Die Vernissage zur Ausstellung SEELENKUNST findet am 15.03.2025 ab 16:00 Uhr im Triangulum Gelnhausen statt. Die Künstlerin Sina Katharina Schulz hat dafür 9 weitere Künstlerinnen vereint . die alle für sich eine ganz eigene Handschrift haben. Es sind alles wunderbare Kunstwerke aus der Seele, die zum Dialog einladen. Neben den farbenfrohen und berührenden Bildern, ist bei der Eröffnung für Musik von „Tones unlimited“ gesorgt.

Die Künstlerinnen Adelheid Eurich, Andrea Gunkler, Clara Morgenthau, Julia Smith, Petra Hommer, Regina Gaul-Sbeitan, Tamara Mancilla, Ulrike Hagel, Zaneta Kern und Sina Katharina Schulz sind anwesend und freuen sich auf einen bunten und inspirierenden Nachmittag.

Ein Einblick in die Ausstellenden Künstlerinen

Sina Katharina Schulz

Die Liebe und auch ihre persönliche Achtsamkeit für die Natur ist in der Kunst von Sina Katharina Schulz immer Thema. Neben ihren intuitiv-mystischen Werken, liebt sie auch die Verarbeitung von Natur Materialen, Pigmenten und Erden in ihren abstrakten Mixed Media Werken. Es ist die Fülle von Materialien und die Vielfalt von Techniken und Möglichkeiten die Sina Schulz bei diesen Arbeiten fasziniert.
Seit 2017 arbeitet sie selbstständig in ihrem eigenen Atelier „Atelier Mal anders“ in Freigericht Somborn in dem sie auch Kunstkurse, Workshops und Kunsttherapie für Jung und Alt gibt.

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Die Künstlerin und Galeristin Dhira Sarah Barein ist bereits seit über 20 Jahren auf dem Kunstmarkt aktiv. Zu ihrer aktuellen Ausstellung „KUNST IM DIALOG“ fand am 20.04.2024 in ihrer Galerie bei Frankfurt die Vernissage statt.  Im Rahmen der Eröffnung sind wir auch auf das Werk „Dancing with the Rain“ aufmerksam geworden, denn mit 220cm x 150 cm ist es ein echter Eyecatcher.

Der Dialog zur Ausstellung wurde auch gefilmt und wird in Kürze veröffentlicht. Kunstfreunde die nichts verpassen möchten, sollten die Webseite und/oder Instagram-Kanal der Künstlerin im Auge behalten.

Unser letztes Interview mit Dhira Sarah Barein finden Sie hier: Kunst in Frankfurt: Dhira Art Galerie im Interview

 

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Die Künstlerin über Ihr Werk DANCING WITH THE RAIN

Transience and Movement: Eine künstlerische Reise

Als Künstler begrüße ich euch auf einer Reise durch die essentiellen Sphären des Lebens – Geburt, Tod und die unaufhaltsame Bewegung dazwischen. Unsere Existenz ist ein endloser Tanz zwischen diesen Polen, eine flüchtige Begegnung mit der Zeit, eingehüllt in einen ständigen Wandel.

Auf diesem Planeten verweilen wir für eine begrenzte Zeit, ein Geschenk, das uns die Möglichkeit gibt, uns zu bewegen und zu verändern. Doch wie nutzen wir diese Zeit, wenn wir doch wissen, dass nichts ewig währt außer dem Wandel selbst? Diese Frage ist der Kern meines künstlerischen Konzepts, das sich mit der Bewegung, dem Wandel und der Vergänglichkeit auseinandersetzt.

Die Kunst geht über das Visuelle hinaus. Sie greift nach den Sinnen, lockt die Betrachter in einen Strudel aus Momenten, eingefangen in flüchtigen Pinselstrichen. Die Figuren erwachen zum Leben, wenn unsere Augen ihre Bewegung erfassen und unsere Seele ihre Geschichte versteht.

Die Skulpturen aus Ton, normalerweise schwer und statisch, werden in Bewegung versetzt. Wie? Durch das Einfangen des Augenblicks, in dem das schwere Material dennoch Leichtigkeit und Anmut ausstrahlt. Hierbei verbinden sich die Vergangenheit und die Gegenwart in einem harmonischen Tanz der Elemente.

Es ist wie das Fließen eines Flusses: Man kann nie zweimal in denselben Fluss steigen. Jede Begegnung, sei es mit einem Menschen oder einem Augenblick, ist ein einzigartiger Tanz, geprägt von Veränderung und Vergänglichkeit. Menschen, die Nahtod Erfahrungen gemacht haben, berichten von einem Leben, das in Sekundenbruchteilen an ihnen vorüberzieht. In diesen kostbaren Momenten erkennen sie, dass die wahre Angst nicht der Tod ist, sondern das Nicht-Leben, das Nicht-Fühlen und das Nicht-Erfahren zu haben.

Es ist paradox, dass wir Uhren geschaffen haben, um die Zeit zu messen, während es doch wir selbst sind die vergehen. Doch in dieser Vergänglichkeit liegt auch unsere Stärke. Wir sind nicht dazu verdammt zu sterben, bevor wir sterben; wir können den Wandel umarmen und intensiv und leidenschaftlich leben.

Willkommen in meiner Welt aus bewegten Bildern und bewegenden Momenten.

DANCING WITH THE RAIN AUKTION

Bei der nächsten Auktion der Gallery1503 wird unter anderem auch das Kunstwerk „Dancing in the Rain“ angeboten. Neben dem großformatigen Kunstwerk befinden sich noch zwei kleinere Arbeiten von Dhira im Portfolio des Auktionshauses. Kunstsammler finden die Ankündigung zu kommenden und laufenden Auktionen des Auktionshauses hier: Katalog 2024-02 Kunst des 21 Jahrhundert: Katalogübersicht | Gallery 1503 | Auktion vom 07.04.2024 (veryimportantlot.com)

Bei Fragen oder Anmerkungen zur Auktion nutzen Sie auch gerne unseren Kontakt oder schauen Sie auf der Webseite des Auktionshauses vorbei:  Auction Sale, Kunst-Auktionen über Gallery1503

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: dhira-art.com

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Die Berliner Künstlerin Katharina Eisenberg befindet sich zum Zeitpunkt des Interviews in ihrem Atelier in Bayern. Erst vor wenigen Tagen endete die Ausstellung „Liquid Sky“ im Galata Museo del mare in Genoa, Italien. Wo sie unter anderem ganz besondere Fotografien aus der Serie „magnetic landscapes“ zeigte. Teile der Foto-Serie werden bei der kommenden Auktion der Gallery1503 in Wien angeboten, Kunstfreunde die diese Gelegenheit nicht verpassen möchten, sollten die Webseite des Auktionshauses oder den Instagram-Kanal im Auge behalten – der Katalog und der genaue Termin der Auktion wird in Kürze bekanntgegeben!

Katharina Eisenberg ist aber nicht nur für ihre Fotografien international bekannt, sondern widmet sich auch der Malerei. Dabei entstand im Jahr 2022 beispielsweise ihre beliebte Serie „psycho fruits“, bei der die Künstlerin Früchte und sexuelle Symbolik bzw. Genderfragen miteinander kombiniert hat. Diese Bilder sind bewusst mehrdeutig, der Betrachter interpretiert sie entsprechend seiner eigenen Thematik – ein Spiel mit tiefgreifenden psychologischen Botschaften, obwohl die Bilder selbst auf den ersten Blick leicht und poppig erscheinen.

Auch im Bereich der Skulpturen und 3D Installation hat Katharina Eisenberg besondere Stücke in ihrem Portfolio vorzuweisen – wenn Sie sich für die ausführliche Werkliste interessieren, finden Sie diese hier: https://www.kunstundklartext.de/portfolio/.

Fest steht, das für Katharina Eisenberg der kreative Ausdruck im Fokus steht. Früher noch als Sängerin, heute als bildende Künstlerin hat
sie eine eigene (Bild-)Sprache und entwickelt diese auch stetig weiter. Fasziniert von der unendlichen Vielfalt des Lebens beschäftigt sich die Künstlerin mit Fragen: Was treibt uns an, wie beeinflusst das Un(ter)bewusste unsere Aktionen und Reaktionen? Können wir selbst über unser Leben entscheiden, oder laufen wir eher wie ferngesteuerte Ameisen auf diesem Planeten herum?

Im folgenden Interview möchten wir die Künstlerin und ihre Motivation näher kennenlernen.

Katharina Eisenberg im Interview

Wie würden Sie Ihre Kunst selbst beschreiben?

Ich kreiere Konzeptionelle Kunstwerke- das bedeutet die inhaltliche Aussage beeinflusst maßgeblich die Ästhetik. Weswegen meine Werke und Ausdrucksmittel äußerst vielseitig sind. Sie umfassen Malerei, Objekte/ Installationen aus diversen Materialien, sowie Fotografische Serien. Inhaltlich verwende ich Symbole und Farbkombinationen, welche das Unterbewusstsein ansprechen. Meine poppigen Kunstwerke beschäftigen sich mit spirituellen, psychologischen und Orts-spezifischen Themen. Manche erzählen Geschichten, triggern innere Prozesse an oder schicken den Betrachter Buchstäblich auf eine Reise zu konkreten Orten, welche ich in meinen Werken widerspiegele und beleuchte.
Wenn mich ein Thema/ Bereich tiefer beschäftigt, gestalte ich vorzugsweise mehrteilige Serien.

Was inspiriert Sie, Kunst zu schaffen, bzw. gab es einen Auslöser, Ihre Kunst mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Meine innere Vision und kreativer Drang sind stark, ich kann eindeutig sagen dass mein Beruf sich aufgedrängt hat! Auch der Wechsel von Musik zur Visuellen Kunst geschah sehr natürlich, es hat sich der kreative Fokus vor ein paar Jahren einfach stärker auf die Visuelle Seite verlagert, wobei ich schon mein Leben lang gemalt UND musiziert habe. Die Vielfalt des Geistes (auch Fantasie genannt 😉 hat diesen Weg gewählt und zum Glück trifft meine künstlerische Arbeit auch im Außen auf gute Resonanz, wofür ich sehr dankbar bin.

Wie hat sich Ihre Kunst im Laufe der Jahre verändert, und gibt es bestimmte Wendepunkte, die besonders prägend waren?

Meine künstlerische Sprache hat sich mit jedem persönlichen und geistigen Sprung, jeder verkörperten Lernerfahrung, mitentwickelt. Früher habe ich in erster Linie figürliche Comics gezeichnet, abstrakte Geometrische Ornamentik wurde von einer skulpturalen Phase abgelöst. Von da ging es straight in die konzeptionelle Richtung, die Gemälde- Serien und Themen-Spezifischen Werke haben sich aus meiner ur-eigenen Art, auf die Welt zu schauen, entwickelt.

Gibt es ein spezielles Kunstwerk von Ihnen, das Ihnen besonders am Herzen liegt? Könnten Sie uns dessen Geschichte erzählen?

Sehr empfehlen kann ich die Länder-spezifischen Arbeiten, z.b das Werk über Gran Canaria: „Gran Canaria, una fiesta“ welches ich während einer 1 – monatigen Künstler-Residenz 2023 vor Ort kreiert habe. Es handelt sich um eine installative Malerei, enthält spezifische Pflanzen der Insel und typische Thematiken, wie die antiken Höhlenmalereien der Canarios, die sogenannten „Esels-Wolken“, Vulkan-Lava, den Karneval und vieles mehr. Eine einzigARTige Ode an die Insel.

Wie kann man sich Ihren kreativen Prozess vorstellen? Haben Sie bestimmte Rituale oder Gewohnheiten, die Sie beim Schaffen neuer Kunstwerke begleiten?

Ich erschaffe komplett intuitiv- instinktiv und bin dabei dennoch sehr stark von Logik geprägt. Eine Inspiration, Fragestellung oder Thematik zündet die Idee, und das Werk formt sich in meiner Vision. Die Umsetzung ist Handwerk und Fleiß, natürlich unterscheidet sich der Prozess beim Malen oder gestalten einer 3D Arbeit sehr von der Fotografie. Ich arbeite grundsätzlich aber ziemlich diszipliniert, auch bei Kommissionen, und brauche besonders bei Thematisch größeren Projekten viel geistige und Räumliche Freiheit für den konzeptionellen Prozess. Ansonsten bin ich durch das Arbeiten an diversen Orten recht flexibel geworden. Gib mir Zeit, eine ruhige Ecke und Material, dann mach ich dir ein Kunstwerk. 😉

Wie reagiert das Publikum typischerweise auf Ihre Kunst, und wie gehen Sie mit unterschiedlichen Reaktionen um?

Das ist äußerst unterschiedlich. Meine Kunst polarisiert ziemlich stark, Leute mögen Sie oft sehr, oder garnicht. Das finde ich beides interessant und lustig, mir ist es Grundsätzlich auch eher egal, was Leute von mir denken. Die Werke würde ich auch machen, wenn es niemanden interessiert, da es meinem Sein entspringt. Menschen sind extrem vielfältig- in Geschmack, Bewusstheitsgrad, Veranlagung und was nicht alles- es ist schlichtweg normal dass nicht jeder was mit Kunst, oder meiner Kunst, anfangen kann. Mich selbst spricht ja auch nicht jede(r) Künstler/in an, logischer Weise.

Was war denn bisher das schönste Feedback?

Wunderschön ist es natürlich wenn Menschen speziell und persönlich berührt sind, zum Beispiel bei den Länder-Werken. Wenn ich es geschafft habe, die Leute abzuholen, sie Gedanklich inspiriert werden, und eigene Interpretationen sprudeln, das macht mich tief glücklich. Zum Beispiel in Japan- haben einige Leute zufällig mein Werk „the philosophical vending machine“ im Atelier gesehen als ich gerade damit fertig war, sie mussten über spezielle Details sehr lachen und kamen angeregt ins Diskutieren! Solche starken spontan- Reaktionen sind immer ein großes Kompliment.

Und eine Kunstkennerin hat meinen künstlerischen Ausdruck mal als „Mischung aus Hohepriesterin und Punk“ bezeichnet, was mich ebenfalls sehr gefreut hat. 😉

Und was war bisher die härteste Kritik?

Eine Künstler-Kollegin hat mal mitgeteilt, sie findet meine Werke „krass hässlich“. Die Aussage hat mich ziemlich amüsiert.

Wie wichtig ist Ihnen der Dialog mit anderen Künstlerinnen und Künstlern oder direkt zu dem Publikum?

Dialog ist das Schönste. Musik die keiner hört und Kunst die keiner sieht ist immer noch wertvoll, aber besonders der Dialog macht es Lebendig. Viele unterschiedliche Reaktionen und Meinungen zeigen Seiten eines Werkes auf, die manchmal der Künstler selbst noch nicht sieht. Auch den Austausch mit Kolleg/innen empfinde ich als sehr interessant und bereichernd. Die Vielfalt der Kreativität und das Können vieler Künstler(innen) berührt mich sehr, und ich finde es für kreativen/geistigen Austausch grundsätzlich wichtig, gegenseitigen Respekt, eine gewisse Neutralität und Neugier zu haben. Denn bei Kunst geht es nicht ums „Gefallen“, sie ist eine Sprache.

Sehen Sie sich selbst als Teil einer größeren Kunstbewegung oder als Einzelgängerin in der Kunstszene?

Da meine Kunst und Arbeitsweise komplett intrinsisch inspiriert ist, gehe ich auch einen recht unikaten Weg. Stehe dabei allerdings im regen Austausch mit vielen Künstlern an unterschiedlichen Orten, auf Grund der Auslandsprojekte und Ausstellungen. Wir sitzen im Grunde schon alle im gleichen Boot, da wir uns ja auch in einem sehr spezifischen Markt in einer kollektiv durchaus herausfordernden Zeit miteinander befinden. Ich denke dass die große Chance der Zukunft in Zusammenarbeit, bei gleichzeitiger Wertschätzung der Qualitäten des Individuums besteht. Und genau solche Kooperationen baue ich gerade auf.

Welche Herausforderungen haben Sie auf Ihrem Weg als Künstlerin erlebt, und wie haben Sie diese gemeistert?

Die berühmte Frage „kann man davon leben?“ verfolgt wohl alle Künstler, zumindest in Deutschland, und zwar bis zu dem Punkt- wo man davon lebt. Sie ist definitiv in der heutigen Zeit der geopolitischen und wirtschaftlichen Schwankungen eine besonders heiße Kartoffel. Schade ist auch, dass viele Galerien heutzutage von den Künstlern Gebühren kassieren, um Ihre Verwaltungskosten zu decken. Die Realität auf dem Kunstmarkt wäre ein Buch wert, von dem ich keine Lust habe es zu schreiben. 😉 Es gibt natürlich auch Förderungen und Möglichkeiten, doch in jeden Fall ist das Klischee vom faulen Künstler Schnee von gestern. Künstler die heutzutage Erfolgreich von Ihrer Kunst leben, sind in der Regel eifrig summende Arbeitsbienen.

Wie bleiben Sie selbst motiviert und inspiriert, auch wenn es mal schwierig wird?

Ich bin mir der Endlichkeit des Lebens bewusst. Das motiviert mich dazu, die möglichst besten Entscheidungen herauszufinden, und konsequent danach zu handeln. Das Leben ist zu kurz für Pipifax. 😉

Gibt es denn Themen oder Konzepte, die Sie in Zukunft gerne in Ihrer Kunst erkunden möchten?

Das erwächst weiterhin aus dem natürlichen Flow. Es lässt sich schwerlich spoilern, was ein kreativer Geist als Nächstes erfindet.

Wie entscheiden Sie denn, welche Materialien oder Medien für ein neues Kunstwerk am besten geeignet sind?

Das hängt stark vom Kontext ab. Da meine Kunst konzeptionell ist, habe ich erst die Idee- das „Was“ im Kopf, und dann folgt das „Wie“.
Das besagte Werk über Japan zum Beispiel, ist eine Installation fast komplett aus Produkt- Müll gestaltet, den ich im Laufe der Japan- Reise für das Projekt gesammelt hatte. Da das Werk mit dem Titel „Philsosophische Verkaufsmaschine“ unter anderem Thematisch auch auf den Konsum-Aspekt eingeht, denn in Japan stehen wirklich überall „Vending machines“ mit den unterschiedlichsten Gütern drin. Somit habe ich eine Vending- machine für Japanische Lebensweisheiten, aus Müll, kreiert.

Bei einer anderen Ausstellung hatten wir die Möglichkeit in Ski-Gondeln Installationen zu gestalten. Ich entschied mich für den Arbeitstitel „werdet wieder wie die Kinder“ und kreierte eine Art Erlebnisraum, der uns mit dem Emotions- Reichtum der Kindheit rückverbindet. Dementsprechend bunt, durchgeknallt und verspielt fiel die Material-Wahl aus

Wie stellen Sie sich die Zukunft Ihrer Kunst vor, und gibt es spezifische Ziele oder Träume, die Sie noch verwirklichen möchten?

Die nächsten Projekte sind schon in der Pipeline und zeigen wieder neue Facetten meiner künstlerischen Aussage. gerne möchte ich, neben der bisherigen Zusammenarbeit mit unterschiedlichen internationalen Galerien, Künstler-Kollektiven und Projekträumen mich bald mit der passenden Haupt-Galerie für eine langfristige Zusammenarbeit setteln. Für Anfragen bin ich offen.

Bei der kommenden Auktion der Gallery1503 sind Fotografien von Ihnen im Katalog zu finden, was macht gute Fotografien für Sie aus?

In der Auktion werden Teile meiner Serie „magnetic Landscapes“ angeboten, welche im Übrigen gerade im Galata Museo del Mare in Genua, und bei einer Fotoshow in Birmingham gezeigt wurde. Die Serie lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf Symmetrien und flüchtige Phänomene in der Natur.

Wir blicken wie in eine andere Zeitebene, finden dort Geschenke des Augenblicks. Die Serie umfasst insgesamt 21 Teile, hier können Sie eine Selektion von 6 Kunstwerken einzeln oder als Set erwerben, die optisch eine besondere Harmonie bildet. In Fotografischen Arbeiten fange ich Eigenheiten der Umgebung ein, mit dem Fokus auf konkreten Details. Technische Anomalien wie übermäßiges Licht sind manchmal, als Teil der erzählerischen Ästhetik ausdrücklich erwünscht. Die Bilder entstehen im Rahmen meiner künstlerischen Reisen, Recherchen in Städten und Entdeckungstouren in der Natur. Auch in alltäglichen Situationen.

Eine gute Fotografie lebt von Aussage und Ästhetik, technischem Können, und natürlich einem gewissen Glück- den „goldenen Moment“ zu treffen. Kommt all das zusammen, entsteht diese spezielle Magie, Kunst genannt.

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – wie die New York Times oder Ähnliches. Was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

Der Mensch ähnelt einer Büchse der Pandora, bevor er sein Erbsengehirn ins höhere Bewusstsein aufgeschwungen hat. Lernen Sie die Kunst der Selbst-Reflexion, um eine bessere Welt auf Basis von Mitgefühl und Frieden zu gestalten.

Ein schönes Schlusswort, danke für Ihre Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

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Während sich Gaby Fey lange und akribisch mit Unterstützung eines großen Teams auf die Realisierung ihrer Arbeiten vorbereitet – bis zur Fertigstellung von „La Cène“, das sie mit viel Liebe zum Detail dem Original nachgebildet hat, verging fast ein Jahr – , nehmen die Werke von Gabriele Demmel ihren Anfang in absoluter, ungeplanter Ziellosigkeit und führen über ein lebendiges Chaos in eine gewisse Ruhe und Genugtuung bei der Künstlerin.

Zwei verschiedene, ja gegensätzliche Ansätze des künstlerischen Schaffens, die sich ergänzen und den Besucher in den Sog eines positiven Spannungsfelds ziehen.

Auf der Art Chiemsee 2023 waren die beiden Künstlerinnen, die schon auf der Sylt Art Fair 2021 und 2022 Teil einer hochkarätigen Gruppenausstellung waren, mit ihren Werken Seite an Seite neben Bildern von Gerhard Richter, Julian Schnabel, Markus Lüpertz und Jeff Koons im Sommer dieses Jahres ausgestellt. Am Ausstellungsort Prien schmiedeten die beiden Künstlerinnen Kooperationspläne, die zu der aktuellen Ausstellung führten.

Gezeigt werden mehr als zwanzig Werke der beiden Künstlerinnen, darunter auch einige der berühmten Composings von Gaby Fey wie „La Cène“ nach Leonardo da Vincis letztem Abendmahl und – ganz aktuell – „Girl with Pearls“ nach Jan Vermeers „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, sowie farbintensive, große und kleinere abstrakte Arbeiten von Gabriele Demmel.

 

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Gaby Fey

Wenn sie auf den Auslöser drückt, halten alle die Luft an. Gaby Fey, Fotokünstlerin aus Köln/Erftstadt und Carqueiranne, Südfrankreich, erschafft aufwendig inszenierte Kunstwerke mit Darstellern unter Wasser. Bekannt sind Feys spektakuläre Unterwasser-Interpretationen berühmter Kunstklassiker wie Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“ oder „Das Floß der Medusa“ von Théodore Géricault.

Gaby Fey arbeitet zunächst vor der Kamera – als international gefragtes Model. Bereits in dieser Zeit wächst ihre Leidenschaft für Fotografie und fotografische Komposition. Es folgen Jahre der Tätigkeit als weltweit erfolgreiche Werbefotografin. Doch erst in der Unterwasser-Fotografie kann sie ihre künstlerischen Visionen frei realisieren sich konsequent der Umsetzung eigener Projekte widmen. „Beim Fotografieren unter Wasser geht es vor allem darum, den richtigen Moment zu finden, den Moment, in dem der Portraitierte seine Seele offenbart“, erläutert die Künstlerin ihre Arbeitsmethode.

Ausstellungen in Deutschland, Frankreich, Monaco, Österreich und der Schweiz belegen das Interesse an ihren Werken.

Gabriele Demmel

Die in Bayern geborene Künstlerin Gabriele Demmel lebt und arbeitet seit vielen Jahren in Köln. Studien machte sie bei dem amerikanischen Künstler Baird Cornell auf dem Gut Deixlfurt in Oberbayern und an der freien Hochschule für bildende Kunst in Essen. Ihr Drang nach Farben und Größe haben dabei ihren Weg bestimmt. Inspiriert wurde sie u.a. von den Künstlern Cy Twombly, Claude Monet, Gerhard Richter und Marc Chagall.

Die Künstlerin benutzt die Leinwand als Spiegel ihres Lebens. Lebenlust, Sensibilität und Brutalität wechseln sich bei ihren Bildern ab. Sie malt am liebsten nachts – unbeobachtet, ungestört und frei. Das Resultat: farbintensive, expressive Arbeiten.

Ausstellungsstationen in Deutschland waren u.a. Sylt, Prien am Chiemsee und das Kölner Landgericht 2023.

Vernissage & Öffnungszeiten

Die Vernissage für geladene Gäste findet am Freitag, 17. November 2023 statt.

Öffnungszeiten der Ausstellung für Besucher:

18.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
24.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
25.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
01.12.2023 16.30 – 19.00 Uhr
02.12.2023 16.30 – 19.00 Uhr

Weitere Informationen

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Tanja Robisch wurde 1975 in Südafrika geboren und wuchs in Deutschland auf. Schon früh entdeckte Sie ihre Liebe zu den Farben und zur Natur. Diese Liebe konnte sie am Besten in der Malerei Ausdruck geben. Um dies zu vertiefen studierte sie Malerei an der Alanus Hochschule Alfter. Im Anschluss absolvierte sie noch das Studium zur Dipl. Kunsttherapeutin(Fh).

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Tanja Robisch im Interview

ANMERKUNG UPDATE (22.08.2023) : Eine ca. 30 minütige Dokumentation über die Künstlerin finden Sie hier!

Spuren von Tanja Robisch

Das Kunstwerk SPUREN entstand 2023 und gehört damit zu den neuesten Arbeiten der Künstlerin.  Das Acrylgemälde misst 120cm * 60cm. Der Preis liegt bei 950€ – eine persönliche Abholung kann vereinbart werden. Bei Interesse an weiteren Detailfotos nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

Die energetischen Werke von Tanja Robisch zeigen ihre Wirkung besonders in Räumen, in denen Menschen mit ihrer Arbeit anderen in ihrem Leben weiter helfen. Denn Bilder sind Schwingungsübermittler!

Die Vernissage beginnt am Freitag, dem 14.07.2023 um 18:00 Uhr in der gutistgut.villa, Salomon-Heine-Weg 60, 20251 Hamburg. Tickets für die Veranstaltung gibt es im Vorfeld online oder an der Abendkasse.

Zu den teilnehmenden Künstlern gehört auch die Hamburger Fotokünstlerin CP Krenkler, die grade erst aus New York zurückgekehrt ist und sich sehr auf die Ausstellung freut. Unter anderem zeigt CP Krenkler eine Fotografie, die ihr sehr viel bedeutet. Die Aufnahme zeigt ihre Oma und Wahrsagerin Olga Brettreich *1921 Dnjepopetrowsk.

Über das Foto sagt CP Krenkler folgendes:

Meine Oma hat als junges Mädchen in der Ukraine von einer alten Frau das Kartenlegen gelernt. Später  war sie die erste Frau an der technischen Universität in Stuttgart. Damals haben Professoren noch aus Protest den Hörsaal verlassen, weil meine Oma, eine Frau, anwesend war. Im Studentenausweis mussten sie „Mann“ per Hand durchstreichen und „Frau“ drüber schreiben. Meine Oma war aber weder besonders fortschrittlich, noch eine Feministin. Sie kam aus einem fortschrittlichen Land. In der Sowjetunion waren Frauen gleichberechtigt.

Die Fotografie meiner Oma ist ein Denkmal der Liebe. Ich wollte etwas erschaffen, was sie überdauert. Ich wollte ihr Güte, ihre Stärke und ihre Liebe in die Welt tragen.

Vor rund einem Jahr hat ein New Yorker Museum Aufnahmen von CP Krenkler im Bestand aufgenommen. Mehr dazu finden Sie hier! 

Das Programm

Das gesamte Line Up

Uppercut.continue (Kanone records), Tim Bruening, The Current Dance Apprentice, Sven Meyer, SUTOSUTO, Soliloquy, Ruben Kienast, Roman Dachsel, Nils Kasiske, Niki Louder,  mon-t, Mixed Joint, Mia Luella, MASTIKA SOUNDS, Marc Einsiedel, Maschin Kaput, Lion Frenster, Jo Cilia, IZAIZA, Hye-Eun Kim + Block Barley, GoBanyo, geschnitzt & zugesägt, Filionski, Elmar Lause, DJ Plazebo, Die Gruppe, die deutsche post punk, DAVI.IN, CP Krenkler, Chto Delat, Carsten Meyer, AQUAGRINGO, Axel Groot (WEWILLSEE), Anna Wegelin, Alex Solman uvm.

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Mehr über gutistgut finden Sie hier: gutistgut.villa | gutistgut. | einfachmachen1

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Urban Art vereint unterschiedliche Stile und Ausprägungen, die im Rahmen der Ausstellung von mehr als 30 Künstlerinnen und Künstlern präsentiert werden. Von Graffiti über Stencilarbeiten, Malerei, Keramik und Beton, bis hin zu Arbeiten auf Holz und Metall wird so die volle Bandbreite, die sich hinter dem Begriff Streetart verbirgt gezeigt.

Datum

Fr. 11.08.23 I Vernissage Start 19 Uhr
Sa. 12.08.23 I 12:00 – 20:00
So. 13.08.23 I 12:00 – 18:00

Location

Arty Farty Gallery, Vogelsangerstr. 197 (Hinterhof), 50825 Köln.

Lineup

@3.amomo @adultremix @cabezota_embroid_art @cinderellabones @cuts.and.pieces @cappello_davide @ddriftwood @dropix @einsa_ce @elforsto @eliot_thesuper @gosp_ds @killer2go @likeatim @neon.ones @planet_selfie @stilart.van.hell @strassenmaid @sweetsnini @vctrplnt @xxxhibition

Urban Shit Gallery Lineup

@urbanshitgallery @bona_berlin @davethechimp @frittenfreddie__ @illstencil @kaepten_nobbi @marshal.arts_streetart @mittenimwald_artist @neal_hamburg @seileise @smallvandalism

 

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Das letzte Werk der Woche können Sie hier noch einmal nachlesen!

Diese Woche zieht das großformatige Kunstwerk Nr. 50 von Lisa Endras unsere Aufmerksamkeit auf sich. Für die 100cm x 160cm x 3,5 cm große Leinwand verwendete die Künstlerin aus Augsburg hochqualitative Acrylfarben und Ölpastelle. Im letzten Schritt erfolgte eine UV Firnis und das Werk ist auf der Rückseite signiert, zusätzlich stellt die Künstlerin selbstredend Echtheitszertifikate zu ihren Arbeiten aus.

Werk Nr. 50 von Lisa Endras

Der Preis liegt bei 950,00 € inkl. einem schwarzen, schlanken Holzrahmen („Slim“ – Sichtkante 0,6 cm). Exkl. Versand. Im Raum Augsburg könnten auch andere Abholungs- bzw. Versandkonditionen mit Endras vereinbart werden.

Die Künstlerin über ihr Werk

Im ersten Moment sticht das wunderschöne Ultramarin hervor, das sowohl in sanften, fließenden als auch harten Übergängen zu den Grau-, Schwarz- und Weißtönen findet. Auf den zweiten Blick erkennt man den Ausschnitt eines faszinierenden Nachthimmels und wird vor allem durch das Türkis an Polarlichter erinnert. Wer ganz genau hinschaut, findet unten rechts im Bild vielleicht den Hauch von Flieder, der sich dort versteckt hat. Für mich ist dieses Werk sehr besonders, da ich Monate daran gearbeitet und viele Emotionen durchlebt habe, bis ich es endlich geliebt habe.

 

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Lisa Endras Artist Statement

„Kunst entsteht durch die Phantasie des Betrachters.“

Ich weiß nicht mehr, wo ich diesen Satz gelesen oder gehört habe, aber ich fand ihn sofort wunderschön und äußerst zutreffend.  Denn in der Tat erreichen mich häufig Reaktionen wie: „Das erinnert mich total an …“ , „Ich sehe in deinem Bild…“, oder „Wow, diese Farben berühren mich sehr, weil…“ 

Und es ist genau das, was ich an der Kunst so wundervoll finde. Jeder Betrachter sieht in ein und demselben Bild etwas anderes. Jeder fühlt eigene Emotionen und nimmt andere Details wahr. Jedes Paar Augen vervollständigt Linien, bricht Formen und verfolgt Farbflächen auf seine eigene Art und Weise. Wie ein Bild erlebt wird, hängt vom Betrachter ab, von seinen Erinnerungen, von seiner Persönlichkeit und von seiner Phantasie. 

Und das jeden Tag aufs Neue.

Und so ist nicht nur jedes Bild, das ich erschaffen darf, einzigartig, sondern auch jeder Mensch.

Lisa Endras steht auch für Auftragsarbeiten zur Verfügung. Mehr über die Künstlerin erfahren Sie auf ihrer Webseite: https://www.lisaendras.com/.

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Aurum – Sehnsucht Gold reflektiert als offene Serie von Kunstwerken die verschiedenen Aspekte dieses besonderen Stoffes, seiner Geschichte, den Erscheinungsformen, Mythen und Bedeutungsformen. Dabei bedient sich Dieter Hanf einer Reihe von Medien, Materialien und Präsentationsformen.

Der Fotograf und Künstler präsentiert ultrahochaufgelöste Pigmentdrucke auf Hahnemühle Fine Art Paper und erstmals Kleinskulpturen, je händisch veredelt mit 24ct Goldauflage. Zu sehen sind weiterhin NFTs als auch Videoproduktionen inspiriert durch die Auseinandersetzung mit dem Thema Gold.

Dieter Hanf zeichnet sich durch einen spielerischen und ungewohnten Umgang mit traditionellen Techniken und Materialien aus, was zu einem einzigartigen und einnehmenden Stil führt. Hanfs Werke zeichnen sich oft durch kräftige Farben und grafische Muster aus. Einer der auffälligsten Aspekte von Hanfs Kunst ist seine Verwendung von Schichten und Texturen. Er schafft oft mehrschichtige Kompositionen, die eine Vielzahl von Materialien und Techniken einbeziehen, was zu Werken führt, die reichhaltig strukturiert und visuell komplex sind.

Diese Schichtung ermöglicht es Hanf auch, Themen wie Erinnerung, Geschichte und persönliche Identität zu erforschen. Dabei nutzt er Photographie als Basis für seine künstlerischen Arbeiten. Mittels vielfacher Abstrahierung und digitaler sowie händischer Bearbeitung entstehen Kunstwerke, die den Ursprung der neu entstandenen Darstellungen kaum oder nicht erkennen lassen.

 

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GOLD

Der Stoff aus dem die Träume sind. Gold kommt natürlicherweise nur in der Erde vor und muss aus dem Sediment von Flussläufen gewonnen werden, in Bergwerken aus Erzgesteinen gebrochen und aufwändig extrahiert werden. Die Prozesse beim Abbau und der industriellen Gewinnung belasten Menschen und Umwelt und stellen selbst bei kontrollierten Gewinnungsmethoden immer wieder große Gefahren und verursachen immense Umweltschäden.

Illegale Minen und deren Methoden der Goldgewinnung sind verantwortlich für viele Tote und irreparable Schäden in der Natur. Gold gilt als eines der wertvollsten und edelsten Metalle, es symbolisiert Reichtum, Glanz, Macht und Ewigkeit. Tatsächlich ist Gold chemisch ein sehr stabiles Element, das sich gut mit anderen Stoffen legieren lässt. Bis jetzt gefundene Grabbeigaben aus Gold lassen sich bis 4400 Jahre vor Christus datieren. Als Zahlungsmittel sind Münzen seit mindestens 400 v. Chr. bekannt.

Alle Goldvorkommen in der Erdkruste stammen, wie alle schweren Elemente bis Eisen, aus den Prozessfolgen von Kernfusionen kollidierter Neutronensterne sowie aus der Kernfusion der Sonne und lagerten sich in einer noch nicht erstarrten Erdkruste ab. Aurum, lat. Gold. Der Name leitet sich aus dem indogermanischen Wort „gel“ der Farbe gelb, althochdeutsch „gold“.

Die Sehnsucht der Menschen nach Gold=Reichtum und Erfolg scheint nach wie vor unermesslich zu sein. Immer wieder gab und gibt es Meldungen von Goldfunden, die ganze Heerscharen von Menschen bewegten und bewegen alles, auch ihre Heimat zu verlassen um ihr Glück zu versuchen. Nur Wenigen gelang dies, stattdessen verloren viele ihr Leben.

Dieter Hanf Artist Statement

Es wird oft gesagt, dass Kunst eine universelle Sprache ist, die die Seele direkt berühren kann. Das mag so sein. Für mich ist künstlerischer Ausdruck manifestierte Lebensenergie. Als kleiner Junge habe ich meinem Vater begeistert zugeschaut, weil er mit wenigen Strichen das Gesicht und die Stimmung eines Menschen darstellen konnte. Seitdem hat mich die Faszination der Kunst nicht mehr losgelassen.

Von meinem Vater und einem bekannten deutschen Bildhauer, Wolfgang Göddertz, lernte ich Bildkomposition, Farbenlehre und Gestaltungstechniken und vertiefte diese im Selbststudium, bis ich die Fotografie als mein Medium entdeckte.

Die Fotografie als Mittel der Abstraktion ist selbst eine künstlerische Form der Weltaneignung. Das wurde mir schnell bewusst. Ein Foto sagt mehr als tausend Worte und doch sagt ein Foto nichts über die Welt aus. Ein Bildausschnitt, eine bestimmte Perspektive, ein bestimmtes Licht oder Objekte beeinflussen unsere Wahrnehmung beim Betrachten eines Fotos und es entsteht eine Szene, der wir eine Bedeutung geben. Das bedeutet, dass ich als Fotograf dem Betrachter eine Anregung geben kann, die er dann auf die eine oder andere Weise aufnehmen kann. Daraus ergab sich für mich das Bedürfnis, mit Genres, kreativen Mitteln und Techniken zu spielen, die Grenzen der Performance zu verschieben, das Unerwartete oder Verborgene zu zeigen.

fotografische Motive als Grundlage?

Mit der digitalen Fotografie erweiterte sich der Vorstellungshorizont, auch wenn die Technik erst später kam. Die Fotografie scheint mir immer noch ein Medium der Malerei zu sein, was sich auch darin ausdrückt, dass ich fast ausschließlich fotografische Motive als Grundlage verwende, um sie in verschiedenen Schritten zu abstrahieren, sie digital zu verfremden, so dass das ursprüngliche Motiv kaum noch erkennbar ist. Die Fotografie ist also fast ungegenständlich, aber dennoch ein immanentes Element meiner kreativen Prozesse. Kreatives Schaffen ist für mich die Verbindung zur und die Auseinandersetzung mit der Welt. Mit den Menschen, ihren Gesellschaften und den daraus resultierenden Problemen, den schwierigen und schönen Momenten des Lebens. Die Ästhetik an sich hat ihren eigenen Anspruch und Sinn, sie ist für mich Lebenselixier und Ansporn zugleich.

Kunst ist für mich gesellschaftlich relevant, politisch, menschlich wichtig. Kunst ist Kraft, Energie und gibt Hoffnung. Farben drücken diese Kraft für mich aus, ich setze Farben sehr sorgfältig, wenn auch meist fast verschwenderisch ein. Sie sollen Aufmerksamkeit erregen und lenken, zum Nachdenken anregen und inspirieren, mitreißen, inspirieren, aufrütteln. Fehlen sie, betreten wir eine scheinbar leere Welt, die wir mit unserer Fantasie füllen müssen. Wir erwecken sie zum Leben, jede Person auf ihre Weise, und bleiben so selbst lebendig.

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In seiner Malerei begreift Mack „Farbe als Licht und Licht als Farbe“, was er in seinen Bildern zu erfassen und zu gestalten sucht. Farbintensität korreliert für ihn auch immer mit Lichtintensität, die sich als Farbraum ausbreitet. Das Osthaus Museum Hagen widmet dem Künstler, der kürzlich 92 Jahre alt geworden ist, vom 3. Juni bis zum 3. September 2023 eine große Ausstellung auf zwei Etagen.

Gezeigt werden rund 70 Arbeiten aus den Jahren 1958 bis 2023, darunter 43 zum Teil großformatige Gemälde, sogenannte „Chromatische Konstellationen“. Die Ausstellung konzentriert sich hierbei auf die neueren Arbeiten, die durch einige Referenzbilder aus den früheren Phasen ergänzt werden. Zudem werden Wandreliefs und Objekte, darunter einige Lichtreliefs aus Aluminium zu sehen sein, sowie Skulpturen, überwiegend aus Keramik, und eine Lichtstele.

Das Konzept von Struktur

Der Bildhauer und Maler Heinz Mack (*1931) gehört zu den weltweit bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten unserer Zeit. Die Jahre 1957-1963, die ZERO-Jahre, sind für den bildnerischen Werdegang Macks von besonderer Bedeutung. 1957 entschied sich Mack zunächst gegen eine Malerei der Farbe. Im Mittelpunkt stand damals das Konzept von Struktur. Es entstanden schwarz-weiße Bilder, die Mack als „Dynamische Strukturen“ betitelte.

Farbchromatiken

Nach 1960 entstanden allerdings mehrfarbige Strukturzeichnungen, die Mack selbst als „Farbchromatiken“ bezeichnete. Thema der Farbchromatiken ist das Kontinuum des Farblichts. Sowohl die Abfolge der Lichtfarbe ist hier von Bedeutung wie auch der zwischen den einzelnen Farben sich ausbildende Übergang, die Nuance. Mack überträgt in die Farbchromatiken die Spektralfarben nicht mit naturwissenschaftlichem Anspruch, denn dies bedeutet einen unkreativen, nicht künstlerischen Prozess einleiten. Es ist das jeweilige Bild selbst, welches seine Farben findet, nicht das Prisma hat die Bildfindung zu übernehmen.

Die Identität von Farbe und Licht

Mack gab 1963 die Tafelmalerei gänzlich auf. Zu Beginn der 1990er Jahre entstanden seine neuen Farbbilder, die er bis heute weiterführt. Befragt zu seinen Farbbildern äußerte sich der Künstler damals so: „Die Identität von Farbe und Licht … ist der Gegenstand meiner Malerei, es ist ihr einziger Gegenstand … Das Wesen der Farbe ist ihre Strahlung.“

Wir haben es bei diesen neueren Werken zu tun mit einer „malerischen Malerei“, deren Qualität die Nuance ist. Die Nuance, welche ein entscheidendes Prinzip der Chromatik ist, bezeichnet die Übergangszone von einer Farbe in die andere. Macks Begeisterung, vor allem für klassische Musik, hat eine Analogie zu seiner bis heute andauernden autonomen, vom Gegenständlichen freien Lichtmalerei: „Die Autonomie meiner Malerei muss die gleiche Bedeutung haben, die sie in der Musik hat. Ich vermute auch, dass meine Musikalität und mein Interesse an Klangfarben und Rhythmen meine Malerei beeinflusst. Alles, was ich mache, ist gegenstandfrei, in der Skulptur wie in der Malerei.“

Über den Künstler

1931 in Lollar, Deutschland, geboren, zählt der Maler und Bildhauer Heinz Mack, der an der Kunstakademie Düsseldorf Malerei studiert hat, zu den erfolgreichsten und bekanntesten deutschsprachigen Künstlern der Nachkriegszeit. Seine Arbeiten wurden in über 400 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt und sind in über 140 öffentlichen Sammlungen weltweit vertreten. Neben der Biennale Arte in Venedig (1970) war Mack auch auf der documenta II und III sowie auf der documenta 6 vertreten. 2022 wurden ausgewählte Werke Heinz Macks in der Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig als offizielles Collateral Event der Biennale Arte gezeigt.

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