Die Galerie Beck & Eggeling aus Düsseldorf nimmt an der TEFAF New York 2026 (15.–19. Mai) teil und zeigt eine Auswahl von Werken, die zentrale Entwicklungen der Kunst des 20. Jahrhunderts abbilden. Die Präsentation verbindet Positionen der Klassischen Moderne mit wichtigen Strömungen der Nachkriegsavantgarde und der ZERO-Bewegung.

Im Fokus steht eine Arbeit von Piero Manzoni aus seiner Achrome-Serie, die ab Ende der 1950er-Jahre entstand. In diesen Werken löste Manzoni die Malerei konsequent von klassischer Farbigkeit und Bildillusion und verschob den Fokus auf Material, Struktur und Wahrnehmung. Die Achrome gelten heute als Schlüsselwerk für den Übergang zur konzeptuellen und materialbasierten Kunst der Nachkriegszeit.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke von Pablo Picasso, Wassily Kandinsky und Max Ernst sowie Positionen von Yayoi Kusama und Künstlern der ZERO-Bewegung wie Heinz Mack und Günther Uecker.

Warum die Moderne für zeitgenössische Kunst entscheidend bleibt

Die in New York präsentierten Positionen machen deutlich, dass viele grundlegende Fragen der zeitgenössischen Kunst bereits in der Moderne und Nachkriegsavantgarde angelegt sind. Ob der Umgang mit Material, die Auflösung klassischer Bildstrukturen oder die Verschiebung hin zu konzeptuellen Ansätzen. Zentrale Entwicklungen heutiger künstlerischer Praxis lassen sich auf diese historischen Positionen zurückführen.

Gerade Künstler wie Piero Manzoni oder Vertreter der ZERO-Bewegung haben die Wahrnehmung von Kunst nachhaltig verändert. Indem sie das Werk nicht mehr ausschließlich als Bild, sondern als Erfahrungsraum verstanden. Diese Perspektive ist bis heute in der zeitgenössischen Kunst wirksam und prägt sowohl junge künstlerische Positionen als auch aktuelle kuratorische Ansätze.

Die Präsentation auf der TEFAF New York 2026 verdeutlicht somit nicht nur kunsthistorische Zusammenhänge, sondern auch die Kontinuitäten zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Ein Spannungsfeld, das für das Verständnis aktueller Kunstproduktion weiterhin relevant bleibt.

 

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Titelbild: Besucherinnen vor einem großen *Achrome* von Piero Manzoni in der legendären ZERO-Ausstellung. * Nul *im Stedelijk Museum Amsterdam, 1962  © Piero Manzoni Foundation. Quelle: Newsletter Beck&Eggeling.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: https://www.beck-eggeling.de/de

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Mit der TEFAF New York 2026 richtet sich im Mai erneut der Blick auf eine Messe, die seit Jahren für Qualität, Präzision und internationale Relevanz steht. Im historischen Park Avenue Armory versammeln sich rund 88 ausgewählte Galerien – ein bewusst verdichtetes Format, das weniger auf Breite als auf Verlässlichkeit setzt.

Doch die Frage, ob die TEFAF tatsächlich die wichtigste Kunstmesse ist, lässt sich nur im größeren Kontext beantworten. Denn der internationale Messekalender ist vielfältiger denn je – und unterschiedliche Formate erfüllen sehr unterschiedliche Funktionen.

Ein Blick auf die globale Messelandschaft

Wer über Bedeutung spricht, kommt an einigen Namen nicht vorbei:

Die Art Basel gilt für viele als zentraler Fixpunkt des globalen Kunstmarkts – mit Ablegern in Miami Beach, Hongkong und Paris. Hier trifft institutionelle Relevanz auf Marktdynamik.

Die Frieze London und die Frieze New York stehen für eine starke Verbindung von Gegenwartskunst, kuratorischem Anspruch und internationalem Netzwerk.

Die Armory Show wiederum ist fest in New York verankert und bietet eine breitere Plattform für moderne und zeitgenössische Positionen.

In Deutschland setzt die Art Cologne weiterhin wichtige Impulse, insbesondere im europäischen Kontext.

Jede dieser Messen hat ihre eigene Rolle – keine ersetzt die andere.

Wo positioniert sich die TEFAF?

Die Stärke der TEFAF liegt weniger in Größe oder medialer Aufmerksamkeit, sondern in ihrer Spezialisierung.

Sie steht für:

strenge Auswahlverfahren
geprüfte Werke (Vetting)
eine Verbindung von moderner, zeitgenössischer und historischer Kunst
ein hohes Maß an Vertrauen im Markt

Galerien wie Gagosian, Hauser & Wirth oder David Zwirner prägen diese Ausrichtung ebenso wie spezialisierte Häuser im Bereich Design, etwa Friedman Benda.

Über diese Galerien werden Künstler:innen wie Gerhard Richter, Yayoi Kusama oder Louise Bourgeois präsentiert – Positionen, die den Markt nicht mehr suchen, sondern längst definieren.

Bedeutung ist nicht gleich Bedeutung

Die Frage: Was ist die wichtigste Kunstmesse? –  hängt stark davon ab, aus welcher Perspektive man schaut:

Markt & Sichtbarkeit: → Art Basel
kuratorische Gegenwartskunst: → Frieze
Breite & Zugänglichkeit: → Armory Show oder regionale Formate
Qualität & Vertrauen: → TEFAF

Die TEFAF ist damit weniger die größte oder lauteste Messe – aber eine der präzisesten.

Und wo steht die Discovery Art Fair?

Im Vergleich dazu bewegt sich die Discovery Art Fair Cologne 2026 bewusst in einem anderen Bereich.

Sie steht für:

Offenheit und Zugänglichkeit
direkte Begegnungen mit Künstler:innen
neue, noch nicht etablierte Positionen

Während TEFAF Verdichtung bietet, ermöglicht die Discovery Art Fair einen ersten Zugang. Beide Formate greifen ineinander – sie bilden unterschiedliche Stationen innerhalb desselben Systems.

Konkrete Werke auf der TEFAF New York 2026

Ein genauer Blick auf die TEFAF New York 2026 zeigt, dass sich die Messe nicht nur über Galerien definiert, sondern über konkret kuratierte Einzelwerke, die bereits im Vorfeld benannt werden.

Ein zentrales Beispiel ist Shahzia Sikander mit der Arbeit The Hour Glass (2025), präsentiert von Sean Kelly Gallery (Stand 330). Die großformatige Glasmosaikarbeit verbindet südasiatische Bildtraditionen mit zeitgenössischer Formensprache. Sikander greift dabei Figuren auf, die sie bereits in den 1990er-Jahren entwickelte und die sie selbst als Ausdruck von „migrant love“ beschreibt – eine visuelle Sprache zwischen Verwurzelung, Transformation und kultureller Bewegung.

Ein weiterer zentraler historischer Bezugspunkt ist Andy Warhol mit Mao (1973), präsentiert von ML Fine Art (Stand 201). Die Arbeit gehört zu Warhols ikonischen politischen Siebdrucken und übersetzt das Bild Mao Zedongs in die Ästhetik der Pop Art. Entstanden nach der politischen Öffnung zwischen China und den USA, reflektiert das Werk die Verschmelzung von Propaganda, Massenmedien und Konsumkultur – ein klassisches Beispiel für Warhols kritischen Blick auf Macht und Bildproduktion.

Auch die klassische Moderne ist stark vertreten:

Die Galerie Jacques Lacoste (Stand 301) zeigt ein seltenes Werkpaar von Alberto Giacometti, entstanden 1944 in Genf. Die beiden Skulpturen aus Gips wurden direkt vom Künstler modelliert und gehören zu den wenigen großformatigen Arbeiten seiner Genfer Phase. Sie sind sowohl kunsthistorisch dokumentiert als auch in der Giacometti-Stiftung registriert – ein Beispiel für die enge Verbindung von Provenienz, Werkgeschichte und institutioneller Absicherung auf der TEFAF.

Einen deutlichen Kontrast dazu setzt Cecily Brown mit Functor Hideaway (2008), präsentiert von Berggruen Gallery (Stand 316). Die Arbeit bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und figurativen Andeutungen. Brown entwickelt darin eine dichte, fast körperliche Bildstruktur, in der sich Malerei als Bewegung und Auflösung zugleich zeigt – ein Ansatz, der ihre Position innerhalb der zeitgenössischen Malerei seit Jahren prägt.

Auch die surrealistische Moderne ist vertreten:

Mit Sunset Birth (c. 1942) zeigt Ithell Colquhoun, präsentiert von Richard Saltoun Gallery (Stand 374), eine Arbeit, die stark von der Landschaft Cornwalls und deren mythischen Steinkulten beeinflusst ist. Das Werk verbindet spirituelle Symbolik, Naturbeobachtung und surrealistische Bildsprache zu einer fast transzendenten Komposition.

Fazit: Eine Frage der Perspektive

Ist die TEFAF New York die wichtigste Kunstmesse?

Vielleicht nicht im Sinne von Größe oder globaler Reichweite. Aber ganz sicher im Hinblick auf Qualität, Vertrauen und Präzision. Im Zusammenspiel mit Messen wie Art Basel oder Frieze zeigt sich:

Es gibt nicht die eine wichtigste Messe – sondern ein Netzwerk von Formaten, die gemeinsam den Kunstmarkt strukturieren.

Und genau darin liegt ihre eigentliche Bedeutung.

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Mehr über die Messe und Tickets finden Sie hier: https://tickets.tefaf.com

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Kunst rund um den See: Dreißig riesige, farbige Stahl-Schatten Skulpturen und Glasstelen des Künstlers Stefan Szczesny werden durch ein Spiel von Licht und Schatten, subtilen Formen und Transparenzen in Dialog mit der spektakulären Naturkulisse des Sees und der umliegenden Berge treten. Die farbigen Stahlskulpturen, die weltweit schon u. a. in New York, Miami, London, Paris, St. Barth und St. Tropez, wo der Künstler seit 2000 lebt, ausgestellt wurden, kommen für die Ausstellung am Tegernsee erstmals wieder zusammen und werden im gesamten Tegernseer Tal an prominenten Stellen platziert.

Das Highlight ist die 6,5 Meter hohe Skulptur „Baum des Lebens“, die 2014 anlässlich der Retrospektive „Szczesny: Metamorphoses Méditerranéennes“ entstand. Der „Baum des Lebens“ ist eine Vision des irdischen Paradieses. Eine Ode an das Lebensglück, das dem Künstler Stefan Szczesny am Herzen liegt. Die Szenerie stellt Figuren dar, die sich in der Struktur des Baumes bewegen. Die Reflexionen der spiegelpolierten Figuren ermöglichen es dem „Baum des Lebens“, das Licht einzufangen und sich durch das Spiel von Licht und Transparenzen harmonisch in die Umgebung einzufügen.

Die Skulptur wurde im Sommer 2015 in der Villa Domergue, danach in der Zitadelle von Saint-Tropez während der Ausstellung „Szczesny: Sculptures 2005-2017“ und 2022 auf dem Vorplatz des Rathauses von Grimaud ausgestellt. Dieses Meisterwerk von Szczesny kam durch die Unterstützung der Cosmo Art & Science Foundation an den Tegernsee.

Neben diesen Szczesny-Skulpturen wird im Juni & Juli 2024 eine große Szczesny-Retrospektive mit Bildern, Keramiken und Skulpturen in der Galerie RPN Fine Arts in Rottach-Egern gezeigt. Mehr über die Galerie finden Sie hier: www.rnp-finearts.com

Stefan Szczesny

Der Maler, Zeichner und Bildhauer Stefan Szczesny wurde 1951 in München geboren. Szczesny studierte von 1969 bis 1975 an der Akademie für angewandte Kunst in München.

Er organisierte 1981 die erste Ausstellung „Rundschau Deutschland“ als Protagonist der neoexpressionistischen Malbewegung in Deutschland. Und er wurde als Vertreter der Strömung international bekannt. Im Jahr 1994, zog er nach New York und gründete 1996 die Szczesny Factory. Mitte der 1990er-Jahre verlegte er sein Studio auf die Insel Mustique. Die karibische Umgebung verkörpert für den Künstler die Kontinuität der mediterranen Lebensart und inspiriert sein Werk, das dadurch opulenter, sinnlich, farbenfroh und strahlend wird.

Im Jahr 2001 zog Szczesny nach Saint-Tropez, wo er im Licht der blauen Küste Côte d’Azur in seinem Atelier lebt und arbeitet. Für Stefan Szczesny ist der weibliche Körper eine Allegorie des Lebens – sinnlich gemeint und sinnlich empfunden. Die Grundbotschaft seiner frischen, farbigen Bilder ist dabei etwas Positives, begeistern uns als Betrachter und stimmen uns auch in dunklen Zeiten positiv und gut gelaunt.

 

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Die Initiatoren

Die Initiatoren der Tegernsee Art Masters sind Heino Stamm, renommierter Architekt und Veranstalter der ersten Szczesny Ausstellung am Tegernsee 2008. Der Verein „Tegernsee Art Masters“, Michael Käfer, Käfer Group – Gut Kaltenbrunn und Rebecca Niehues-Paas, Gründerin und Leiterin der Galerie RNP Rottach-Egern. Und die Tegernseer Tal Tourismus GmbH. Unterstützt wird das Kunstprojekt von Titelsponsor Zimmermann Immobilien Rottach-Egern.

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Der Bochumer Aktfotografie-Künstler Kristian Liebrand hat sich gegen die Konkurrenz aus mehr als 50 Nationen durchsetzen können. Der Fotokünstler über seinen neuesten Erfolg: „Eine große Ehre und ein Motivationsschub! Ich freue mich sehr, dass mein Werk diese Anerkennung erfährt und es motiviert mich, weiterhin immer wieder neue Interpretationen der Aktfotografie zu entwickeln.“

„The essence of photography has been greatly captured by some of the worlds‘ greatest photographers, and the mastery of images has never ceased to amaze me!“ beschreibt Thomas Brandt, Pressesprecher des „Muse Photography Awards“.

Die Jury besteht aus 40 Design- und Kunst-Experten aus unterschiedlichen Ländern und Kulturkreisen und kürt jährlich die besten Fotokünstler der ganzen Welt.

Kristian Liebrand

Kristian Liebrand gehört mit rund 70 internationalen Auszeichnungen zu den bedeutendsten Aktfotografen der heutigen Zeit. Seine Werke entstehen in seinem Fotoatelier und weltweit vor Ort. Sie wurden unter anderem in Berlin, Wien, London und New York ausgestellt und in mehreren Bildbänden und Fachpublikationen veröffentlicht.

Liebrand hat sich seit 2008 ausschließlich auf die künstlerische Aktfotografie von Frauen spezialisiert. Er steht weltweit für anspruchsvolle Fotoproduktionen zur Verfügung und besitzt ein eigenes 360qm Fotoatelier in Bochum.

Mehr über den Künstler Liebrand finden Sie hier: aktfotostudio-nrw.de

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Die Gleistein GmbH unterstützt schon seit vielen Jahren nicht nur Industrie und Schifffahrt, sondern auch die Kunstwelt: Mit seinem Fachwissen im Bereich Seiltechnik trug das Unternehmen beispielsweise wesentlich zum Erfolg einiger der beeindruckendsten Kunstinstallationen durch Christo und Jeanne-Claude bei. Jetzt spendet das Unternehmen 1500 Meter Seil für Thierbachs Darstellung des komplexen Geflechts des menschlichen Habitats.

OBDACH BODEN – Stephan Thierbach

Kunstausstellung des Künstlers Stephan Thierbach, Kunststipendiat der Bremischen Evangelischen Kirche 2022 / 2023 „OBDACH BODEN“ ist eine ortsspezifische Installation in der Kulturkirche St. Stephani Bremen. Sie verfolgt Fragen nach einem „Zuhause- und Verbunden-Sein“. Thematisiert wird einerseits das Zuhause als eine konkret konstruierte Architektur bzw. allgemeiner, als ein Ort des Schutzes. Andererseits aber auch als der innere Ort des sich-Zuhause-fühlens im Sinne des Verbündet- und Verwoben- Seins. Die Arbeit versucht, die Begriffe „Zuhause“ und „Obdach“ aufzufächern und zu erweitern. So entwirft sie eine Sicht auf das Habitat des Menschen als ein komplexes Geflecht von Verbindungen und Verwebungen zwischen Lebewesen, aber auch zu Dingen auf der Erde und zur Erde selbst.

Begrüßung: Pastorin Diemut Meyer, Kulturkirche St. Stephani
Einführung: Dr. Frank Laukötter, Kurator
Musik: Tim Günther, Kirchenmusiker, Kulturkirche St. Stephani Bremen

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: https://www.kulturkirche-bremen.de

Ausstellung über das Lebenswerk von Christo und Jeanne-Claude

Seiltechnik mag auf den ersten Blick nicht viel mit Kunst zu tun haben, die Gleistein GmbH, ein führender Hersteller von Faserseilen, ist jedoch immer wieder in Kunstprojekte involviert. So hat sich auch das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude in den vergangenen 30 Jahren wiederholt an Gleistein gewandt, um bei der Umsetzung seiner legendären Kunstinstallationen, wie zum Beispiel der Reichstagsverhüllung in Berlin im Jahr 1995 und der Verhüllung des Arc de Triomphe in Paris im Jahr 2021, vom technischen Know-how des Bremer Unternehmens zu profitieren.

Nun unterstützt Gleistein die Ausstellung „Paris. New York. Grenzenlos“ im Museum für Kunst und Kulturgeschichte Schloss Gottorf vom 10.03. – 03.09.2023, um das Lebenswerk der Künstler zu würdigen.

Paris. New York. Grenzenlos

Die Ausstellung zeichnet mit rund 80 Werken die künstlerische Entwicklung von Christo und Jeanne-Claude seit Mitte der 1950er Jahre bis zu Christos Tod im Mai 2020 nach und präsentiert die wichtigsten Projekte des Künstlerpaares – vom Eisernen Vorhang in Paris 1962 bis zur noch nicht verwirklichten Mastaba in Abu Dhabi.

Die Schau beginnt mit Christos Frühwerk und ersten künstlerischen Arbeiten in Paris. Hier kam der an der Kunstakademie Sofia ausgebildete und aus Bulgarien geflohene Christo Vladimirov Javacheff in Kontakt mit den Werken verschiedener internationaler Kunstschaffender. In Paris begegnete er 1958 Jeanne-Claude Denat de Guillebon, als er ihre Mutter porträtieren sollte.

Zwei der in der Ausstellung gezeigte Projekte bilden im Werk von Christo und Jeanne-Claude absolute Höhepunkte: die Verhüllung des Berliner Reichstags und die Verhüllung des Triumphbogens in Paris. Bereits 1961 hatte sich das Künstlerpaar mit der Idee beschäftigt, ein öffentliches Gebäude zu verhüllen. Seit den 1970er Jahren schuf Christo Zeichnungen, mit denen er die Verhüllung des Reichstags visualisierte. Nach umfänglichen vor allem auch politisch geführten Debatten und einem langjährigen Genehmigungsprozess konnte die Verhüllung des „politischen“ Gebäudes 1995 realisiert werden.

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: museum-fuer-kunst-und-kulturgeschichte.de

Weitere Informationen

Titelbild: Gleistein-Seil für die Installation „L’Arc de Triomphe, Wrapped“ von Christo und Jeanne-Claude (© Gleistein)

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Die 61 Juroren der New York Photography Awards ermitteln und ehren gemeinsam mit der “International Awards Associate (IAA)” jährlich die besten Fotografen aus mehr als 50 teilnehmenden Ländern.

Die Juroren bewerten auf einer Skala von 1-100, die folgenden Kriterien:

Originalität (Einzigartigkeit des Konzepts / Ausdruck des Themas)
Kreativität / Geschichte / Stimmung
Technische Ausführung (Komposition, Farbe, Beleuchtung, Belichtung und Fokus)
Marktfähigkeit / Nachrichtenwert / Aktuelle / Potenzielle soziale Auswirkungen
Gesamteindruck / Wow! Faktor / Einprägsamkeit
Am 16.12.2022 erhielt der Fotokünstler Kristian Liebrand aus Deutschland den Gold Award in der Kategorie „Fine Art Nudes – Professional“ für sein Werk “paradise nude”. Das Werk zeichnet sich durch eine einzigartige Kreativität aus. Denn es ist eine aufwendig produzierte Kreation aus Fotografie und Bodypainting – beides vom Künstler selbst angefertigt. Der Künstler zeigt damit auf ausdrucksstarke Weise, wie schön, aber vor allem ästhetisch, die Kunst der Aktfotografie sein kann. Die lebendige Farbigkeit hebt sich von den sonst oft monochromen Akten ab und macht sie nach den Angaben der internationalen Jury zu einem Meisterwerk der zeitgenössischen Fotografie.

„Diese Auszeichnung ist eine große Ehre und natürlich auch ganz viel Glück unter den vielen tollen Fotokünstlern ausgewählt worden zu sein.”, freut sich Kristian Liebrand.

Mit mehr als 60 internationalen Auszeichnungen für seine Fotokunst zählt Kristian Liebrand mittlerweile zu den weltweit meist ausgezeichneten und bekanntesten Fotografen im Bereich der künstlerischen Aktfotografie.

 

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Kristian Liebrand

Der Aktfotograf Kristian Liebrand hat sich seit 2008 ausschließlich auf die künstlerische Aktfotografie von Frauen spezialisiert. Er steht weltweit für anspruchsvolle Fotoproduktionen zur Verfügung und besitzt ein eigenes 360qm Fotoatelier in Bochum.

Mehr über den Fotokünstler Liebrand finden Sie hier: aktfotostudio-nrw.de

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Zum Empfang waren rund 300 prominente Gäste gekommen, um die Werke des 24-Jährigen zu sehen, der sich in Europa mit seiner explosiven Kunst in Rekordzeit einen Namen gemacht hat. Für den musikalischen Rahmen sorgte DJ Alexandra Richards, Künstlerin, Fotografin, Model und Tochter des berühmten Rolling-Stones-Gitarristen Keith Richards, die die Gäste mit chilligen Sounds begeisterte.

„Wir freuen uns sehr über die Zusammenarbeit mit Leon Löwentraut“, betont Carina Ertl, CMO von Bucherer US, und fügt hinzu: „Leons Arbeit ist außergewöhnlich und fängt den innovativen und freudvollen Geist der TimeMachine auf eine aufregende neue Art ein. Leon definiert die Art und Weise, wie wir Kunst erleben, für die nächste Generation von aufstrebenden Künstlern neu.“

Der New Yorker Flagshipstore soll mehr sein als ein Mekka für Uhren- und Schmuckliebhaber: Bucherer will ein kulturelles Zentrum für Künstler, Musiker und andere Kreative schaffen. So wurden bereits Ausstellungen kuratiert, unter anderem mit Werken von Damien Hirst, Picasso und Andy Warhol.

Leon Löwentraut ist Uhrenliebhaber und begeisterter Sammler und seit vielen Jahren ein treuer Freund von Bucherer Düsseldorf. Die Partnerschaft zwischen Löwentraut und Bucherer ergab sich ganz natürlich aus den gemeinsamen Interessen – einer gemeinsamen Leidenschaft für Ästhetik, Kunst und Handwerk und natürlich der Liebe zu Uhren. „Das Uhrenhandwerk ist für mich eine hohe Kunst“, betont Leon Löwentraut. „Und die Partnerschaft eine Ehre.“

Leon Löwentraut

Seine erste Ausstellung hatte der 1998 in Kaiserslautern geborene Leon Löwentraut 2013 in einer Galerie in der Nähe von München. Zwei Jahre später stellte er zum ersten Mal international aus – in London. Danach folgten Ausstellungen u.a. in Singapur, Berlin, New York, Florenz, Kopenhagen, Venedig, Wien, Zürich, Osterwijk und Madrid – immer mit starker Medienresonanz. Nach einer Soloshow auf der Art Toronto in diesem Herbst ging es 2022 weiter auf die Miami Art Week. Dort war der junge Ausnahmekünstler mit seinen Gemälden zum ersten Mal und gleich dreimal vertreten.

Seine Kunst ist gefragt – sie begeistert, irritiert und polarisiert das Publikum und die Medien. Er ist das Gesicht einer jungen Künstlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht. Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren). Leon Löwentraut gehört laut Forbes zu den jungen Deutschen, die 2020 Herausragendes geleistet haben.

Erste Monographie

Im Herbst ist im teNeues Verlag seine erste Monographie erschienen: ein großformatiger Bildband mit einer eindrucksvollen Auswahl an Fotos, der sein bisheriges Schaffen retrospektiv dokumentiert. Der Bildband, der auf der Buchmesse in Frankfurt präsentiert wurde, ist in Deutschland bereits fast ausverkauft. In Amerika ist er seit Ende Oktober in den Buchhandlungen erhältlich. Mehr über den Bildband: Leon Löwentraut-Monografie – Beeindruckender Bildband

Auf der Leon Löwentraut-Ausstellung bei Bucherer in New York gibt es den Bildband in einer hochwertigen Partnerschaftsneuauflage „Löwentraut/Bucherer“ mit Special Prägung. Das „teNeues special re-edition coffee table book“ (Editor: Team Geuer, Grevenbroich) beinhaltet die auf 30 Stück limitierte, einzeln nummerierte und vom Künstler partiell handcolorierte und signierte Grafik-Edition „Liberty“.

Die „Liberty“ unterstreicht Löwentrauts Credo: „Für mich bedeutet Kunst Freiheit!“ Sein Ziel: „Künstlerisch die Grenzen der Zeit überwinden.“

ÜBER BUCHERER

Bucherer, gegründet 1888 in Luzern, ist eines der renommiertesten Traditionshäuser in der europäischen Uhren- und Schmuckindustrie und hat sich mit seinen exquisiten Schmucklinien und preisgekrönten Kreationen in den vergangenen 130 Jahren einen exklusiven Ruf aufgebaut. Die Bucherer Boutiquen bieten ihrem internationalen Publikum ein breites Angebot an Luxusuhren bedeutender Hersteller.

Bucherer unterhält 38 exklusive Standorte in ganz Europa: 16 Verkaufsgeschäfte in der Schweiz, 13 in Deutschland, eine Flagship Boutique in Wien, ein Verkaufsgeschäft in Paris, eines in Kopenhagen und sechs weitere in London. Im Januar 2018 übernahm Bucherer den US-amerikanischen Luxusuhrenhändler Tourneau und ist seither mit 34 Verkaufsgeschäften in den USA vertreten. Das Familienunternehmen wird in der dritten Generation von Jörg G. Bucherer geführt und beschäftigt über 2.000 Mitarbeitende. Die Unternehmenszentrale befindet sich auch heute noch in Luzern.

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In einer Einzelausstellung im Sala Sansoviniana der Biblioteca Nazionale Marciana Piazza San Marco, 13/a, 30124 Venedig, mit dem Titel Avatare / Avatars werden Erwin Wurms skulpturale Arbeiten in einen Dialog mit Wand- und Deckengemälden von Tizian, Tintoretto und Veronese gesetzt. Die Vernissage findet am Freitag, den 7. Oktober 2022, um 11 Uhr statt.

Erwin Wurm: „Zweidimensionalität, Dreidimensionalität, Masse, Haut, Oberfläche, Volumen; all das sind wichtige Bestandteile meiner Forschungen zur Skulptur. Zusammengequetscht und abgeflacht oder reduziert auf eine sehr dünne Form erlangen meine neuen Arbeiten eine gewisse Zerbrechlichkeit, die ich mag: sie werden fast abstrakt.“

Ausstellung Avatare / Avatars

In der Ausstellung Avatare in den Sale Monumentali der Biblioteca Nazionale Marciana zeigt Erwin Wurm eine neue Werkgruppe mit dem Titel Skins. Anders als in seinen Fat-Werken geht es in diesen Arbeiten um eine Reduzierung des Volumens. In den filigranen, zerbrechlich wirkenden und bis zu 4 Meter hohen Skulpturen werden umriss- und ausschnitthaft mit Jeans, Hemd und Turnschuhen bekleidete Körper in unterschiedlichen Posen wiedergeben, die der Betrachter jedoch nur aus einem bestimmten Blickwinkel wahrnehmen kann.

One Minute Sculptures

So rudimentär und abstrakt die Skulpturen auch wirken mögen, so wird dennoch der Bezug zu Erwin Wurms One Minute Sculptures deutlich, mit denen er seit Beginn der 1990er-Jahre einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurde. Wurm ließ hier Personen mit Alltagsgegenständen posieren und kurzzeitig sonderbare, oft unnatürliche Körperpositionen einnehmen, die sich in den Skins wiederfinden.

Bei den One Minute Sculptures ging es um das Hinterfragen der Kategorisierung von Subjekt und Objekt, aber auch um das Erschaffen einer Antithese zur klassischen Bildhauerei, welche im Allgemeinen mit Beständigkeit assoziiert wird. Der Flüchtigkeit des Moments setzt Wurm in den Skins die Flüchtigkeit der Form entgegen. Der Künstler konzentriert sich hier auf den Begriff der Oberfläche und ihre Funktion, Volumen zu halten und zu definieren. In einer Ebene zwischen An- und Abwesenheit verweist Wurm in diesen Arbeiten auf existenzielle Fragen in Bezug auf unsere Interaktion mit der Welt, die uns umgibt, und der Rolle der Haut als Kontaktfläche dieser Begegnung.

zwischen Tizian, Tintoretto, Veronese

Im prächtigen Salone Sansoviniano treten die Arbeiten Erwin Wurms in einen fruchtbaren Dialog mit bedeutenden Werken der Renaissance von Tizian, Tintoretto, Veronese und anderen großen Meistern.

Die Ausstellung wird von Manfred Möller kuratiert und von der Association for Art in Public Dirk Geuer gefördert und organisiert.

„Bedeutende Künstler mit Ihren Werken in renommierten Museen weltweit sichtbar zu machen, ist mein Bestreben und meine innigste Leidenschaft. Der persönliche und vertrauensvolle Kontakt mit den Künstlern ist für mich dabei die wichtigste Voraussetzung“, so ihr Geschäftsführer Dirk Geuer über das Zustandekommen des Projekts.

Erwin Wurm

Erwin Wurm, 1954 in Bruck an der Mur in der Steiermark geboren, ist der international erfolgreichste Vertreter der österreichischen Gegenwartskunst. Sein vielschichtiges, zugleich humorvolles als auch tiefgründiges Oeuvre umfasst nahezu alle Gattungen und reicht von Materialskulptur über Aktionskunst, Video, Fotografie und Zeichnung bis hin zum Künstlerbuch. In jüngster Zeit entstehen mit den sogenannten flat sculptures erstmals auch Gemälde.

Im Zentrum seines künstlerischen Schaffens steht jedoch die intensive Beschäftigung mit dem Medium Skulptur. Seit seiner Studienzeit hat er die Gattung und die mit ihr verbundenen Begrifflichkeiten und Konventionen unablässig hinterfragt, seine räumlichen und zeitlichen Grenzen aufgelöst und stetig neue, innovative und sehr eigenständige Möglichkeiten des Ausdrucks entwickelt.

Oft beschäftigt sich Erwin Wurm mit Gegenständen, die unseren Alltag prägen, aber zumeist wenig Beachtung finden. Bekannt sind in diesem Zusammenhang Wurms fat sculptures, die kleinbürgerliche Statussymbole wie Autos, Kühlschränke oder Einfamilienhäuser in einem „verfetteten“, aufgeblähten Zustand zeigen.

Die außergewöhnlichen Werke von Erwin Wurm sind seit langem Gegenstand von Einzelausstellungen in internationalen Museen. Die renommiertesten Häuser weltweit besitzen und präsentieren seine Arbeiten, darunter die National Gallery of Victoria in Melbourne, die Österreichische Galerie Belvedere in Wien, das Pariser Centre Pompidou, das Museum Ludwig in Köln, das Kunsthaus Zürich oder das Solomon R. Guggenheim Museum in New York.

Im Herbst 2006 widmete ihm auch das MUMOK im MuseumsQuartier in Wien eine Ausstellung. Für Aufregung sorgte dort vor allem ein Einfamilienhaus in Originalgröße, das schräg und verkehrt am Dach des MUMOK-Gebäudes angebracht wurde. Auf der 54. Kunstbiennale in Venedig 2011 war Wurm mit Narrow House vertreten, einem Modell seines Elternhauses, das auf ein Sechstel seiner Größe in der Längsachse reduziert war.

Erwin Wurm lebt und arbeitet in Wien und New York.

 

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Über den Veranstaltungsort

Die 1468 gegründete Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig zählt zu den wichtigsten und größten Bibliotheken Italiens. Ihr Bestand umfasst bedeutende Sammlungen griechischer, lateinischer und orientalischer Handschriften. Insgesamt beherbergt der Speicher des Wissens über eine Million Objekte, darunter Inkunabeln, Drucke, Landkarten und ca. 13.000 Handschriften.

Zu den zahlreichen historischen Schätzen und Kostbarkeiten der Bibliothek gehören u.a. das Testament des berühmten venezianischen Abenteurers und Entdeckers Marco Polo sowie zwei Ausgaben von Homers Ilias aus dem 11. und 12. Jahrhundert. Zudem glänzt die Bibliothek durch ihre prachtvollen „Monumentalen Säle“ mit Wand- und Deckengemälden der Renaissancekünstler Tizian, Veronese und Tintoretto. Früher ein Ort des Studiums und der Meditation, finden in dem einst von großen Gelehrten, brillanten Strategen und gekrönten Häuptern genutzten Saal, der über das Museo Correr zu erreichen ist, heute Ausstellungen statt.

Allgemeine Informationen

Erwin Wurm – Avatare

08. Oktober bis 13. November 2022.

Sale Monumentali der Biblioteca Nazionale Marciana Zugang zur Ausstellung über das Museo Correr.

Piazza San Marco n.52 – Ala Napoleonica I – 30124 Venedig.

Öffnungszeiten: bis 31.10.2022 täglich 10.00-18.00 Uhr (letzter Einlass 17.00 Uhr)

ab 01.11.2022 täglich von 10.00-17.00 Uhr (letzter Einlass 16.00 Uhr)

(aufgrund der COVID-19-Pandemie können sich die Öffnungszeiten kurzfristig ändern. Bitte informieren Sie sich im Vorfeld Ihres Besuches auf der Homepage des Museo Correr) https://correr.visitmuve.it/.

Weitere Informationen

Titelbild: Erwin Wurm, Photo credit: Nebojša Babić

Mehr über den Künstler: https://www.erwinwurm.at/

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Frank Stella (*1936 bei Boston), lebt und arbeitet in New York. Er ist ein Künstler, der sein Werk nicht allein in der Gegenwart verortet. Stattdessen sucht er vielfältige Bezüge in die Vergangenheit – von der Kunst der frühen Neuzeit, über den Barock, bis in die Moderne. Die „Problemstellungen“ der Malerei erschienen ihm dabei stets ähnlich, grundlegende Fragestellungen begleiteten alle Malerinnen und Maler durch die Jahrhunderte. Er selbst studierte neben Malerei auch Kunstgeschichte an der Universität von Princeton.

Eine Beteiligung an der Ausstellung „Sixteen Americans“ im Museum of Modern Art in New York 1959 verhalf dem jungen Künstler mit seinen minimalistischen „Black Paintings“ zum künstlerischen Durchbruch. Stellas Streifenbilder waren für viele seiner Kolleginnen und Kollegen zu Beginn der 1960er-Jahre ein Aufbruch in ein vollkommen verändertes Verständnis von Malerei.

In den 1980er-Jahren war Frank Stella der erste Künstler, der als Podiumsgast der Charles Eliot Norton Lectures der Harvard University eingeladen wurde und bis heute zählt er zu den bedeutendsten Künstlerpositionen im Kanon der zeitgenössischen Kunstgeschichte. Zuletzt waren Stellas Arbeiten vor zehn Jahren im Kunstmuseum Wolfsburg zu sehen.

„I work away from the flat surface but I still don’t want to be threedimensional; that is, totally literal […] more than two dimensions but short of three, so, for me, 2.7 is probably a very good place to be.“ – Frank Stella

abstrakte, ungegenständliche und ornamenthafte Kunst

Die abstrakte, ungegenständliche und teils ornamenthafte Kunst von Frank Stella entwickelte sich in den vergangenen Jahrzehnten kontinuierlich weiter. Von den Anfängen seiner minimalistischen „Black Paintings“, über die Nutzung neuer Farben (Neonacrylfarben, industrielle Metallfarben) bis hin zu reliefartigen Werken und raumgreifenden Wandinstallationen inspiriert von der Illusion einer Barockmalerei. Stellas Auseinandersetzung mit den „Problemstellungen“ der Malerei wird in seinem seriellen Schaffen deutlich. Seine Arbeit ist ein systematischer Prozess mit Farb-, Form- und Größenvariationen. Das Museum Wiesbaden bietet mit seinem Schwerpunkt amerikanischer Kunst, im Besonderen der Kunst des Minimalismus, wie auch der selbstreferentiellen Malerei von Robert Mangold, David Novros und Joseph Marioni, einen Kontext für die frühen Werke Frank Stellas.

Dr. Jörg Daur, Kustos für moderne und zeitgenössische Kunst: „Gerade weil wir im Museum Wiesbaden von der alten Kunst, über den Jugendstil, bis hin zur Gegenwart unterschiedlichste Facetten der Kunst zeigen können, ist Stella in seiner Vielschichtigkeit für uns eine ideale Besetzung.“

Serielles Arbeiten kennzeichnete das Schaffen Stellas von Anfang an, wie auch der expressionistische Maler Alexej von Jawlensky, der in seinem Spätwerk für seine Meditationen bekannt ist. Die Landeshauptstadt Wiesbaden erinnert mit der Auszeichnung des Alexej-von-Jawlensky-Preis an das Lebenswerk des russischen Malers, der von 1921- 1941 in Wiesbaden lebte und vergibt den Preis gemeinsam mit Nassauischer Sparkasse und Spielbank alle fünf Jahre für das Lebenswerk eines Künstlers/einer Künstlerin. 2022 ist Frank Stella der Alexej-von-Jawlensky-Preisträger.

Sonderausstellung vom 10, Juni bis zum 09. Oktober

Vom 10. Juni bis zum 9. Oktober 2022 stellt die Sonderausstellung in vier Kapiteln das Lebenswerk des US-amerikanischen Künstlers vor, beginnend mit Stellas seriellem Werk der 1950er- und 1960er-Jahre, über die raumgreifenden „Shaped Canvases“ der 1970er-Jahre, seinen Auseinandersetzungen mit dem Ornament mitunter zu erkennen in den Wellen der „Moby Dick“ Serie. Den neuesten Arbeiten des Künstlers aus der Serie der „Salmon Rivers of the Maritime Provinces“ ist ein eigenes Kapitel der Ausstellung gewidmet.

Alles! 100 Jahre Jawlensky in Wiesbaden

Darüber hinaus wird die Jubiläumsausstellung „Alles! 100 Jahre Jawlensky in Wiesbaden“ zur Feier des Jawlensky-Preisträgers bis zum 14. August 2022 verlängert. Zur Ausstellung erscheint Anfang Juli der begleitende Katalog. Im Kerber Verlag mit Aufsätzen von Bernard Ceysson, Jörg Daur, Andreas Henning und Lea Schäfer. Kostenfrei stehen in der App des Museums Wiesbaden zweisprachige Hintergrundinformationen zur Verfügung.

Die Ausstellung Frank Stella wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Art Mentor Foundation Lucerne. Der Stadt Wiesbaden, der Nassauischen Sparkasse, der Spielbank Wiesbaden und den Freunden des Museums Wiesbaden e.V.

 

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Weitere Informationen

Titelbild: Moby Dick, from The Waves Series, 1989, Frank Stella – 67,25 x 54,75 in (170,8 x 139,1 cm). Quelle:Artnet

Mehr über die Ausstellung und das Museum: www.museum-wiesbaden.de/frank-stella

Eintritt (Tickets online oder an der Tageskasse)
Buchung: https://tickets.museum-wiesbaden.de/
Sonderausstellung* 10,- Euro (7,- Euro ermäßigt) *Eintritt in die Sonderausstellungen beinhaltet den Besuch der Sammlungen. Kinder und Jugendliche unter 18 Jahre freier Eintritt. Weitere Ermäßigungen und Tarife für Gruppen online.

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Zuletzt berichteten wir über das Legokunstwerk „Gold Digger“ von Moritz Morbach.

In den letzten Tagen haben wir uns expliziert mit Künstlern und Künstlerinnen auseinandergesetzt, die sich mit ihrer Kunst für die Krebsforschung einsetzen und oder für den Kampf gegen diese Krankheiten engagieren. Im Rahmen unserer Recherchearbeiten sind wir auf die Künstlerin Richild von Holtzbrinck aufmerksam geworden. Seit Mitte der 1980er-Jahre nutzt sie den Künstlernamen Richild Holt, weshalb wir diesen im Folgenden verwenden.

»Zwischen dem Künstler und der Leinwand, zwischen einem Augenblick und dem nächsten, zwischen Leben und Tod existiert die Sehnsucht nach etwas, das Zeit überdauert.« – Richild Holt

Im August 1987 diagnostizierten Ärzte bei Richild Holt Brustkrebs. Die niederschmetternde Prognose lautete, dass mit einer Lebenserwartung von zwei Jahren gerechnet werde. Wie sich Gott sei Dank zeigte – ein Fehlurteil. In ihrem linken Busen befanden sich 3 verschiedene Tumoren, doch hatte der Krebs nicht gestreut, es gab keine Metastasen. Um das Risiko einer erneuten Brustkrebserkrankung auszuschalten, ließ die Künstlerin schließlich auch ihre rechte Brust chirurgisch entfernen. Einen Aufbau wollte sie nicht.

Wie sich ihr Körper durch die Krankheit verändert hat, hielt sie mit Pinsel und Farbe auf Leinwand fest. Die einzigartigen Selbstportraits, die sie als Malerin Richild Holt anfertigte, entstanden zwischen 1986 und 1990 und zeigen die Künstlerin vor und nach ihren Brustkrebsoperationen. Es sind beeindruckende Arbeiten, die keine Parallele auf dem Kunstmarkt haben.

Frau Richild Holt teilte uns mit: „ … diese autobiografische Serie der Krebsbilder plus 15 Zeichnungen, die ich während meiner Krankenhausaufenthalte von – zumeist – Mitpatientinnen gemacht habe, gingen als Schenkung an das DKFZ (Deutsches Krebs Forschungs Zentrum) Heidelberg. Sie hängen mit Oberlicht direkt vor dem Rektorat im Direktionsgebäude. Es ist der Ort, wo sie hingehören.

Auf der Webseite des DKFZ heißt es: „Wir sind Richild von Holtzbrinck außerordentlich dankbar für ihre großzügige Spende und die schöne und bewegende Werkgruppe, die wir dauerhaft der Öffentlichkeit zugänglich machen“, sagt der Kaufmännische DKFZ-Vorstand Prof. Dr. Josef Puchta zur Ausstellungseröffnung. „Diese sehr berührende Kunst ermutigt uns im Deutschen Krebsforschungszentrum, weiterhin intensiv und beharrlich die Krebsforschung voranzubringen und mit allen Kräften daran zu arbeiten, dass Krebs noch besser behandelbar und heilbar wird“.

Die Künstlerin ist im Patientenbeirat des DKFZ und gelegentlich bekommt die Künstlerin auch Anfragen und Einladungen von Kliniken, wie nun beispielsweise vom Universitätsklinikum Graz, um vor Patienten und ihren Angehörigen zum Thema Brustkrebs zu sprechen und sich befragen zu lassen. Honorarfrei – denn an ihrem Krebs will die Künstlerin nicht verdienen.

Richild Holt ist aber keineswegs auf ihre „Krebsbilder“ zu reduzieren, weshalb wir nun auf eine Arbeit von Holt aufmerksam machen möchte, die nicht im direkten Zeitraum der Diagnose entstanden ist.

„Falling“ von Richild Holt

Das Kunstwerk „Falling“ aus dem Jahr 2003 gehört zu einer Serie aus der „New Yorker Zeit“ der Künstlerin.  23 Jahre lang ist sie zwischen Stuttgart und New York hin- und hergeflogen. Ihre damalige Wohnung war im 57. Stock des City Spire, 56. Straße zwischen 6th and 7th Ave. und „overlooking the Park“. Die Fenster in alle 4 Himmelsrichtungen ermöglichten der Künstlerin einen ganz eigenen Blick auf die Metropole.

„Von dort oben sind die Menschen so klein in Bezug auf die Hochhäuser…die Bilder aus der Serie sind übrigens alle „richtig“ gemalt, die grünen Fenster des Trump Tower scheinen tatsächlich grün zu sein und die Proportionen stimmen. Die Menschen habe ich darüber gelegt, sodass eine Art von Abstraktion entstanden ist. Menschenskizzen – genauso wichtig genommen wie die Hochhäuser.“ – hält die heute 80 Jahre alte Künstlerin über „Falling“ fest.

Für das Werk verwendete die Künstlerin Ölfarben auf Leinwand. Das Gemälde misst 107cm * 64cm. Die meisten Werke aus der damaligen Schaffensphase der Künstlerin befinden sich heute im Privatbesitz, aber auch in namhaften Häusern wie dem Museum of Women in the Arts, Washington, DC; der Universität Stuttgart, dem Ministerium für Wissenschaft und Kunst in Baden-Württemberg oder dem National Arts Club in New York.

1989 wurde Richild Holt eine umfassende Einzelausstellung im National Arts Club in New York gewidmet, was bis dato die erste Einzelausstellung für einen lebenden Nichtamerikaner im NAC war.

Das Werk „Falling“ steht noch zum Verkauf. Einen Einblick in ihre Werke gibt die Künstlerin auf ihrer Webseite, www.richildholt.de . Sie arbeitet eng mit Baron Maximilian von Koskull zusammen. Dieser ist auch der Herausgeber des Buches „Farbe und Linie“ , das am 10. Juni 2022 im Literaturhaus Stuttgart vorgestellt wird. Baron Koskull verfasste dafür die Vita der Künstlerin.

Richild Holt

Richild Holt wurde am 12. September 1941 in Kärnten geboren. Sie studierte in Wien, an der New School for Social Research (New York City) und an der Kunstakademie Stuttgart. Sie selbst und ihre Kunstwerke reisten um die halbe Welt; Einzelausstellungen in New York, Paris, Wien, Stuttgart, Zürich, Basel und Jerusalem sind bei der tiefgründigen Künstlerin nur die Spitze des Eisbergs..

Sie lehrte von 1995 – 2001: Akt, Malen und Zeichnen an der VHS Stuttgart und parallel Freies Zeichnen an der Merz-Akademie Stuttgart.  Von 2005 bis 2007 unterrichtete sie Akt: Malen und Zeichnen an der Kunstakademie Esslingen und seit 2008 gibt sie Workshops für Psychiatriepatienten.

Richild Holt ist Ehrenmitglied der „Deutschsprachigen Gesellschaft für Kunst und Psychopathologie des Ausdrucks“ (DGPA) und Ehrenmitglied des National Arts Club, New York. Bis 2005 war Richild Holt Vorstandsmitglied des Galerievereins der Staatsgalerie Stuttgart; es folgte die Ehrenmitgliedschaft.

Heute lebt und arbeitet die Künstlerin in Stuttgart und München und kann mit 80-Jahren einen bewegenden Lebenslauf vorweisen, die Künstlerin zeigt, was möglich ist und gibt Hoffnung, das auch schwerwiegende Diagnosen ein Happy End nehmen können. Es ist wohl mehr als angemessen zu sagen, dass ihre Bilder wirklich Hoffnung geben, auch wenn sie auf den ersten Blick vielleicht eher traurige Namen haben, wie „Falling“.

Die Künstlerin über ihre Signatur…

„Falling“ ist signiert. Das ist nicht bei allen Werken der Fall, denn am Anfang ihrer künstlerischen Laufbahn, setzte die Künstlerin noch nicht unter jedes Werk eine Unterschrift. Wir haben die Künstlerin gefragt, warum Sie am Anfang ihrer Karriere ihre Werke nicht signierte.

„Stimmt, anfangs hab ich nicht signiert, ich wollte malen, mein Talent, das ich als Verpflichtung empfand, entwickeln, aber n i c h t an dem Kunstzirkus teilnehmen. Dann jedoch wurde ich eingeladen zu einer Ausstellungsbeteiligung im Jahr 1987. Ich habe als einziger von allen Teilnehmern verkauft und zwar so viel, dass die Galerie Mussavi Arts Center mir eine Einzelausstellung angeboten hat. Die fand im gleichen Jahr statt. Dazwischen kam aber meine Krebserkrankung… Statt in eine Reha zu gehen wollte ich jedoch diese Ausstellung machen. Ich hatte den Ärzten ja nicht geglaubt, dass ich wirklich nicht sterben würde.

Die ersten beiden gleichlautenden Diagnosen von 2 Chefärzten hatten „2 Jahre“ gelautet. So wurde während meines ersten Klinikaufenthalts der Katalog gemacht, täglich fuhr ein ledergekleideter junger Mann mit dem Motorrad und mit den Blaupausen hin und her zwischen Stuttgart und Tübingen…“

… und der Rest ist Geschichte. Eine Geschichte, die Hoffnung macht und die es definitiv wert ist, in einem Buch festgehalten zu werden.

Weitere Einblicke in das Leben und Schaffen von Richild Holt sind auf der Webseite Kunsthandel-Koskull zu finden“

Farbe und Linie von Richild Holt

Das Buch erscheint im Schillo-Verlag München. Zur Buchvorstellung am 10. Juni 22 wird Prof. Dr.  Dr. h.c. Karl Josef Kuschel von der Universität Tübingen sprechen und ein Interview mit der Künstlerin führen.

Das Buch liegt uns bereits vor und eine Buchrezension ist in Arbeit. Doch wir können jetzt bereits vor weg nehmen:

Richild Holt hat mit ihrem künstlerischen Talent einiges geschafft, was nicht viele Künstler von sich behaupten können, unter anderem auf ein schwieriges Thema aufmerksam zu machen, ohne dabei auf dieses Thema reduziert zu werden. Zusätzlich hat die Künstlerin unter Beweis gestellt, das es sich lohnt, in aussichtslosen Situationen weiter zu machen und wie wichtig es ist, als Künstler hinter sich selbst und seinen Werken zu stehen.

Ein künstlerischer Werdegang ohne Beschönigung und ohne Selbstbeweihräucherung.

ISBN: 978-3-944716-27-5

Weitere Informationen

Titelbild: „Falling“ (2003) Öl auf Leinwand/ 107*64cm/Richild Holt. Fotograf: Ralf Grömminger

Mehr über die Künstlerin: www.richild-holt.de

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