Die autodidaktische Künstlerin Nina Florence Juncker arbeitet digital sowie physisch und auf eine leidenschaftliche Art und Weise. Das erste Werk entstand bereits 1999 und bis heute sind über 2000 Motive und Hunderte reale Werke entstanden. In der Nicoleta Gallery in der Kantstraße 17, 10623 Berlin können bis zum Ende des Monates noch 3 Werke von NFJ betrachtet werden.

Nina Florence Juncker ist eine interessante, aufstrebende Künstlerin aus dem Berliner Speckgürtel. Ihre produktive, künstlerische Reise, reicht von Designs für Taschen und Mode über abstrakte oder figurative Grafiken- oftmals bildet die Fotografie die Grundlage der Kunstwerke von Nina Juncker.

So auch beispielsweise bei dem gezeigten Werk „The hiker“ in der Nicoleta Gallery. Es ist ein Foto eines ihrer Drucke mit der Gelplatte (Acryl auf Papier) und digital wurde die Silhouette mit Strickmuster ergänzt. Dadurch wird daraus ein hybrides, digitales Gesamtwerk.

Auch bei den anderen beiden dynamischen Figuren Breakdancer und Parcoursläufer bildet ein Gelplattendruck, welcher abfotografiert wurde, die Grundlage. Entsprechend dem Motiv wurden die Werke noch digital eingearbeitet. Die Figur selbst hat dabei eine eigene Struktur z.B. ein Strickmuster. Diese Werke vereinen Handarbeit mit Druck und digitaler Bearbeitung.

 

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Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Nina Juncker im Interview – Vielseitige Kunstwerke aus Berlin.

Die Kooperation zwischen Nina Florence Juncker mit der Nicoleta Gallery kam über ARTBOXY zustande. Ausgewählte physische Kunstwerke von Nina Juncker finden Sie auch bei uns im Shop!

Nicoleta Gallery Berlin

Nicoleta Albei-Wigger ist mehr als nur eine Künstlerin – sie ist eine Vorreiterin, deren Arbeiten gleichermaßen Ausdruck von Innovation, Kreativität und dem Mut sind, konventionelle Wege zu verlassen und das Unbekannte zu erkunden. Ihre Hauptausstellung, die in der Nicoleta Gallery Berlin zu sehen ist, ist ein lebendiges Zeugnis für ihre Schaffenskraft und ihr Streben, neue Ausdrucksformen in der Kunst zu finden und zu etablieren.

Mehr über die Gallery finden Sie hier: Nicoleta Albei-Wigger: Zeitgenössische Kunst |

 

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Weitere Informationen

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Die Kunstwerke von Judith Riemer befinden sich in Privatsammlungen in Deutschland, Italien und Österreich.  Mit der Entwicklung und Fortschritt der Technik, dürften durch die neue NFT Collection über Private Museum auch sicherlich neue Länder hinzukommen. Insgesamt sind in der neuen NFT Collection „Feminine Vibrations – Spiritual Essence“ 20 Werke von Judith Riemer enthalten. Der ganze Prozess wird über die Blockchain Polygon abgewickelt.

Feminine Vibrations – Spiritual Essence

„Feminine Vibrations – Spiritual Essence“ taucht tief in das komplexe Geflecht der Existenz ein. Die Kollektion lädt den Betrachter dazu ein, eine tiefe Verbindung mit der spirituellen Essenz der Weiblichkeit herzustellen und lädt ihn ein, in die mystische Energie der Natur einzutauchen.

Riemers Werke zeichnen sich durch eine fantasievoll-geheimnisvolle Ästhetik aus. Sie laden den Betrachter ein, in ein vielschichtiges Universum einzutauchen, in dem Zeit und Raum bewusst vage bleiben. Bekannte Elemente wie Blätter, Menschen und Tiere werden neu interpretiert, um das wahre Wesen der Dinge widerzuspiegeln. Der Fokus des Künstlers liegt auf der aufmerksamen und sensiblen Beobachtung des Verborgenen.

Zur NFT Collection: FEMININE VIBRATIONS – SPIRITUAL ESSENCE | Private Museum

PS: Kunstsammler die physische Werke bevorzugen, haben mit der nächsten Auktion vom Wiener Auktionshaus der Gallery1503, die Gelegenheit auf 2 ganz besondere Werke von Judith Riemer zu bieten.

 

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Judith Riemer

Judith Riemer wurde 1975 in Braunschweig geboren und absolvierte nach dem Abitur eine Ausbildung als Bauzeichnerin. Im Jahr 2001 schloss sie ihr Studium der Innenarchitektur an der Fachhochschule Hildesheim mit dem Diplom ab. 2016, nach ihrer ersten erfolgreichen Ausstellungen, entschied sich Judith Riemer, die Karriere als freischaffende Innenarchitektin zu beenden und sich als professionelle Künstlerin zu etablieren.

​Seitdem erhielt sie mehrere Auszeichnungen, und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht. Zuletzt wurde Riemer im Jahr 2022 als Preisträgerin des „Talented Award“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt. Im Jahr 2021 war sie außerdem als Finalistin für den „Emerging Scene Art Prize Dubai“ nominiert und ihre nominierten Werke wurden auf über 1000 Screens der Elevision Media Group in Dubai und Abu Dhabi präsentiert. Ebenfalls im Jahr 2021 erhielt sie eine Doppelseite im japanischen Kunstmagazin „365art+“ in Tokio.

Eine ganz besondere Arbeit von Judith Riemer haben wir auch in unserer Kategorie „Werk der Woche“ vorgestellt: Werk der Woche #98 – Die Schatzsucherin

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Titelbild: Inner Worlds/Judith Riemer/2018/Acryl auf Canvas. 

Mehr über die Künstlerin finden Sie auf der Webseite: www.judithriemer.art

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Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski ist Kunstagent und vertritt spannende Positionen aus der internationalen Kunstszene. Unter anderem die Wiener Künstlerin Michelle Ditrich, die für ihre einzigartige Technik bekannt ist; Kunstwerke nur mit ihren Händen und Fingern, also ohne Pinsel oder sonstiges Werkzeug zu erschaffen. Von der verstorbenen Malerin Margaret Hofheinz-Döring, verwaltet er, mit dessen Tochter Brigitte Mauch, den Nachlass der Künstlerin.

Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski ist also auf ähnlicher Mission unterwegs, nur dass sein Schwerpunkt auf Südamerika liegt. Im Interview wollen wir den Kunstagenten und den südamerikanischen Kunstmarkt besser kennenlernen. Es geht um NFTs, Raubkunst und was macht ein Kunstagent überhaupt?

Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski im Interview

Wo sind Sie grade und wie geht es Ihnen?

Ich bin gerade von einer Deutschlandreise zur Familie, Freunden und Bekannten zurückgekommen und ich habe in Wien auch die Malerin Michelle Ditrich besucht. Es geht mir hier im Nordosten Brasiliens sehr gut.

Sie sind 2006 von Deutschland nach Brasilien gezogen und haben nun vor Kurzem eine Kunstagentur gegründet?

Ich habe schon seit 1988 jedes Jahr Gruppenreisen von Berlin nach Brasilien für Freunde und Bekannte organisiert und die Gruppen dann 4 Wochen lang durch das Land begleitet. 2005/2006 habe ich dann entschieden, ganz nach Brasilien umzuziehen. Das war erst nicht einfach, aber ich bin glücklich, dass ich das damals gemacht habe. Die SOL E VENTO – KUNSTAGENTUR – habe ich dann zum Anfang des Jahres 2023 aufgebaut, nachdem ich immer mehr mit der Kunstmalerei durch viele Gespräche und Informationen im Internet darüber erfahren habe. Da ich es mag, Menschen zu unterstützen, ihr Potenzial zu nutzen, fand ich diese Idee optimal.

Sie haben vorher die Bibliothek der Bundesversicherungsanstalt geleitet. Wie sind Sie von da zur Kunst gekommen?

Die Arbeit in der Bibliothek der Bundesversicherungsanstalt für Angestellte (BfA) war in vielerlei Hinsicht bereichernd und hat meine Liebe zur Forschung und zum Sammeln von Wissen gestärkt. Ich bin kein Bibliothekar, sondern Organisator und Administrator. Kunst hat schon immer eine besondere Rolle in meinem Leben gespielt. Sie bietet eine andere Art von Verständnis und Ausdruck, die man in juristischen Texten nicht so findet.

Die Möglichkeit, als Kunstagent tätig zu werden, bot mir die einzigartige Gelegenheit, diese beiden Leidenschaften – die akademische Tätigkeit und die Kunst – zu vereinen. Ich sehe meine aktuelle Rolle als eine natürliche Weiterentwicklung meiner bisherigen Erfahrungen, bei der ich den wissenschaftlichen Ansatz aus meiner Bibliothekszeit in die Welt der Kunst mitnehmen konnte.

Unter anderem arbeiten Sie mit der resümierten Künstlerin Michelle Ditrich aus Wien. Konzentrieren Sie sich mehr auf den europäischen Markt oder auf Südamerika?

Aktuell beschäftige ich mich dem europäischen Markt. Der südamerikanische Markt wird auch nach und nach abgedeckt, aber vor allem die Zusammenarbeit mit der Wiener Künstlerin Michelle Ditrich hat mich meine Entscheidung für den europäischen Kunstmarkt treffen lassen.

Können Sie schon sagen, wie weit sich der Kunstmarkt in Südamerika zu Europa unterscheidet?

Der Kunstmarkt in Südamerika und Europa weist einige signifikante Unterschiede auf, aber auch viele Gemeinsamkeiten. In Europa hat der Kunstmarkt eine längere Geschichte und ist oft stärker institutionalisiert. Hier finden sich zahlreiche etablierte Galerien, Auktionshäuser und Kunstmessen, die weltweit hoch angesehen sind.

Südamerika hingegen bietet eine vibrierende, aufstrebende Kunstszene, die stark von lokalen Traditionen und zeitgenössischen Themen beeinflusst ist. Es ist ein Markt, der in den letzten Jahren an internationaler Anerkennung gewonnen hat. Besonders Brasilien, Argentinien und Kolumbien sind hier hervorzuheben.

Ein weiterer Unterschied ist die Art und Weise, wie Kunst gesammelt und präsentiert wird. In Europa gibt es eine stärkere Tendenz zu privaten Sammlungen und Museen, während in Südamerika die Kunst oft mehr im öffentlichen Raum und in Gemeinschaftsprojekten erlebbar ist.

Trotz dieser Unterschiede ist die globale Vernetzung in der Kunstwelt stärker denn je, und Künstler sowie Kunstwerke reisen immer mehr über Kontinente hinweg. Das schafft spannende Synergien und ermöglicht einen fruchtbaren Austausch zwischen den verschiedenen Kunstlandschaften.

Viele Europäische Museen präsentieren Raubkunst fremder Länder, – wie stehen Sie dazu?

Ich finde es problematisch, wenn Museen Raubkunst fremder Länder präsentieren. Raubkunst ist Kunst, die illegal oder unrechtmäßig „erworben“ wurde. Sie können im Rahmen von Kriegen, Kolonialherrschaft oder anderen Formen von Gewalt und Unterdrückung „erworben“ worden sein. Die Präsentation von Raubkunst in Museen ist problematisch, weil sie die Opfer von Raub und Unterdrückung nicht respektiert. Sie können auch dazu beitragen, die Geschichte dieser Verbrechen zu verharmlosen oder zu vergessen.

Es gibt verschiedene Gründe, warum Raubkunst in Museen präsentiert wird. In einigen Fällen ist es einfach nicht bekannt, dass ein Kunstwerk gestohlen wurde. In anderen Fällen wird die Raubkunst als legitimes Eigentum des Museums betrachtet.

Ich glaube, dass Museen eine Verantwortung haben, Raubkunst zu identifizieren und zurückzuerstatten. Dies ist wichtig, um die Opfer von Raub und Unterdrückung zu respektieren und die Geschichte dieser Verbrechen aufzuzeigen.

Welche Rolle spielt Ihrer Meinung nach Kunst in der Gesellschaft und wie können wir es als Kunstvermittler erreichen, mehr Menschen für  Kunst & Kulturellen Austausch zu begeistern?

Kunst spielt in der Gesellschaft eine wichtige Rolle. Sie ist ein Ausdruck der menschlichen Kreativität und Einzigartigkeit. Diese können uns helfen, die Welt um uns herum zu verstehen und uns selbst besser kennenzulernen. Kunst kann uns auch helfen, uns mit anderen Menschen zu verbinden. Sie können uns ein gemeinsames Verständnis für Schönheit, Bedeutung und Werte vermitteln. Sie können uns dazu inspirieren, über unsere eigenen Grenzen hinauszuwachsen und neue Perspektiven einzunehmen.

Als Kunstvermittler können wir mehr Menschen für Kunst und kulturellen Austausch begeistern, indem wir: Kunst zugänglich und verständlich machen. Wir können dies tun, indem wir Kunst in einem vielfältigen Kontext präsentieren und sie mit anderen Bereichen des menschlichen Lebens in Verbindung bringen.

Kunst als Teil der Alltagskultur verankern. Indem wir Kunst in unseren Schulen, unseren Gemeinden und unseren öffentlichen Räumen fördern. Und Menschen dazu ermutigen, selbst kreativ zu werden.

In Deutschland ist die Kunstbranche oft mit der Herausforderung in Bezug auf Diversität und Inklusion konfrontiert. Beispielsweise sind in Museen die wenigsten Werke von weiblichen Künstlern. Wie könnte man ihrer Meinung nach dieses Problem lösen? Bzw. ist das überhaupt ein Problem?

Ich bin der Meinung, dass die Unterrepräsentanz von Künstlerinnen in Museen ein Problem ist. Kunst ist ein Spiegel der Gesellschaft, und wenn die Kunstwelt nicht repräsentativ für die gesamte Gesellschaft ist, dann ist sie auch nicht vollständig.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, dieses Problem zu lösen. Eine Möglichkeit ist, Museen und andere Kunstinstitutionen zu motivieren, mehr Werke weiblicher Künstler zu sammeln und auszustellen. Dies kann durch gezielte Ankäufe und Ausstellungen erreicht werden. Eine weitere Möglichkeit ist, mehr Künstlerinnen zu fördern. Dies kann durch Stipendien, Förderprogramme und Ausstellungsmöglichkeiten erreicht werden.

Es ist auch wichtig, die Öffentlichkeit auf die Unterrepräsentanz von Künstlerinnen aufmerksam zu machen. Dies kann durch Bildungsprogramme und Ausstellungen erreicht werden.

Wie wählen Sie selbst Kunstwerke aus, die Sie repräsentieren möchten?

Als Kunstagent wähle ich Kunstwerke aus, die ich repräsentieren möchte, auf der Grundlage einer Reihe von Faktoren, darunter:

Künstlerische Qualität: Die Kunstwerke sollten von hoher Qualität sein. Sie sollten gut gemacht sein und eine starke visuelle oder emotionale Wirkung haben.

Originalität: Die Kunstwerke sollten originell und einzigartig sein. Sie sollten sich von anderen Kunstwerken abheben und etwas Neues und Innovatives bieten.

Marktfähigkeit: Die Kunstwerke sollten marktfähig sein. Sie sollten ein Publikum ansprechen und eine Möglichkeit bieten, Geld zu verdienen.

Ich treffe meine Auswahlentscheidungen, indem ich mir die Kunstwerke selbst ansehe und mit den Künstlern spreche. Ich versuche, Kunstwerke zu finden, die mich ansprechen und von denen ich glaube, dass sie auch andere Menschen ansprechen werden.

Finden Sie das Kunstwerke nur ein Spekulationsobjekt sind?

Kunstwerke sind mehr als nur Spekulationsobjekte. Sie haben einen Wert, der über ihren finanziellen Wert hinausgeht. Kunst kann uns helfen, uns selbst und die Welt um uns herum besser zu verstehen.

Natürlich kann Kunst auch als Spekulationsobjekt verwendet werden. Es gibt Sammler, die Kunstwerke kaufen, in der Hoffnung, dass sie im Wert steigen werden. Diese Art von Spekulation kann zu einer Blase führen, in der Kunstwerke zu überhöhten Preisen gehandelt werden. Ich glaube jedoch, dass die meisten Menschen Kunstwerke kaufen, weil sie sie schätzen. Sie kaufen Kunstwerke, weil sie sie schön finden, oder weil sie sie mit einer bestimmten Erinnerung oder Bedeutung verbinden.

Gibt es eine Kunstform oder einen Künstler, mit dem Sie überhaupt  nichts anfangen können?

Es gibt viele verschiedene Arten von Kunst, und nicht jeder wird mit jeder Art von Kunst etwas anfangen können. Manche Menschen mögen zum Beispiel abstrakte Kunst, während andere realistische Kunst bevorzugen. Manche Menschen mögen Musik, während andere lieber Kunst sehen oder lesen.

Es ist auch möglich, dass jemand mit einer bestimmten Art von Kunst nichts anfangen kann, weil er oder sie sie nicht versteht. Kunst kann komplex und nuanciert sein, und es kann Zeit und Mühe erfordern, sie zu verstehen.

Letztendlich ist es eine Frage der persönlichen Vorliebe, ob jemand mit einer bestimmten Kunstform oder einem Künstler etwas anfangen kann. Es gibt keine richtige oder falsche Antwort.

Wie sehen Sie die Zukunft der Kunstmalerei?

Ich glaube, dass die Zukunft der Kunstmalerei vielversprechend ist. Kunstmalerei ist eine zeitlose Form der Kunst, die Menschen seit Jahrhunderten fasziniert. Sie ist eine Möglichkeit, Emotionen, Ideen und Erfahrungen auszudrücken, und sie kann eine tiefgreifende Wirkung auf den Betrachter haben.

Natürlich gibt es einige Herausforderungen, denen sich die Kunstmalerei in der Zukunft stellen muss. Eine Herausforderung ist die zunehmende Digitalisierung der Welt. Mit dem Aufkommen von digitaler Kunst und neuen Technologien wie künstlicher Intelligenz ist es möglich, Kunstwerke zu erstellen, die sich von traditionellen Kunstwerken kaum unterscheiden. Dies könnte dazu führen, dass die Nachfrage nach traditionellen Kunstwerken wie Gemälden sinkt.

Eine weitere Herausforderung ist die zunehmende Globalisierung der Kunstwelt. Kunstwerke werden heute auf der ganzen Welt geschätzt und gekauft. Dies bedeutet, dass Künstler mit einem größeren Markt konkurrieren müssen, um erfolgreich zu sein.

Trotz dieser Herausforderungen glaube ich, dass die Kunstmalerei auch in Zukunft eine wichtige Rolle in der Welt spielen wird. Kunstmalerei ist eine universelle Sprache.

Wie stehen Sie zum Thema NFTs und die generelle digitale Entwicklung in der Kunst?

Ich glaube, dass NFTs und die allgemeine digitale Entwicklung in der Kunst ein spannendes und vielversprechendes Feld sind. NFTs bieten Künstlerinnen und Künstlern eine neue Möglichkeit, ihre Arbeit zu verkaufen und zu vermarkten. Sie ermöglichen es Künstlern, ihre Werke als einzigartige und unveränderliche digitale Vermögenswerte zu „tokenisieren“. Dies kann dazu beitragen, die Authentizität und den Wert digitaler Kunst zu schützen.

Die allgemeine digitale Entwicklung in der Kunst bietet Künstlerinnen und Künstlern auch neue Möglichkeiten, ihre Arbeit zu erstellen und zu präsentieren. Digitale Technologien wie Augmented Reality und Virtual Reality können dazu beitragen, Kunstwerke lebendiger und interaktiver zu machen. Sie können auch dazu beitragen, Kunst für ein breiteres Publikum zugänglich zu machen.

Gibt es etwas, was Sie in der Kunstwelt gerne ändern würden?

Ich würde gerne mehr Vielfalt in der Kunstwelt sehen. Ich möchte, dass Kunstwerke von Menschen aus allen Kulturen und Hintergründen vertreten werden. Kunst sollte für alle Menschen zugänglich sein, unabhängig von ihrem Einkommen oder ihrer Herkunft und ich würde gerne mehr Nachhaltigkeit in der Kunstwelt fördern. Ich möchte, dass Kunstwerke so hergestellt werden, dass sie umweltfreundlich sind.

Sie haben deutlich mehr Lebenserfahrung als ich, haben Sie vielleicht einen Tipp, wie für Künstler, wie man Kunst besser vermarkten und verkaufen kann?

Entwickeln Sie eine starke Marke. Was macht Ihre Kunst einzigartig? Was macht Sie als Künstlerin oder Künstler einzigartig? Finden Sie eine Antwort auf diese Fragen und kommunizieren Sie diese klar und deutlich und seien Sie geduldig. Es braucht Zeit und Mühe, um als Künstler erfolgreich zu sein. Geben Sie nicht auf, wenn Sie nicht sofort Erfolg haben.

Welche Künstler aus Südamerika würden Sie empfehlen?

Frida Kahlo (Mexiko): Frida Kahlo ist eine der bekanntesten und einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Ihre Werke sind geprägt von ihrem persönlichen Schmerz und ihrer mexikanischen Identität.

Fernando Botero (Kolumbien): Botero ist für seine übergroßen Figuren bekannt, die oft humorvoll und satirisch sind. Seine Werke sind einzigartig und erkennbar.

Rufino Tamayo (Mexiko): Tamayo ist für seine abstrakten und figurativen Gemälde bekannt, die Elemente der mexikanischen Kultur und Mythologie einfangen.

Diego Rivera (Mexiko): Rivera war ein bedeutender mexikanischer Maler und Ehemann von Frida Kahlo. Seine Wandgemälde sind politisch und sozial engagiert und spiegeln die Geschichte und Kultur Mexikos wider.

Roberto Matta (Chile): Matta war ein surrealistischer Maler, der für seine abstrakten und traumhaften Werke bekannt ist. Seine Bilder entführen den Betrachter in eine andere Welt.

Tarsila do Amaral (Brasilien): Amaral war eine wichtige Figur der modernen brasilianischen Kunstbewegung. Ihre Werke sind farbenfroh und zeigen eine Mischung aus modernen und traditionellen Elementen.

Diese Künstler bieten eine breite Palette von Stilen, Themen und kulturellen Einflüssen. Es lohnt sich, sich mit ihren Werken auseinanderzusetzen und ihre einzigartigen Beiträge zur südamerikanischen Kunstszene zu entdecken.

Vielen Dank für Ihre Zeit und Mühe. Und, ach ja – was macht ein Kunstagent überhaupt?

Ich suche nach neuen Künstlern, die ich vertreten kann. Dazu beobachte ich Kunstmessen, Galerien und andere Veranstaltungen, um neue Talente zu entdecken. Ich arbeite mit Künstlern zusammen, um ihre Arbeit zu fördern. Dazu
werde ich Ausstellungen, Pressekonferenzen und andere Veranstaltungen organisieren. Ich vermittle zwischen Künstlern und Kunstsammlern. Ich helfe Künstlerinnen und Künstlern, ihre Arbeit zu verkaufen, und ich helfe Kunstsammlern, Kunstwerke zu finden, die sie mögen.

Und ich arbeite natürlich auch an administrativen Aufgaben wie Rechnungswesen, Buchhaltung und Marketing.

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Aurum – Sehnsucht Gold reflektiert als offene Serie von Kunstwerken die verschiedenen Aspekte dieses besonderen Stoffes, seiner Geschichte, den Erscheinungsformen, Mythen und Bedeutungsformen. Dabei bedient sich Dieter Hanf einer Reihe von Medien, Materialien und Präsentationsformen.

Der Fotograf und Künstler präsentiert ultrahochaufgelöste Pigmentdrucke auf Hahnemühle Fine Art Paper und erstmals Kleinskulpturen, je händisch veredelt mit 24ct Goldauflage. Zu sehen sind weiterhin NFTs als auch Videoproduktionen inspiriert durch die Auseinandersetzung mit dem Thema Gold.

Dieter Hanf zeichnet sich durch einen spielerischen und ungewohnten Umgang mit traditionellen Techniken und Materialien aus, was zu einem einzigartigen und einnehmenden Stil führt. Hanfs Werke zeichnen sich oft durch kräftige Farben und grafische Muster aus. Einer der auffälligsten Aspekte von Hanfs Kunst ist seine Verwendung von Schichten und Texturen. Er schafft oft mehrschichtige Kompositionen, die eine Vielzahl von Materialien und Techniken einbeziehen, was zu Werken führt, die reichhaltig strukturiert und visuell komplex sind.

Diese Schichtung ermöglicht es Hanf auch, Themen wie Erinnerung, Geschichte und persönliche Identität zu erforschen. Dabei nutzt er Photographie als Basis für seine künstlerischen Arbeiten. Mittels vielfacher Abstrahierung und digitaler sowie händischer Bearbeitung entstehen Kunstwerke, die den Ursprung der neu entstandenen Darstellungen kaum oder nicht erkennen lassen.

 

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GOLD

Der Stoff aus dem die Träume sind. Gold kommt natürlicherweise nur in der Erde vor und muss aus dem Sediment von Flussläufen gewonnen werden, in Bergwerken aus Erzgesteinen gebrochen und aufwändig extrahiert werden. Die Prozesse beim Abbau und der industriellen Gewinnung belasten Menschen und Umwelt und stellen selbst bei kontrollierten Gewinnungsmethoden immer wieder große Gefahren und verursachen immense Umweltschäden.

Illegale Minen und deren Methoden der Goldgewinnung sind verantwortlich für viele Tote und irreparable Schäden in der Natur. Gold gilt als eines der wertvollsten und edelsten Metalle, es symbolisiert Reichtum, Glanz, Macht und Ewigkeit. Tatsächlich ist Gold chemisch ein sehr stabiles Element, das sich gut mit anderen Stoffen legieren lässt. Bis jetzt gefundene Grabbeigaben aus Gold lassen sich bis 4400 Jahre vor Christus datieren. Als Zahlungsmittel sind Münzen seit mindestens 400 v. Chr. bekannt.

Alle Goldvorkommen in der Erdkruste stammen, wie alle schweren Elemente bis Eisen, aus den Prozessfolgen von Kernfusionen kollidierter Neutronensterne sowie aus der Kernfusion der Sonne und lagerten sich in einer noch nicht erstarrten Erdkruste ab. Aurum, lat. Gold. Der Name leitet sich aus dem indogermanischen Wort „gel“ der Farbe gelb, althochdeutsch „gold“.

Die Sehnsucht der Menschen nach Gold=Reichtum und Erfolg scheint nach wie vor unermesslich zu sein. Immer wieder gab und gibt es Meldungen von Goldfunden, die ganze Heerscharen von Menschen bewegten und bewegen alles, auch ihre Heimat zu verlassen um ihr Glück zu versuchen. Nur Wenigen gelang dies, stattdessen verloren viele ihr Leben.

Dieter Hanf Artist Statement

Es wird oft gesagt, dass Kunst eine universelle Sprache ist, die die Seele direkt berühren kann. Das mag so sein. Für mich ist künstlerischer Ausdruck manifestierte Lebensenergie. Als kleiner Junge habe ich meinem Vater begeistert zugeschaut, weil er mit wenigen Strichen das Gesicht und die Stimmung eines Menschen darstellen konnte. Seitdem hat mich die Faszination der Kunst nicht mehr losgelassen.

Von meinem Vater und einem bekannten deutschen Bildhauer, Wolfgang Göddertz, lernte ich Bildkomposition, Farbenlehre und Gestaltungstechniken und vertiefte diese im Selbststudium, bis ich die Fotografie als mein Medium entdeckte.

Die Fotografie als Mittel der Abstraktion ist selbst eine künstlerische Form der Weltaneignung. Das wurde mir schnell bewusst. Ein Foto sagt mehr als tausend Worte und doch sagt ein Foto nichts über die Welt aus. Ein Bildausschnitt, eine bestimmte Perspektive, ein bestimmtes Licht oder Objekte beeinflussen unsere Wahrnehmung beim Betrachten eines Fotos und es entsteht eine Szene, der wir eine Bedeutung geben. Das bedeutet, dass ich als Fotograf dem Betrachter eine Anregung geben kann, die er dann auf die eine oder andere Weise aufnehmen kann. Daraus ergab sich für mich das Bedürfnis, mit Genres, kreativen Mitteln und Techniken zu spielen, die Grenzen der Performance zu verschieben, das Unerwartete oder Verborgene zu zeigen.

fotografische Motive als Grundlage?

Mit der digitalen Fotografie erweiterte sich der Vorstellungshorizont, auch wenn die Technik erst später kam. Die Fotografie scheint mir immer noch ein Medium der Malerei zu sein, was sich auch darin ausdrückt, dass ich fast ausschließlich fotografische Motive als Grundlage verwende, um sie in verschiedenen Schritten zu abstrahieren, sie digital zu verfremden, so dass das ursprüngliche Motiv kaum noch erkennbar ist. Die Fotografie ist also fast ungegenständlich, aber dennoch ein immanentes Element meiner kreativen Prozesse. Kreatives Schaffen ist für mich die Verbindung zur und die Auseinandersetzung mit der Welt. Mit den Menschen, ihren Gesellschaften und den daraus resultierenden Problemen, den schwierigen und schönen Momenten des Lebens. Die Ästhetik an sich hat ihren eigenen Anspruch und Sinn, sie ist für mich Lebenselixier und Ansporn zugleich.

Kunst ist für mich gesellschaftlich relevant, politisch, menschlich wichtig. Kunst ist Kraft, Energie und gibt Hoffnung. Farben drücken diese Kraft für mich aus, ich setze Farben sehr sorgfältig, wenn auch meist fast verschwenderisch ein. Sie sollen Aufmerksamkeit erregen und lenken, zum Nachdenken anregen und inspirieren, mitreißen, inspirieren, aufrütteln. Fehlen sie, betreten wir eine scheinbar leere Welt, die wir mit unserer Fantasie füllen müssen. Wir erwecken sie zum Leben, jede Person auf ihre Weise, und bleiben so selbst lebendig.

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Mehr über den Künstler: https://www.dhanf.net

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In einer einzigartigen Vernissage werden ausschließlich Bilder gezeigt, die von der generativen KI-Plattform midjourney kreiert worden sind. Bilder von ganz außergwöhnlicher Ästhetik, inspirierend, geheimnisvoll, out of the box. Mit nur wenigen Stichworten gefüttert, liefert sie innerhalb von Sekunden Bildvariationen zu Themen wie “Der Urknall”, “The birth of earth”, “Wenn die Natur spricht”, „Young woman as butterfly“. Die Motive, unverändert auf Leinwand gezogen, sind Unikate, die es nur ein einziges mal gibt. Mit jedem Tag trainiert und lernt die KI dazu und wird bei gleichem Input immer andere Motive schaffen.

Über die Frage, ob das nun “wirkliche” Kunst ist oder was sie eventuell unterscheidet von Werken, die ein Mensch geschaffen hat, wird es an diesem Abend sicher heiße Diskussionen geben. Der Initiator Dr. Klaus-Ulrich Moeller, Vortragskünstler und Gründer der KI-Galerie “AI**ART FIRST GALLERY” ist auf jeden Fall überzeugt von dieser Kunst: “Ein neuer Akteur hat die Bühne betreten und tritt in Wettbewerb zu anderen. Schon heute ist für einen Laien nicht zu unterscheiden, ob ein Mensch oder eine KI ein bestimmtes Bild erzeugt hat. Der menschliche Künstler kann uns immerhin erklären, welche Gedanken er bei bestimmten Motiven gehabt hat, was die Bilder uns sagen sollen. Diese Fähigkeit hat die KI (noch) nicht. Sie ist eine black box, die sich herkömmlichem Denken entzieht. Vielleicht ist gerade das ein ganz gewaltiger Vorteil – dass ein intelligenter Algorithmus nicht in Denkmustern festhängt, die unsere eigene Wahrnehmung der Welt immer wieder einengt und behindert”.

Zukunftsredner Dr. Klaus-Ulrich Moeller

20 Jahre Führungserfahrung Deutsche Lufthansa, TUI, PricewaterhouseCoopers (PwC). Preisgekrönter Journalist Stuttgarter Nachrichten, Kolumnist brandeins, Fachautor und Rede-Europameister 2017. Zertifizierter Coach für mittelständische Unternehmen (Vistage International), Kommunikations- & Auftritts-Berater. Mehr über Dr.Klaus-Ulrich Moeller.

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Titelbild: Künstler: KI midjourney – The connected world (© Klaus-Ulrich Moeller/midjourney)

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Seit 20 Jahren fertigt Dennis Hascke als Schimmler Art Kunstwerke. Angefangen in der Graffiti- und Streetart-Szene, heute auch gefestigt in der „Kryptokunstbranche“ mit internationalen Sammlern. Art Schimmler befindet sich in einem permanenten Schaffensprozess. Das ständige Weiterentwickeln und Ansprüche an sich selbst zu haben, dürfte ein großer Faktor für den Erfolg des Künstlers sein. Grade wurde er mit seiner Frau Antje Haschke mit dem German Design Award ausgezeichnet, schon stehen Projekte mit der „Nike Art Galerie“ an – wir freuen uns, das der Künstler dazwischen Zeit für ein Interview gefunden hat.

Dennis Haschke im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Zurzeit bin ich in der Heimat in Heidesee (Brandenburg) und arbeite an mehreren Projekten, die mich sehr Interessieren. Ferner arbeite ich an meiner mentalen Fitness.

Die Projekte sind, die Gründung eines NGO “ Ethana e World Organisation“ zur Förderung und Aufbau der afrikanischen
Wirtschaft sowie die Planung einer Ausstellung und Zusammenarbeit mit der größten afrikanischen Galerie ´Nike Art Galerie` und der Nike Centre for Art and Culture, um kulturelle Verbindung zu schaffen. Mit dem Verkauf meiner Werke gehen 50 % der Einnahmen in Förderprojekte. Mit dieser Spende setzen wir den Startschuss, um unsere Organisation mit den ersten aktiven Projekten zu fördern.

Des Weiteren läuft die aktive Planung eines Projektes in Miami, Florida. Unsere Partner sind in diesem Moment vor Ort, um das Vorhaben zu besichtigen und die ersten wichtigen Schritte einzuleiten, damit die geplante Eröffnung im Frühjahr dieses Jahres realisiert werden kann.

Im Oktober 2023 findet meine Ausstellung im Berliner Capital Club (Hilton) statt. Der bedeutende Wirtschaftsklub ist Mitglied in einem internationalen Netzwerk von Business Clubs auf der ganzen Welt. Die Ausstellung in Berlin ist der Startschuss für eine ganze Reihe von internationalen Ausstellungen.

Das klingt nach großen Plänen, aber lass uns erst einmal auf deine Anfänge zu sprechen kommen. Zur Kunst gefunden hast du bereits vor über 20 Jahren in der Streetart-Szene Berlins. Revolutionär deine Werke auf Bahn-Waggons oder Häuserwänden. Heute bist du „nur“ noch auf Leinwänden aktiv? Wie und wann kam der Wandel von der Streetart zur legalen Kunstform?

Das stimmt so nicht ganz. Ich verwende sehr gern andere Materialien wie zum Beispiel Alu-Dibond. Hier arbeite ich gerade an einer neuen Werkgruppe. Der Wandel zur legalen Kunst war vorprogrammiert. Warum? Weil mir schon früh bewusst war, dass ich etwas erreichen will in meinem Leben und vor allem niemanden mit meiner Kunst schaden will, was nun damals der Fall war.

Das war zu dem Zeitpunkt auch kein Wandel in dem Sinne, sondern eher eine auf meine Karriere basierte Schaffenspause und Neuorientierung zur Kunst.

Wie stehst du heute zu Graffiti-  und Streetart-Szene?

Nach wie vor liebe ich die Straßenkunst und ihre Vielfalt. Jedoch gibt mir meine aktuelle Kunstrichtung mehr Möglichkeiten international Sammler anzusprechen. Der Erfolg ermöglicht mir auch die Möglichkeit, um Kunstprojekte zu organisieren oder zu fördern. Denn bekanntlich dreht sich in dieser Welt alles ums Geld!

Traurig, aber wahr. In den Medien wirst du auch gerne mal als deutscher Banksy bezeichnet, wie kam es zu diesem Ehrentitel?

Genau weiß ich es nicht, aber ich vermute, dass das mit meiner früheren Kunstform zu tun hat. Künstlerisch sehe ich mich selbst auf einer anderen Schiene. Banksy`s Aktionen sind legendär und faszinieren Millionen Menschen, mich eingeschlossen! Mich reizt die Kombination von verschiedenen Materialien, verschiedenen Bildträgern. Für mich hat Kunst auch etwas von Alchemie.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke denn vorstellen, arbeitest du mit Skizzen, Ideen und ggf. vielleicht schon dem Namen für ein Bild und überträgst das dann auf die Leinwand oder entsteht ein Kunstwerk, beim „machen“?

Unterschiedlich, es gibt Werke, die gezielt und geplant entstanden sind und andere zufällig. Ich experimentiere auch sehr gern und baue mir Werkzeuge oder Ähnliches. Der Schaffens- oder Produktionsprozess darf experimentell sein. Inspiration darf kein Korsett haben.

Deine Frau führt eine erfolgreiche Werbeagentur. Kannst Du deine Kreativität dort noch zusätzlich einbringen?

Definitiv! Kreativität in der Werbung oder im Design ist eine große Herausforderung. Ich bin stolz darauf, dass wir in diesem Jahr mit der Agentur den German Design Award für unsere 3D-gesteuerte Homepage gewonnen haben.

 

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Kreativität kann viele Bühnen haben und ich darf sagen, dass meine Ideen, meine Kreativität Werbung beeinflusst hat.

Du fertigst auch Auftragsarbeiten an. Bei welcher Preisspanne beginnt ein echter Schimmler und gibt es auch Aufträge, die du ablehnen würdest?

Kommt drauf an, für wen diese Auftragsarbeit ist! Vor nicht allzu langer Zeit wurde ich für von einen – gemäß der Forbes-Liste erfolgreichsten Unternehmer weltweit beauftragt, ein Werk anzufertigen. Der Preis dafür ist natürlich ein anderer, als wenn ich eine Arbeit auf eine Charity-Auktion gebe.

Mein Ziel ist es, dass auch junge Menschen den Weg zur Kunst finden. Daher muss Kunst bezahlbar sein. Eine Grafikarbeit von mir- häufig der Einstieg für einen jungen Sammler- ist schon für zwei bis drei tausend Euro zu haben.

Wie viele Leinwandwerke sind bis heute entstanden? Und schon mal mit einem Kunstwerk unzufrieden gewesen? Was passiert dann mit der Arbeit?

Das kann ich gar nicht so genau sagen. Ich bin ja in einem permanenten Schaffensprozess. Ja, definitiv gab es einige Werke, die mich nicht überzeugt haben! Diese Positionen werden erst mal eingelagert und zum richtigen Zeitpunkt hervorgeholt und entweder komplett neu überarbeitet, oder man könnte auch sagen neu bespielt.

Wer soll deine Kunst auf keinen Fall kaufen?

Ich schaffe Kunstwerke. Mit dem Verkauf befassen sich andere. Es ist mir egal, ob jemand meine Arbeiten kauft und sie im Archiv lagert. Kunst ist ja längst eine Anlageform mit hohen Zuwachsraten. Ich habe Sammler, die mit meiner Kunst spekulieren, das ist mir egal.

Wir brauchen Schlagzeilen! Gibt es eine Kunstform oder einen Künstler, mit dem du überhaupt nichts anfangen kannst?

Definitiv! Ich werde aber keine Namen nennen, weil ich sowas nicht mache, denn Kunst liegt bekannterweise im Auge des Betrachters und ich kann nicht für alle sprechen!

Das heißt Kunst darf alles?… oder gibt es Grenzen?

Aus künstlerischer Perspektive darf die Kunst alles, ohne Einschränkung. Jeder Künstler definiert seine künstlerisch-ästhetischen Grenze für sich selbst. Subjektiv gibt es in meiner Kunst Grenzen, die definiert sind durch ästhetische und moralische Kardinaltugenden.

Würdest du auf dem Kunstmarkt gerne etwas ändern?

Kunst kann vieles zum Guten beitragen. Das ist auch einer der Gründe, der uns dazu bewegt hat, eine Organisation zu gründen, die mit Kunst Veränderung schaffen will, Veränderung zum Besseren.

Weise Worte. Hast du noch einen Tipp für junge, neue Künstler – oder gibt es vielleicht einen Ratschlag, den du selbst gerne früher bekommen hättest?

Definitiv! Mein Rat lautet: Befasst euch mit Social Media, denn heutzutage hat man so eine reelle Chance auf der ganzen Welt wahrgenommen zu werden.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin, wie die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Ich bin kein Philosoph oder Welterklärer. Ich spreche durch meine Kunst. Meine Botschaft ist einfach: Seht genau hin, und im besten kantischen Sinne: Habe Mut, dich deines eigenen Verstandes zu bedienen! Mündigkeit und Aufklärung sind Grundvoraussetzungen für eine friedliche Welt. Leider sind wir davon weit entfernt.

Danke dir für deine Zeit und Mühe! Ich bin gespannt auf die nächste Veranstaltung und würde mich freuen, wenn ich auf dem Laufenden gehalten werde. Vielleicht legen wir in ein paar Wochen einen zweiten Teil nach? 

Unsere Leser freuen sich sicherlich, wenn wir noch ein bisschen mehr auf die NGO “ Ethana e World Organisation“ eingehen können.

Weitere Informationen

Titelbild: Peoplerinth by Schimmler Art (März 2022, 100cm * 100cm * 4, Acryl/Schieferpaste.

Zur Webseite des Künstlers: https://www.schimmler-art.com/

Ausgewählte Kunstwerke von Schimmler finden Sie auch in Kürze bei uns im Shop!

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Am besten beschreibt der Begriff REISE die Entwicklung von SANO TALIS. Begonnen irgendwann in der Kindheit mit Kritzeleien in Schulbüchern und Heften. Seit 2018, ohne besondere künstlerische Förderung, wuchs der Drang zum Schaffen eigener Kunstwerke.
Anfangs mit Acryl auf Leinwänden. Die Techniken durch Ausprobieren, die Motive bekannter Künstler als Inspiration.

Der Zuspruch der Betrachter bestärkt und motiviert. Auftragsarbeiten sind eine Herausforderung für die Kreativität und Bestätigung zugleich. Die Stationen dieser Reise sind keine Haltepunkte – eher Bahnhöfe auf der Durchfahrt. Wechselnde Landschaften, Klima- und Zeitzonen sind vergleichbar mit den Einflüssen auf die Werke von SANO TALIS.

Künstlerisch vielfältig: großflächig und klar strukturiert oder kleinteilig und filigran. Farben und Formen gekonnt in Szene gesetzt. Die Begeisterung entsteht beim Erschaffen der Werke. Dankbar für Wertschätzung der Betrachter. Fasziniert von den Deutungen und Rückmeldungen. Eine Endstation ist nicht in Sicht.

SANO TALIS im Interview

Wo sind sie grade, wie geht es ihnen und woran arbeiten sie aktuell?

Derzeit lebe und arbeite ich am Rande von Berlin. Meine Arbeiten sind breit gestreut, da es sehr viel Inspiration und Motivation gibt, viele Kunstprozesse zu erleben, ich möchte mit einer größeren Acrylreihe beginnen und arbeite nebenher an einem Großprojekt auch in Acryl. Meine digitalen Werke sind eine völlig andere Form und ein anderer Ausdruck, um Neues zu probieren.

Sie arbeiten verdeckt. Über die Person hinter „Sano Talis“ ist bisher wenig bekannt, wofür steht der Künstlername bzw. wie sind sie darauf gekommen?

Mein Künstlername ist durch einen längeren Prozess entstanden, aber auch durch eine Idee, eines nahestehenden Menschen.

Auf Instagram haben Sie überwiegend, mit minimalistischen Werken, in kürzester Zeit einige Befürworter und Bewunderer auf sich aufmerksam gemacht. Ohne Show und „persönliches TamTam“.  Sie lassen die Kunst sprechen, aber wie viel Privatperson steckt den in Sano Talis?

Die Privatperson steckt in der Kunst selbst, in den Farben und Formen. Natürlich auch in kleineren Details, wie in einem Titel. Ich werde auch auf den Ausstellungen sein und ich werde immer auch ein Stück von meiner Person mit meinen Werken verbinden, ob mit kleinen Texten oder einem besonders ausgewählten Lied.

Angefangen haben sie mit der Acrylmalerei – aber aktuell liegt ihr Schwerpunkt auf digitalen Kunstwerken?

Die Arbeit mit der Kunst ist für mich immer Freiheit. Mir schreibt niemand vor, was ich zu machen habe oder ob es besser wäre, es nicht zu tun. Deshalb möchte ich es mir auch gern bewahren, an dieser Freiheit festzuhalten. Ob Acrylmalerei, digitale Kunst oder etwas völlig Neues.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und wie lange arbeiten sie durchschnittlich an einem digitalen Werk?

Ungefähr 5 bis 12 Stunden. Ich arbeite fast immer spontan, ohne Plan ohne Skizze ohne Ziel, völlig frei. Kunst entsteht manchmal über Wochen oder Monate, manchmal sogar wie bei meinem Großprojekt mehrere Jahre. Bisher würde ich schätzen,… zwischen 200 – 250 Werke.

Von der Menge her scheint es, als würde es schon für eine kleine Soloschau reichen, sind aktuell Ausstellungen geplant?

Es sind Ausstellungen in Planung und sobald es dazu etwas zu verraten gibt. Seid ihr die ersten, die es lesen können.

Da sie die Person hinter Sano Talis geheim halten, wird es für Besucher vermutlich nicht die Möglichkeit geben, sie auf Ausstellungen persönlich zu sprechen?

Wir leben in modernen Zeiten, ich denke, es werden sich Gelegenheiten ergeben, wo vielleicht genau das möglich ist,… Ich freue mich darauf, mit kunstbegeisterten Menschen oder auch Kritiker*innen zu sprechen.

Wie wichtig ist ihnen das Feedback und der Austausch mit Kunstliebhabern und anderen Kreativen?

Unglaublich wichtig. Ich glaube, dass jedes Gespräch, jeder Tipp und jede Kritik eine Bereicherung sein kann. Das heißt aber nicht, dass man alles verwerfen sollte, um anderen zu gefallen, sondern daraus zu wachsen, eigene Fehler zu entdecken oder genau seine Stärken. Oder einfach ein tolles Gespräch ohne große Erwartungen.

Was war denn bisher das schönste Feedback?

Ich werde es in Ehren halten, vielen Dank für das schöne Bild.“ Von einem Menschen, der es bis zum Ende im Wohnzimmer aufhing. Dieser für mich besondere Mensch, verstarb leider. Aber man hat die Freude gesehen, als ein kleines bisschen Kunst den Tag veränderte.

… und die härteste Kritik?

„Ich kann damit nicht viel anfangen.“ Auch völlig in Ordnung, und damit bin ich auch zufrieden.

Gibt es Künstler, die sie beeindrucken oder sogar beeinflussen?

Ja, die gibt es, viel Kunst kann inspirierend sein, aber auch zu einer Art von Stau führen, was das freie Denken beeinflusst und das freie Arbeiten. Deshalb mache ich das nicht immer, sondern lasse mich mehr von Momenten des Lebens selbst inspirieren und motivieren, Neues zu wagen.

Von Ihrem Werk „GW“ gibt es aktuell eine limitierte Serie einer Kunstdruck-Edition, sind all ihre Werke auch als Print erhältlich oder sind diese dann „nur“ als NFTs verfügbar?

All das möchte ich zusammen mit den netten und wichtigen Menschen entscheiden, die mich auf diesem Weg unterstützten. Ausgeschlossen ist nichts. Rein auf NFT’s zu bauen, ist aber nicht mein Ziel.

Was ist ihre Meinung zum viel diskutierten Thema NFTs?

Meine Kunst soll greifbar sein und nicht rein aus Nullen und eines bestehen, doch ein Teil meiner Werke bekommen auch die Chance, als NFT Menschen zu erreichen, die genau das suchen.

Stellen sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times – oder Ähnliches,… was würden sie der Welt gerne noch sagen?

Wir haben eine wundervolle Welt mit unglaublich schönen Chancen, lasst sie uns nicht zerstören, sondern sie schützen und bewahren. Ihre Schönheit, ihre Vielfalt, ihre Fülle von wundervollen Pflanzen und Tieren und lasst uns das in Frieden tun.

 

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Titelbild: Tapa’s No.4, Block Art by Sano Talis

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Hundreds of internationally sold works and exhibitions on several continents. Originally from the San Francisco Bay Area, Tyler Scully currently resides in Los Angeles. The artist focused on portraiture. He pushes boundaries and blurs reality and fiction. Minimal Expressionist. We are very happy that the US-artist was available for an interview!

My art is about humanity. Portraiture has traditionally been symbolic of wealth and status, but my work focuses on deconstructing portraiture to universal people that we can all connect with. Taking elements from multiple references combining them to a human form the portraits transcend race, sex, gender, identity, etc. All these borders and identifiers we place to label each other become irrelevant when the portrait connects on a universal human level. – Tyler Scully artist statement

Interview: LA Artist Oil Painter, Musician and NFT Artist Tyler Scully

You live and work in Los Angeles, the majority of your exhibitions also took place in California, but also presentations in Australia in your CV. How interesting is the German art market for you?

I’m definitely interested in the German art market and Europe, in general. I’ve sold a few dozen pieces to private collectors in Germany over the past couple years so I would love to do something that would allow more people to experience my work in person.

Do you work with a gallery or do you do all the work yourself?

I currently work by myself, but that might be changing soon.

Almost 50,000 people follow you on Instagram, numbers that many galleries can only dream of.. How important is a gallery really for an artist to be successful?

Galleries have access to collectors that social media might not get an artist, but more importantly galleries have the trust and respect of those collectors. Uniquely now though I think an artist can find an audience and collector base on their own without the gallery structure. But I think both can have a symbiotic relationship.

Let’s start from the beginning for those who don’t know your artworks. How would you explain your art to a blind person?

Well the beauty of my artwork is I use a lot of different painting techniques to create multiple different layers and textures. I feel a blind person could even just feel the different textures and have a compelling experience in the tactile nature of my work.

Otherwise I would say my work is bright, vibrant, distorted and disturbing versions of people that seeks to capture the spirit of people rather than objective reality.

Your focus will be on portraiture, an art form that used to be a status symbol and symbol of wealth. With you, however, the faces are surreal or hardly recognizable. You transcend race, gender, sex, identity – is there a message behind it?

Yes, my art is about humanity. I focus on combining different photo references of people into portrait forms so they become more like a universal person that anyone can connect with. Another reason for this is I’m half Hawaiian so it is sort of my take on the Tiki.

How did you get into art? or what/when was the moment when you decided to share your artworks with the public?

I’ve always been into art my whole life but I started to take it seriously in high school when I discovered René Magritte, Surrealism, and Dada. I connected so much with those works that I decided I should try my own take on it. While I wouldn’t say any of those old works were any good, they allowed me to start building my skills using oil paints and using multiple techniques of Surrealism and Dadaism.

I went to university and got a degree in Fine Art with a dual emphasis in Painting and Sculpture. Even still I wasn’t that public with my paintings. I was making a living as a musician, DJ, and music producer and really only used my art for my own music releases. But around 6 years ago I decided I should focus my effort on painting because that was what made me happy. So since that point I’ve been publishing my work on my own site and on social media.

 

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How many works of art have you created in the course of your career up to now?

Probably like 500 but most of those have been sold. The ones that haven’t sold I usually go back and paint on them to see what I can bring to the piece after some time has passed. I paint every day so I do have an ever evolving body of work.

In which price range are your works of art traded? And you ship worldwide – what is the average shipping cost for buyers?

My work is always priced by the size of the piece. So it really depends on that. I would say on the lower end it would be about $500 upwards to $3000. As for shipping it is just size based too. Smaller works can go internationally relatively cheap around $50 but larger pieces can be several hundred dollars to ship.

Do you also do commissioned work – or is it possible to have them painted by you?

Yes I do commission work. So that has ranged from paintings of specific people, album artwork, graphic design and advertisements. I really can work with clients to create something they will love.

Who should definitely not buy your art?

Well we’re all human so I think anyone should be able to connect with my work. But anyone that is looking for strictly a pure representation of reality probably will be offended by my work.

Some of your works are also available as NFT, how appealing is this market for you as a seller/artist.

I’ve done some NFTs that I’m very proud of that combine my art, animation and music to create something I couldn’t really do in a psychical form. That’s how I plan to utilize that medium, making unique works that cannot exist otherwise.

How can one imagine the process of creating your works?

On Instagram and Tiktok I have posted several videos and timelapses so people can check those out. But I usually have a dozen pieces I’m working on at any one time so I do a few layers on each piece and rotate them while they dry. It’s how I constantly iterate and expand my body of work.

The process I do I’ll start a piece either by drawing out a specific silhouette or I’ll make an abstract form and then scrape the paint off and start to work from how the paint is on the piece. So I utilize chance and have an open dialogue with the painting and try to figure out how the portrait wants to form. Then I use multiple photo references to start forming facial landmarks like eyes, nose, teeth, lips. This process can take days to weeks to months. I just keep on refining and adding and subtracting layers to create depth in the piece.

Which artist would you most definitely not want to be compared to? And which comparison would you be happy about?

Sort of a double edge sword on this one but it would be Francis Bacon. I love his work and his painting technique, but his paintings are very nihilistic so that sort of is the anthesis to my work. But I get a lot of people that say that but I think that’s really the only mainstream artist that could closely be compared with my work. Who I would be extremely happy with being compared to would be Rick Bartow, Fritz Scholder, or William Kentridge.

Can art do everything or are there limits?

Art can do and mean anything, but that is its own problem. I seek to create an emotional connection with the audience so that creates a focus for my work.

Is there anything you would like to change in the art market?

I think the art market is so broad that there is a place for everyone to form their own niche and connect with those that are moved by their work.

Thank you for your time and effort!

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Kunst in Berlin: Eingebettet in der gegenwärtig im Ordenshaus gezeigten Ausstellung „Klarheit und Botschaft“ des Künstlers Rudi Fischer, wird an diesem Tag „Soul“ präsentiert. „Soul“ ist eine digitale Skulptur die zum ersten Mal in der Öffentlichkeit gezeigt und gehandelt wird. Als eine Art zweite Premiere kann dabei angesehen werden, dass die Ausstellung erstmalig ihre Erweiterung in den digitalen Raum findet.

Anschließend wird eine Diskussionsrunde das Thema der digitalen Kunst informativ aufgreifen und facettenreich, aber auch kritisch hinterfragen: „Ist es in der zeitgenössischen Kunst der nächste evolutionäre Schritt oder verkommt die Kunst nur zur Ware einer Handels-Plattform?“. Der Austausch lässt einen Blick bis weit hinter die Kulissen des NFT* Hypes zu.

*NFT (Non-Fungible Token): Nicht teilbare digital geschützte Eintragung. Mehr zu NFTs finden Sie hier!

„Soul“-Skulptur von Rudi Fischer

Am Abend des 19. August wird der kunstinteressierten Öffentlichkeit Einlass in Berlins schönstes Ordenshaus der Freimaurer gewährt. Neben der Premiere seines digitalen Kunstwerks „Soul“ führt der Künstler Rudi Fischer durch seine Ausstellung. Diese sorgte bereits für starke Emotionen und war Anlass manch einer inhaltlichen Diskussion.

Der thematische Schwerpunkt des Freitagabends liegt allerdings bei der digitalen Kunst. Zur Diskussion steht der noch junge Hype um die NFTs in der Kunst. Ist es ein weiteres evolutionäres Puzzlestück, das unsere Zeit widerspiegelt? Oder entstehen durch die Blockchain-Technik, auf der die NFTs basieren, nur Zocker-Plattformen? Und welchen Stellenwert nimmt die Kunst dabei ein? Chancen, Risiken oder Bedenken – was wird am Ende überwiegen?

Diskussion mit Profis der Kunstwelt

Ab ca. 19 Uhr diskutieren dazu die freie Kuratorin Susanne Matz, die Berliner Galeristin Luisa Catucci, der Unternehmer Lennart Blödorn sowie der Künstler Rudi Fischer. Die Moderation des Gesprächs übernimmt der Berliner Logenmeister Ralf Hasford. Er wird dafür Sorge tragen, dass am Abend die zum Verständnis notwendige Wissensgrundlage vermittelt wird und die Besucher:innen sich angemessen beteiligen können.

Das Besondere dieser Diskussion sind die Hintergründe der Diskutant:innen. Alle können auf ihre eigenen Erfahrungen mit NFT Kunst, den Marktmechanismen und der Technologie zurückgreifen. So wird der Künstler nicht nur seine erste digitale Skulptur öffentlich präsentieren, sondern auch über den Prozess bis dahin berichten.

Einen anderen Blickwinkel lässt die Arbeit von Frau Catucci als Galeristin zu. Bei ihr sind NFT Kunstwerke bereits Teil ihres unternehmerischen Alltags. Herr Blödorn fokussiert als Unternehmer die NFT Kunst in seinem Unternehmen. Dort erschafft man selbst die digitalen Ausstellungs- und Handelsräume im sogenannten Metaverse, in dem bereits heute eine erweiterte Realität von virtuellen Inhalten mit der physischen Welt verschmilzt.

Wie immer in der Freimaurerei geht es auch an diesem Abend um den Zugewinn an Wissen durch den hinterfragenden Dialog, garantiert durch den erfahrenen Moderator Ralf Hasford.

Was macht Kunst heute?

Welche Bedeutung hat Kunst heute? Wo, zwischen „Als Original an der Wand hängen und die Gedanken der Betrachter:innen bewegen und „Als Anlage- und Handelsobjekt finanz- wie wirtschaftspolitischen Mechanismen trotzend“, steht sie? Denn beides kann die physisch greifbare Kunst bereits spielend ausfüllen. Darüberhinaus können sich Kunstinteressierte fragen, was wird die digitale Welt der Kunst noch für Möglichkeiten geben und wie wollen wir uns dabei einbringen …

Mit dem breiten Feld der digitalen Kunstwerke eröffnet sich Künstler:innen, Galerist:innen wie auch Sammler:innen ein neues Betätigungsfeld. Doch wie wird in der digitalen Welt ein Original nachgewiesen, wenn Vervielfältigen der Daten so einfach ist? Wie kann die gleiche Sicherheit gewährleistet werden, wie etwa der Kauf eines zertifizierten und signierten Ölbildes? Mit den NFTs sind neue Ideen in der Welt gekommen. NFTs (Non-Fungible Token) sind digitale Besitznachweise von immateriellen Gütern. Token steht im englischen für Zeichen, Marke oder Münze. Sie basieren auf (derzeit) unveränderlichen Einträgen in einer speziellen Blockchain. Man nutzt diese Technologie um einen Vermögenswert, Vermögensgegenstand oder ein Wirtschaftsgut als kryptografisch eindeutige, unteilbare, aber auch unersetzbare sowie immer wieder überprüfbare Eintragung zu repräsentieren. Der Gegenstand kann dabei digitaler wie auch physischer Art sein.

Es ist dieser eine notwendige Schritt, in die neue Dimension des digitalen Raums, um in der schnelllebigen Welt die Garantien zu generieren, die sicher nicht nur bei Kunstfreund:innen sondern auch bei Banken und Versicherungen das Vertrauen in Werte schaffen. Sie sind noch neu und sicher nicht bei allen angekommen.

Warum beschäftigen sich Freimaurer mit NFT in der Kunst?

„Freimaurerei kann auf mehr als 300 Jahre Tradition zurück blicken. Dennoch stehen die Brüder heute mit beiden Beinen mitten im Leben.“, führt Herr Hasford aus. „So wie ein jeder Mensch seine Neugierde mit sich trägt, so schauen auch die Freimaurer:innen auf das, was kommen mag.“ Er führt seine Gedanken weiter aus, dass ein jeder Mensch mit Umsicht, Toleranz und Barmherzigkeit reagieren können sollte, wenn neue Herausforderungen den Alltag beeinflussen, bereichern oder vielleicht auch grundlegend verändern. Dabei findet er den Dialog zum Wissenserwerb als eine wichtige Form, um mit mehr als einer Option reagieren zu können.

„Durch Gespräche und Beschäftigung mit Neuem kann so die Grundlage für ein resilientes Leben gelegt werden. Dabei wird es genauso um Nachhaltigkeit und Teilhabe gehen, wie um den gesellschaftlichen Fortschritt. Ich bin der Meinung, dass Technologie den Menschen ausschließlich unterstützen sollte, was in der kriegerischen Welt gerade leider missachtet wird.“ Im Kleinen wie im Großen bringen sich daher Freimaurer in den öffentlichen Diskurs ein.

Kunst – Künstler – Technik – Nachhaltigkeit

Schon immer waren Künstler:innen die ersten, wenn es etwas auszuprobieren galt. Ob bei der Verwendung von Farben und Formen, Technologien oder Verhaltensweisen, die Kunst ist maßgebend und eilt der Gesellschaft voran. Meist folgt der Kommerz erst dann, wenn sich eine Technologie durchsetzt und sich drumherum ein Markt aufbauen lässt. Mit der neuen Technologie rund um die digitalen Künste ist es nicht anders. Gruppenübergreifende Partizipationsprozesse, virtuelle Realitäten, interaktive Videos uvm. sind gegenwärtig.

Doch damit sich Kunst von den Almosen des Staates oder der Mäzene ablösen kann, braucht es neue Handelsplattformen und Welten. Hier müssen Künstler:innen am Erlös wie auch an der Wertentwicklung endlich beteiligt werden. NFTs ermöglichen dabei Bahnbrechendes und trennen sich damit von den Geschäftsmodellen, die Galerien oder Auktionshäuser heute immer noch unverändert betreiben. Eine Chance der jedoch der enorme Energiebedarf der Technologie entgegensteht. Kritisch muss auch auf die Anbieter der Plattformen geschaut werden, an die ein Teil des Gewinns fließt – kommt es hier zu einer überbordenden Macht, die beeinflussen kann und über Staatsgrenzen hinweg reguliert werden muss?

Am Ende des Abends wird sicherlich nicht entschieden, was sich durchsetzt und wie es weiter geht, doch der gemeinsame Dialog schafft den Besucher:innen einen Mehrwert an Wissen.

Der Künstler Rudi Fischer

Rudi Fischer *1960 in Stuttgart, Dipl. Betriebswirt (Berufsakademie Stuttgart). Er beginnt autodidaktisch 1987 mit der Kunstmalerei. Ab 1990 folgen regelmäßige Ausstellung zunächst in Deutschland, dann verbunden mit einem langjährigen Aufenthalt in Amerika.

Ein Meilenstein dann 1997 mit der Erarbeitung und Umsetzung des Kunstkonzept für die Allianz in den Berliner Treptowers. Ab 1999 kommen erste Komposition von Musikstücken hinzu und im Jahr 2000 erarbeitet Fischer sein erstes Drehbuch „THE STRING TRAVELLERS“. Die ganze Zeit zeigt er in wechselnden Einzel- und Gruppenausstellungen neue Werke.

Zu erwähnen ist Fischers bewusste Auseinandersetzung mit der Ökonomie und der damit in Verbindung stehenden Veränderung der Welt. Dazu gibt es 2016 die Weltpremiere der 20-Fuß-Container-Skulptur „Meta Values“ aus der Werkgruppe „Value Chain“, anlässlich des 50-jährigen Jubiläums des 1. Containers in Europa in Bremen. Vor 500 geladenen Gästen im BLG Forum Bremen Überseestadt wurde der Container im BLG Forum an zentraler Stelle aufgestellt. Die Container zogen dann als eine Wanderausstellung weiter. Heute arbeitet der Künstler Rudi Fischer in seinem Atelier im ehemaligen Rechenzentrum in Potsdam.

Seine nächsten Aktivitäten führen Fischer in die virtuelle Kunstwelt. In Zusammenarbeit mit der Münchner Firma METAYO metaverse technologies SE entsteht ein erstes Projekt einer immateriellen Skulptur.

Mehr über den Künstler! 

Zum Ausstellungsort / Veranstalter:

Großen Landesloge der Freimaurer von Deutschland | Freimaurerorden, Ordenshaus Berlin, Peter-Lenné-Straße 1 – 3, 14195 Berlin Dahlem, Tel. +49 30 841716 –0. Webseite: freimaurerorden.org

Besichtigung der Ausstellung nach Anmeldung:

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Unser Leben hat sich in den letzten drei Jahren verändert. Da uns die frühen 2020er Jahre, wahrscheinlich immer, als die drastischen „What The F**k?“-Jahre in Erinnerung bleiben werden, dachten wir, dass es kein besseres Thema für die allererste TED’s brand – TEDxYouth@München – NFT Ausstellung geben könnte als “REFLECTIONS 2022”.

REFLECTIONS 2022 ist eine von Nahid Shahalimi und Lianna Adams kuratierte NFT-Ausstellung, die von „We the Women“ gesponsert wird, um junge Künstlerinnen und Künstler aus der NFT-Welt zu unterstützen und ihnen Raum zu geben.

NFT-Künstlerinnen und -Künstler im Alter von +/-20 Jahren wurden eingeladen, ein Original-Kunstwerk in einem Medium ihrer Wahl einzureichen, das die Ereignisse der letzten drei Jahre und deren Auswirkungen auf ihr Leben reflektiert:

REFLECTIONS 2022 über:

die verschiedenen Kriege?

das Nichterreichen der Klimaziele?

die Pandemie?

rassistische Angriffe weltweit?

den nächsten Lockdown?

den Verlust der Rechte von Frauen/Mädchen/LGBTQI+?

We The Women X TEDxYouth@München REFLECTIONS 2022

Die Verantwortlichen geben bekannt: „Die TEDxMünchen Community ist in den letzten Jahren erfolgreich gewachsen, die letzten Veranstaltungen waren ein großer Erfolg. Deshalb freuen wir uns sehr, unser TEDxYouth@München Festival 2022 anzukündigen. Nach einer erstaunlichen ersten Runde 2019, und einer fantastischen digitalen Konferenz 2020, können wir es kaum erwarten, euch alle dieses Jahr wieder im echten Leben zu treffen!

Für TEDxYouth@München konzentrieren wir uns auf eine Zielgruppe von +/-20 Jahren, die neugierig, wissbegierig, aufgeschlossen und bereit ist, aktiv zu werden. Am 26. Juli 2022 werden wir im Werk 7 Theater und in der Tonhalle im Werksviertel München zu Gast sein. Zwei wunderschöne Locations mit einer großartigen Umgebung und einer urbanen, lebendigen Atmosphäre.

Mit TEDxYouth@München 2022 wollen wir junge Menschen ermutigen, inspirieren und zum Ideenaustausch einladen. Wir freuen uns, dass es so viele von Euch gibt, die den Mut haben, auf unsere Bühne zu gehen und über die Dinge zu sprechen, die wichtig sind, über Ideen und Projekte.

Getreu dem TED(x)-Geist ist es uns wichtig, dass unsere Gäste nicht nur inspirierende Vorträge hören, sondern einen Event erleben, der es ihnen ermöglicht neue Dinge auszuprobieren, über den Tellerrand zu schauen und sich mit anderen Gästen, Partnern und Rednern auszutauschen. Auf unserem Festivalgelände bieten wir interessante Workshops, interaktive Aktivitäten und eine Menge an Unterhaltung, die Ihr sehen und erleben könnt.“

 

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We The Women

We The Women (WTW) wurde 2008/2009 von Nahid Shahalimi in München, Deutschland, als kreativ soziale Initiative gegründet. Heute ist WTW ein unabhängiges, weltweit tätiges Social-Impact-Unternehmen. Mit besonderem Fokus auf das Wohlergehen von Frauen, Jugendlichen und marginalisierten Gruppen mit Hauptsitz in München.

WTW hat die Vision einer achtsamen Gesellschaft, die auf einer Kultur des Friedens, der globalen Gerechtigkeit und der Gleichberechtigung der Geschlechter basiert. WTW unterstützt all jene, die dazu beitragen, die bestehenden Narrative umzugestalten. Sie organisieren maßgeschneiderte, kreative Veranstaltungen, Podiumsdiskussionen, Programme und vermitteln Expertenwissen. Das Ziel: Soziale Projekt zu unterstützen, die auf die Bedürfnisse der verschiedenen Länder abgestimmt sind.

WTW bietet Plattformen für den Dialog an, die Vielfalt/Intersektionalität/Inklusion sowie Emanzipation durch Bildung, Sport, Kreativität und Innovation aufzeigen.

www.we-the-women.com

Nahid Shahalimi

Nahid Shahalimi ist eine, in Afghanistan geborene, kanadische Autorin, Künstlerin, Filmemacherin und Gründerin von „We The Women“. Wachsporträts mächtiger deutscher Frauen waren 2008/9 Shahalimis bekanntestes Projekt, gefolgt von „German Soccer For Life”: ein Gemälde der gesamten deutschen Fußballnationalmannschaft (Gewinner der FIFA-Weltmeisterschaft 2016); beide Projekte wurden vollständig an Wohltätigkeitsorganisationen in aller Welt gespendet.

Darüber hinaus wurde 2015 ihre Kampagne „Stand Up For Unity“ ins Leben gerufen (vom Dalai Lama und mehreren hochrangigen, weltbekannten Persönlichkeiten befürwortet), die Projekte in Entwicklungsländern und in der digitalen Kreativbranche umfasst, die alle sozial ausgerichtet sind.

Seit zwei Jahrzehnten unterstützt Shahalimi Projekte für Frauen und Mädchen in Afghanistan. Ihre Arbeit intensivierte sich, als sie (ab 2011) in ihr Geburtsland reiste und kleine Basisprojekte vor Ort recherchierte, filmte und mitfinanzierte. Von Bildungs-, Kreativ- und Empowerment-Projekten bis hin zur Unterstützung von Frauen-Nationalsportteams mit Ausrüstung. Bei allen steht die Stärkung der Frauen im Mittelpunkt.

2017 veröffentlichte sie ihr erstes Buch auf Deutsch, „Wo der Mut die Seele trägt“, und erntete große Anerkennung. Darauf folgte ihr preisgekrönter Film „We The Women of Afghanistan: A Silent Revolution“.

Zu ihren jüngsten Projekten gehören die Beratung von hochrangigen Beamten und Lenkungsausschüssen für afghanische Frauenverteidigerinnen und die Kuratierung der NFT-Ausstellungsreihe.

Zudem schreibt Shahalimi an der Fortsetzung ihres Bestsellers „Wir Sind Noch Da!“ (erschienen im November 2021 im Elisabeth Sandmann Verlag), einer Sammlung von Berichten mutiger afghanischer Expertinnen aus erster Hand, geschrieben wenige Tage nach dem Fall von Kabul (August 2021). Die Fortsetzung soll von Penguin Randome House zum ersten Jahrestag des Abzugs der US-geführten Streitkräfte veröffentlicht werden.

 

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Lianna Adams

Lianna Adams setzt sich leidenschaftlich dafür ein, die Welt zu einem besseren Ort zu machen. Sie möchte andere dazu inspirieren, selbst ein dauerhaftes Vermächtnis zu hinterlassen. Ihre Karriere begann, als ihr klar wurde, dass sie das Leben außerhalb der vier Wände eines Klassenzimmers erkunden wollte.

Sie verließ die Universität für einen Job im Bereich Medien und Kommunikation. Danach produzierte sie Radio- und Fernsehsendungen und wurde schließlich eine beliebte Moderatorin. In dieser Funktion reiste sie um die Welt, um international bekannte Persönlichkeiten mit interessanten Geschichten zu interviewen.

Ihr Streben nach Wissen und Abenteuer führte sie vom Fernsehen zu preisgekrönten Veranstaltungen und Festivals, bevor sie ihre Sachen packte, um in London neu anzufangen. Dort baute sie ihre Fähigkeiten aus. Sammelte weiter Erfahrung und Wissen, und öffnete ihren Geist für abweichendes Denken, neue Ideen und Erkenntnisse. Ihre einzigartige Fähigkeit, Muster und Strukturen zu erkennen, nutzte sie zur erfolgreichen Produktion von Unterhaltungsinhalten und Veranstaltungen, einschließlich der Organisation ihrer eigenen Kunstmessen, der Zusammenarbeit mit großen Auktionshäusern und international anerkannten Künstlern und Marken.

Lianna arbeitet an der Schnittstelle von Kunst und Kultur und setzt sich mit großer Leidenschaft dafür ein, unterrepräsentierten und sozial benachteiligten Menschen eine Stimme zu geben. Seit kurzem baut Lianna eine Community für Organisationen auf, die ein sinnvolles Ziel verfolgen und gibt ihr Wissen über Kommunikation, Markenmarketing, Strategien und Eventproduktion an NGOs und NFT-Projekte und -Plattformen weiter, um deren Wachstum voranzutreiben.

Für die Community hält Lianna sogenannte Mental-Health Check-In-Räume bereit. Darüber hinaus ist sie Mitglied des Top Tier Impact Network. Sie berät DAOs und Organisationen, die sich auf soziale Auswirkungen und Inklusivität konzentrieren. Sie ist Vice President bei „TheDream Conduit“, einer 501c3 kohlenstoffneutralen DAO, die es Kreativen ermöglicht, ihr Potenzial im NFT-Bereich zu maximieren.

Ihre Leidenschaft ist es zu Netzwerken und Menschen dahingehend zu inspirieren, einen nachhaltigen positiven Einfluss in der physischen und digitalen Welt zu hinterlassen.

Mehr über die Künstlerin: https://lianna-adams.com

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