Einige Leser erinnern sich garantiert noch an das Essay „Abstraktion als Sprache der emotionalen Reflexion“, welches die Künstlerin Hella Ridder auf ARTTRADO veröffentlichte, seit dem ist viel passiert. Gemeinsam mit der Galerie Makowski präsentiert Hella Ridder nun vom 24.07.21 bis zum 14.08.2021 ihre Ausstellung „DEEP INSIGHTS“. Das Schöne ist, jeder kann sich die Ausstellung kostenlos und ohne Zeitdruck von zu Hause aus anschauen. Den die über 30 Kunstwerke der „DEEP INSIGHTS“ – Ausstellung werden online auf der Kunstplattform „Kunstmatrix“ präsentiert.

Die Galerie Makowski ist natürlich nicht nur online präsent, selbst während der Corona-Pandemie hat die Makowski-Galerie als einzige deutsche Galerie an der ART FAIR NYC teilgenommen. Das wurde zuletzt auch angemessen im ADLON-Hotel Berlin zelebriert.

Nun liegt der Fokus auf der erfahrenen Künstlerin Hella Ridder! – Die Möglichkeit, Kunstwerke von Ridder live zu betrachten, gibt es auch noch in diesem Jahr!So werden Werke von ihr auf der Affordable Art Hongkong und der Art Basel zu sehen sein. Im neuen Jahr ist eine Soloshow im Hilton in Bonn geplant.

DEEP INSIGHTS

Zur digitalen Ausstellung von Hella Ridder: Solo Exhibition „Deep Insights“

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Mehr über die Makowski-Galerie: www.galerie-makowski.com

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Dieter Hanf, geboren im Juni 1959 in Köln. Fotografien und Kunstwerke seit 1979, bis dahin selbständig in der Musikszene. Experimente und regelmäßige Verwendung von Fotochemikalien, Polaroid und allen Arten von Formaten wie 35-mm-, 6×6-, 6×9- und Plattenrückkameraformaten. Verheiratet, Vater eines Sohnes, Rugby-Trainer und Lehrer. Mit der Makowski Gallery plant er aktuell mehrere Gruppenausstellungen in Berlin und die Teilnahme an der ArtMuc, seine Bilder werden bald in Paris, im Programm Art Basel Volta, in Hongkong und Singapur zu sehen sein. Wir haben Fragen!

Interview mit Dieter Hanf

Typischer Einstieg, wo bist du? Wie geht es dir? und wodran arbeitest du grade?
Hallo Robert, danke für dein Interesse und die Möglichkeit zum Interview. Vor einigen Jahren zog ich von Köln nach Darmstadt, wo ich lebe und arbeite: Zur Zeit bereite ich einige Ausstellungs- und Buchprojekte vor, unter anderem ein Kunstbuch zu einer meiner Serien „City of Dusk“.

Echter Name oder Künstlername?
Ich führe meinen echten Namen. Vorfahren waren scheinbar Hanfbauern.

Fotografien und Kunstwerke erschaffst du seit 1979? Viele Künstler kamen und gingen, wie schafft man es konstant Leistung zu bringen?
Nun ich hatte sehr früh ein eigenes kleines Studio und habe mit Musikern und Bands gearbeitet. Daneben kreierte ich Fine Art Serien, allerdings konnte ich mich nicht vermarkten und habe es früher nie wirklich versucht. Also fotografierte ich, wie ich es wollte und kümmerte mich nicht um den Markt.

Erst seit 2018 begann ich meine Arbeiten einem größeren Publikum vorzustellen. Eine großartige Fotografin und Künstlerin aus den USA, Annette Schreiber motivierte mich dazu. Ich wagte diesen Schritt und bekam gleich sehr viel Anklang. Schon nach zwei Wochen bekam ich eine erste Einladung zu einer Gruppenausstellung in Lissabon. Die zunehmende Begeisterung von vielen Menschen für meine Arbeiten hebt natürlich meine Motivation weiterzumachen.

Ich lerne gern und reize die Grenzen meine Ausdrucksformen aus. Natürlich kann man nicht ständig innovativ und aufregend sein, in meinem Fall kann ich sehr genau feststellen, wo in der Wellenbewegung der kreativen Inspiration ich gerade bin. In einer Hochphase lege ich Verzeichnisse verschiedener Impulse an, die mir sehr gefallen. Ich wähle ein Motiv und arbeite daran. Wenn mir die Inspiration mal fehlen sollte, gehe ich zu einer dieser Sammlungen zurück und schon kann ich mich an die ursprünglich Energie anschließen.

Analog oder Digital?
Ich habe mit analoger Fotografie angefangen und mich an fast allem probiert, was die Fotografie damal hergab. Jetzt arbeite ich mit digitalen Kameras und bearbeite die Bilder auch digital. Interessanterweise gelten aber auch die analogen Techniken noch, nicht nur weil man versucht hat diese abzubilden. Die fotografischen Grundlagen sind immer noch sehr ähnlich. Nach der neuen DSGVO sind manche Bereiche der Fotografie eigentlich nur noch analog möglich, wie die Street Photography.

Schonmal ans aufhören gedacht? Falls ja, wie motivierst du dich in solchen Momenten?
Es wäre gelogen zu sagen, dass ich nicht an mir und meinen Arbeiten zweifle, das ist glaube ich, normal. Die vielen fast täglichen Kommentare vieler Menschen, vor allem in den sozialen Medien geben viel Energie zurück. Wenn ich auf meine letzten drei Jahre zurückblicke, ging es fast immer in Stufen aufwärts, warum also aufhören. Ich komme aus dem Rugby, aufgeben ist für mich kaum eine Option.

Was planst du grade mit der Makowski Gallery?
Rusa Makowski betreut meine Kunstwerke und meine Vermarktung mit ihren vielfältigen Mitteln. Unter anderem plane ich mit ihr die Teilnahme an mehreren nationalen und internationalen Kunstevents oder Kunstmessen. Unter anderen eine oder mehrere Gruppenausstellungen in Berlin, die Teilnahme an der ArtMuc, wo ich das erste Mal das Dusek & Hanf Art and Furniture Projekt vorstellen und ein Ensemble „Passion“ zeigen werde. Darüber hinaus werden meine Bilder in Paris, im Programm Art Basel Volta, in Hongkong und Singapur zu sehen sein.

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?
Hmmm, ich habe lange darüber nachgedacht, aber ich verrate es nicht. Ein bisschen Geheimnis tut gut 😉

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?
Kunst darf natürlich nicht alles und kann überaus gefährlich werden, man erinnere sich an die Debatten rund um Thomas Mann und die Kunst in Deutschland während der Nazi-Greuelherrschaft und unmittelbar nach der Befreiung Deutschlands durch die Allierten. Aus meiner Sicht hat die Kunst eine gesellschaftspolitische Verpflichtung jenseits der rein ästhetischen Aspekte. Kunst kann der Gesellschaft einen Spiegel vorhalten, kann sie antreiben und versuchen korrigierend auf Strömungen in der Gesellschaft einzuwirken. Die Menschen, Tier- Naturrechte könnten ein Maßstab dazu sein. Rassismus und Diskriminierung jeder Art können nach meiner Ansicht kein Teil der Kunst sein.

Starke Antwort! Aber wir brauchen Schlagzeilen…Gibt es einen Künstler den du kritisieren möchtest?
Dieter Hanf ArtWorks mit Vantablack! – wäre ein Erdbeben in der Kunstwelt. Ein Kunstliebhaber wollte mehrere meiner Arbeiten zum Thema „Schwarze Löcher“ unter Verwendung von Vantablack kaufen. Anish Kapoor, der das schwärzeste Schwarz der Welt allein in der Kunst verwenden darf, hat auf meine entsprechende Anfrage in dieser Angelegenheit mit mir zu kooperieren leider noch nicht geantwortet.

Nun steht es mir nicht zu dem wohl berühmtesten Bildhauer der Welt zu kritisieren. Tatsächlich hat seine Strategie im Umgang mit Vantablack Stuart Semple und viele andere dazu motiviert nicht nur das das zweitschwärzeste Schwarz auf dem Planeten zu entwickeln. Immerhin fehlen zu Vantablack lediglich 0,6 von 99,6%, was für eine unglaubliche Leistung.

Schonmal ein hässliches Kunstwerk verkauft?
Als wenn ich ein für mich hässliches Kunstwerk kreieren würde 🙂

Wie viele Fotos hast du bis heute geschossen? und wie viele davon waren in deinen Augen gut?
Mathematisch ist es natürlich Unsinn zu sagen, dass es unzählige Fotos bisher waren, dennoch fühlt es sich nach der Erfindung der digitalen Fotografie so an. Aufgrund der anfallenden Kosten und dem damit verbundenen Aufwand, war die Konzentration bei analogen Fototerminen noch einen Ticken höher. Gut kann vielerlei bedeuten, denn ein technisch perfektes Bild kann nichtssagend sein, ein unglaublicher Ausdruck bei schlechter Technik ungenießbar oder ein falsches Timing kann jede perfekte Vorbereitung ruinieren.

Ein gutes Foto….
…zeigt weit mehr als den Bruchteil einer notwendigen Belichtungseinheit

Mit welchem Equipment arbeitest du?
Ich verwende mehrere digitale Kameras, unter anderem ein Handy mit einer hochwertigen Kamera und habe mir gerade wieder zwei analoge Spiegelreflexkameras gekauft.Irgendwie selbstverständlich mehrere Geräte zur Bearbeitung der Bilder und verschiedene, gängige Softwareprodukte. Außerdem habe ich ein portables und effektives Studioequipement. Bislang bin ich kein Markenambassador, also nenne ich auch keine Namen.

Welchen Künstler hättest/würdest du gerne mal getroffen/treffen?
Albrecht Dürer, Francis Bacon stehen da ganz oben auf meiner Heldenliste. Edward Curtis, Anselm Adams sowie August Sander haben mich sehr geprägt. Mit Klaus Staeck, der mich immer begeistert hat und unter andere das verkörpert, was ich zuvor zum gesellschaftlichen Auftrag der Kunst beschrieb, hatte ich schon mehrfach das Vergnügen zu sprechen. Joseph Beuys ist in Bezug auf deine Frage ein Mensch, den ich gern persönlich gesprochen und erlebt hätte. In Darmstadt hat er eine Weile gelebt und gearbeitet. Seine Werke sprechen mich immer wieder direkt an.

Stell dir vor wir wären ein relevantes Magazin, die New York Times oder so, was würdest du der Welt sagen?
Seid ihr das nicht? Sind wir nicht alle relevant? So oder so hätte ich genauso Hallo und alles andere gesagt!

Welche Note hattest du während der Schulzeit in Kunst?
Hm, das hing wie immer in der Schule von verschiedenen Dingen ab. Ich hatte das Glück, mit Wolfgang Göddertz einen grandiosen Künstler und Bildhauer als Kunstlehrer zu haben. Er förderte meine Ambitionen und wir gestalteten in seinen Stunden unglaublich schöne Dinge. Ein inspirierender Mann, der leider nicht mehr lebt und wirkt. Die Noten waren mir damals eigentlich fast egal. Zuletzt hatte ich, auf einer anderen Schule und bei einer anderen Lehrerin, glaube ich eine Drei.

Ein Tipp für junge Künstler?
Nur du kannst deine Perspektive haben, wenn du sie nicht zeigst, wird die Welt sie nicht sehen. Trau dich also und bleibe dir treu. Kontinuierliche Arbeit bringt den Erfolg

Was hat sich auf dem Kunstmarkt in den letzten 24 Monaten geändert?
Nun mit dem Wegfall fast aller Präsenz-Kunstveranstaltungen haben sich die Aktivitäten der Anbieter mehr auf das Internet konzentriert um weitere Formate zu entwickeln um sich zu präsentieren. Das hat zu einer Vielzahl von neuen Initiativen, Marken und Online-Events geführt, von denen sicher einige weiterentwickelt werden. Das ist eine positivve Entwicklung, wie ich finde. Dennoch wird der traditionelle Kunstmarkt wiederbelebt werden, denn es gibt kaum etwas Sinnlicheres als Kunst, also ist die persönliche Auseinandersetzung und das direkte Kunsterleben kaum zu ersetzen.

NFTs? Schonmal von gehört? Was hältst du davon?
Tatsächlich habe ich vor zwei Monaten angefangen mich damit zu beschäftigen. Als ich dachte ich habe ein wenig darüber verstanden, ging gleich eine Tür zu einem neuen Universum auf und dann fängt man wieder von vorne an.

Tatsächlich veröffentliche ich regelmäßig, jeden Sonntag eine*n neue*n digitalen Heiligen. Meine Serie „Holy Digitz“ dient dem digital well-being und hat erste Aufmerksamkeit gefunden. Ich stehe hier erst am Anfang. Die Heilige Null, Die Heilige Eins, Athene Ergane als Schutzgöttin der Künste, die Heiligen Farben sowie die Meisterin der Verführung sind schon veröffentlicht. In zwei Wochen hatte ich zwar keinen Verkauf, aber ein Youtube- Interview und eine erste Galeriepräsenz in einer Metaverse Galerie in Decentraland. Vorher hatte ich keine Ahnung, dass Decentraland überhaupt existierte. Dieser Markt wird total unterschätzt und bietet unglaubliche Möglichkeiten.

Ich danke dir für deine Zeit und Mühe und drücke dir die Daumen für die geplanten Projekte. Ich freue mich immer wieder neue Arbeiten von dir zu entdecken. Wenn das Kunstbuch zu „City of Dusk“ fertig ist, sag gerne bescheid!

1st Movement Dieter Hanf ArtWorks Edition, String Quartet composed by Margarete Sorg-Rose

Weitere Informationen

Werke von Dieter Hanf: https://www.saatchiart.com/dhanf

Dieter Hanf auf Instagram: • Instagram-Fotos und -Videos

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1974 in Daun in der Eifel geboren und bereits als Teenager künstlerisch entdeckt, wurde Hella Ridder frühzeitig individuell gefördert und in ihrer persönlichen Entwicklung bis ca. 2001 durch den deutschen Künstler H. Rötter begleitet. Die Hinwendung zur abstrakten Malerei als emotional und intuitiv geleiteter Ausdrucksmöglichkeit der Künstlerin erfolgte bereits in dieser ersten Schaffensperiode. Auf dem soliden Fundament künstlerischer Ausbildung entwickelten sich schnell ein individueller Stil und Duktus, die auf fortwährende Entfaltung neuer Ausdrucksformen und Erfahrungen mit dem Ziel einer beständigen Veränderung künstlerischen Schaffens in Abstraktion angelegt sind. Die Künstlerin lebt nach Stationen in Istanbul, Rheinbreitbach und Bonn heute in Bergisch Gladbach.
Die Künstlerin über ihr Werk

Die abstrakte Landschaft als Hinwendungsmöglichkeit des Individuums zum inneren Licht war für mich erster Ausgangspunkt künstlerischer Betrachtungen. Daraus entwickelte sich meine Neugierde auf das Durchdringen emotionaler Zustände und Erfahrungen, denen wir in der beständigen Auseinandersetzung mit unserer Umwelt ausgesetzt sind. Diesem Sein einen intuitiven Ausdruck zu verleihen und dem Betrachter in einem magischen Moment der Interaktion mit dem Kunstwerk einen Zugang zu diesem jeweiligen emotionalen Zustand und damit ein tiefes Durchdringen der eigenen Individualität zu ermöglichen, ist für mich derzeit Schaffensantrieb und Inspiration.
 

Ein Essay von Hella Ridder  –  Abstraktion als Sprache der emotionalen Reflexion

In der von Diversität, Zerrissenheit und Gegensätzlichkeit geprägten Welt des jungen 21. Jahrhunderts ist die Kunst von der gleichen Ausdrucksfülle, der Vielfältigkeit der Möglichkeiten und Wahrheiten geprägt wie die Menschheit als Ganzes in der sie umgebenden Welt, Wissenschaft und Wirklichkeit.

Alles ist möglich, wenig fixiert oder vorgeschrieben.

Die Regel ist die Selbstentfaltung und -entwicklung und im günstigsten Fall gilt dabei die Einschränkung, dass Rechte und Freiheit anderer Individuen ebenso wenig beeinträchtigt werden dürfen durch unser Handeln wie wir selbst.

Gleichzeitig sind wir zutiefst verunsichert in dieser Welt voller Möglichkeiten.

Uns und das Selbst zu beschreiben, zu reflektieren, uns einen Spiegel der Selbsterkenntnis vorzuhalten, war schon immer ein Wesen der Kunst, im Idealfall verbunden mit der Schönheit des geschaffenen Objektes, das den Betrachter in einem magischen Moment der Interaktion die kurze Berührung des Ewigen erlaubt.

Warum also soll in dieser Diversität und in den gleichzeitig unendlichen Möglichkeiten künstlerischen Schaffens gerade die Abstraktion als Sprache der emotionalen Reflexion auf den Plan treten?

Die fundierte Antwort auf diese Frage – bejahend oder verneinend – soll den Kuratoren, Kunsthistorikern, Kunstkritikern überlassen bleiben.

Meine eigene Antwort ist einzig aus meinem eigenen künstlerischen Schaffen und Werk begründet: Meine individuelle künstlerische Wahrheit, die keinerlei Anspruch auf Geltung außerhalb der Subjektivität in Anspruch nimmt.

Der emotionale Zustand, den ich verarbeiten, beschreiben und für den Betrachter nachfühlend erlebbar machen möchte, kann entweder durch meine eigene Begegnung mit meiner Umgebung ausgelöst sein – wie z. Beispiel dem überwältigenden Gefühl, das beim Erleben einer Landschaft entstehen kann, das mit dem Heraufdämmern und der unbezwinglichen Kraft einer neuen Jahreszeit verbunden ist („Powers of a new Spring rising“) in einem konflikthaften Erleben einer Arbeits- oder Alltagssituation („Decisions and Consequences), vielleicht in einer momentanen Blockade („Inner Blocks and Boundaries“) begründet sein, sich in einem vorübergehenden emotionalen Zustand widerspiegeln oder sich der Fokussierung auf verschiedene emotionale Spannungsfelder und Ziele widmen.

Stets geht es mir darum, den situativen emotionalen Zustand zu durchdringen, zu reflektieren und in der Abstraktion so zu verarbeiten, dass eine Sprache entsteht, in der meine Emotionalität in diesem besonderen Moment für den offenen Betrachter ebenfalls erlebbar wird.

Daraus ergibt sich zwingend, dass in der Vielfältigkeit meiner Bilder immer dann eine Brücke zwischen Betrachter, Bild und Künstler entstehen kann, wenn vergleichbare, ähnliche oder vielleicht auch ganz andere Emotionen auf beiden Seiten vorhanden sind, so dass über das Bild in einer Sprache der Abstraktion ein Dialog möglich wird…

Da das emotionale Erleben selbst kein objektivierbarer, sondern stets ein individueller, von unserer Persönlichkeit und Lebenswirklichkeit geprägter Zustand ist, bleibt es der wissenschaftlichen Beschreibung letztlich entrückt, muss metaphorisch dargestellt, letztlich aber immer empfunden werden.

Die Reflexion des Zustandes selbst eröffnet uns die Möglichkeit, innere Wirklichkeit in verbale Sprache zu übersetzen, die dabei auf Vergleiche, Anknüpfungen und Veranschaulichung zurückgreifen muss, und führt den subjektiven Zustand so zurück in die „Objektivität“.

Ein in seiner letzten Instanz abstraktes Phänomen wird damit indirekt einer sprachlichen Auseinandersetzung und einem Dialog zugänglich gemacht.

Durch diese scheinbare Objektivierung geht jedoch viel des Unmittelbaren der Emotion selbst und auch dieser besonderen Wirklichkeit verloren.

Daher habe ich mich entschieden, nicht die verbale Sprache als Medium des Austauschs über dieses Erleben zu wählen, sondern bleibe im Ausdruck über die abstrakte Malerei letztlich auf der abstrakten Ebene der Emotionalität selbst.

Die Reflexion im Sinne eines tief durchdringenden Erlebens und Erkennens dieses inneren Zustandes, also nicht mit der psychologischen oder philosophischen Zuwendung und Auseinandersetzung gleichzusetzen, ermöglicht mir im Schaffensprozess eine abstrakte Bildsprache und damit einen entsprechenden Dialog mit dem Bildbetrachter, der auf eben jener Ebene der Emotionalität selbst in archaischer Weise eine Wahrheit des Empfindens und des Austausches ermöglicht, der mir anders verschlossen bleibt.

Umgeben und eingebettet als Individuum in einer Umwelt und einem Umfeld, dass aus einer Vielzahl von Eindrücken, Herausforderungen und Chancen wechselnde Emotionen und individuelle Zustände schafft, sind die Reflexion und das Durchdringen desselben ein Weg zur subjektiven Wirklichkeit, ein Weg zur Klarheit und individuellen Entscheidungsfindungen in der Herausforderung der täglichen Diversität.

Innere Harmonie und Balance werden zu Maßstäben für die Richtigkeit einer Entscheidung.

Dabei wird die Geschwindigkeit von Entscheidungsprozessen auch bestimmt durch das Erreichen individueller Balance, Bewusstheit und Reflexion.

In dem Bild „A Moment of Understandig“ verarbeite und beschreibe ich genau dieses personalisierte Gefühl „Ich verstehe, was Du meinst“, „Ich verstehe Dich (in diesem Moment)“, „Ich verstehe und durchdringe diese spezielle Situation in einem Moment voller Klarheit“.

Dieser Augenblick des Verstehens, des „Sich-Hineinfühlen-Könnens“ ist stets mit einem Zustand der inneren Balance als Momentaufnahme unseres Seelenlebens verbunden.

Dagegen ist der ursprüngliche schöpferische Akt voller Kraft und explosivem Potential eher ein ekstatisches Gefühl… Für mich immer verbunden mit der Beschreibung des Schöpfungsaktes aus der Bibel… ein unendliches Potential.: „Am Anfang schuf Gott Himmel und Erde. Und die Erde war wüst und leer, und Finsternis lag auf der Tiefe; und der Geist Gottes schwebte über dem Wasser. Und Gott sprach: Es werde Licht! Und es ward Licht. Und Gott sah, dass das Licht gut war. Da schied Gott das Licht von der Finsternis und nannte das Licht Tag und die Finsternis Nacht.“ (Die Bibel, 1. Buch Moses).

In einzigartigen Momenten, in denen wir vollständig bei uns selbst ankommen, entfaltet sich plötzlich in unserem Inneren diese unbändige schöpferische Kraft , drängt nach außen und verleiht dabei unserem Handeln eine neue Dimension.

Ein Weg, dieses individuelle und doch allgemeingültige Erleben zu reflektieren, zu teilen, sich selbst und den emotionalen Prozess damit für andere Individuen in dieser gemeinsamen Welt zu öffnen, kann die künstlerische Verarbeitung sein.

Jedes kreative Schaffen bedarf der sensiblen Detailgestaltung – manchmal in kaum wahrgenommen Nuancen.

Dabei sind es die Details, die dazu beitragen, den angestrebten Gesamteffekt erreichen zu können, weshalb ich stets jedem Einzeldetail die gleiche Aufmerksamkeit schenke wie dem Gesamtwerk.

Aus der Gesamtharmonie gestalteter Details entsteht das vollständige Bild, die visualisierte Emotion.

Welche Rolle spielt in diesem Kontext die Geschwindigkeit beim Malen?

Sollte Geschwindigkeit beim Entstehen von Kunst überhaupt betrachtet werden?

Ja und nein, denn Ziel kann ja nicht sein, möglichst viele Kunstwerke in möglichst kurzer Zeit zu erschaffen. Das steht gerade dem schöpferischen Akt in der Kunst völlig entgegen. Trotzdem fällt mir immer wieder auf, wie unterschiedlich sich die Schaffensprozesse entwickeln, auch und gerade mit Blick auf die Geschwindigkeit der Entstehung.

In der Regel arbeite ich in einer Vielzahl von Schichten, um die besondere Farbwirkung meiner Bilder zu erzielen, um ihnen Tiefe und „Sprache“ zu geben.

Vielfach arbeite ich dabei auf Schichten feuchter Farbe weiter, was besonders spannende farbliche Mischeffekte erzeugt.

Dann wieder lasse ich das Bild trocknen, um den nächsten Effekt mit einem eher trockenen Pinsel und der reinen Farbe zu setzen.

Diese Zeit und Dauer sind in meiner Wahrnehmung von Geschwindigkeit nicht die entscheidenden Größen.

Auch erlebe ich – wie wahrscheinlich die meisten Künstler-, dass mich die zunehmende Beherrschung der verwendeten Technik, des Materials und die Erfahrung im gewählten Prozess immer schneller zum angetrebten Ausdruck führen.

Effekte, in denen der Zufall eine gestaltende Rolle spielt, lassen sich mit größerer Leichtigkeit steuern.

Trotzdem bleibt eine limitierende Größe. Diese ist erstaunlicherweise der Grad, mit dem ich das Objekt oder den emotionalen Zustand, den ich im Bild erlebbar machen möchte, bereits selbst durchdrungen und reflektierend erlebt habe.

Erst nachdem dieses Gefühlt, dieser Seelenzustand, der mein Schaffen antreibt, von mir für einen kurzen Moment vollständig verstanden worden ist, gelingt mir der finale Ausdruck, das Nacherlebbarmachen in meinem Werk.
Dies bestimmt in letzter Instanz die Geschwindigkeit meiner Malerei.

Daran schließt sich nahtlos die nächste Fragestellung an, die in der Abstraktion jedesmal neu beantwortet werden muss.

Woran erkenne ich, dass mein Bild vollendet ist?

Das Ende einer jeden Reise entlang eines schöpferischen Weges lässt in mir dieses Gefühl der Vollendung entstehen.

Ein solches Bild ist in sich „abgeschlossen“, ich kehre immer wieder dahin zurück, das Betrachten erfüllt mich immer wieder neu, und immer wieder neu entsteht die Emotion in mir, die in der Bildsprache reflektiert ist.

Entsteht dieses Gefühl nicht, verblasst die erste Intensität des Betrachtens, folgt auf den ersten Moment, in dem ich beeindruckt bin, vielleicht vom Kontrast, vom Duktus, von der Struktur, der Moment in dem die Verbindung zwischen Betrachter und Bild abreißt und nicht mehr neu entsteht, so kann dies ein Hinweis darauf sein, dass die finale Balance aus Farbe, Duktus, Kontrast und Mittelpunkt eben nicht erreicht wurde.

Der Eindruck, den das unvollendete abstrakte Bild bei uns hinterlässt, ist flüchtig, beliebig und lässt uns nicht zurückkehren.

Die Vollendung ist nicht objektiv messbar und muss vom Künstler sorgsam erfühlt werden.

Häufig erlebe ich persönlich dies als Moment einer besonderen Klarheit und Erkenntnis, als Moment, in dem die Emotionalität, die Ausgangspunkt für mein Schaffen war, von dem Bild entsprechend dem psychologischen Element der Gegenübertragung auf mich zurückwirkt und aus dem magischen Moment des Betrachtens heraus neu in mir ausgelöst wird.

Spreche ich in meiner emotionalen Sprache der reflektierten Abstraktion durch ein Bild hindurch, so spricht das Bild selbst in einem magischen Moment der Interaktion zum Betrachter und ermöglich das Durchdringen, Erleben und intuitive Reflektieren eines konkreten emotionalen Zustandes.

Ich erreiche das Finale und ein harmonisierendes Crescendo, in dem die Abstraktion zur Sprache der emotionalen Reflexion wird.

Weitere Informationen

Alle Rechte an Wort und Bild liegen bei der Künstlerin. ARTTRADO stellt nur die Plattform für eine Veröffentlichung zur Verfügung.  Wenn Sie selbst gerne einmal einen Gastbeitrag veröffentlichen möchten, nutzen Sie unseren >Kontakt<.

Ein Einblick in die aktuellen Ausstellungen und Kunstmessen von Hella Ridder:

Ausstellungen und Kunstmessen 2021/22, Stand 5/2021
01/2021: Azaro Artspace, Hamburg
03/2021: M.A.D.S., Mailand/Italien
04/2021: Radison Blue, Hannover (Solo)
04/2021: World Art Fair/Dubai
05/2021: Stage Gallery, Köln
06/2021: Focus Art Fair, Paris/Frankreich
07/2021: ART MUC, München
08/2021: Affordable Art, Hongkong/China
09/2021: Art Basel, Basel/Schweiz
02/2022: Hilton, Bonn (Solo)

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