Am 8. Mai 2026 startet eines der außergewöhnlichsten Kunstprojekte des Jahres: Die Niederrheintour 2026 von Thomas Baumgärtel wird mit einer feierlichen Vernissage im Niederrheinisches Museum Kevelaer eröffnet.

Eröffnung eines Kunst-Großprojekts

Mit der Ausstellung beginnt offiziell die groß angelegte Jubiläumstour zum 40-jährigen Bestehen der legendären Spraybanane. Unter dem Motto „Freiheit für die Kunst“ zeigt Baumgärtel hier den Auftakt seines Projekts 40 Werkgruppen – 40 Orte – 40 Jahre.

Zwei zentrale Werkgruppen im Fokus

Zum Start werden in Kevelaer gleich zwei prägende Werkkomplexe präsentiert:

German Urban Pop Art – Baumgärtels Verbindung aus Street Art, Popkultur und politischer Intervention

Graue Bilder – reduzierte, monochrome Arbeiten über Wahrnehmung, Medien und Gesellschaft

Diese Gegenüberstellung zeigt eindrucksvoll die Bandbreite seines künstlerischen Schaffens – zwischen visueller Direktheit und konzeptueller Tiefe.

Alle Infos zur Vernissage

Datum: Freitag, 8. Mai 2026
Uhrzeit: 19:00 Uhr
Ort: Niederrheinisches Museum Kevelaer
Adresse: Hauptstraße 18, 47623 Kevelaer

Die Ausstellung ist anschließend bis zum 30. August 2026 zu sehen und wird von einem umfangreichen Vermittlungsprogramm begleitet.

Programm der Vernissage & Ablauf

Die feierliche Eröffnung wird von einem offiziellen Programm begleitet:

Begrüßung: Dr. Dominik Pichler, Bürgermeister der Wallfahrtsstadt Kevelaer Einführung: Dr. Stephan Mann (Museum Goch), Partner der Niederrheintour Eröffnung: Veronika Kaenders M.A. (Niederrheinisches Museum Kevelaer)

Die Veranstaltung wird musikalisch begleitet. Im Anschluss sind die Gäste zu einem Sektempfang eingeladen.

Anmeldung & weitere Infos

Für die Teilnahme wird um Anmeldung gebeten:

E-Mail:info@niederrheinisches-museum-kevelaer.de

Telefon: 02832 954110

Die Ausstellung ist Teil der groß angelegten Niederrheintour 2026 mit insgesamt 40 Ausstellungen und der Präsentation von 40 Werkgruppen.

Warum sich der Besuch lohnt

Die Vernissage markiert nicht nur den Beginn einer außergewöhnlichen Ausstellungsreihe, sondern auch ein kulturelles Highlight für die gesamte Region Niederrhein. Besucher erhalten frühzeitig Einblick in ein Projekt, das Kunst, Öffentlichkeit und gesellschaftliche Fragen miteinander verbindet.

Mit seiner ikonischen Spraybanane steht Thomas Baumgärtel seit Jahrzehnten für künstlerische Freiheit und kritischen Diskurs – Themen, die auch in dieser Ausstellung zentral sind.

Thomas Baumgärtel und die Niederrheintour 2026

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2026 wird der Niederrhein zu einem der spannendsten Schauplätze zeitgenössischer Kunst in Deutschland: Mit der Niederrheintour 2026 realisiert Thomas Baumgärtel eines seiner bislang ambitioniertesten Projekte. Anlass ist ein besonderes Jubiläum – 40 Jahre Spraybanane, jenes ikonische Motiv, das längst weit über die deutsche Kunstszene hinaus Bekanntheit erlangt hat.

Unter dem Motto *„Freiheit für die Kunst“* verwandelt Baumgärtel seine Heimatregion in eine dezentrale Ausstellungslandschaft. Das Konzept ist ebenso klar wie wirkungsvoll: 40 Werkgruppen an 40 Orten – aus 40 Jahren künstlerischen Schaffens.

Wer ist Thomas Baumgärtel?

Thomas Baumgärtel ist international vor allem als „Bananensprayer“ bekannt. Seit 1986 markiert er Museen, Galerien und Kunstorte weltweit mit seiner gesprühten Banane – eine inoffizielle Auszeichnung, die gleichermaßen provoziert und den Kunstbetrieb hinterfragt.

Doch das ikonische Motiv ist nur ein Teil eines vielschichtigen Werks. Baumgärtel arbeitet medienübergreifend – von Malerei und Grafik bis hin zu Installationen, performativen Aktionen und politischer Kunst. Sein Schaffen bewegt sich konsequent im Spannungsfeld von Freiheit und Kontrolle, Hochkultur und Straße sowie Ästhetik und politischer Aussage.

Mehr als ein Symbol: Die Spraybanane

Die Spraybanane zählt heute zu den vielleicht bekanntesten Kunstsymbolen Deutschlands. Ihre Bedeutung geht jedoch weit über Wiedererkennbarkeit hinaus. Sie steht für künstlerische Unabhängigkeit, Meinungsfreiheit, Kritik an Machtstrukturen im Kunstbetrieb sowie den Dialog zwischen urbaner Kunst und institutionellen Räumen.

Gerade im Kontext der Niederrheintour wird deutlich: Die Banane ist weniger Zentrum als vielmehr Einstieg in ein komplexes Gesamtwerk.

 40 Orte – 40 Perspektiven

Die Niederrheintour bringt Kunst in einer außergewöhnlichen Dichte in die gesamte Region des Niederrhein. 40 Museen, Galerien und Institutionen zeigen parallel unterschiedliche Werkgruppen aus vier Jahrzehnten.

Zu den beteiligten Orten zählen unter anderem:  Museum Schloss Moylan, Museum Goch sowie zahlreiche weitere Stationen zwischen Kleve, Krefeld und Neuss.

Jeder Ort beleuchtet eine eigene Facette von Baumgärtels Arbeit. So entsteht eine künstlerische Entdeckungsreise, die Werk und Region gleichermaßen erfahrbar macht.

Alle 40 Stationen der Niederrheintour 2026 des Bananensprayers

Zwischen Street Art und Gesellschaftskritik

Ein zentrales Element von Baumgärtels Werk ist die Verbindung von Street Art, Popkultur und politischer Intervention. Mit dem von ihm geprägten Begriff German Urban Pop Art beschreibt er eine Kunstform, die bewusst im öffentlichen Raum agiert, unmittelbar kommuniziert und gesellschaftliche Themen aufgreift.

Seine Arbeiten verhandeln unter anderem politische Realität, Medienbilder, gesellschaftliche Hierarchien und die Rolle von Kunst im öffentlichen Diskurs.

Ein prägnantes Beispiel sind die sogenannten „Grauen Bilder“: reduzierte, monochrome Darstellungen fotografischer Motive aus Alltag und Medien. Durch die visuelle Vereinheitlichung verlieren diese ihre ursprüngliche Hierarchie – ein Kommentar zur Reizüberflutung der Gegenwart.

Auftakt in Kevelaer – und ein früher Start in Brüggen

Der zentrale Auftakt der Niederrheintour findet am 8. Mai 2026 mit einer Vernissage im Niederrheinisches Museum Kevelaer statt. Bereits im Vorfeld sind jedoch erste Ausstellungen gestartet:

In der Burg Brüggen wurden Ende April im Rahmen der Kunstroute erste Werke präsentiert, darunter die Werkgruppe „Brückenbilder“.

Die Niederrheintour beginnt damit nicht an einem einzelnen Datum, sondern entfaltet sich schrittweise über die Region ganz im Sinne ihres dezentralen Konzepts.

In Kevelaer selbst werden zwei zentrale Werkgruppen gezeigt:

„German Urban Pop Art“
„Graue Bilder“

Die Ausstellung läuft bis Ende August und wird von einem umfangreichen Vermittlungsprogramm begleitet.

Thomas Baumgärtel: Vernissage zur Niederrheintour 2026 in Kevelaer

Eine Hommage an den Niederrhein

Die Niederrheintour ist zugleich eine bewusste Rückbesinnung auf die Herkunft des Künstlers. Als gebürtiger Rheinberger widmet Thomas Baumgärtel das Projekt seiner Heimatregion – und macht den Niederrhein 2026 zu einem kulturellen Resonanzraum mit überregionaler Strahlkraft. Unterstützt von Partnern aus Kunst, Kultur und Wirtschaft entsteht ein Netzwerk, das weit über die Region hinaus sichtbar wird.

Fazit – Ein Projekt mit Signalwirkung

Mit der Niederrheintour 2026 gelingt Thomas Baumgärtel weit mehr als eine klassische Ausstellung. Das Projekt ist zugleich Retrospektive, kulturelle Vernetzung, politisches Statement und Einladung zur aktiven Auseinandersetzung.

Wer sich für zeitgenössische Kunst, Street Art oder gesellschaftliche Fragestellungen interessiert, wird an diesem Ereignis kaum vorbeikommen. Der Niederrhein wird 2026 zu einem Ort, an dem Kunst nicht nur gezeigt, sondern erlebt und diskutiert wird.

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Titelbild/Quelle Webseite Künstler: https://bananensprayer.de

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Anna Lena Straube begegnet in diesem Malereizyklus den Herausforderungen unserer Zeit mit einem bejahenden und anmutigen Farbspektrum. Sie setzt den Bedrohungen und den globalen Herausforderungen des 21. Jahrhunderts eine Farbigkeit gegenüber, die uns als Betrachter*innen in eine freundliche aktive Gegenwart ruft.

„Ich verstehe den Zyklus als Einladung tiefer zu schauen und zu empfinden, was das Leben an Fülle bereit hält und blicke neugierig darauf, welche Form des Tätigseins und des Miteinanders die Malerin hier vorschlägt.  Ich fühle mich gemeint als Tanzende, als Zauberin, als Spazierende, ich gehe Verbindungen ein mit Gefährtinnen und spüre die Kraft der Bilder durch die Verbundenheit ihrer Protagonistinnen untereinander.“ – Sandy LA S. Schwermer, Berlin

 

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30 Jahre Galerie Bengelsträter

Seit 30 Jahren vertritt die Galerie Bengelsträter zeitgenössische Kunst mit den Schwerpunkten Malerei und Skulptur. Ihr thematischer Fokus liegt auf der Neuen Figuration der 1980er und 1990er Jahre. Diese wurden durch einige der von ihnen vertretenen Künstler auch entscheidend mitgeprägt. Seit über einem Jahrzehnt kümmert sich die Galerie zusätzlich verstärkt um junge Künstler, die wir mit viel Engagement und Aufwand von den ersten Anfängen bis hin zum internationalen Niveau aufbauen.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: wwwbengelstraeter.com

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Mehr über die Künstlerin: www.anna-lena-straube.de

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Face The New Pop“ lautet der auffordernde Titel der Einzelausstellung von Cuts and Pieces.  Der Titel der Urban Art Ausstellung im Kunstkabinett Stefan Moll beschreibt schon immanent einen wesentlichen Fokus, den die Kunstwerke setzen werden. Denn haben sich die Werke des Kölner Künstlers bisher schon meist in der changierenden Schnittstelle von Street- und Pop-Art bewegt, beweist Cuts and Pieces mit den aktuellen Werken eine neuartige Hinwendung zu diesen beiden Genren der Kunst, die eine frische und äußerst dynamische Ästhetik visualisiert.

Die aktuellen Arbeiten von Cuts and Pieces zeigen eine noch deutlichere Hinwendung zum Thema Comic und Collage, als auch dessen Freude am Experiment sowie sein beständiges, signifikantes und vor allem gesprühtes Bekenntnis zur Kunst der Straße.

Das Kunstkabinett Stefan Moll in der Friesdorfer Straße 100, 53173 Bonn ist mittwochs bis freitags 15.00 bis 18.00 Uhr und nach Vereinbarung geöffnet.

Mehr über die Ausstellung finden Sie auf der Webseite des Kunstkabinetts: www.kunstkabinett-moll.de

 

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„Seit es Menschen gibt, gibt es die Kunst. Zu den frühesten menschlichen Zeugnissen gehören Kunstwerke. Kunst ist eines der Kennzeichen dessen, was den Menschen ausmacht. Und dieser sich in der Kunst abbildende menschliche Drang zur Kreativität war nie stillzustellen“, sagte der Historiker Dr. Tim Müller anlässlich einer Ausstellungsbeteiligung der Hamburger Künstlerin Damaris Dorawa im historischen Bahnhofsgebäude der Otto-von-Bismarck-Stiftung in Friedrichsruh. Er erwähnte „die Farben, das Feuer, die Freude der Karibik, die Leidenschaft und Leichtigkeit, die Intuition und Intensität, die in den Bildern Dorawas mit nicht aufzuhaltender Energie durchbrechen.“

Aus den Bildern Damaris Dorawas spricht eine Faszination im Umgang mit farbintensivem kontrastreichem Kolorit und malerischer Kraft. Auch spielt die Darstellung der Weiblichkeit und femininer Figuration in ihren Werken eine Schlüsselrolle. Die Künstlerin fokussiert sich weniger auf die Vermittlung einer tiefen Botschaft, als auf die malerische Auseinandersetzung mit visualisierender Ästhetik und Farbkraft.

„Meine Bilder beziehen sich meist nicht auf eine große Story. Jedes Werk ist eher das Zusammenspiel unzähliger Puzzlestücke einzelner Inspirationen und Eindrücke, die ich im alltäglichen Leben, bei Spaziergängen oder auf Reisen entdecke und in meine Ideensammlung aufnehme“ – Damaris Dorawas

„Bevor ich mit der Arbeit an einem neuen Werk beginne, sehe ich meine Sammlung durch und selektiere was ich für die Bildkomposition benötige. Für die Farbgebung lasse ich oft Eindrücke und Emotionen besonderer Reiseziele und Lieblingsorte einfließen.“

 

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Es gelingt der Künstlerin tatsächlich auf bemerkenswerte Weise ihren Werken kraftvolle Dynamik und Ausdruckskraft zu verleihen und dabei gleichzeitig die dargestellten Figuren in eine verträumte Leichtigkeit und Beschwingtheit zu tauchen. Schon in der Kindheit begeisterte sich Dorawa für Farben und entwickelte eine Leidenschaft für die bildende Kunst.

Wichtiger Ausgangspunkt der Entwicklung ihrer Malerei war jedoch ab 2010 eine Karibikreise in Verbindung mit der künstlerischen Ausbildung im Atelier des renommierten spanischen Malers José-Luis Tejedor.

Eine kuratierte Ausstellung der Künstlerin im Bergedorfer Schloss (Museum für Bergedorf und die Vierlande) vermittelte nun von Januar bis April dieses Jahres einen beeindruckenden Überblick der letzten 6 Jahre.  Welche die bisher bedeutendste Schaffensphase Dorawas darstellt. Ausgewählte Werke der gezeigten Retrospektive, werden ab dem 10. Oktober im FinanzKontor der Hamburger Volksbank in Blankenese zu sehen sein.

Memories Ausstellung im FinanzKontor der Hamburger Volksbank

Damaris Dorawa freut sich nun zum zweiten Mal im FinanzKontor der Hamburger Volksbank in Blankenese ihre Bilder zu zeigen. Dorawa schätzt besonders das kulturelle Engagement der Hamburger Volksbank für die Hansestadt und fühlt sich zudem als Mitarbeiterin dem Haus sehr verbunden.

Lassen auch Sie sich von den weiblichen Porträts der Ausstellung „Memories“ faszinieren und inspirieren. Die Werke sind bis zum 25. November während der Öffnungszeiten zu sehen.

Damaris Dorawa

Damaris Dorawa mit deutsch/ polnischen Wurzeln wurde 1977 in Dresden geboren. Schon in der Kindheit begeisterte sie sich für Farben und entwickelte eine Leidenschaft für die Malerei. Nach einer beruflich erfolgreichen Zeit als Bankerin ging Dorawa 2010 in die Karibik und begann dort ihre künstlerische Laufbahn mit einer Ausbildung in der Malerei bei dem renommierten spanischen Maler José-Luis Tejedor.

Seit 2016 machte Dorawa diese zu ihrem Beruf. Die intensive Natur, kräftige Farben und unbeschwerte Heiterkeit der Karibik spiegeln sich in leuchtenden Acryltönen und lebendigen Gestaltungsmustern zahlreicher Werke wider.

Heute lebt und arbeitet Damaris Dorawa als freischaffende Künstlerin in Hamburg. Sie gehört zu den zeitgenössischen Pop-Art-Künstlerinnen, deren Malerei die Herzen der Betrachter durch Leichtigkeit und Farbintensität erreicht.

Ihre Bilder wurden sowohl national als auch international präsentiert und befinden sich in privaten Sammlungen weltweit.

Mehr über die Künstlerin erfahren Sie auf ihrer Homepage: www.damaris-dorawa.com.

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Titelbild: Damaris Dorawa vor dem Werk „Red Passion“ (© Bernd Hellwage)/Quelle.

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„Erst wenn sich ein Individuum von tradierten Konventionen befreit und sich mit Stolz zu seiner Einzigartigkeit bekennt, entsteht wahre Schönheit.“ – Grafy

Das kraftvolle Statement für die Abweichung von der Norm unterstreicht seine Botschaft, die sich in seinen neuen Werken zeigt: das Zelebrieren der Schönheit des Andersseins. Seine expressiv-verfremdeten Porträts zeigen Menschen, die ihre vermeintlichen Schwächen in Selbstbewusstsein und Stärke verwandeln – und so zu einzigartigen Persönlichkeiten werden.

Dadurch definiert Grafy Schönheit neu, indem er sich von Persönlichkeiten inspirieren lässt, die in ihrem Leben benachteiligt waren und es dennoch – durch ihre Ausstrahlung und Stärke – zu großem Erfolg gebracht haben. Tia Jonsson und Winnie Harlow sind solche Persönlichkeiten. Sie beide leiden an einer Autoimmunerkrankung ihrer Haut, genannt Vitiligo, bei der an einigen Körperstellen das Pigment Melanin fehlt. Trotz dieser Erkrankung und den Schwierigkeiten in der Kindheit, ist es ihnen gelungen, eine internationale Modelkarriere zu starten.

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Tsunaina Limbu

Das Hauptwerk der Ausstellung ist „Tsunaina“ (180 cm x 140 cm – Acryl auf Leinwand) – ein Porträt des nepalesischen Fashion-Models, Songwriterin und Sängerin Tsunaina Limbu. In ihrem Song „Waterways“ vergleicht sie die Frau/den Menschen mit einem Fluss, der konstant etwas weggeben muss, Träume und Wünsche, um andere zu pflegen, bis die Natur des jeweiligen Menschen unerkenntlich ist.

In diesen Gewässern aufrecht zu stehen und nicht vom Sog mitgezogen zu werden, ist die größte Herausforderung im Leben.

Grafy vereint in seinen Arbeiten gekonnt Kalligrafie, Pop-Art der Sixties und Urban Street Art. Das Credo des jungen Künstlers ist es, seinen Wert zu erkennen, an sich zu glauben, mutig sein und sich seinen eigenen Raum zu schaffen. Grafys Werke verdeutlichen dem Betrachter, was Diversität wirklich bedeutet: Frei zu sein.

Barlach Halle K

Die Barlach Halle K liegt in direkter Nachbarschaft zum Kunstverein, auf der Kunstmeile zwischen den Deichtorhallen und der Hamburger Kunsthalle. Das K im Namen steht für Kunst, Kultur und Kommunikation. Seit 2012 legt Elvie Barlach den Schwerpunkt der ehemaligen Galerie für zeitgenössische Kunst auch zusätzlich auf kulturelle Veranstaltungen unterschiedlicher Art wie klassische Konzerte, Lesungen oder private Events, für welche die Infrastruktur zur Verfügung gestellt wird.

In Kooperation mit BETON.GOLD, BORNHOLD und SK SYSTEMS eröffnet die BARLACH HALLE K im Jahr 2021 in Kampen/Sylt eine Dependance für Kunst und Kultur. W in wechselnden Präsentationen verschiedene Künstler gezeigt werden.

Weitere Informationen

Titelbild: Grafy vor seinem Werk „Tsunaina“, Rechte by Grafy

Mehr über den Künstler: https://de.grafy.de

Zur Barlach Halle K: Barlach Halle K – Ausstellungsfläche für Kunst & Kultur

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Das beliebte Sushi-Restaurant „Face“ in Hannover wird für rund einen Monat zum Showroom des aufstrebenden Künstlers Malte Wendland. Raffiniertes Sushi und  Japanische Spezialitäten treffen auf farbenfrohe Kunstwerke. Im coolen und gemütlichen Speiseraum mit Sichtmauerwerk finden die Pop-Art Werke von Wendland eine kontrastreiche Kulisse.

Das „Face“ am Tiedthof, Goseried 4, 30159 Hannover hat von 12:00 bis 23:00 Uhr geöffnet, die Kunstwerke sind im Rahmen der Öffnungszeiten für Restaurantbesucher zu besichtigen. An den Kunstwerken von Wendland ist ein QR-Code befestigt, welcher es ermöglicht, mit dem Künstler in Kontakt zu treten und weitere Informationen zu erhalten.

 

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Titelbild: YellowEnglish-Asor BYMW

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Die Galerie Eygenart von Fritz Böhme finden sich ständig wechselnde Ausstellungsprogramme. Exquisite Angebote aus den Bereichen Kunst- Fotobuch und Literatur, in signierten und nummerierten Erstausgaben sowie Originalgrafiken, Fotografien, Multiples und Objekte. Von heute an wird die Galerie Eyegenart die neuesten Arbeiten des  jungen Malers Arian Chyk zeigen.

Die Galerie Eygenart über Arian Chyk

Arian Chyk, ein Junge, grade 11 Jahre alt, der uns wieder einmal lernt, dass Kunst einfach kein Alter kennt. Die Presse bezeichnet ihn nicht umsonst als den jüngsten Pop-Art Künstler Deutschlands. Eine lebensfrohe Kolorierung und tanzende Motive zeichnen die Bilder Arians aus.

Die ganze Energie, das ganze Glück und der Frohsinn werden auf Rahmen gespannt, gehen weit über die eigene Größe des Jungen hinaus und begeistern selbst uns „Erwachsene“, die vielleicht schon verlernt haben Emotionen auf diese ehrlich Weise auszudrücken. Die Mittel mit denen Arian seine Kunst schafft sind im Grunde genommen alle; wie bei der Farb- und Motivwahl, gibt es hier kein Ende.

Acryl, Marker, aber auch Spraydosen kommen zum Einsatz und geben jedem Bild sein bestimmtes Extra, seinen bestimmten Charakter. Die Bilder sind wild, fröhlich und erfrischend. Eine Aufrichtigkeit von der wir alle etwas mitnehmen können.

Die Ausstellung „m a l e r e i e n“ ist bis zum 01. Mai. 2022, in der Galerie in der Rothehausstraße 14 in Köln-Ehrenfeld zu besichtigen. Jede:r die:der Neugierig geworden ist, ist herzlichst zur Vernissage eingeladen.

 

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Öffnungszeiten: Dienstag bis Freitag von 17.00 – 20.00 Uhr und nach Vereinbarung. Der Besuch ist unter Einhaltung der geltenden Hygieneregeln möglich. Bitte beachten Sie die tagesaktuellen Vorschriften.

Weitere Informationen

Mehr über die Galerie:www.eyegen-art.de

Weitere Informationen über Arian Chyk:  – Der jüngste Pop Art Künstler Deutschlands?

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über „die Goldene Tür“ am Hamburger Hafen von Jeannine Platz. 

Diese Woche möchten wir auf einen jungen Künstler aus der Region Düsseldorf/Köln aufmerksam machen. GRK malt erst seit dem Winter 2020, hat aber bereits große Ziele. Offen und ehrlich kommuniziert er nach außen, dass er seine Kunst nutzen möchte, um eine Einkommensquelle zu haben. Von nichts kommt nichts – deshalb malt er jeden Tag und bietet seine Kunstwerke auf den Straßen Kölns, Düsseldorf und der Umgebung an.

Eine „richtige“ Galerie konnte er so zwar noch nicht auf sich aufmerksam machen, aber die ersten Auftragsarbeiten sammeln und auch schon Kontakte knüpfen, die ihm unter anderem die Teilnahme an einer Street-Art-Ausstellung im Sommer 2023 ermöglichen.

GRK sagt über sich selbst, das er ein „einfacher Typ“ sei, er möchte einfach nur als Künstler anerkannt sein. Mit dem, was er kann Geld verdienen und seiner Familie helfen, so das diese sich nie wieder Sorgen machen muss. Im inneren hoffen das sicherlich viele Künstler – aber es gibt wenige, die es so offen nach außen kommunizieren wie GRK, dazu gehört eine Menge Mut – oder Verzweiflung – oder beides.

Ob und wie weit sein Einsatz Früchte tragen wird, lässt sich nur schwierig vorhersagen, aber wir drücken GRK die Daumen und hoffen, das der urban artist, eines Tages sagen kann: „started from the bottom, now we here“.

Los Hermanos von GRK

Das abstrakte, figurative Werk auf Leinwand trägt den Titel „Los Hermanos“. GRK verwendete für das großformatige Bild Acryl- und Sprühfarbe – für einige Highlights benutzte er Wachskreide. Es misst 120cm * 140cm und der Preis liegt bei 500€ für Selbstabholer im Raum Düsseldorf/Köln – ansonsten kommen noch Verpackungs- und Versandkosten hinzu.

Wer den street art Künstler persönlich treffen möchte, sollte seinen Instagram-Kanal verfolgen – dort kündigt der Künstler an, wo er als Nächstes mit seinen Werken anzutreffen ist. Ebenso finden sich dort weitere Kunstwerke von GRK.

 

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Die Sammlung der Lanford Gallery umfasst ein umfangreiches Portfolio vorwiegend zeitgenössischer Kunstwerke mit Schwerpunkt Pop-Art. Die Galerie adressiert insbesondere Feingeister und Kunstliebhaber und wird wechselnde Ausstellungen bieten.

Auch das zum Unternehmen gehörende zusätzliche Galeriegebäude „Cube“ im ehemaligen Umspannwerk in Köln Riehl bietet Ausstellungen. Hier werden zum Beispiel Exponate des Street-Art-Künstlers DashOne nach Terminvereinbarung gezeigt. Der „Cube“ gewährt außerdem durch seine Architektur und transparente Lichtkuppeln interessante Einblicke von außen.

David Silva, Pressesprecher der Lanford Gallery, erklärt: „Die Lanford Gallery inszeniert Kunstwerke wie Skulpturen und Gemälde verschiedener Epochen im harmonischen Zusammenspiel. Dabei entstehen Räume, die Künstler und Betrachter miteinander verbinden und Aufmerksamkeit schaffen. Unsere Philosophie ist es, sowohl etablierten als auch jungen, ambitionierten Künstlern ein Forum zu bieten.“

Eröffnung am Freitag, dem 18. März

Den Mittelpunkt der Eröffnung am Freitag, dem 18. März, bilden die beiden Künstler Richard Orlinski und Liviu Mihai mit ihren eindrucksvollen Werken. Der freie Einlass im Gebäude in der Mittelstraße 3 startet für alle Interessierten ab 18:30 Uhr. Eine weitere Ausstellung im „Cube“, An der Schanz 1a, zeigt zeitgenössische Arbeiten des Street-Art-Künstlers DashOne. Für diese Ausstellung ist eine telefonische Terminvereinbarung erforderlich.

Richard Orlinski, Liviu Mihai und DashOne machen den Anfang!

Richard Orlinski ist geprägt von der Popkultur und erschafft ein farbenfrohes Universum, das von unzähmbaren Tieren und ikonischen Objekten inspiriert ist. Der Künstler hat den Anspruch, Menschen emotional zu berühren – ganz gleich welchen Alters. Die Lanford Gallery zeigt unter anderem seine großdimensionalen Skulpturen aus der Serie „Born Wild“. Richard Orlinski ist mit seinen Werken bereits in zahlreichen Galerien in Frankreich sowie im Ausland vertreten. Seit 2015 gilt er als der meistverkaufte zeitgenössische französische Pop-Art-Künstler der Welt.

Auf Instagram begeistert der Künstler über 4 Millionen Follower mit seiner Kunst. Zu seinem Kanal: @richardorlinski • Instagram-Fotos und -Videos

Liviu Mihai

Liviu Mihai wurde laut Saatchi Art-Chefkuratorin Rebecca Wilson im Saatchi Art-Katalog 2018 als einer der 9 besten aufstrebenden Künstler vorgestellt, in die man investieren sollte. Der Künstler stellt die Entwicklung des Gegenstandes in der bildnerischen Verarbeitung in den Vordergrund seiner Werke. Die „Veränderung“ sieht der zeitgenössische Künstler daher als obligatorisch an. Die Malerei von Liviu Mihai ist hauptsächlich dem Existenzialismus zuzuordnen.

Zur Webseite des Künstlers: The Art of – Liviu Mihai

DashOne

Hip-Hop-Kultur sowie ihre Zeichen und Werte inspirieren den Street-Art-Künstler DashOne. In seinen Werken überträgt er die Spontaneität und die Seele des urbanen Graffiti. Dabei möchte er die Sensibilität des Betrachters mit Symbolen, Blicken und Botschaften wecken. DashOne bedient sich hierzu eines originellen und unkonventionellen Designs voller Dynamik, das eine große Offenheit für die Welt überträgt.

 

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Die Lanford Gallery

Die Lanford Gallery gibt noch zahlreichen weiteren Künstlern Raum, mit ihrer Kunst zu wirken. Zum Bestand zählen zum Beispiel Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Lorena Steinmann und Ruben Frei.

Wechselnde Ausstellungen in besonderen Locations

Die Galerie im Herzen von Köln ist umgeben von exklusiven Geschäften und Gastronomie. Die Mittelstraße gilt als die Luxusmeile der Stadt. Das Hauptgebäude in der Mittelstraße wird durch ein weiteres Galeriegebäude ergänzt, den „Cube“. Das transformierte, ehemalige Umspannwerk in Köln Riehl besitzt eine architektonische Besonderheit: Durch die transparenten Lichtkuppeln wird ein Blick auf Bereiche der Räume auch von außen möglich. Das Gebäude beherbergt in Zukunft unter anderem Exponate vergangener Ausstellungen, die auf Anfrage besichtigt werden können.

„Mit unserem Gesamtkonzept möchten wir Begeisterung für das Alte entfachen und gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf das Neue lenken. Beispielsweise trifft bei uns Andy Warhol auf Mr. Brainwash. Der bedeutendste Vertreter der Pop-Art befindet sich also im gleichen Raum wie der legendäre französische Street-Art-Künstler – denn so unterschiedlich die beiden Künstler auch sein mögen, die Kunst verbindet sie und schafft eine Brücke zu beiden Seiten“, erklärt David Silva.

Weitere Informationen

Titelbild: Lanford Gallery/Quelle:Webseite

Die Webseite der Galerie: https://lanford.art/

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