Der Kallmann-Preis des Kallmann-Museums Ismaning ist eine bedeutende Auszeichnung für zeitgenössische figurative Kunst in Deutschland. Er wird in Kooperation mit der Kreissparkasse München Starnberg Ebersberg vergeben und richtet sich an Künstler*innen, die in Deutschland leben und sich mit den zentralen Bildthemen des Museumsgründers Hans Jürgen Kallmann auseinandersetzen: Porträt, Tier und Landschaft.

Das Kallmann-Museum ist als spezialisierte Institution auf diese drei klassischen Motive ausgerichtet und widmet sich der Weiterentwicklung der Figur in der modernen und zeitgenössischen Kunst.

Ziel des Kallmann-Preises

Der seit 2018 vergebene Preis fördert künstlerische Positionen, die das Figurative neu interpretieren und weiterdenken. Neben klassischer Malerei sind auch Zeichnung, Installation, Video und interdisziplinäre Arbeiten zugelassen.

Ein zentrales Merkmal ist die Verbindung von Auszeichnung und Ausstellung: Die Preisträger*innen erhalten nicht nur ein Preisgeld, sondern auch eine Einzelausstellung im Kallmann-Museum, die institutionelle Sichtbarkeit ermöglicht.

Dotierung

Der Kallmann-Preis ist insgesamt mit rund 20.000 Euro dotiert. Diese Summe setzt sich zusammen aus:

ca. 3.000 Euro Preisgeld
ca. 16.000 Euro für Produktion und Realisierung der Ausstellung im Museum

Zusätzlich werden in vielen Jahrgängen auch Positionen der Shortlist in die Ausstellung eingebunden. 

Einordnung: Bedeutung im Kunstkontext

Der Kallmann-Preis wird häufig als wichtiger Förderpreis für figurative Kunst in Deutschland wahrgenommen. Eine präzisere Einordnung zeigt jedoch ein differenziertes Bild:

Der Preis ist kein internationaler Spitzenpreis im Sinne globaler Kunstauszeichnungen

Er steht nicht auf einer Ebene mit großen nationalen oder internationalen Kunstpreisen wie etwa dem Preis der Nationalgalerie oder dem Rubenspreis der Stadt Siegen

Seine Stärke liegt vielmehr in seiner klaren inhaltlichen Profilierung und institutionellen Verankerung

 Damit zählt der Kallmann-Preis zu den profilgebenden Förderpreisen für figurative Gegenwartskunst in Deutschland. Besonders im Bereich der gegenständlichen Kunst bietet er eine wichtige Plattform für Sichtbarkeit und museale Präsentation.

Preisträger*innen des Kallmann-Preises (2018–2025)

Die bisherigen ausgezeichneten Künstler*innen sind:

2025 – Javkhlan Ariunbold (Tier / Mythologie, Malerei und Video)
2024 – Ben Greber (Landschaft, Installation und Video)
2023 – keine Vergabe (bedingt durch Museumsumbau)
2022 – Aneta Kajzer (Porträt, Malerei zwischen Figuration und Abstraktion)
2021 – Chris Bierl (Tierdarstellungen / figürliche Positionen)
2020 – Lena von Goedeke (Landschaft, medienübergreifende Arbeiten)
2019 – Doris Maximiliane Würgert (Porträt, Malerei)
2018 – Yvonne Roeb (Tierdarstellungen, erste Vergabe des Preises)

Bedeutung für die zeitgenössische Kunst

Der Kallmann-Preis hat sich innerhalb weniger Jahre als wichtiger Förderpreis innerhalb der figurativen Kunstszene in Deutschland etabliert. Seine Relevanz liegt weniger in internationaler Strahlkraft als vielmehr in seiner klaren kuratorischen Ausrichtung.

In einem Kunstbetrieb, der stark von konzeptuellen und abstrakten Positionen geprägt ist, setzt der Preis einen bewussten Schwerpunkt auf die Weiterentwicklung der gegenständlichen Bildsprache. Damit bietet er Künstler*innen eine institutionelle Plattform, die sich intensiv mit Mensch, Tier und Natur auseinandersetzen.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausschreibung und zur Bewerbung: https://kallmann-museum.de

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Ein schwimmender Kunstraum zwischen Geschichte und Gegenwart. Die ARTE NOAH des Kunstverein Würzburg ist kein klassischer Ausstellungsraum, sondern ein transformierter Frachter mit industrieller Vergangenheit. Ursprünglich als „MS Iris“ auf französischen Kanälen für den Transport von Kohle und Getreide genutzt, wurde das Schiff nach seiner Stilllegung im Jahr 1992 zu einem mobilen Kunstraum umgebaut.

Heute liegt die ARTE NOAH im Alten Hafen Würzburg, eingebettet in den sogenannten Kulturhafen – direkt neben dem Kulturspeicher Würzburg. Der über 100 Jahre alte Lastkahn fungiert damit als besondere Form eines Ausstellungsraums, in dem sich industrielle Architektur und zeitgenössische Kunst unmittelbar überlagern. Der Kontrast zwischen Stahlkörper, sichtbarer Mechanik und künstlerischer Präsentation ist dabei kein Nebeneffekt, sondern Teil des kuratorischen Konzepts.

Oft wird die ARTE NOAH auch als „Arche für Kunst“ beschrieben – ein Bild, das den Anspruch des Projekts gut fasst: Kunst nicht nur zu zeigen, sondern sie in einem beweglichen, historisch aufgeladenen Raumkontext erfahrbar zu machen.

Open ARTE 2026 und Einblicke in das Galerieschiff

Im Rahmen von Open ARTE 2026 öffnet die ARTE NOAH am 25. und 26. April 2026 jeweils von 11 bis 18 Uhr ihre Türen für Besucher*innen. Dabei geht es nicht nur um aktuelle Kunst, sondern auch um Einblicke in die Geschichte des Schiffes, vergangene Ausstellungen und die Arbeitsweise des Kunstvereins.

Ein besonderer Fokus liegt in diesem Jahr auf der neuen Jahresgabe edition #15 (2026), realisiert von Júlia Lema Barros und René Schäfer. Die Werke entstehen aus dem Originalmaterial der Installation „Submerged Reverie“ (ARTE NOAH 2025) und tragen deren materielle und konzeptuelle Spuren weiter – als Unikate zwischen Erinnerung, Transformation und Resonanz.

Sommerausstellung 2026: Mozartfest trifft Gegenwartskunst

Im Zentrum des aktuellen Open Calls steht die Sommerausstellung vom 10. Juni bis 28. Juni 2026. Sie bietet Raum für bis zu sechs regionale Künstler*innen und ist zugleich Teil des Programms zum Mozartfest Würzburg 2026.

Das Festival steht in diesem Jahr unter dem Titel „Beschworene Schönheit – Idol Mozart“ und öffnet ein thematisches Feld zwischen klassischer Ästhetik und zeitgenössischer Interpretation. Die Ausstellung auf der ARTE NOAH reagiert darauf mit künstlerischen Beiträgen, die sich mit Fragen von Wahrnehmung, Körperlichkeit und Bildproduktion auseinandersetzen.

Die thematischen Bezugspunkte reichen von „Der Goldene Schnitt“ über „Plastikträume“ bis hin zu „Im Angesicht des Digitalen“ und „Risse im Spiegel“. Damit entsteht ein Spannungsfeld zwischen historischer Formensprache und gegenwärtigen Bildwelten – bewusst offen für unterschiedliche künstlerische Perspektiven.

Open Call für 2027 und kontinuierliches Programm

Neben der Sommerausstellung 2026 richtet sich der aktuelle Open Call auch an Künstler*innen für das Programmjahr 2027. Für eine der vier Hauptausstellungen auf dem Galerieschiff können sich Kunstschaffende schriftlich oder digital beim Kunstverein Würzburg bewerben.

Der Kunstverein, der seit über 35 Jahren zeitgenössische Kunst zeigt, betreibt die ARTE NOAH als kontinuierlichen Ausstellungsort. Angesetzt sind etwa vier Ausstellungen pro Jahr sowie ergänzenden Formaten wie Talks, Vermittlungsprogrammen und Veranstaltungen im Kontext des Schiffes.

Bewerbung und Fristen

Für die Sommerausstellung 2026 endet die Bewerbungsfrist am 24. April 2026, für das Jahresprogramm 2027 am 30. April 2026.

Die Bewerbung erfolgt schriftlich oder digital direkt an den Kunstverein Würzburg.

Fazit

Die ARTE NOAH steht exemplarisch für eine Form zeitgenössischer Ausstellungsräume, die sich bewusst von klassischen White-Cube-Strukturen löst. Als schwimmende Galerie verbindet sie industrielle Geschichte, mobile Architektur und aktuelle Kunstproduktion zu einem besonderen Kontext. Der sich ständig zwischen Ort, Bewegung und Ausstellung neu verortet.

Weitere Informationen

Titelbild Quelle: https://www.kunstverein-wuerzburg.de/2026-4/

Mehr über den Kunstverein Würzburg: https://www.kunstverein-wuerzburg.de

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Nicht jede Ausstellung beginnt mit fertigen Werken – manche beginnen mit einer offenen Frage. Der aktuelle Open Call der The Ballery Berlin lädt Künstler*innen dazu ein, sich mit einem ebenso vielschichtigen wie ambivalenten Motiv auseinanderzusetzen: dem Affen.

Unter dem Titel „MONKEY“ entsteht für den Zeitraum September bis Oktober 2026 eine Ausstellung, die den Affen nicht als eindeutiges Symbol versteht, sondern als Projektionsfläche. Zwischen Spiegelbild und Instinkt, zwischen Spiel, Neugier und sozialer Hierarchie öffnet sich ein thematisches Feld, das bewusst offen gehalten ist.

Vom Motiv zur offenen Einladung

Dabei geht es weniger um illustrative Antworten als um künstlerische Positionen, die Reibung erzeugen: Der Affe erscheint hier ebenso als Metapher für Wiederholung, Begehren und Zwang wie für Kontrollverlust und fragile Selbstwahrnehmung. In dieser Lesart berührt der Open Call zentrale Fragen unserer Gegenwart – etwa nach Freiheit und Abhängigkeit oder nach der Spannung zwischen sozialer Nähe und Isolation.

Ein Kunstraum zwischen Ausstellung und Begegnung

Open Calls wie dieser sind längst fester Bestandteil der zeitgenössischen Kunstpraxis. Viele Projekträume, Off-Spaces und Institutionen nutzen sie, um neue Positionen zu entdecken und künstlerische Netzwerke zu erweitern. Interessant ist hier jedoch weniger das Format selbst als der Kontext, in dem es stattfindet.

Die The Ballery Berlin wurde 2014 von Simon Williams gegründet und versteht sich nicht als klassische Galerie, sondern als unabhängiger Kunstraum im Berliner Stadtteil Schöneberg. Als interdisziplinärer Ort verbindet sie Ausstellungen mit Performance, Musik und diskursiven Formaten und schafft Räume für Begegnung, Austausch und künstlerische Entwicklung – häufig abseits des kommerziellen Mainstreams.

Vor diesem Hintergrund erscheint auch der Open Call weniger als reines Auswahlverfahren, sondern vielmehr als Einladung zur Teilhabe. Gesucht werden Arbeiten aus Malerei, Fotografie, Installation, Performance sowie experimentellen Formaten.

Bewerben können sich Künstler*innen in allen Karrierephasen, wobei ein besonderer Fokus auf der Berliner Szene liegt – bei gleichzeitig explizit internationaler Offenheit.

Über die Ausstellung hinaus ist ein begleitendes Programm mit Gesprächen, Performances und gemeinschaftlich initiierten Diskussionen geplant. Damit wird die Ausstellung nicht nur zur Präsentationsfläche, sondern zu einem sozialen Raum, in dem Fragen von Verhalten, Identität und gelebter Erfahrung im Kontext der Stadt verhandelt werden.

Wer sich bewerben möchte, kann eine kurze Vorstellung sowie Arbeitsproben per E-Mail an theballery@gmail.com
, via Instagram oder persönlich vor Ort einreichen.

Der Open Call zeigt exemplarisch, wie sich zeitgenössische Ausstellungsformate verschieben: weg von der reinen Präsentation, hin zu offenen, prozesshaften Strukturen. Für Künstler*innen bietet sich hier nicht nur eine Bühne, sondern die Möglichkeit, Teil eines größeren, kollektiven Dialogs zu werden.

Weitere Informationen

Titelbild: Künstlerin: Rosa Von Praunheim – Quelle Instagram.

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Hamburg, 1. April 2022 – Ab sofort können sich angewandte Künstler*innen, Kunsthandwerker*innen und Designer*innen aller Richtungen und Materialien auf einen Stand der Museum für Kunst und Gewerbe messe 2022 bewerben. Voraussetzung für die Bewerbung ist ein eindeutiger Schwerpunkt auf Eigenproduktionen, Unikate und Kleinserien. Die vierwöchige Bewerbungsphase läuft vom 1. bis 30. April 2022 und erfolgt online über die Website: mkgmesse.de.

MK&G messe 2022

Vom 23. bis 27. November 2022 stellt die MK&G messe die neuesten Trends im zeitgenössischen Kunsthandwerk vor! Darunter junge und renommierte Positionen, internationale Strömungen und frische Perspektiven aus vielen gestalterischen Disziplinen wie zum Beispiel Keramik, Glaskunst und Schmuckdesign. Als internationales Forum bietet die MK&G messe Kunsthandwerk von hoher gestalterischer und handwerklicher Qualität für ein breites Publikum an. Das Rahmenprogramm verhandelt aktuelle Themen, unter anderem die Wertschätzung von kreativen, authentischen Produktionsprozessen.

In der neu etablierten Kategorie „Young Talents“ werden ausgewählte Kunsthandwerker*innen und Designer*innen eingeladen, ihre Arbeit erstmals auf der MK&G messe zu präsentieren. Einen gestalterischen Akzent setzt die eigens für die Räume konzipierte Messearchitektur. Zum ersten Mal in ihrer Geschichte wird die MK&G messe von einer großen Einzelausstellung begleitet: 2022 zeigt die renommierte Keramikerin Young-Jae Lee aus Essen ihre Arbeiten.

Eröffnung

Die Eröffnung der MK&G messe und die Verleihung des Justus Brinckmann Preises und des Justus Brinckmann Förderpreises finden am Dienstag, den 22. November 2022 um 18 Uhr statt.

Weitere Informationen

Titelbild: Abb.: Cécile Feilchenfeldt, gestricktes Schmuckprojekt, 2021, © Cécile Feilchenfeldt, Foto: Aurelie Cenno

Mehr über die MK&G messe 2022: www.mkgmesse.de

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Im Zentrum von Tino Sehgals Werk steht die Idee, dass menschliche Situationen sich bildhaft interpretieren lassen, und zwar ohne dass Objekte oder Kunstwerke involviert sind. Diesen Ansatz realisiert er mit seinen „konstruierten Situationen“, in denen die Besuchenden direkt oder indirekt zu Teilnehmenden werden. Sehgals Werke sind zwischen bildender Kunst, Tanz und Gesang angesiedelt. Interpret*innen, die nach seiner Anleitung agieren, führen die Arbeiten aus. An die Stelle der Wahrnehmung materieller Objekte tritt die Erfahrung situativer, menschlicher Interaktionen, die als Bewegungen, als Spiel, Tanz oder auch als Diskussion und Gespräch Gestalt annehmen können.

Tino Sehgal im MdbK

Vom 7. April bis zum 24. Juli 2022, für eine mehr als viermonatige Laufzeit also, präsentiert das MdbK Tino Sehgals Kunst. Dazu gehört das frühe, inzwischen bekannte Werk „Kiss“, eine der skulpturalsten Arbeiten Sehgals, in der sich zwei Interpret*innen langsam, durch eine Choreographie bewegen, die von unterschiedlichen Kuss-Darstellungen der Kunstgeschichte inspiriert ist.

Bei der Arbeit „This success/This failure“ steht die traditionell am MdbK wichtige Arbeit mit Schulen im Vordergrund, denn das Werk wird mit zahlreichen Schüler*innen aus Leipzig realisiert. „This situation“ hat die Gestalt eines Gesprächs, in dem über zentrale Themen unserer Zeit – wie etwa die Frage des guten Lebens, die Rolle der Arbeit oder das Verhältnis zur Erde – gesprochen wird. Es geht dabei um Werte, um Wertewandel im historischen Prozess sowie um die Notwendigkeit, grundlegende Prämissen unseres Denkens und Handelns in der Moderne heute neu zu perspektivieren.

Die rhythmische Verortung der Arbeiten im gesamten Haus wird auch durch weitere Werke erzielt, darunter „This joy“, das Sehgal im Beethoven-Jahr 2020 konzipierte. Ferner bereichern die Werke „Instead of allowing some thing to rise to up to your face dancing bruce“ and „dan and other things“ und zentral „Yet untitled“ die Präsentation.

Im Wechselspiel der Arbeiten gelingt es, dass während der Öffnungszeiten zu jedem Zeitpunkt stets mindestens ein Werk zu erleben ist.

Die Präsentation findet auf den Innenterrassen des MdbK statt, von denen die Architektur des Museums geprägt wird. Diese Räume sind weder als Sammlungsbereiche im eigentliche Sinne gedacht, noch sind sie rein transitorische Orte. Vielmehr wirken sie wie architektonische Pausen in der Abfolge der Kabinette und verbinden – auch akustisch – die einzelnen Ebenen des Gebäudes. Als charakteristische Verbindungsstellen sind sie daher prädestinierte wie exponierte Positionen im Haus, um Sehgals Arbeiten aufzunehmen und konzeptuell zusammenzuschließen.

ÖFFNUNGSZEITEN / EINTRITT

Di und Do–So 10–18 Uhr, Mi 12–20 Uhr, Mo geschlossen
Feiertage 10–18 Uhr (auch Oster- und Pfingstmontag, 1. Mai)
Tagesticket 10 € / ermäßigt 7 €
bis zum vollendeten 19. Lebensjahr Eintritt frei | am 1. Mittwoch im Monat Eintritt frei

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler finden Sie hier: https://de.wikipedia.org/wiki/Tino_Sehgal

Das Museum der bildenden Künste Leipzig: www.mdbk.de

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Die SZENIALE – das Festival der freien Künste – lädt Künstler*innen und Akteur*innen der freien Kunst- und Kulturszene ein, das Kreativ.Quartier Ückendorf zu bespielen. Straßen, Plätze, Ateliers, Hinterhöfe und öffentliche Gebäude werden (24 Stunden lang) zu außergewöhnlichen Spielorten und Präsentationsflächen von Musik, Theater, Tanz, Performance, Bildender Kunst und Literatur.

Das Programm der SZENIALE 22 steht unter dem Leitmotiv „NEBENAN BEGINNT DIE WELT“. Dies eröffnet für die Künstler*innen und Besucher*innen des Festivals die Perspektive, Themen und Schwerpunkte in den Focus zu rücken, die der fortlaufenden Auseinandersetzung bedürfen und über die Verhältnisse der Pandemiezeiten hinausweisen: Nachhaltigkeit, Achtsamkeit, Verantwortung, Nachbarschaft, Gesellschaft.

Die SZENIALE versteht sich als öffentlicher Begegnungs- und Gestaltungsraum von Kunst und Kultur, als Teilhabe-Ermöglicherin, als Bühne sinnstiftender Nachbarschaften, als Beitrag zum Erleben von Kunst und Kultur als Wesensmerkmal gelingender Gesellschaft.

Kunst in Gelsenkirchen – 20. August 22

Die SZENIALE geht konkreten wie abstrakten Fragestellungen nach, gibt Impulse und zeigt mögliche Perspektiven für Veränderungen in der Stadt, ihren Quartieren und darüber hinaus. Zu den ausstellenden Künstlern wird unter anderem die Autorin, Musikerin und Malerin Jaana Redflower gehören.

Künstler die ebenfalls an einer Teilnahme interessiert sind, finden hier eine Ausschreibung!

Open Call

Die Programmausrichtung und Zusammenstellung wird durch das Festivalteam und einzelne Kurator*innen bestimmt. Die gesamte Ausschreibung sowie die Einreichungsformulare stehen hier direkt zum Download bereit: Open Call 22 – Szeniale

Weitere Informationen

Mehr über Jaana Redflower: http://www.jaana-redflower.de/

Weitere Informationen über das 24h Festival in Gelsenkirchen: www.gelsenkirchen.de – Szeniale

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Das RoomBoom Festival ist das 1. internationale Streetart- und Kulturfestival in Schkeuditz und wird vom 4. – 6. Juni 2021 erneut auf dem ehemligen ZAW-Gelände stattfinden. Auf diesem riesigen, leerstehenden Industriegelände im Herzen der Stadt soll eine urbane Großausstellung entstehen, die zum Mitgestalten einlädt. Es werden KünstlerInnen gesucht, die die Räume, Fassaden und Plätze auf dem Gelände umgestalten und in Szene setzen. Dafür stellt das RoomBoom Festival Materialien, Equipment und bei Bedarf eine Unterkunft und reichlich Platz zur Verfügung. Zusätzlich gibt es eine Aufwandsentschädigung.

Stell dich und dein Vorhaben möglichst genau anschaulich vor. Anmelden und Bewerben kann man sich unter www.roomboom.art/opencall – Einsendeschluss ist der 28.02.2021 Gesucht wird Streetart, Mural Art, Augmented Reality, Installationen, Bildende Kunst, Musik, Fotografie, Video, Workshop, Vorträge oder Performances.

Die Auswahl der Beiträge erfolgt innerhalb von vier Wochen nach Einsendeschluss. Der Produktionszeitraum vor Ort ist zwischen dem 15.03 und dem 28.05.2021.

Das RoomBoom Festival ist ein gemeinnütziges Projekt unter der Trägerschaft des art Kapella e.V. Schkeuditz und findet unter der Berücksichtigung bestehender Corona-Schutzmaßnahmen statt.

Weitere Informationen

Mehr Informationen zum Festival: www.roomboom.art

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