Die Stadt im Kopf: Zwischen Wahrnehmung, Erinnerung und Architektur: Stephen Wiltshire gehört zu den außergewöhnlichsten zeitgenössischen Zeichnern unserer Zeit. Seine Werke entstehen nicht vor dem Motiv, sondern vollständig aus der Erinnerung. Ganze Metropolen entfalten sich auf großformatigen Panoramen wie mentale Kartografien – präzise, strukturiert und zugleich subjektiv gefiltert.

New York, Tokio oder Rom erscheinen bei ihm nicht als fotografische Kopie, sondern als rekonstruierte innere Landkarte urbaner Räume.

Frühe Wahrnehmung: Zeichnen als erste Sprache

Geboren 1974 in London, wurde Stephen Wiltshire bereits in jungen Jahren als autistisch diagnostiziert. Seine Wahrnehmung der Welt war früh stark visuell geprägt, während Sprache zunächst eine untergeordnete Rolle spielte.

Das Zeichnen wurde dadurch zu seinem zentralen Ausdrucksmittel – und schließlich zu seiner ersten „Sprache“. Was zunächst als kindliche Detailverliebtheit wahrgenommen wurde, entwickelte sich zu einer der bemerkenswertesten visuellen Fähigkeiten der Gegenwartskunst.

Früh zeigte sich eine außergewöhnliche Fähigkeit, architektonische Strukturen präzise zu erfassen und wiederzugeben. Diese besondere Wahrnehmungsform wurde gezielt gefördert und legte den Grundstein für seine spätere künstlerische Entwicklung.

Der Blick aus der Luft: Wie Städte im Gedächtnis entstehen

Zentral für die Arbeitsweise von Stephen Wiltshire ist ein kurzer, intensiver visueller Eindruck.

Oft genügt ein Helikopterflug über eine Stadt, manchmal nur wenige Minuten. In dieser Zeit entsteht kein klassisches Skizzenmaterial, sondern ein komplexes inneres Strukturmodell: Straßenverläufe, Proportionen, Gebäudeachsen und räumliche Beziehungen werden im Gedächtnis gespeichert.

Die Stadt wird dabei nicht fotografisch „abgelegt“, sondern als geordnetes visuelles System internalisiert.

Vom inneren Bild zur großformatigen Zeichnung

Zurück im Atelier beginnt die Transformation dieses mentalen Bildes in eine Zeichnung.

Ohne Referenzmaterial rekonstruiert Stephen Wiltshire die Stadt Schritt für Schritt:

Zuerst entstehen die Grundachsen der Skyline.
Dann folgen markante Gebäude und architektonische Landmarken.
Schließlich füllt er die Komposition mit tausenden feinsten Details.

Der Prozess ist hochkonzentriert, systematisch und wirkt wie das Abrufen einer inneren Stadtkarte.

Zwischen Realität und Erinnerung: Die doppelte Stadt

Die Werke von Stephen Wiltshire sind keine exakten Reproduktionen.

Sie bewegen sich zwischen Dokumentation und Interpretation. Die Stadt erscheint durch das visuelle Gedächtnis des Künstlers gefiltert – präzise genug für Wiedererkennbarkeit, aber zugleich subjektiv verdichtet.

So entsteht eine hybride Bildform: halb Kartografie, halb Erinnerung.

Konzentration als künstlerisches System

Der Arbeitsprozess wirkt wie ein geschlossenes System aus Aufmerksamkeit, Struktur und Wiederholung.

Über viele Stunden hinweg baut Wiltshire seine Panoramen schichtweise auf. Häufig begleitet ihn Musik als rhythmischer Rahmen, der die Konzentration stabilisiert.

Die Zeichnung wird dabei zu einem Prozess des mentalen Abrufs – eine visuelle Übersetzung innerer Ordnung.

Ausstellungen und künstlerische Präsenz

Obwohl Stephen Wiltshire international bekannt ist, folgt seine Präsenz keinem klassischen Ausstellungsrhythmus.

Stattdessen bewegt sich sein Werk zwischen selektiven Galeriepräsentationen, internationalen Kunstmessen und projektbezogenen Sonderformaten. Viele Arbeiten entstehen im Auftrag von Städten, Institutionen oder Sammlern.

Ein wesentlicher Teil seiner Sichtbarkeit entsteht zudem durch Live-Zeichenperformances, bei denen der Entstehungsprozess selbst zur Ausstellung wird.

Kunst im öffentlichen Raum: Wo man Stephen Wiltshires Werke sehen kann

Die Werke von Stephen Wiltshire sind nur selten klassisch im Stadtraum verteilt. Stattdessen erscheinen sie an ausgewählten, stark frequentierten Orten, an denen Stadt, Architektur und Öffentlichkeit direkt aufeinandertreffen.

Empire State Building – New York

Im Besucherbereich des Empire State Building ist ein großformatiges Panorama der Stadt installiert, das auf seiner berühmten Manhattan-Zeichnung basiert.

Die Arbeit geht auf einen Helikopterflug über New York zurück, nach dem er die gesamte Skyline aus dem Gedächtnis rekonstruierte.
Damit ist das Werk Teil eines der meistbesuchten Observatorien der Welt.

Singapore City Gallery – Singapur

In der Singapore City Gallery der Urban Redevelopment Authority wurde ein monumentales Stadtpanorama präsentiert.

Die Arbeit ist Teil einer öffentlich zugänglichen Ausstellung zur Stadtentwicklung und fungiert zugleich als künstlerische und kartografische Interpretation urbaner Struktur.

Internationale Flughäfen und urbane Institutionen

Arbeiten von Stephen Wiltshire wurden mehrfach in internationalen Flughäfen und Transitbereichen gezeigt.

Dazu gehören:

großformatige Reproduktionen seiner Stadtpanoramen
Installationen in Ankunfts- und Besucherzonen
temporäre kulturelle Präsentationen

Diese Orte verstärken die Wirkung seiner Kunst, da sie selbst Knotenpunkte globaler Bewegung sind.

Live-Zeichenperformances als öffentlicher Raum

Ein besonderer Aspekt seiner Präsenz im öffentlichen Raum sind seine Live-Performances.

Hier entstehen Werke vor Publikum in Städten wie New York, Tokio, Hongkong, Dubai oder Rom. Der Raum der Ausstellung ist dabei nicht das Museum, sondern die Stadt selbst oder eine öffentlich zugängliche Halle.

Der Entstehungsprozess wird zur Performance – und das Publikum wird Teil einer visuellen Rekonstruktion.

Zwischen Galerie, Stadt und Ereignisraum

Im kunsthistorischen Kontext nimmt Stephen Wiltshire eine hybride Position ein.

Seine Werke bewegen sich zwischen:

klassischen Galerie- und Museumskontexten
öffentlichen Installationen in stark frequentierten Orten
performativen Live-Zeichnungen im urbanen Raum
und projektbezogenen Auftragsarbeiten

Die Ausstellung ist bei ihm kein fester Ort, sondern ein wechselnder Zustand – mal Bild, mal Prozess, mal Stadt selbst.

Fazit: Die Stadt als Gedächtnisform

Stephen Wiltshire verschiebt die Grenzen dessen, was Zeichnung leisten kann.

Seine Kunst ist kein klassisches Abbild der Welt, sondern ein System aus Erinnerung, Struktur und Wahrnehmung. Städte werden zu mentalen Architekturen, die zwischen Präzision und subjektiver Verdichtung oszillieren.

In einer Gegenwart, in der urbane Räume meist fotografisch dokumentiert werden, eröffnet sein Werk eine alternative Perspektive: Sehen als Erinnerung, Zeichnen als Denken, Stadt als inneres Archiv.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler: https://www.stephen-wiltshire.co.uk

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Statt die bekannte Geschichte eines Meisters und seines Schülers zu erzählen, untersucht die Wifredo Lam & Pablo Picasso Schau den kreativen Austausch zweier Künstler, die die Moderne auf unterschiedliche Weise geprägt haben. Damit rückt sie zugleich einen Künstler ins Zentrum, dessen Bedeutung für die globale Kunstgeschichte heute neu bewertet wird.

Wifredo Lam & Pablo Picasso Ausstellung auf einen Blick

Titel: Wifredo Lam & Pablo Picasso
Ort: Galerie Gmurzynska, New York
Adresse: 595 Madison Avenue, New York, NY 10022
Laufzeit: 23. April bis 30. Juni 2026
Umfang: Rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978

Gezeigt werden: Gemälde, Arbeiten auf Papier, Collagen, Keramiken und Fresken von Wifredo Lam und Pablo Picasso

Besonderheit: Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Beziehung beider Künstler und präsentiert bislang wenig bekannte Aspekte ihres kreativen Austauschs.

Begleitpublikation: Wissenschaftlicher Ausstellungskatalog mit Archivmaterial und neuen Forschungsergebnissen.

Eine Ausstellung über mehr als nur eine Künstlerfreundschaft

Die New Yorker Galerie Gmurzynska widmet sich aktuell einer außergewöhnlichen Beziehung der Kunstgeschichte. Mit der Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“ rückt sie zwei Künstler in den Fokus, deren Wege sich 1938 in Paris kreuzten und deren Verbindung die Entwicklung der modernen Kunst nachhaltig beeinflusste.

Auf den ersten Blick scheint die Geschichte vertraut: Ein junger, talentierter Künstler trifft auf einen bereits weltberühmten Meister. Doch die aktuelle Neubewertung von Wifredo Lam zeigt, dass diese Erzählung zu kurz greift. Tatsächlich gilt Lam heute als einer der bedeutendsten transnationalen Künstler des 20. Jahrhunderts – und als eigenständige Stimme innerhalb der globalen Moderne.

Die Ausstellung kommt zu einem Zeitpunkt, an dem Museen, Kunsthistoriker und Sammler den Blick auf die Kunstgeschichte neu ausrichten. Künstler, die lange außerhalb des europäischen Kanons standen, erhalten zunehmend die Aufmerksamkeit, die ihnen jahrzehntelang verwehrt blieb.

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla wurde 1902 in Sagua La Grande auf Kuba geboren. Seine Familiengeschichte vereinte unterschiedliche kulturelle Traditionen: Sein Vater war ein chinesischer Einwanderer, seine Mutter besaß afrikanische und spanische Wurzeln.

Diese kulturelle Vielfalt prägte sein gesamtes Werk.

Nach seinem Studium in Havanna zog Lam nach Spanien, wo er die Entwicklungen der europäischen Moderne aus nächster Nähe erlebte. Die politischen Spannungen der Zeit, der Spanische Bürgerkrieg und die Begegnung mit den Avantgarden Europas beeinflussten seine künstlerische Entwicklung nachhaltig.

1938 verließ Lam Spanien und zog nach Paris. Dort begegnete er Pablo Picasso.

Rückblickend markiert dieses Treffen einen Wendepunkt in der Geschichte der modernen Kunst.

Das Treffen mit Picasso

Als Wifredo Lam Picasso kennenlernte, war dieser bereits eine der bekanntesten Persönlichkeiten der internationalen Kunstwelt. Picasso erkannte schnell das außergewöhnliche Talent des kubanischen Künstlers und unterstützte ihn aktiv.

Er stellte Lam bedeutenden Persönlichkeiten der Pariser Avantgarde vor und öffnete ihm die Türen zu Netzwerken, die für seine weitere Karriere entscheidend werden sollten.

Über Picasso lernte Lam unter anderem André Breton kennen, den Begründer des Surrealismus. Gleichzeitig erhielt er Zugang zu Sammlern, Galeristen und Künstlern, die damals das kulturelle Leben Europas prägten.

Doch obwohl Picasso für Lam eine wichtige Rolle spielte, entwickelte sich der Kubaner keineswegs zu einem Nachahmer.

Warum Wifredo Lam heute neu entdeckt wird

Lange wurde Wifredo Lam vor allem über seine Verbindung zu Pablo Picasso wahrgenommen. Diese Sichtweise greift jedoch zu kurz. Zwar spielte Picasso eine wichtige Rolle für Lams Karriere und öffnete ihm die Türen zur Pariser Avantgarde, doch entwickelte der kubanische Künstler früh eine eigenständige Bildsprache.

Während Picasso sich intensiv mit afrikanischen und außereuropäischen Kunsttraditionen auseinandersetzte, brachte Lam diese kulturellen Erfahrungen bereits aus seiner eigenen Lebenswelt mit. Seine Werke verbanden afrokaribische Spiritualität, chinesische Herkunft, europäische Moderne und kubanische Identität zu einer Bildsprache, die innerhalb der Kunst des 20. Jahrhunderts einzigartig war.

Neuere Forschungen betonen zudem, dass die Beziehung zwischen beiden Künstlern keineswegs einseitig verlief. Picasso erkannte in Lam eine kulturelle Perspektive und Authentizität, die für die europäische Avantgarde von großer Bedeutung war. Die aktuelle Ausstellung zeigt deshalb nicht nur Einfluss, sondern auch Austausch – und rückt beide Künstler auf Augenhöhe zusammen.

Die Bedeutung von „The Jungle“

Wer sich mit Wifredo Lam beschäftigt, kommt an einem Werk nicht vorbei: „The Jungle“ aus dem Jahr 1943.

Das Gemälde gilt als Schlüsselwerk seines Schaffens und befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York.

Auf den ersten Blick zeigt das Werk ein dichtes Geflecht aus Pflanzen, Masken, menschlichen Körperteilen und fantastischen Wesen. Doch hinter der surrealen Bildwelt verbirgt sich eine tiefgehende Auseinandersetzung mit Kolonialismus, Identität und kultureller Unterdrückung.

„The Jungle“ machte deutlich, dass Lam die europäische Moderne nicht einfach übernahm. Er transformierte sie und schuf daraus eine eigene visuelle Sprache.

Heute gilt das Werk als eines der bedeutendsten Gemälde der globalen Moderne und als Schlüsselwerk der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Ein früher Vorreiter postkolonialer Perspektiven

Viele Themen, die heute die internationale Kunstwelt beschäftigen, finden sich bereits in Lams Werk.

Fragen nach kultureller Identität, Herkunft, Hybridität und kolonialen Machtstrukturen durchziehen seine Arbeiten Jahrzehnte bevor diese Begriffe Teil kunstwissenschaftlicher Debatten wurden.

Gerade deshalb wird Lam heute häufig als einer der bedeutendsten Vorläufer postkolonialer Kunstgeschichte bezeichnet.

Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand. Vielmehr entwickelte sie sich durch globale kulturelle Austauschprozesse.

In dieser Hinsicht verkörpert Lam eine moderne Vorstellung von Kunst, die heute aktueller erscheint denn je.

Warum Museen Wifredo Lam neu bewerten

In den vergangenen Jahren hat sich die internationale Wahrnehmung von Wifredo Lam deutlich verändert.

Große Ausstellungen in Europa und Nordamerika haben seine Bedeutung für die Kunst des 20. Jahrhunderts neu beleuchtet. Einen wichtigen Höhepunkt bildete die umfangreiche Retrospektive „Wifredo Lam: When I Don’t Sleep, I Dream“ im Museum of Modern Art in New York.

Die Ausstellung präsentierte Lam nicht als Randfigur der Moderne, sondern als zentrale Stimme einer globalen Kunstgeschichte.

Für viele Besucher war dies die erste Gelegenheit, die Vielfalt seines Werkes in diesem Umfang kennenzulernen.

Diese institutionelle Anerkennung wirkt sich zunehmend auch auf Forschung, Sammlungen und den Kunstmarkt aus.

Die Rolle der Galerie Gmurzynska

Vor diesem Hintergrund erhält die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska besondere Relevanz.

Anstatt Picasso als Hauptfigur zu präsentieren, untersucht die Galerie die Beziehung beider Künstler auf Augenhöhe. Die Ausstellung vereint rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978, darunter Gemälde, Fresken, Arbeiten auf Papier, Collagen und Keramiken. Zu den Höhepunkten zählen eine seltene „Étude pour La Jungle“ von 1943 sowie bedeutende Werke aus dem Nachlass Lams. Ergänzt wird die Schau durch selten gezeigte Picasso-Arbeiten, darunter Fresken aus seiner Zeit in Biarritz.

Parallel erscheint ein wissenschaftlicher Katalog mit bislang unveröffentlichtem Archivmaterial zur Beziehung der beiden Künstler.

Damit verfolgt Gmurzynska einen Ansatz, der weit über klassische Ausstellungstätigkeit hinausgeht. Die Galerie positioniert sich als aktiver Akteur innerhalb kunsthistorischer Forschung und Neubewertung.

Warum die Ausstellung heute relevant ist

Die Neubewertung von Wifredo Lam steht exemplarisch für einen größeren Wandel innerhalb der Kunstgeschichte. Museen, Forschungseinrichtungen und Sammlungen hinterfragen zunehmend eurozentrische Erzählungen der Moderne und richten den Blick auf Künstler, die lange außerhalb des etablierten Kanons standen.

Lam nimmt in dieser Entwicklung eine Schlüsselrolle ein. Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand, sondern durch globale kulturelle Austauschprozesse geprägt wurde. Die Ausstellung der Galerie Gmurzynska macht deutlich, wie eng europäische Avantgarden mit Künstlern aus der Karibik, Afrika, Asien und Lateinamerika verbunden waren.

Gerade deshalb erscheint Wifredo Lam heute als eine der zentralen Figuren einer globalen Moderne – und nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos.

Warum Sammler auf Wifredo Lam blicken

Die steigende Aufmerksamkeit für Wifredo Lam hat auch Auswirkungen auf den internationalen Kunstmarkt.

Werke des Künstlers befinden sich heute in den Sammlungen führender Museen weltweit. Gleichzeitig wächst das Interesse privater Sammler an Positionen, die historisch bedeutend, aber lange unterrepräsentiert waren.

Lam vereint mehrere Faktoren, die für den Markt zunehmend relevant sind:

Internationale Museumspräsenz
Hohe kunsthistorische Bedeutung
Kulturelle Aktualität
Begrenzte Verfügbarkeit wichtiger Werke
Wachsende wissenschaftliche Forschung

Dadurch entwickelt sich Lam zunehmend zu einer der spannendsten Figuren innerhalb der klassischen Moderne.

Fazit

Die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska zeigt weit mehr als die Beziehung zwischen zwei Künstlern.

Sie verdeutlicht, wie sich unser Verständnis von Kunstgeschichte verändert. Wifredo Lam erscheint heute nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos, sondern als eigenständiger Protagonist einer globalen Moderne.

Seine Werke verbinden Kulturen, Traditionen und historische Erfahrungen auf einzigartige Weise. Gerade deshalb gewinnt sein Schaffen heute eine neue Relevanz.

Die Geschichte von Picasso und Lam ist damit nicht nur eine Geschichte über Freundschaft.

Sie ist zugleich eine Geschichte darüber, wie Kunstgeschichte immer wieder neu geschrieben wird.

FAQ: Wifredo Lam und Pablo Picasso

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Lam (1902–1982) war ein kubanischer Künstler, der afrokaribische, chinesische und europäische Einflüsse mit Kubismus und Surrealismus verband. Heute gilt er als einer der bedeutendsten Vertreter der globalen Moderne.

Wie lernte Wifredo Lam Pablo Picasso kennen?

Die beiden Künstler begegneten sich 1938 in Paris. Picasso erkannte früh Lams Talent, unterstützte ihn mit wichtigen Kontakten zur Avantgarde und stellte ihn unter anderem André Breton vor.

Warum gilt Wifredo Lam heute als so bedeutend?

Lam entwickelte eine eigenständige Bildsprache, die kulturelle Identität, Spiritualität, Kolonialgeschichte und Moderne miteinander verband. Viele seiner Themen gelten heute als Vorläufer postkolonialer Kunstdiskurse.

Was ist „The Jungle“?

„The Jungle“ von 1943 ist das bekannteste Werk Wifredo Lams. Das Gemälde verbindet surrealistische Elemente mit afrokaribischer Symbolik und gilt als Schlüsselwerk der globalen Moderne.

Was zeigt die Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“?

Die Ausstellung untersucht die persönliche und künstlerische Beziehung zwischen Wifredo Lam und Pablo Picasso. Gezeigt werden rund 50 Werke aus sechs Jahrzehnten, darunter Gemälde, Collagen, Arbeiten auf Papier, Keramiken und Fresken.

Wo findet die Ausstellung statt?

Die Ausstellung wird in der Galerie Gmurzynska in New York gezeigt.

Wie lange läuft die Ausstellung?

Die Ausstellung läuft vom 23. April bis zum 30. Juni 2026.

Warum ist die Ausstellung relevant?

Die Schau zeigt, wie sich die Kunstgeschichte zunehmend von einer rein europäischen Perspektive löst und Künstler wie Wifredo Lam als zentrale Akteure einer globalen Moderne neu bewertet.

Die Galerie Beck & Eggeling aus Düsseldorf nimmt an der TEFAF New York 2026 (15.–19. Mai) teil und zeigt eine Auswahl von Werken, die zentrale Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts abbilden. Die Präsentation verbindet Positionen der Klassischen Moderne mit wichtigen Strömungen der Nachkriegsavantgarde und der ZERO-Bewegung.

Im Fokus steht eine Arbeit von Piero Manzoni aus seiner Achrome-Serie, die ab Ende der 1950er-Jahre entstand. In diesen Werken löste Manzoni die Malerei konsequent von klassischer Farbigkeit und Bildillusion und verschob den Fokus auf Material, Struktur und Wahrnehmung. Die Achrome gelten heute als Schlüsselwerk für den Übergang zur konzeptuellen und materialbasierten Kunst der Nachkriegszeit.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke von Pablo Picasso, Wassily Kandinsky und Max Ernst sowie Positionen von Yayoi Kusama und Künstlern der ZERO-Bewegung wie Heinz Mack und Günther Uecker.

Warum die Moderne für zeitgenössische Kunst entscheidend bleibt

Die in New York präsentierten Positionen machen deutlich, dass viele grundlegende Fragen der zeitgenössischen Kunst bereits in der Moderne und Nachkriegsavantgarde angelegt sind. Ob der Umgang mit Material, die Auflösung klassischer Bildstrukturen oder die Verschiebung hin zu konzeptuellen Ansätzen. Zentrale Entwicklungen heutiger künstlerischer Praxis lassen sich auf diese historischen Positionen zurückführen.

Gerade Künstler wie Piero Manzoni oder Vertreter der ZERO-Bewegung haben die Wahrnehmung von Kunst nachhaltig verändert. Indem sie das Werk nicht mehr ausschließlich als Bild, sondern als Erfahrungsraum verstanden. Diese Perspektive ist bis heute in der zeitgenössischen Kunst wirksam und prägt sowohl junge künstlerische Positionen als auch aktuelle kuratorische Ansätze.

Die Präsentation auf der TEFAF New York 2026 verdeutlicht somit nicht nur kunsthistorische Zusammenhänge, sondern auch die Kontinuitäten zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Ein Spannungsfeld, das für das Verständnis aktueller Kunstproduktion weiterhin relevant bleibt.

 

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Titelbild: Besucherinnen vor einem großen *Achrome* von Piero Manzoni in der legendären ZERO-Ausstellung. * Nul *im Stedelijk Museum Amsterdam, 1962  © Piero Manzoni Foundation. Quelle: Newsletter Beck&Eggeling.

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Mit der TEFAF New York 2026 richtet sich im Mai erneut der Blick auf eine Messe, die seit Jahren für Qualität, Präzision und internationale Relevanz steht. Im historischen Park Avenue Armory versammeln sich rund 88 ausgewählte Galerien – ein bewusst verdichtetes Format, das weniger auf Breite als auf Verlässlichkeit setzt.

Doch die Frage, ob die TEFAF tatsächlich die wichtigste Kunstmesse ist, lässt sich nur im größeren Kontext beantworten. Denn der internationale Messekalender ist vielfältiger denn je – und unterschiedliche Formate erfüllen sehr unterschiedliche Funktionen.

Ein Blick auf die globale Messelandschaft

Wer über Bedeutung spricht, kommt an einigen Namen nicht vorbei:

Die Art Basel gilt für viele als zentraler Fixpunkt des globalen Kunstmarkts – mit Ablegern in Miami Beach, Hongkong und Paris. Hier trifft institutionelle Relevanz auf Marktdynamik.

Die Frieze London und die Frieze New York stehen für eine starke Verbindung von Gegenwartskunst, kuratorischem Anspruch und internationalem Netzwerk.

Die Armory Show wiederum ist fest in New York verankert und bietet eine breitere Plattform für moderne und zeitgenössische Positionen.

In Deutschland setzt die Art Cologne weiterhin wichtige Impulse, insbesondere im europäischen Kontext.

Jede dieser Messen hat ihre eigene Rolle – keine ersetzt die andere.

Wo positioniert sich die TEFAF?

Die Stärke der TEFAF liegt weniger in Größe oder medialer Aufmerksamkeit, sondern in ihrer Spezialisierung.

Sie steht für:

strenge Auswahlverfahren
geprüfte Werke (Vetting)
eine Verbindung von moderner, zeitgenössischer und historischer Kunst
ein hohes Maß an Vertrauen im Markt

Galerien wie Gagosian, Hauser & Wirth oder David Zwirner prägen diese Ausrichtung ebenso wie spezialisierte Häuser im Bereich Design, etwa Friedman Benda.

Über diese Galerien werden Künstler:innen wie Gerhard Richter, Yayoi Kusama oder Louise Bourgeois präsentiert – Positionen, die den Markt nicht mehr suchen, sondern längst definieren.

Bedeutung ist nicht gleich Bedeutung

Die Frage: Was ist die wichtigste Kunstmesse? –  hängt stark davon ab, aus welcher Perspektive man schaut:

Markt & Sichtbarkeit: → Art Basel
kuratorische Gegenwartskunst: → Frieze
Breite & Zugänglichkeit: → Armory Show oder regionale Formate
Qualität & Vertrauen: → TEFAF

Die TEFAF ist damit weniger die größte oder lauteste Messe – aber eine der präzisesten.

Und wo steht die Discovery Art Fair?

Im Vergleich dazu bewegt sich die Discovery Art Fair Cologne 2026 bewusst in einem anderen Bereich.

Sie steht für:

Offenheit und Zugänglichkeit
direkte Begegnungen mit Künstler:innen
neue, noch nicht etablierte Positionen

Während TEFAF Verdichtung bietet, ermöglicht die Discovery Art Fair einen ersten Zugang. Beide Formate greifen ineinander – sie bilden unterschiedliche Stationen innerhalb desselben Systems.

Konkrete Werke auf der TEFAF New York 2026

Ein genauer Blick auf die TEFAF New York 2026 zeigt, dass sich die Messe nicht nur über Galerien definiert, sondern über konkret kuratierte Einzelwerke, die bereits im Vorfeld benannt werden.

Ein zentrales Beispiel ist Shahzia Sikander mit der Arbeit The Hour Glass (2025), präsentiert von Sean Kelly Gallery (Stand 330). Die großformatige Glasmosaikarbeit verbindet südasiatische Bildtraditionen mit zeitgenössischer Formensprache. Sikander greift dabei Figuren auf, die sie bereits in den 1990er-Jahren entwickelte und die sie selbst als Ausdruck von „migrant love“ beschreibt – eine visuelle Sprache zwischen Verwurzelung, Transformation und kultureller Bewegung.

Ein weiterer zentraler historischer Bezugspunkt ist Andy Warhol mit Mao (1973), präsentiert von ML Fine Art (Stand 201). Die Arbeit gehört zu Warhols ikonischen politischen Siebdrucken und übersetzt das Bild Mao Zedongs in die Ästhetik der Pop Art. Entstanden nach der politischen Öffnung zwischen China und den USA, reflektiert das Werk die Verschmelzung von Propaganda, Massenmedien und Konsumkultur – ein klassisches Beispiel für Warhols kritischen Blick auf Macht und Bildproduktion.

Auch die klassische Moderne ist stark vertreten:

Die Galerie Jacques Lacoste (Stand 301) zeigt ein seltenes Werkpaar von Alberto Giacometti, entstanden 1944 in Genf. Die beiden Skulpturen aus Gips wurden direkt vom Künstler modelliert und gehören zu den wenigen großformatigen Arbeiten seiner Genfer Phase. Sie sind sowohl kunsthistorisch dokumentiert als auch in der Giacometti-Stiftung registriert – ein Beispiel für die enge Verbindung von Provenienz, Werkgeschichte und institutioneller Absicherung auf der TEFAF.

Einen deutlichen Kontrast dazu setzt Cecily Brown mit Functor Hideaway (2008), präsentiert von Berggruen Gallery (Stand 316). Die Arbeit bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und figurativen Andeutungen. Brown entwickelt darin eine dichte, fast körperliche Bildstruktur, in der sich Malerei als Bewegung und Auflösung zugleich zeigt – ein Ansatz, der ihre Position innerhalb der zeitgenössischen Malerei seit Jahren prägt.

Auch die surrealistische Moderne ist vertreten:

Mit Sunset Birth (c. 1942) zeigt Ithell Colquhoun, präsentiert von Richard Saltoun Gallery (Stand 374), eine Arbeit, die stark von der Landschaft Cornwalls und deren mythischen Steinkulten beeinflusst ist. Das Werk verbindet spirituelle Symbolik, Naturbeobachtung und surrealistische Bildsprache zu einer fast transzendenten Komposition.

Fazit: Eine Frage der Perspektive

Ist die TEFAF New York die wichtigste Kunstmesse?

Vielleicht nicht im Sinne von Größe oder globaler Reichweite. Aber ganz sicher im Hinblick auf Qualität, Vertrauen und Präzision. Im Zusammenspiel mit Messen wie Art Basel oder Frieze zeigt sich:

Es gibt nicht die eine wichtigste Messe – sondern ein Netzwerk von Formaten, die gemeinsam den Kunstmarkt strukturieren.

Und genau darin liegt ihre eigentliche Bedeutung.

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Kunst rund um den See: Dreißig riesige, farbige Stahl-Schatten Skulpturen und Glasstelen des Künstlers Stefan Szczesny werden durch ein Spiel von Licht und Schatten, subtilen Formen und Transparenzen in Dialog mit der spektakulären Naturkulisse des Sees und der umliegenden Berge treten. Die farbigen Stahlskulpturen, die weltweit schon u. a. in New York, Miami, London, Paris, St. Barth und St. Tropez, wo der Künstler seit 2000 lebt, ausgestellt wurden, kommen für die Ausstellung am Tegernsee erstmals wieder zusammen und werden im gesamten Tegernseer Tal an prominenten Stellen platziert.

Das Highlight ist die 6,5 Meter hohe Skulptur „Baum des Lebens“, die 2014 anlässlich der Retrospektive „Szczesny: Metamorphoses Méditerranéennes“ entstand. Der „Baum des Lebens“ ist eine Vision des irdischen Paradieses. Eine Ode an das Lebensglück, das dem Künstler Stefan Szczesny am Herzen liegt. Die Szenerie stellt Figuren dar, die sich in der Struktur des Baumes bewegen. Die Reflexionen der spiegelpolierten Figuren ermöglichen es dem „Baum des Lebens“, das Licht einzufangen und sich durch das Spiel von Licht und Transparenzen harmonisch in die Umgebung einzufügen.

Die Skulptur wurde im Sommer 2015 in der Villa Domergue, danach in der Zitadelle von Saint-Tropez während der Ausstellung „Szczesny: Sculptures 2005-2017“ und 2022 auf dem Vorplatz des Rathauses von Grimaud ausgestellt. Dieses Meisterwerk von Szczesny kam durch die Unterstützung der Cosmo Art & Science Foundation an den Tegernsee.

Neben diesen Szczesny-Skulpturen wird im Juni & Juli 2024 eine große Szczesny-Retrospektive mit Bildern, Keramiken und Skulpturen in der Galerie RPN Fine Arts in Rottach-Egern gezeigt. Mehr über die Galerie finden Sie hier: www.rnp-finearts.com

Stefan Szczesny

Der Maler, Zeichner und Bildhauer Stefan Szczesny wurde 1951 in München geboren. Szczesny studierte von 1969 bis 1975 an der Akademie für angewandte Kunst in München.

Er organisierte 1981 die erste Ausstellung „Rundschau Deutschland“ als Protagonist der neoexpressionistischen Malbewegung in Deutschland. Und er wurde als Vertreter der Strömung international bekannt. Im Jahr 1994, zog er nach New York und gründete 1996 die Szczesny Factory. Mitte der 1990er-Jahre verlegte er sein Studio auf die Insel Mustique. Die karibische Umgebung verkörpert für den Künstler die Kontinuität der mediterranen Lebensart und inspiriert sein Werk, das dadurch opulenter, sinnlich, farbenfroh und strahlend wird.

Im Jahr 2001 zog Szczesny nach Saint-Tropez, wo er im Licht der blauen Küste Côte d’Azur in seinem Atelier lebt und arbeitet. Für Stefan Szczesny ist der weibliche Körper eine Allegorie des Lebens – sinnlich gemeint und sinnlich empfunden. Die Grundbotschaft seiner frischen, farbigen Bilder ist dabei etwas Positives, begeistern uns als Betrachter und stimmen uns auch in dunklen Zeiten positiv und gut gelaunt.

 

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Die Initiatoren

Die Initiatoren der Tegernsee Art Masters sind Heino Stamm, renommierter Architekt und Veranstalter der ersten Szczesny Ausstellung am Tegernsee 2008. Der Verein „Tegernsee Art Masters“, Michael Käfer, Käfer Group – Gut Kaltenbrunn und Rebecca Niehues-Paas, Gründerin und Leiterin der Galerie RNP Rottach-Egern. Und die Tegernseer Tal Tourismus GmbH. Unterstützt wird das Kunstprojekt von Titelsponsor Zimmermann Immobilien Rottach-Egern.

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Der Bochumer Aktfotografie-Künstler Kristian Liebrand hat sich gegen die Konkurrenz aus mehr als 50 Nationen durchsetzen können. Der Fotokünstler über seinen neuesten Erfolg: „Eine große Ehre und ein Motivationsschub! Ich freue mich sehr, dass mein Werk diese Anerkennung erfährt und es motiviert mich, weiterhin immer wieder neue Interpretationen der Aktfotografie zu entwickeln.“

„The essence of photography has been greatly captured by some of the worlds‘ greatest photographers, and the mastery of images has never ceased to amaze me!“ beschreibt Thomas Brandt, Pressesprecher des „Muse Photography Awards“.

Die Jury besteht aus 40 Design- und Kunst-Experten aus unterschiedlichen Ländern und Kulturkreisen und kürt jährlich die besten Fotokünstler der ganzen Welt.

Kristian Liebrand

Kristian Liebrand gehört mit rund 70 internationalen Auszeichnungen zu den bedeutendsten Aktfotografen der heutigen Zeit. Seine Werke entstehen in seinem Fotoatelier und weltweit vor Ort. Sie wurden unter anderem in Berlin, Wien, London und New York ausgestellt und in mehreren Bildbänden und Fachpublikationen veröffentlicht.

Liebrand hat sich seit 2008 ausschließlich auf die künstlerische Aktfotografie von Frauen spezialisiert. Er steht weltweit für anspruchsvolle Fotoproduktionen zur Verfügung und besitzt ein eigenes 360qm Fotoatelier in Bochum.

Mehr über den Künstler Liebrand finden Sie hier: aktfotostudio-nrw.de

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Die Gleistein GmbH unterstützt schon seit vielen Jahren nicht nur Industrie und Schifffahrt, sondern auch die Kunstwelt: Mit seinem Fachwissen im Bereich Seiltechnik trug das Unternehmen beispielsweise wesentlich zum Erfolg einiger der beeindruckendsten Kunstinstallationen durch Christo und Jeanne-Claude bei. Jetzt spendet das Unternehmen 1500 Meter Seil für Thierbachs Darstellung des komplexen Geflechts des menschlichen Habitats.

OBDACH BODEN – Stephan Thierbach

Kunstausstellung des Künstlers Stephan Thierbach, Kunststipendiat der Bremischen Evangelischen Kirche 2022 / 2023 „OBDACH BODEN“ ist eine ortsspezifische Installation in der Kulturkirche St. Stephani Bremen. Sie verfolgt Fragen nach einem „Zuhause- und Verbunden-Sein“. Thematisiert wird einerseits das Zuhause als eine konkret konstruierte Architektur bzw. allgemeiner, als ein Ort des Schutzes. Andererseits aber auch als der innere Ort des sich-Zuhause-fühlens im Sinne des Verbündet- und Verwoben- Seins. Die Arbeit versucht, die Begriffe „Zuhause“ und „Obdach“ aufzufächern und zu erweitern. So entwirft sie eine Sicht auf das Habitat des Menschen als ein komplexes Geflecht von Verbindungen und Verwebungen zwischen Lebewesen, aber auch zu Dingen auf der Erde und zur Erde selbst.

Begrüßung: Pastorin Diemut Meyer, Kulturkirche St. Stephani
Einführung: Dr. Frank Laukötter, Kurator
Musik: Tim Günther, Kirchenmusiker, Kulturkirche St. Stephani Bremen

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: https://www.kulturkirche-bremen.de

Ausstellung über das Lebenswerk von Christo und Jeanne-Claude

Seiltechnik mag auf den ersten Blick nicht viel mit Kunst zu tun haben, die Gleistein GmbH, ein führender Hersteller von Faserseilen, ist jedoch immer wieder in Kunstprojekte involviert. So hat sich auch das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude in den vergangenen 30 Jahren wiederholt an Gleistein gewandt, um bei der Umsetzung seiner legendären Kunstinstallationen, wie zum Beispiel der Reichstagsverhüllung in Berlin im Jahr 1995 und der Verhüllung des Arc de Triomphe in Paris im Jahr 2021, vom technischen Know-how des Bremer Unternehmens zu profitieren.

Nun unterstützt Gleistein die Ausstellung „Paris. New York. Grenzenlos“ im Museum für Kunst und Kulturgeschichte Schloss Gottorf vom 10.03. – 03.09.2023, um das Lebenswerk der Künstler zu würdigen.

Paris. New York. Grenzenlos

Die Ausstellung zeichnet mit rund 80 Werken die künstlerische Entwicklung von Christo und Jeanne-Claude seit Mitte der 1950er Jahre bis zu Christos Tod im Mai 2020 nach und präsentiert die wichtigsten Projekte des Künstlerpaares – vom Eisernen Vorhang in Paris 1962 bis zur noch nicht verwirklichten Mastaba in Abu Dhabi.

Die Schau beginnt mit Christos Frühwerk und ersten künstlerischen Arbeiten in Paris. Hier kam der an der Kunstakademie Sofia ausgebildete und aus Bulgarien geflohene Christo Vladimirov Javacheff in Kontakt mit den Werken verschiedener internationaler Kunstschaffender. In Paris begegnete er 1958 Jeanne-Claude Denat de Guillebon, als er ihre Mutter porträtieren sollte.

Zwei der in der Ausstellung gezeigte Projekte bilden im Werk von Christo und Jeanne-Claude absolute Höhepunkte: die Verhüllung des Berliner Reichstags und die Verhüllung des Triumphbogens in Paris. Bereits 1961 hatte sich das Künstlerpaar mit der Idee beschäftigt, ein öffentliches Gebäude zu verhüllen. Seit den 1970er Jahren schuf Christo Zeichnungen, mit denen er die Verhüllung des Reichstags visualisierte. Nach umfänglichen vor allem auch politisch geführten Debatten und einem langjährigen Genehmigungsprozess konnte die Verhüllung des „politischen“ Gebäudes 1995 realisiert werden.

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: museum-fuer-kunst-und-kulturgeschichte.de

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Titelbild: Gleistein-Seil für die Installation „L’Arc de Triomphe, Wrapped“ von Christo und Jeanne-Claude (© Gleistein)

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Die 61 Juroren der New York Photography Awards ermitteln und ehren gemeinsam mit der “International Awards Associate (IAA)” jährlich die besten Fotografen aus mehr als 50 teilnehmenden Ländern.

Die Juroren bewerten auf einer Skala von 1-100, die folgenden Kriterien:

Originalität (Einzigartigkeit des Konzepts / Ausdruck des Themas)
Kreativität / Geschichte / Stimmung
Technische Ausführung (Komposition, Farbe, Beleuchtung, Belichtung und Fokus)
Marktfähigkeit / Nachrichtenwert / Aktuelle / Potenzielle soziale Auswirkungen
Gesamteindruck / Wow! Faktor / Einprägsamkeit
Am 16.12.2022 erhielt der Fotokünstler Kristian Liebrand aus Deutschland den Gold Award in der Kategorie „Fine Art Nudes – Professional“ für sein Werk “paradise nude”. Das Werk zeichnet sich durch eine einzigartige Kreativität aus. Denn es ist eine aufwendig produzierte Kreation aus Fotografie und Bodypainting – beides vom Künstler selbst angefertigt. Der Künstler zeigt damit auf ausdrucksstarke Weise, wie schön, aber vor allem ästhetisch, die Kunst der Aktfotografie sein kann. Die lebendige Farbigkeit hebt sich von den sonst oft monochromen Akten ab und macht sie nach den Angaben der internationalen Jury zu einem Meisterwerk der zeitgenössischen Fotografie.

„Diese Auszeichnung ist eine große Ehre und natürlich auch ganz viel Glück unter den vielen tollen Fotokünstlern ausgewählt worden zu sein.”, freut sich Kristian Liebrand.

Mit mehr als 60 internationalen Auszeichnungen für seine Fotokunst zählt Kristian Liebrand mittlerweile zu den weltweit meist ausgezeichneten und bekanntesten Fotografen im Bereich der künstlerischen Aktfotografie.

 

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Kristian Liebrand

Der Aktfotograf Kristian Liebrand hat sich seit 2008 ausschließlich auf die künstlerische Aktfotografie von Frauen spezialisiert. Er steht weltweit für anspruchsvolle Fotoproduktionen zur Verfügung und besitzt ein eigenes 360qm Fotoatelier in Bochum.

Mehr über den Fotokünstler Liebrand finden Sie hier: aktfotostudio-nrw.de

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Zum Empfang waren rund 300 prominente Gäste gekommen, um die Werke des 24-Jährigen zu sehen, der sich in Europa mit seiner explosiven Kunst in Rekordzeit einen Namen gemacht hat. Für den musikalischen Rahmen sorgte DJ Alexandra Richards, Künstlerin, Fotografin, Model und Tochter des berühmten Rolling-Stones-Gitarristen Keith Richards, die die Gäste mit chilligen Sounds begeisterte.

„Wir freuen uns sehr über die Zusammenarbeit mit Leon Löwentraut“, betont Carina Ertl, CMO von Bucherer US, und fügt hinzu: „Leons Arbeit ist außergewöhnlich und fängt den innovativen und freudvollen Geist der TimeMachine auf eine aufregende neue Art ein. Leon definiert die Art und Weise, wie wir Kunst erleben, für die nächste Generation von aufstrebenden Künstlern neu.“

Der New Yorker Flagshipstore soll mehr sein als ein Mekka für Uhren- und Schmuckliebhaber: Bucherer will ein kulturelles Zentrum für Künstler, Musiker und andere Kreative schaffen. So wurden bereits Ausstellungen kuratiert, unter anderem mit Werken von Damien Hirst, Picasso und Andy Warhol.

Leon Löwentraut ist Uhrenliebhaber und begeisterter Sammler und seit vielen Jahren ein treuer Freund von Bucherer Düsseldorf. Die Partnerschaft zwischen Löwentraut und Bucherer ergab sich ganz natürlich aus den gemeinsamen Interessen – einer gemeinsamen Leidenschaft für Ästhetik, Kunst und Handwerk und natürlich der Liebe zu Uhren. „Das Uhrenhandwerk ist für mich eine hohe Kunst“, betont Leon Löwentraut. „Und die Partnerschaft eine Ehre.“

Leon Löwentraut

Seine erste Ausstellung hatte der 1998 in Kaiserslautern geborene Leon Löwentraut 2013 in einer Galerie in der Nähe von München. Zwei Jahre später stellte er zum ersten Mal international aus – in London. Danach folgten Ausstellungen u.a. in Singapur, Berlin, New York, Florenz, Kopenhagen, Venedig, Wien, Zürich, Osterwijk und Madrid – immer mit starker Medienresonanz. Nach einer Soloshow auf der Art Toronto in diesem Herbst ging es 2022 weiter auf die Miami Art Week. Dort war der junge Ausnahmekünstler mit seinen Gemälden zum ersten Mal und gleich dreimal vertreten.

Seine Kunst ist gefragt – sie begeistert, irritiert und polarisiert das Publikum und die Medien. Er ist das Gesicht einer jungen Künstlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht. Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren). Leon Löwentraut gehört laut Forbes zu den jungen Deutschen, die 2020 Herausragendes geleistet haben.

Erste Monographie

Im Herbst ist im teNeues Verlag seine erste Monographie erschienen: ein großformatiger Bildband mit einer eindrucksvollen Auswahl an Fotos, der sein bisheriges Schaffen retrospektiv dokumentiert. Der Bildband, der auf der Buchmesse in Frankfurt präsentiert wurde, ist in Deutschland bereits fast ausverkauft. In Amerika ist er seit Ende Oktober in den Buchhandlungen erhältlich. Mehr über den Bildband: Leon Löwentraut-Monografie – Beeindruckender Bildband

Auf der Leon Löwentraut-Ausstellung bei Bucherer in New York gibt es den Bildband in einer hochwertigen Partnerschaftsneuauflage „Löwentraut/Bucherer“ mit Special Prägung. Das „teNeues special re-edition coffee table book“ (Editor: Team Geuer, Grevenbroich) beinhaltet die auf 30 Stück limitierte, einzeln nummerierte und vom Künstler partiell handcolorierte und signierte Grafik-Edition „Liberty“.

Die „Liberty“ unterstreicht Löwentrauts Credo: „Für mich bedeutet Kunst Freiheit!“ Sein Ziel: „Künstlerisch die Grenzen der Zeit überwinden.“

ÜBER BUCHERER

Bucherer, gegründet 1888 in Luzern, ist eines der renommiertesten Traditionshäuser in der europäischen Uhren- und Schmuckindustrie und hat sich mit seinen exquisiten Schmucklinien und preisgekrönten Kreationen in den vergangenen 130 Jahren einen exklusiven Ruf aufgebaut. Die Bucherer Boutiquen bieten ihrem internationalen Publikum ein breites Angebot an Luxusuhren bedeutender Hersteller.

Bucherer unterhält 38 exklusive Standorte in ganz Europa: 16 Verkaufsgeschäfte in der Schweiz, 13 in Deutschland, eine Flagship Boutique in Wien, ein Verkaufsgeschäft in Paris, eines in Kopenhagen und sechs weitere in London. Im Januar 2018 übernahm Bucherer den US-amerikanischen Luxusuhrenhändler Tourneau und ist seither mit 34 Verkaufsgeschäften in den USA vertreten. Das Familienunternehmen wird in der dritten Generation von Jörg G. Bucherer geführt und beschäftigt über 2.000 Mitarbeitende. Die Unternehmenszentrale befindet sich auch heute noch in Luzern.

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In einer Einzelausstellung im Sala Sansoviniana der Biblioteca Nazionale Marciana Piazza San Marco, 13/a, 30124 Venedig, mit dem Titel Avatare / Avatars werden Erwin Wurms skulpturale Arbeiten in einen Dialog mit Wand- und Deckengemälden von Tizian, Tintoretto und Veronese gesetzt. Die Vernissage findet am Freitag, den 7. Oktober 2022, um 11 Uhr statt.

Erwin Wurm: „Zweidimensionalität, Dreidimensionalität, Masse, Haut, Oberfläche, Volumen; all das sind wichtige Bestandteile meiner Forschungen zur Skulptur. Zusammengequetscht und abgeflacht oder reduziert auf eine sehr dünne Form erlangen meine neuen Arbeiten eine gewisse Zerbrechlichkeit, die ich mag: sie werden fast abstrakt.“

Ausstellung Avatare / Avatars

In der Ausstellung Avatare in den Sale Monumentali der Biblioteca Nazionale Marciana zeigt Erwin Wurm eine neue Werkgruppe mit dem Titel Skins. Anders als in seinen Fat-Werken geht es in diesen Arbeiten um eine Reduzierung des Volumens. In den filigranen, zerbrechlich wirkenden und bis zu 4 Meter hohen Skulpturen werden umriss- und ausschnitthaft mit Jeans, Hemd und Turnschuhen bekleidete Körper in unterschiedlichen Posen wiedergeben, die der Betrachter jedoch nur aus einem bestimmten Blickwinkel wahrnehmen kann.

One Minute Sculptures

So rudimentär und abstrakt die Skulpturen auch wirken mögen, so wird dennoch der Bezug zu Erwin Wurms One Minute Sculptures deutlich, mit denen er seit Beginn der 1990er-Jahre einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurde. Wurm ließ hier Personen mit Alltagsgegenständen posieren und kurzzeitig sonderbare, oft unnatürliche Körperpositionen einnehmen, die sich in den Skins wiederfinden.

Bei den One Minute Sculptures ging es um das Hinterfragen der Kategorisierung von Subjekt und Objekt, aber auch um das Erschaffen einer Antithese zur klassischen Bildhauerei, welche im Allgemeinen mit Beständigkeit assoziiert wird. Der Flüchtigkeit des Moments setzt Wurm in den Skins die Flüchtigkeit der Form entgegen. Der Künstler konzentriert sich hier auf den Begriff der Oberfläche und ihre Funktion, Volumen zu halten und zu definieren. In einer Ebene zwischen An- und Abwesenheit verweist Wurm in diesen Arbeiten auf existenzielle Fragen in Bezug auf unsere Interaktion mit der Welt, die uns umgibt, und der Rolle der Haut als Kontaktfläche dieser Begegnung.

zwischen Tizian, Tintoretto, Veronese

Im prächtigen Salone Sansoviniano treten die Arbeiten Erwin Wurms in einen fruchtbaren Dialog mit bedeutenden Werken der Renaissance von Tizian, Tintoretto, Veronese und anderen großen Meistern.

Die Ausstellung wird von Manfred Möller kuratiert und von der Association for Art in Public Dirk Geuer gefördert und organisiert.

„Bedeutende Künstler mit Ihren Werken in renommierten Museen weltweit sichtbar zu machen, ist mein Bestreben und meine innigste Leidenschaft. Der persönliche und vertrauensvolle Kontakt mit den Künstlern ist für mich dabei die wichtigste Voraussetzung“, so ihr Geschäftsführer Dirk Geuer über das Zustandekommen des Projekts.

Erwin Wurm

Erwin Wurm, 1954 in Bruck an der Mur in der Steiermark geboren, ist der international erfolgreichste Vertreter der österreichischen Gegenwartskunst. Sein vielschichtiges, zugleich humorvolles als auch tiefgründiges Oeuvre umfasst nahezu alle Gattungen und reicht von Materialskulptur über Aktionskunst, Video, Fotografie und Zeichnung bis hin zum Künstlerbuch. In jüngster Zeit entstehen mit den sogenannten flat sculptures erstmals auch Gemälde.

Im Zentrum seines künstlerischen Schaffens steht jedoch die intensive Beschäftigung mit dem Medium Skulptur. Seit seiner Studienzeit hat er die Gattung und die mit ihr verbundenen Begrifflichkeiten und Konventionen unablässig hinterfragt, seine räumlichen und zeitlichen Grenzen aufgelöst und stetig neue, innovative und sehr eigenständige Möglichkeiten des Ausdrucks entwickelt.

Oft beschäftigt sich Erwin Wurm mit Gegenständen, die unseren Alltag prägen, aber zumeist wenig Beachtung finden. Bekannt sind in diesem Zusammenhang Wurms fat sculptures, die kleinbürgerliche Statussymbole wie Autos, Kühlschränke oder Einfamilienhäuser in einem „verfetteten“, aufgeblähten Zustand zeigen.

Die außergewöhnlichen Werke von Erwin Wurm sind seit langem Gegenstand von Einzelausstellungen in internationalen Museen. Die renommiertesten Häuser weltweit besitzen und präsentieren seine Arbeiten, darunter die National Gallery of Victoria in Melbourne, die Österreichische Galerie Belvedere in Wien, das Pariser Centre Pompidou, das Museum Ludwig in Köln, das Kunsthaus Zürich oder das Solomon R. Guggenheim Museum in New York.

Im Herbst 2006 widmete ihm auch das MUMOK im MuseumsQuartier in Wien eine Ausstellung. Für Aufregung sorgte dort vor allem ein Einfamilienhaus in Originalgröße, das schräg und verkehrt am Dach des MUMOK-Gebäudes angebracht wurde. Auf der 54. Kunstbiennale in Venedig 2011 war Wurm mit Narrow House vertreten, einem Modell seines Elternhauses, das auf ein Sechstel seiner Größe in der Längsachse reduziert war.

Erwin Wurm lebt und arbeitet in Wien und New York.

 

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Über den Veranstaltungsort

Die 1468 gegründete Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig zählt zu den wichtigsten und größten Bibliotheken Italiens. Ihr Bestand umfasst bedeutende Sammlungen griechischer, lateinischer und orientalischer Handschriften. Insgesamt beherbergt der Speicher des Wissens über eine Million Objekte, darunter Inkunabeln, Drucke, Landkarten und ca. 13.000 Handschriften.

Zu den zahlreichen historischen Schätzen und Kostbarkeiten der Bibliothek gehören u.a. das Testament des berühmten venezianischen Abenteurers und Entdeckers Marco Polo sowie zwei Ausgaben von Homers Ilias aus dem 11. und 12. Jahrhundert. Zudem glänzt die Bibliothek durch ihre prachtvollen „Monumentalen Säle“ mit Wand- und Deckengemälden der Renaissancekünstler Tizian, Veronese und Tintoretto. Früher ein Ort des Studiums und der Meditation, finden in dem einst von großen Gelehrten, brillanten Strategen und gekrönten Häuptern genutzten Saal, der über das Museo Correr zu erreichen ist, heute Ausstellungen statt.

Allgemeine Informationen

Erwin Wurm – Avatare

08. Oktober bis 13. November 2022.

Sale Monumentali der Biblioteca Nazionale Marciana Zugang zur Ausstellung über das Museo Correr.

Piazza San Marco n.52 – Ala Napoleonica I – 30124 Venedig.

Öffnungszeiten: bis 31.10.2022 täglich 10.00-18.00 Uhr (letzter Einlass 17.00 Uhr)

ab 01.11.2022 täglich von 10.00-17.00 Uhr (letzter Einlass 16.00 Uhr)

(aufgrund der COVID-19-Pandemie können sich die Öffnungszeiten kurzfristig ändern. Bitte informieren Sie sich im Vorfeld Ihres Besuches auf der Homepage des Museo Correr) https://correr.visitmuve.it/.

Weitere Informationen

Titelbild: Erwin Wurm, Photo credit: Nebojša Babić

Mehr über den Künstler: https://www.erwinwurm.at/

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