler oder Kunstrichtungen mit denen du überhaupt nichts anfangen kannst?

Oh ja – es gab eine Ausstellung in Barcelona, als ich dort eine zeitlang gelebt habe. Da war ein Film der 20 Minuten in Schleife lief. Wo eine Frau mit einem blutigen Messer röchelnd und blutverschmiert am Strand entlang lief. Ich weiß nicht mehr, was der Künstler uns damit sagen wollte. Aber ich finde selbst weltkritische Dinge kann man mit einer gewissen Ästhetik ausdrücken. Da dachte mir die moderne Kunst kann nichts mit meiner Harmonie anfangen und habe fast ein Jahr nichts gemacht.

Was war denn bisher dein schönstes Feedback?

Oh da gibt es mehrere, erstens; es kam öfter vor, dass einer, der keine Ahnung von Kunst hat und kaum Geld auf dem Konto ein Bild kaufte und dieses in Raten zahlte, weil das Kunstwerk so berührt. Eines ist, wenn jemand, der echt viel Ahnung von Kunst hat, mir sagt, dass ich sehr talentiert bin. Oder mein Mann macht nicht oft Komplimente, aber wenn er sagte das Bild: „Dancing with the rain“ – „verkaufe es bitte nicht unter 10 000 Euro“ – dann ist das ein riesengroßes Kompliment.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times – oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Lass uns die Welt etwas schöner verlassen als wir sie vorgefunden haben.

Ein schönes Schlusswort! Ich freue mich auf den 20.04 bei dir in der Galerie. Und für Kunstfreunde und Leser, die nichts verpassen möchten, gehen weitere Informationen bereits in Kürze online!

 

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For the fashion industry Anna Matskova offers brand advertising and general product advertising videos. Matskova makes video clips for performance artists and musicians. She is currently working on two projects: a music video for the singer EAVA, which is their third project together, and a full-length film for theatrical distribution.

In this interview we would like to get to know the film artist Anna Matskova better – if you are interested in a collaboration/production – please feel free to contact us. The German translation of the interview will follow soon.

Anna Matskova in an Interview

What cultural influences from Russia inform your films, and how do they shape your creative process as a filmmaker?

My works are influenced by contemporary art, choreography, and music, which inspire me the most. Music plays a key role in my works, as I use it to interact with viewers in a non-verbal way by employing figurative narrative to express my ideas.

As an Art Director, you have a unique perspective on visual aesthetics. How do you strike a balance between cultural authenticity and universal accessibility in your projects?

My main approach is to find a balance between cultural authenticity and artistic universality, which allows viewers to understand the message independently of their backgrounds. I am grateful to my teachers, who gave me the opportunity to learn from outstanding examples. I always avoid clichés and bring my own original associative images with elements of universal symbolic representations.

What challenges do you see in the film industry, especially for women and creative minds from Russia, and how do you attempt to overcome them?

The main challenge of modern video art is its narrow focus on monetization. The monetization trend shapes the whole media space and its content, influencing the audience and forming their tastes. It leaves almost no space for original creative projects that do not fit into the general commercialization trends. It is a pity that such projects are simply lost like a needle in a haystack. I see my mission in creating such content, and that is why I highly appreciate this platform, which promotes creative projects and lets the general audience learn about them.

Can you provide insights into the use of symbolism and visual metaphors in your works and how they contribute to storytelling?

I am very keen on using metaphors and figurative language, which allow me to express ideas more efficiently than «the language of realism» due to the visualization techniques and their subconscious nature. I employ music as a tool to identify appropriate but unexpected images. And like to lie down, close my eyes, listen to music, and let my imagination fly to create new images for my works. I want to provoke my viewers to discover the meanings of my works through their own mental processing of the content, which is not illustrative by itself. I believe that the greater immersion and involvement of the viewer is a crucial aspect.

Which current trends or developments in the Russian film industry currently fascinate or inspire you the most?

There are many contemporary art exhibitions and festivals, where you can find inspirational works of other authors and also present your own works. I displayed my work «VACUUM» on a 360o screen in the Atma360 space as part of the Genesis festival.

Vacuum AV Project/Genesis² by Anna Matskova

VACUUM is a dance, short performance film created by director Anna Matskova and composer Ilya Symphocat. This work combines dance performance by Elsa Serova, Laran Laraan and the dance group FarFor YO (choreographer Banzay BNZ), as well as ambient, choral music and sound design.

VACUUM, can be seen as an immersive, group process of immersion in the magnetism of an archaic and primordial world, flowing into our present and tangible reality. It’s an opportunity to immerse yourself in one shared emotional experience of purification and destruction, depending on which atmospheric fronts or urban landscapes you choose to stay in.

The aim of the film was to explore and capture the moment of unity of a man and a woman outside of time and circumstances, as if in a vacuum – in the nature environment. And the gradual destruction of this harmony with their immersion in urban space.

I also directed and filmed a performance for the opening of the online Gamma Festival 2020, during the Covid-19 restrictions. The festival attracted over 6 000 viewers. The idea behind my piece was the limitations put on the society and its artistic freedom during the covid pandemic.

OSTINATO Audio-visual performance based on the method of musical and artistic composition „ostinato“, that interprets the repeated repetition of a melodic phrase, rhythmic figure or harmonic turn.

Performance can be considered as a reflection on the events happening to us nowadays. The space for creating a work becomes an old Stepan Razin factory in industrial area of Saint Petersburg.

Performers use the actual attributes of our reality, familiar during pandemic to everyone: face masks, striped tapes, form of communication in online broadcast. They capture the experience of events through the prism of artistic perception, combining music, choreography, vocal improvisation and creating a media sculpture on the ruins of the past.

How do you maintain a coherent visual language as an Art Director across different projects, and which elements are particularly important to you?

I choose an aesthetic minimalism for my visualization language. I adhere to a clearly structured composition within the frame, lacking unnecessary elements. This may sometimes look unnatural, but it lets me emphasize the main visual narrative and immediately attract the viewer’s attention in a purposeful way.

What creative techniques do you employ to emotionally engage audiences in your stories and create a deeper connection?

Besides music, I use dance performance in my works to engage viewers emotionally. The body language conveys emotions as well as hidden messages. I usually work with the street dance and performance group FarFor.

In your role as a filmmaker and Art Director, how do you view your responsibility in promoting cultural diversity and inclusion in the film industry?

I tend to adhere to a certain ideology and convey certain concepts in all my works, including commercial ones. I clearly do not welcome plagiarism and copy-cuts of others’ ideas or views, i am in favor of authenticity, self-identity, and independence. Believe that only this approach will bring something new into our culture and cinema.

How do you select the visual elements for your projects to evoke the desired mood and atmosphere?

Natural environment is an important visual element of my works. Its main purpose is not just to serve as a beautiful background, but to be a key component along with the actors and the action in the frame. I choose the environmental scenes very carefully, which usually takes some weeks or even months to find the right locations. For example, it took me several months of traveling and studying maps to choose filming locations for «VACUUM» before I started shooting. I wanted to find a natural background unscathed by human activity, but also wild and beautiful, serving as a counterpoint to large asphalted squares with no room for wildlife. In the end, I found what I needed. To make it even more readable, I came up with the idea of shooting this work from a bird’s-eye view using drone footage.

What artistic influences have most shaped your work as an Art Director, and how do they manifest in your projects?

As an artist and filmmaker, I was influenced primarily by classical education, which shaped my vision influenced with the study of contemporary culture. Among my favorite authors are such film classics as: Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky, Sergey Urusevsky, Gaspar Noé, Denis Villeneuve, Alex Garland, Hayao Miyazaki, The_Wachowskis, Alberto Mielgo.

My favorite fiction authors are: Hermann Hesse, Fyodor Dostoevsky, Mikhail Lermontov, Ray Bradbury, Philip K.Dick, Gabriel García Márquez, Julio Cortázar Artists: M. C. Escher, Leonardo da Vinci, Mikhail Vrubel, Arkhip Kuindzhi.

Photographers: Ben Zank, Lesliezhang, Zeng Wu, Simon Stalenhag, Olafur Eliasson.
Computer game creator: Hideo Kojima
Modern choreography: Damien Jalet
Music: Hans Zimmer, Steve Roach, Burial, Aes Dana
Fashion: Alexander McQueen, Rick Owens

I find in the works of these authors very influential and share their spirit and vision of the world.

Could you share your approach to selecting film music and sound design to enhance the emotional resonance of your works?

I give great importance to the music in my works. Ilya Symphocat, a modern Russian composer, has been the music author for almost all of my works. Ilya writes music in the ambient genre, which, in combination with the visual content, creates a certain atmosphere that draws the viewer into a meditative perception. We share a similar vision, and I think it is very important for collaborative creativity.

What role does collaboration with other creative minds, such as scriptwriters or cinematographers, play in bringing your visions to life?

I’m very careful when it comes to staff my projects. I choose people with similar visions so that together we can create something that expresses our common views. It’s important for me to involve everyone in the project and showcase their talent.

How do you deal with creative blocks or challenges during the creative process?

I feel very inspired when it comes to filming, which I always approach very diligently. I create an atmosphere on set that energizes everybody who works with me, and i have no roadblocks when it comes to work.

What technologies or innovative approaches do you use to maximize the visual quality of your projects?

I film my projects on professional cameras of the latest generation, such as ARRI Alexa and RED Comodo. I often use drones for shooting, including such brand names as Mavic-pro and action drone fpv and also use computer graphics in my works.

How do you maintain your artistic signature while adapting to different genres or projects as an Art Director?

If I work on a commercial project, I often have to adapt to the customer’s taste, but my artistic vision and selection of references and sketches help to inspire and find a common language.

Which aspects of film design – be it lighting, costumes, or sets – are particularly crucial to you in creating a compelling visual narrative?

In my work, I pay attention to every detail. I think through the shot, the characters’ image, and work closely with the cameraman, stylist, artist, and others. In all aspects, I have a clear vision and have developed an effective way of interacting with other team members. On occasion, I find new effective solutions on how to overcome difficulties.

I was strongly influenced by my parents, who are artists. All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself.

What projects or experiences have left a lasting impact on your artistic development, and how have they influenced your perspective?

All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself. At some point, I realized that the format of the paper canvas, limited to the plane and two-dimensional image, was not enough for me. I entered a two-year animation study program. After graduation, I realized that I wanted to make movies and entered the Institute of Cinematography VGIK in Moscow. I believe that cinema has an interesting principle that distinguishes it from other art forms.

This principle is that for the first time in the history of art, for the first time in the history of culture, man has found a way to directly capture time. And at the same time – the possibility to reproduce the passage of this time on the screen, to repeat it, to return to it. Man has got the matrix of real time in his hands». – Quote by Andrei Tarkovsky from the article „Captured Time“.

I find this vision fundamental to my work.

Could you tell us about your creative beginnings and how you found your individual artistic expression?

I do not think I created or invented my style. Rather, I discovered and brought to the surface something that existed naturally from the moment of my birth. As a child, I liked watching movies and going to exhibitions. I singled out authors I liked. Nevertheless, I didn’t try to imitate them. I was always excited with an idea of doing something new, never existing before. I saw this as the ultimate purpose of my existence. Over time, my maximalism has cooled down, and I’m not chasing something unrealistic anymore. I still stick to the idea that my works will always find their audience. It is important for me to keep mental integrity and authenticity, to be independent of short-term influences and the opinion of the masses. I believe this is key to my success.

As a child, I didn’t like to play with toys from stores. I made the sets and characters myself, invented plots. You could say that what I do now takes its roots in my childhood. I still play my favorite game of making up stories and bringing them to life.

Why did you choose Art Direction, and what aspects of this role appeal to you the most in terms of creative filmmaking?

I have always loved making up stories and bringing them to life. I found a continuation of this approach in my professional life, i believe that a person should choose their life’s work to enjoy it, to live it, only then is it possible to do something worthy.

To what extent does your background or personal history influence your artistic work, and how do these elements find their way into your projects?

In my works, I try to create a world that is not tied to a specific real place and time. Almost everything plays out in a parallel universe, but some works are influenced by real events. For example, my work «The Fire Is Gone» was created when the war in Ukraine started. In this work, I tried to express my attitude towards wars in general without being tied to a specific situation. The war served as an impetus for my reflections.

What significance does the connection between film and art hold for you, and how do you incorporate artistic principles into the visual design of your films?

Cinema can be called a synthesis of all kinds of arts. It is not possible to involve the viewer fully or strike all strings of their soul without the combined help of the plot, visuals, and music. This is only possible in art that combines all these aspects together. That’s why I chose cinema and want to develop further as a filmmaker.

What advice would you give to young, aspiring artists interested in a career in filmmaking and Art Direction?

I would advise young artists aspiring to become a film director or an art director to start with a high-quality education in the field, read a lot, listen to good music, and watch prominent movies. Then bind it together with your own personal vision and experience. I would like to quote Andrei Tarkovsky again: «An artist begins when their idea or their film has its own special image structure, its own system of thoughts about the real world, and the director presents it to the viewer, shares it with the viewer as their most cherished dreams. Only when they have their own way of looking at things, becoming a kind of philosopher, do they act as an artist.»

Thank you for your time and effort! I’m looking forward to your next projects!

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Nach eingehender Recherche ist diese Zeichnung Erwin Bowiens von Carl Russ Suchard 1916 offensichtlich in Serrière in direkter Nachbarschaft zu Neuchâtel entstanden, wo das Schokoladenwerk Suchard stand. Carl Russ Suchard war der erste Förderer, Mäzen und Sammler des damals 17-jährigen Bowien. Suchard war mit Bowiens Vater befreundet den er im deutschen Club in Neuchâtel kennengelernt hatte. Er erkannte als einer der ersten Bowiens künstlerisches Potenzial. Der „Clou“: Suchard stammte aus Solingen und war das erste Bindeglied zwischen Bowien und Solingen.

Beinahe 30 Jahre später zog Erwin Bowien 1954 – nach seiner Flurcht vor dem Nazi-Regime und seiner Zeit im Exil – nach Solingen. Hier gründeten Erna Heinen- Steinhoff (1898-1969) und Erwin Bowien nun ganz offiziell die Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ Solingen.

Diese wurde zum Fixpunkt in dem ansonsten äußerst abenteuerlicheren und unsteten Leben Erwin Bowiens als Chronist, Künstlerkolonist, Malreisender und Europäer vor der Zeit. Gemeinsam mit Bettina Heinen-Ayech (1937 – 2020)  und Amud Uwe Millies (1932 – 2008) bildete Erwin Bowien die malenden Akteure der Künstlerkolonie Solingen.

Die Wiederentdeckung der Porträtzeichnung des Schokoladenfabrikanten und Erfinder der Milka Schokolade Carl Russ Suchard ist eine besondere Nachricht! Da es das Wirken von Erwin Bowien als Zeitzeuge, Maler und Chronist frühzeitig begründet und dokumentiert.

Fünfzig Jahre nach seinem Tod erfährt Erwin Bowien gerade eine neue Renaissance. So hat die Kunstexpertin Cristina Streckfuss in einem Beitrag im Kunstmagazin „ArtProfil“ die Facetten zu Bowiens Leben und Schaffen wieder beleuchtet. Das Institut für Kunstgeschichte der Schweiz in Zürich hat die Homepage www.erwin-bowien.com in die digitale schweizerische Nationalbibliothek aufgenommen.

„Schwarzen Haus“ in Solingen

Nicht nur als Maler und Chronist, sondern besonders als Gründer der Künstlerkolonie des sogenannten „Schwarzen Hauses“ in Solingen steht Erwin Bowien aktuell im Rampenlicht. So wurde die Solinger Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ als Partner Member in der „European Federation of Artist Colonies“ – euroart anerkannt. Im Frühjahr 2023 wurde die Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ auch in der Kulturroute des Europarats Impressionisms Routes© aufgenommen. Beides Auszeichnungen von besonderer europäischer Bedeutung.

Weitere Informationen

Titelbild:

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Veronika von Kathen sagt über ihr Kunstwerk: Eine scheinbar chaotische Gedankenwelt zu strukturieren, führt oft zu einer neuen kreativen Ordnung. In meiner Malerei gibt es keine Regeln, keine Ordnungsprinzipien. In der Betonung des Portraits wird der Schwerpunkt des Kunstwerkes gesetzt. Der Kontrast zwischen figurativer Darstellung von Menschen und abstrakten Elementen soll wieder Ordnung in das Chaos des kreativen Prozesses bringen.

Veronika von Kathen hat bei dem Kunstwerk Chaos im Kopf mit Acrylfarben auf Leinwand gearbeitet. Das Bild misst 140 cm x 140 cm x 4 cm.

Die Künstlerin Veronika von Kathen

Veronika von Kathen wurde 1950 in Berlin geboren. 1979 erlang sie ihren Abschluss an der TU Berlin als Dipl.Ing.(Arch.). 1981 gründete von Kathen ein Planungsbüro. Seit 1990 ist sie auch als freischaffende Künstlerin tätig. 1999 eurde sie als Mitglied der Architektenkammer aufgenommen. 2006 bis 2021 war sie Geschäftsführerin der Planungsgesellschaft von Kathen und Wall mbH. Bis heute ist sie als freischaffende Künstlerin und als Architekt tätig.

„Die Künstlerin Veronika von Kathen malt Porträts aus einem ungewohnten Blickwinkel. Die Faszination, die das Gesicht und insbesondere die Augen eines Menschen auf sie ausüben, überträgt sie durch ihre Bilder auf den Betrachter. Als Architektin strebt sie gleichzeitig danach, für Räume zu malen, große, aber auch kleinere Wände effektvoll auszustatten.

Diese Bilder verfehlen ihre Wirkung nicht, ziehen uns magisch an oder lassen uns erschauern. In jedem Fall aber haben sie eine ungewöhnliche Ausstrahlungskraft, die Gefühle erwecken. Sie lassen verschiedenste Interpretationen zu, ausgehend von der ganz persönlichen Lebenserfahrung des Betrachters oder von der Stimmung, in der sich gerade befindet. Um die Aufmerksamkeit auf das Wesentliche zu lenken, wählt die Künstlerin in den meisten Fällen einen nicht gegenständlichen Vordergrund. Die ihr wichtigen Details können so herausgearbeitet und betont werden. Dies erreicht sie insbesondere durch die realistische, fast fotografisch genaue Darstellung der Objekte im Gegensatz zum abstrakten, bzw. unscharf dargestellten Umfeld oder durch die verstärkte Auflösung der Konturen nach außen, zum Unwesentlichen hin.“ – Renate Warmuth, Berlin im Februar 1992

 

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Die deutsche Künstlerin Bea Garding Schubert ist seit über 16 Jahren auf dem Kunstmarkt aktiv. Kunstwerke wurden bereits nach Italien und Frankreich versendet, viele ihrer Sammler kommen aber auch aus den USA oder aus dem arabischen Raum. In Europa arbeitet Garding Schubert größtenteils mit der Gabriel Fine Arts Gallery in London zusammen – in Deutschland war sie zuletzt mit der Einzelausstellung “Good Vibes Only” in der Galerie Hesse, Hannover präsent. Zum Zeitpunkt des Interviews befindet sich Garding Schubert mitten in den Vorbereitungen ihres Umzugs, denn zukünftig ist die Künstlerin in Spanien Zuhause. Umso mehr freuen wir uns, dass sie die Zeit gefunden hat, uns für ein Interview zur Verfügung zu stehen.

Bea Garding Schubert im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich arbeite zur Zeit noch in meinem Atelier in der Nähe von Hannover, werde aber in Kürze meinen Arbeitsplatz in ein kleines Dorf auf Mallorca verlegen.

Das ist sicherlich auch eine logistische Herausforderung für die Kunstwerke. Wie viele Werke sind eigentlich bis heute entstanden?

Ich würde schätzen 800 Arbeiten in den letzten 15 Jahren. Zur Zeit habe ich 125 Arbeiten vorrätig. Ich verkaufe und wenn ein Bild älter als 2-3 Jahre alt ist und es qualitativ nicht mehr meinen Ansprüchen entspricht, übermale ich es. Im Schnitt schaffe ich wöchentlich 1 Bild. Ich arbeite täglich im Atelier.

Das klingt sehr produktiv, haben Sie auch manchmal Kreativblockaden? Falls ja, wie gehen Sie damit um? 

Ich habe so gut wie keine Kreativblockaden. Die künstlerischen Schwierigkeiten, die mir zustoßen , zeigen mir neue Wege auf. Das ist äußerst spannend. Routine spielt bei mir eine große Rolle. Ich versuche täglich zu arbeiten, damit ich im Fluss bleibe. Erst aus einer Selbstverständlichkeit heraus kann ich Neues entdecken.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem Ihrer Werke vorstellen? 

Ich arbeite nach Serien, welche ich in den letzten Jahren entwickelt habe. Die Serien hängen alle zusammen, viele sind nach Musikstücken entstanden. Die Serie HEROES entwickelte sich nach dem Song von David Bowie und der Geschichte, die hinter diesem Song steht. Ich bin zutiefsts überzeugt, dass JEDER ein Held sein kann.

THE SHOW MUST GO ON ist vom Song Freddie Mercury’s inspiriert. Er schrieb ihn kurz bevor er starb, und er handelt davon, dass wir nicht aufgeben sollen. Eine Serie mit der ich mich am längsten befasse ist die Serie HOME. Sie erzählt von Liebe, Hoffnung, Vertrauen und Heimat-Finden. Auf meinen Reisen durch Spanien habe ich auf einer Häuserwand gesprüht entdeckt: “Verschließe niemals dein Herz und dein Zuhause: Lass Vögel, Freunde, die Sonne und die Luft in dein Haus.“ (frei übersetzt). 

Sie sind schon seit 16 Jahren aktiv, aber wie haben Sie überhaupt zur Kunst gefunden? 

Ich war als Kind sehr viel allein, vielleicht könnte man sagen, einsam. Aus dieser Situation heraus habe ich sehr früh mit dem Malen begonnen. Es war und ist noch heute eine Auseinandersetzung mit mir selbst und meiner Umwelt.

Gibt es eine bestimmte Emotion, die Sie in Ihren Kunstwerken verkörpern möchten? 

Gerade in einer von Hunger, Krieg und Umweltdesastern gebeutelten Zeit steht für mich Optimismus an erster Stelle. Ich sage TROTZDEM oder gerade jetzt und lasse mich nicht vom allgemeinen Pessimismus leiten. Ich habe eine große Sehnsucht nach einer besseren Welt.

Glauben Sie, dass Kunst die Fähigkeit hat, die Welt zu verändern?

Ich bin der festen Überzeugung, dass Kunst die Welt verändern kann, sonst würde ich keine Kunst machen. Kunst ist für mich Hoffnung, Sichtbarmachen von Optimismus.

Arbeiten Sie auch mit ungewöhnlichen Materialen oder Techniken?

2022 bekam ich von einem jungen Berliner Skateboard Unternehmen ein Deck zum Bemalen. Ich merkte, dass ich im Laufe der Ideenskizze meinen Malstil veränderte. Eine eigene Pop Art entstand. Es machte mir unglaublich Spaß, und so bestellte ich mehr Decks und bemalte sie in Neonfarben. Die VIVA LA VIDA Serie war geboren. Ich begann dann mit Bildern, nahm Minions, Fische, Boote, Augen etc. mit an Board. Wieder Kind zu werden bzw. die Kindlichkeit nicht zu verlieren, spielen zu können, ist mir wichtig geworden. Erst dann können wir zur künstlerischen Freiheit gelangen.

Wie wichtig ist Ihnen die Reaktion des Betrachters auf die Kunstwerke? Möchten Sie, dass diese eine bestimmte Botschaft verstehen oder fühlen Sie sich eher ermutigt, wenn Betrachter ihre eigenen Interpretationen finden?

Ich denke, es ist eine Mischung aus beidem. Die Reaktion ist mir wichtig. Der Betrachter sollte die Botschaft verstehen, aber er soll auch beim Betrachten auf Rätselhaftes stoßen, was er für sich interpretieren kann.

 

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Gibt es ein bestimmtes Element in Ihrer Kunst, was als Ihre „Signatur“ betrachtet werden kann?

Ein signifikantes Element ist der fliegende Vogel. Er steht für Freiheit, Leichtigkeit und Liebe. Vögel verbinden Himmel und Erde. In meiner Serie HOME taucht der fliegende Vogel häufig auf, meist fliegen die Vögel als Paar oder „Familie“.

Gibt es ein Kunstwerk eines anderen Künstlers oder ein Künstler, der Sie beeinflusst hat?

Ich liebe es, Künstlerbiografien zu lesen. Künstler*innen „sterben“ für Ihre Idee, für ihre Kunst.

Wenn Sie eine Zeitmaschine hätten und zu jeder Epoche reisen könnten, welche Zeit und Ort würden Sie wählen, um Ihre Kunst zu präsentieren?

Ich wäre gern in den 1980igern in der Nähe von Jean Basquiat in NYC. Ich liebe seine Kunst. Es wären urbane Ort, zB. Bahnhofstunnel und U-Bahn Stationen. Das finde ich reizvoll, wenn meine kraftvolle aber doch sanfte Malerei in einen eher konträren Rahmen gestellt wird.

Welche ungewöhnlichen Quellen der Inspiration außerhalb der Kunstwelt beeinflussen Ihre kreative Arbeit?

Wie gesagt, Musik spielt eine wichtige Rolle. Menschen, die mir begegnen und ihre Lebensphilosophie. Meine Familie.

Wenn Sie ein Buch über Ihr Leben und Kunst schreiben würden, was wäre der Titel?

Ich bin 8 Jahre zu Fuß um die Welt gereist, schätzungsweise 25.000 km mit Rucksack und Zelt durch Gebirge wie den Himalaya, die Rocky Mountains, Sierra Nevada, die Anden. Dieser Erfahrungsschatz hat mein Leben geprägt. Spontan würde ich mein Buch “Lust auf Leben“ nennen. In jedem meiner Bilder ist diese Lebenslust zu finden.

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times, oder Ähnliches – was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

Kämpft für Eure Ziele, setzt euch für Liebe und Menschlichkeit ein. Gebt nicht auf! Wir alle können Helden sein!

Ein schönes Schlusswort! Danke für Ihre Zeit und Mühe!

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Mehr über die Künstlerin finden Sie auf der Webseite: https://www.beagardingschubert.com/

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Bettys Weg war geprägt von einer Reihe Begegnungen und schwieriger Erfahrungen in ihrem bisherigen Leben. Sie begegnete in den dunkleren Schattierungen des Lebens den Tod, sie hinterlässt auf den Bildern einen Abdruck ihrer Seele. Diese Begegnungen prägten ihre Wahrnehmung von Beziehungen und formten sie zu einer Malerin, die ihre Emotionen und Erfahrungen durch ihre lebendigen und eindrucksvollen Kunstwerke zum Ausdruck bringen wollte.

Mit jedem Pinselstrich versuchte Betty, die Verwicklungen ihrer dunklen Vergangenheit zu entwirren, ihren Schmerz loszulassen und ihn in visuelle Erzählungen zu verwandeln. Ihre Gemälde wurden zu Fenstern und enthüllten ein Geflecht von Emotionen, das von Verletzlichkeit, Stärke und Widerstandsfähigkeit geprägt war. Durch ihre Kunst nahm Betty ihre Vergangenheit mit offenen Armen auf.

Bettys Gemälde strahlen rohe Ehrlichkeit und Intensität aus und zeigen komplexe Beziehungen, unerwiderte Liebe und die sexuelle Machtdynamik, der sie begegnet ist. Ihre Verwendung kräftiger Farben und kontrastreicher Texturen spiegelt die widersprüchlichen Emotionen wider, mit denen sie zu kämpfen hatte, und schafft eine visuelle Sprache, die ihre innersten Gedanken und Gefühle wiedergibt.

Ihre Leinwände werden von Figuren bevölkert, die die Kämpfe und Triumphe ihrer eigenen Reise verkörpern. Durch diese Figuren erkundet Betty Themen wie Vertrauen, Sehnsucht, Verrat und Selbstfindung. Mit jedem Strich versucht sie, ihre Erfahrungen mit dem Wunsch nach Verbundenheit in Einklang zu bringen, und lädt den Betrachter letztlich dazu ein, sich auf seine eigene introspektive Reise zu begeben.

Sie hat ihren eigenen Schmerz in Stärke umgewandelt und sich die transformative Kraft der Kreativität zu eigen gemacht. Durch ihre Arbeit ermutigt sie andere, sich ihren eigenen emotionalen Landschaften zu stellen und im Selbstausdruck zu finden. Bettys Reise als Malerin ist zu einem Zeugnis zwischen Kunst und Vergangenheitsbewältigung geworden. Es gibt zwei Arten zu malen, die Außenwelt oder die Innenwelt. Sie hat das zweite gewählt.

Betty Steinmair Portfolio

Bis heute sind über 400 Werke entstanden. Viele der ausdrucksstarken Gemälde sind auf der Webseite der Künstlerin zu finden. Auf ihrem Instagramkanal gibt Betty Steinmair auch immer wieder Einblicke in ihre kreativen Schaffensprozesse. Die Videos sind für Social-Media-Plattformen zensiert und gekürzt, längere und unzensierte Versionen sind für die Besucher von Ausstellungen vorbehalten.

 

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Ausgewählte Werke von Betty Steinmair finden Sie in Kürze in unserem Shop!  Ein Interview mit der Künstlerin ist in Planung, wenn Sie eine bestimmte Frage an Betty Steinmair haben, nutzen Sie gerne unseren Kontakt! 

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Mehr über Betty Steinmair: www.betty-art.com

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Die hauptberufliche Krankenschwester Marion Winants lebt und arbeitet in Niedersachsen. In ihrer Freizeit ist die junge Künstlerin viel in der Natur unterwegs und versucht die Farben, Lichteffekte und das Gefühl beim Betrachten fantasievoll in ihren Werken umzusetzen. Winants malt fantastischen Realismus, aber zum Teil auch abstrakte Darstellung von Blumen, Skylines oder Landschaften.

Marion Winants im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Ich befinde mich in Niedersachsen und arbeite gerade an meinem abstrakten Werk Face, ich weiß noch nicht ob ich fertig bin.

Hauptberuflich arbeiten Sie als Krankenschwester, wie viel Zeit bleibt da für die Kunst?

Für die Kunst bleibt grade nicht soviel Zeit, da ich im Dauernachtdienst arbeite. Vielleicht alle 2 Tage kann ich, je nach Lust und Laune malen. Es kommt auch immer darauf an, ob mir irgendwas durch den Kopf geht was ich malen möchte.

Wie sind Sie eigentlich zur Kunst gekommen?

Ich war immer Kunst interessiert. Besuche auch regelmäßig Museen und Ausstellungen. Meinen zweiten Sohn habe ich Vincent genannt – nach Van Gogh. Ich selbst aber habe nie gemalt,- bis zu dem Tag vor 3,5 Jahren als ich morgens aufgewacht bin und ich wusste, ich muss malen. Das war einfach so. Woher das kam ,keine Ahnung ,ich wusste nur, ich muss es machen.

Sie sagen, das durch ihre Bilder Energie fließt – unter anderem auch, weil Sie Reiki 1.Grad haben – was kann man sich darunter vorstellen?

Reiki ist universelle Energie und ich wurde für den 1 Grad geöffnet. Das heißt, ich empfange und gebe universelle Energie weiter, meist durch Handauflegen. Damit kann man heilen, die Menschen empfinden das als wohltuend.

Beim malen ist es oft so dass es einfach durch mich durch fließt, ich greife dann zu Farben und denke wenig nach wie ich etwas male, man könnte es als Trance bezeichnen, aber es ist anders .Es ist einfach wie ein durchströmen von guter Energie und ich denke und hoffe das das in meinen Bildern zu fühlen ist.

Ich habe ja schon Orakelkarten mit meinen Bildern veröffentlicht, die verkauft werden. Ich arbeite mit einem Medium, einer Tarot-Kartenlegerin aus Österreich zusammen, die diese über ihren Laden vertreibt .Ich denke, wenn man sich dafür öffnet, kann man es fühlen.

Eine meiner Lieblingsarbeiten von Ihnen ist das Werk „Seelenverwandte. Wenn ich richtig recherchiert habe, befinden sich in ihrem Portfolio aber in der Regel eher kleinere Werke? Wie lange arbeiten Sie durchschnittlich an einem Werk und wie kann man sich den Entstehungsprozess vorstellen?

Seelenverwandte ist ein trauriges Bild. Ich habe damit den Tod meines Lebensgefährten verarbeitet. Ein Bild der Trauer und des Zusammenseins. Ich male eher kleinere Formate, da die meisten Menschen kleine Wohnungen haben. Ich wurde oft gefragt, ob ich die Bilder auch kleiner malen könnte…. 

Wie lange arbeite ich an einem Werk,… unterschiedlich, manchmal 4 Stunden, manchmal 2 oder 3 Tage, manche werden zur Seite gestellt und dann erst nach Monaten weiter bearbeitet. Mit Bildern mit denen ich nicht zufrieden bin, die stelle ich erst einmal weg oder übermale sie.

Gibt es einen Künstler der Sie beeinflusst? 

Ich hätte gerne Georgia O´Keeffe getroffen, ich finde ihre Blumenbilder einzigartig. Und Van Gogh,… seine Lebensgeschichte ist sehr interessant und natürlich hätte ich ihm gerne beim malen zugesehen… seine Energie und seine Verzweiflung mitunter gerne erlebt .

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – wie die New York Times, was würden Sie der Welt gerne sagen – und warum sollten sich Kunstfreunde mit ihren Werken auseinander setzen?

Ehrlich gesagt ,ich habe da keinen Anspruch, ich freue mich einfach, wenn andere Menschen durch meine Bilder gute Laune bekommen oder sich glücklich fühlen, weil ein Bild ihnen ein gutes Gefühl vermittelt.

Ich bin einfach nur jemand der malt .

 

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Menschkunst

Wir sind über die Webgalerie Menschkunst auf die Marion Winants aufmerksam geworden. Über Jahre war MenschKunst ein eingetragener Verein, mit dem Ziel „Kunst zu fördern„. Trotz zahlreicher Mitglieder, hat die Verwaltung und die Pflege von obligatorischen Vereinsstatuten einen Großteil der Energie genommen, die eher in die Förderung von Kunst hätte fließen sollen. Der Verein wurde aufgelöst, die Ziele sind geblieben: „MenschKunst möchte Künstler*innen bei Künstler-Selbstvermarktung bestmöglich unterstützen.“

Mehr über Menschkunst finden Sie hier: Kunst kaufen, verkaufen und präsentieren bei MenschKunst

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Titelbild: Seelenverwandte/Acryl auf Leinwand/60cm *80cm/Verkauft.

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Seit 20 Jahren fertigt Dennis Hascke als Schimmler Art Kunstwerke. Angefangen in der Graffiti- und Streetart-Szene, heute auch gefestigt in der „Kryptokunstbranche“ mit internationalen Sammlern. Art Schimmler befindet sich in einem permanenten Schaffensprozess. Das ständige Weiterentwickeln und Ansprüche an sich selbst zu haben, dürfte ein großer Faktor für den Erfolg des Künstlers sein. Grade wurde er mit seiner Frau Antje Haschke mit dem German Design Award ausgezeichnet, schon stehen Projekte mit der „Nike Art Galerie“ an – wir freuen uns, das der Künstler dazwischen Zeit für ein Interview gefunden hat.

Dennis Haschke im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Zurzeit bin ich in der Heimat in Heidesee (Brandenburg) und arbeite an mehreren Projekten, die mich sehr Interessieren. Ferner arbeite ich an meiner mentalen Fitness.

Die Projekte sind, die Gründung eines NGO “ Ethana e World Organisation“ zur Förderung und Aufbau der afrikanischen
Wirtschaft sowie die Planung einer Ausstellung und Zusammenarbeit mit der größten afrikanischen Galerie ´Nike Art Galerie` und der Nike Centre for Art and Culture, um kulturelle Verbindung zu schaffen. Mit dem Verkauf meiner Werke gehen 50 % der Einnahmen in Förderprojekte. Mit dieser Spende setzen wir den Startschuss, um unsere Organisation mit den ersten aktiven Projekten zu fördern.

Des Weiteren läuft die aktive Planung eines Projektes in Miami, Florida. Unsere Partner sind in diesem Moment vor Ort, um das Vorhaben zu besichtigen und die ersten wichtigen Schritte einzuleiten, damit die geplante Eröffnung im Frühjahr dieses Jahres realisiert werden kann.

Im Oktober 2023 findet meine Ausstellung im Berliner Capital Club (Hilton) statt. Der bedeutende Wirtschaftsklub ist Mitglied in einem internationalen Netzwerk von Business Clubs auf der ganzen Welt. Die Ausstellung in Berlin ist der Startschuss für eine ganze Reihe von internationalen Ausstellungen.

Das klingt nach großen Plänen, aber lass uns erst einmal auf deine Anfänge zu sprechen kommen. Zur Kunst gefunden hast du bereits vor über 20 Jahren in der Streetart-Szene Berlins. Revolutionär deine Werke auf Bahn-Waggons oder Häuserwänden. Heute bist du „nur“ noch auf Leinwänden aktiv? Wie und wann kam der Wandel von der Streetart zur legalen Kunstform?

Das stimmt so nicht ganz. Ich verwende sehr gern andere Materialien wie zum Beispiel Alu-Dibond. Hier arbeite ich gerade an einer neuen Werkgruppe. Der Wandel zur legalen Kunst war vorprogrammiert. Warum? Weil mir schon früh bewusst war, dass ich etwas erreichen will in meinem Leben und vor allem niemanden mit meiner Kunst schaden will, was nun damals der Fall war.

Das war zu dem Zeitpunkt auch kein Wandel in dem Sinne, sondern eher eine auf meine Karriere basierte Schaffenspause und Neuorientierung zur Kunst.

Wie stehst du heute zu Graffiti-  und Streetart-Szene?

Nach wie vor liebe ich die Straßenkunst und ihre Vielfalt. Jedoch gibt mir meine aktuelle Kunstrichtung mehr Möglichkeiten international Sammler anzusprechen. Der Erfolg ermöglicht mir auch die Möglichkeit, um Kunstprojekte zu organisieren oder zu fördern. Denn bekanntlich dreht sich in dieser Welt alles ums Geld!

Traurig, aber wahr. In den Medien wirst du auch gerne mal als deutscher Banksy bezeichnet, wie kam es zu diesem Ehrentitel?

Genau weiß ich es nicht, aber ich vermute, dass das mit meiner früheren Kunstform zu tun hat. Künstlerisch sehe ich mich selbst auf einer anderen Schiene. Banksy`s Aktionen sind legendär und faszinieren Millionen Menschen, mich eingeschlossen! Mich reizt die Kombination von verschiedenen Materialien, verschiedenen Bildträgern. Für mich hat Kunst auch etwas von Alchemie.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke denn vorstellen, arbeitest du mit Skizzen, Ideen und ggf. vielleicht schon dem Namen für ein Bild und überträgst das dann auf die Leinwand oder entsteht ein Kunstwerk, beim „machen“?

Unterschiedlich, es gibt Werke, die gezielt und geplant entstanden sind und andere zufällig. Ich experimentiere auch sehr gern und baue mir Werkzeuge oder Ähnliches. Der Schaffens- oder Produktionsprozess darf experimentell sein. Inspiration darf kein Korsett haben.

Deine Frau führt eine erfolgreiche Werbeagentur. Kannst Du deine Kreativität dort noch zusätzlich einbringen?

Definitiv! Kreativität in der Werbung oder im Design ist eine große Herausforderung. Ich bin stolz darauf, dass wir in diesem Jahr mit der Agentur den German Design Award für unsere 3D-gesteuerte Homepage gewonnen haben.

 

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Kreativität kann viele Bühnen haben und ich darf sagen, dass meine Ideen, meine Kreativität Werbung beeinflusst hat.

Du fertigst auch Auftragsarbeiten an. Bei welcher Preisspanne beginnt ein echter Schimmler und gibt es auch Aufträge, die du ablehnen würdest?

Kommt drauf an, für wen diese Auftragsarbeit ist! Vor nicht allzu langer Zeit wurde ich für von einen – gemäß der Forbes-Liste erfolgreichsten Unternehmer weltweit beauftragt, ein Werk anzufertigen. Der Preis dafür ist natürlich ein anderer, als wenn ich eine Arbeit auf eine Charity-Auktion gebe.

Mein Ziel ist es, dass auch junge Menschen den Weg zur Kunst finden. Daher muss Kunst bezahlbar sein. Eine Grafikarbeit von mir- häufig der Einstieg für einen jungen Sammler- ist schon für zwei bis drei tausend Euro zu haben.

Wie viele Leinwandwerke sind bis heute entstanden? Und schon mal mit einem Kunstwerk unzufrieden gewesen? Was passiert dann mit der Arbeit?

Das kann ich gar nicht so genau sagen. Ich bin ja in einem permanenten Schaffensprozess. Ja, definitiv gab es einige Werke, die mich nicht überzeugt haben! Diese Positionen werden erst mal eingelagert und zum richtigen Zeitpunkt hervorgeholt und entweder komplett neu überarbeitet, oder man könnte auch sagen neu bespielt.

Wer soll deine Kunst auf keinen Fall kaufen?

Ich schaffe Kunstwerke. Mit dem Verkauf befassen sich andere. Es ist mir egal, ob jemand meine Arbeiten kauft und sie im Archiv lagert. Kunst ist ja längst eine Anlageform mit hohen Zuwachsraten. Ich habe Sammler, die mit meiner Kunst spekulieren, das ist mir egal.

Wir brauchen Schlagzeilen! Gibt es eine Kunstform oder einen Künstler, mit dem du überhaupt nichts anfangen kannst?

Definitiv! Ich werde aber keine Namen nennen, weil ich sowas nicht mache, denn Kunst liegt bekannterweise im Auge des Betrachters und ich kann nicht für alle sprechen!

Das heißt Kunst darf alles?… oder gibt es Grenzen?

Aus künstlerischer Perspektive darf die Kunst alles, ohne Einschränkung. Jeder Künstler definiert seine künstlerisch-ästhetischen Grenze für sich selbst. Subjektiv gibt es in meiner Kunst Grenzen, die definiert sind durch ästhetische und moralische Kardinaltugenden.

Würdest du auf dem Kunstmarkt gerne etwas ändern?

Kunst kann vieles zum Guten beitragen. Das ist auch einer der Gründe, der uns dazu bewegt hat, eine Organisation zu gründen, die mit Kunst Veränderung schaffen will, Veränderung zum Besseren.

Weise Worte. Hast du noch einen Tipp für junge, neue Künstler – oder gibt es vielleicht einen Ratschlag, den du selbst gerne früher bekommen hättest?

Definitiv! Mein Rat lautet: Befasst euch mit Social Media, denn heutzutage hat man so eine reelle Chance auf der ganzen Welt wahrgenommen zu werden.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin, wie die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Ich bin kein Philosoph oder Welterklärer. Ich spreche durch meine Kunst. Meine Botschaft ist einfach: Seht genau hin, und im besten kantischen Sinne: Habe Mut, dich deines eigenen Verstandes zu bedienen! Mündigkeit und Aufklärung sind Grundvoraussetzungen für eine friedliche Welt. Leider sind wir davon weit entfernt.

Danke dir für deine Zeit und Mühe! Ich bin gespannt auf die nächste Veranstaltung und würde mich freuen, wenn ich auf dem Laufenden gehalten werde. Vielleicht legen wir in ein paar Wochen einen zweiten Teil nach? 

Unsere Leser freuen sich sicherlich, wenn wir noch ein bisschen mehr auf die NGO “ Ethana e World Organisation“ eingehen können.

Weitere Informationen

Titelbild: Peoplerinth by Schimmler Art (März 2022, 100cm * 100cm * 4, Acryl/Schieferpaste.

Zur Webseite des Künstlers: https://www.schimmler-art.com/

Ausgewählte Kunstwerke von Schimmler finden Sie auch in Kürze bei uns im Shop!

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