For the fashion industry Anna Matskova offers brand advertising and general product advertising videos. Matskova makes video clips for performance artists and musicians. She is currently working on two projects: a music video for the singer EAVA, which is their third project together, and a full-length film for theatrical distribution.

In this interview we would like to get to know the film artist Anna Matskova better – if you are interested in a collaboration/production – please feel free to contact us. The German translation of the interview will follow soon.

Anna Matskova in an Interview

What cultural influences from Russia inform your films, and how do they shape your creative process as a filmmaker?

My works are influenced by contemporary art, choreography, and music, which inspire me the most. Music plays a key role in my works, as I use it to interact with viewers in a non-verbal way by employing figurative narrative to express my ideas.

As an Art Director, you have a unique perspective on visual aesthetics. How do you strike a balance between cultural authenticity and universal accessibility in your projects?

My main approach is to find a balance between cultural authenticity and artistic universality, which allows viewers to understand the message independently of their backgrounds. I am grateful to my teachers, who gave me the opportunity to learn from outstanding examples. I always avoid clichés and bring my own original associative images with elements of universal symbolic representations.

What challenges do you see in the film industry, especially for women and creative minds from Russia, and how do you attempt to overcome them?

The main challenge of modern video art is its narrow focus on monetization. The monetization trend shapes the whole media space and its content, influencing the audience and forming their tastes. It leaves almost no space for original creative projects that do not fit into the general commercialization trends. It is a pity that such projects are simply lost like a needle in a haystack. I see my mission in creating such content, and that is why I highly appreciate this platform, which promotes creative projects and lets the general audience learn about them.

Can you provide insights into the use of symbolism and visual metaphors in your works and how they contribute to storytelling?

I am very keen on using metaphors and figurative language, which allow me to express ideas more efficiently than «the language of realism» due to the visualization techniques and their subconscious nature. I employ music as a tool to identify appropriate but unexpected images. And like to lie down, close my eyes, listen to music, and let my imagination fly to create new images for my works. I want to provoke my viewers to discover the meanings of my works through their own mental processing of the content, which is not illustrative by itself. I believe that the greater immersion and involvement of the viewer is a crucial aspect.

Which current trends or developments in the Russian film industry currently fascinate or inspire you the most?

There are many contemporary art exhibitions and festivals, where you can find inspirational works of other authors and also present your own works. I displayed my work «VACUUM» on a 360o screen in the Atma360 space as part of the Genesis festival.

Vacuum AV Project/Genesis² by Anna Matskova

VACUUM is a dance, short performance film created by director Anna Matskova and composer Ilya Symphocat. This work combines dance performance by Elsa Serova, Laran Laraan and the dance group FarFor YO (choreographer Banzay BNZ), as well as ambient, choral music and sound design.

VACUUM, can be seen as an immersive, group process of immersion in the magnetism of an archaic and primordial world, flowing into our present and tangible reality. It’s an opportunity to immerse yourself in one shared emotional experience of purification and destruction, depending on which atmospheric fronts or urban landscapes you choose to stay in.

The aim of the film was to explore and capture the moment of unity of a man and a woman outside of time and circumstances, as if in a vacuum – in the nature environment. And the gradual destruction of this harmony with their immersion in urban space.

I also directed and filmed a performance for the opening of the online Gamma Festival 2020, during the Covid-19 restrictions. The festival attracted over 6 000 viewers. The idea behind my piece was the limitations put on the society and its artistic freedom during the covid pandemic.

OSTINATO Audio-visual performance based on the method of musical and artistic composition „ostinato“, that interprets the repeated repetition of a melodic phrase, rhythmic figure or harmonic turn.

Performance can be considered as a reflection on the events happening to us nowadays. The space for creating a work becomes an old Stepan Razin factory in industrial area of Saint Petersburg.

Performers use the actual attributes of our reality, familiar during pandemic to everyone: face masks, striped tapes, form of communication in online broadcast. They capture the experience of events through the prism of artistic perception, combining music, choreography, vocal improvisation and creating a media sculpture on the ruins of the past.

How do you maintain a coherent visual language as an Art Director across different projects, and which elements are particularly important to you?

I choose an aesthetic minimalism for my visualization language. I adhere to a clearly structured composition within the frame, lacking unnecessary elements. This may sometimes look unnatural, but it lets me emphasize the main visual narrative and immediately attract the viewer’s attention in a purposeful way.

What creative techniques do you employ to emotionally engage audiences in your stories and create a deeper connection?

Besides music, I use dance performance in my works to engage viewers emotionally. The body language conveys emotions as well as hidden messages. I usually work with the street dance and performance group FarFor.

In your role as a filmmaker and Art Director, how do you view your responsibility in promoting cultural diversity and inclusion in the film industry?

I tend to adhere to a certain ideology and convey certain concepts in all my works, including commercial ones. I clearly do not welcome plagiarism and copy-cuts of others’ ideas or views, i am in favor of authenticity, self-identity, and independence. Believe that only this approach will bring something new into our culture and cinema.

How do you select the visual elements for your projects to evoke the desired mood and atmosphere?

Natural environment is an important visual element of my works. Its main purpose is not just to serve as a beautiful background, but to be a key component along with the actors and the action in the frame. I choose the environmental scenes very carefully, which usually takes some weeks or even months to find the right locations. For example, it took me several months of traveling and studying maps to choose filming locations for «VACUUM» before I started shooting. I wanted to find a natural background unscathed by human activity, but also wild and beautiful, serving as a counterpoint to large asphalted squares with no room for wildlife. In the end, I found what I needed. To make it even more readable, I came up with the idea of shooting this work from a bird’s-eye view using drone footage.

What artistic influences have most shaped your work as an Art Director, and how do they manifest in your projects?

As an artist and filmmaker, I was influenced primarily by classical education, which shaped my vision influenced with the study of contemporary culture. Among my favorite authors are such film classics as: Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky, Sergey Urusevsky, Gaspar Noé, Denis Villeneuve, Alex Garland, Hayao Miyazaki, The_Wachowskis, Alberto Mielgo.

My favorite fiction authors are: Hermann Hesse, Fyodor Dostoevsky, Mikhail Lermontov, Ray Bradbury, Philip K.Dick, Gabriel García Márquez, Julio Cortázar Artists: M. C. Escher, Leonardo da Vinci, Mikhail Vrubel, Arkhip Kuindzhi.

Photographers: Ben Zank, Lesliezhang, Zeng Wu, Simon Stalenhag, Olafur Eliasson.
Computer game creator: Hideo Kojima
Modern choreography: Damien Jalet
Music: Hans Zimmer, Steve Roach, Burial, Aes Dana
Fashion: Alexander McQueen, Rick Owens

I find in the works of these authors very influential and share their spirit and vision of the world.

Could you share your approach to selecting film music and sound design to enhance the emotional resonance of your works?

I give great importance to the music in my works. Ilya Symphocat, a modern Russian composer, has been the music author for almost all of my works. Ilya writes music in the ambient genre, which, in combination with the visual content, creates a certain atmosphere that draws the viewer into a meditative perception. We share a similar vision, and I think it is very important for collaborative creativity.

What role does collaboration with other creative minds, such as scriptwriters or cinematographers, play in bringing your visions to life?

I’m very careful when it comes to staff my projects. I choose people with similar visions so that together we can create something that expresses our common views. It’s important for me to involve everyone in the project and showcase their talent.

How do you deal with creative blocks or challenges during the creative process?

I feel very inspired when it comes to filming, which I always approach very diligently. I create an atmosphere on set that energizes everybody who works with me, and i have no roadblocks when it comes to work.

What technologies or innovative approaches do you use to maximize the visual quality of your projects?

I film my projects on professional cameras of the latest generation, such as ARRI Alexa and RED Comodo. I often use drones for shooting, including such brand names as Mavic-pro and action drone fpv and also use computer graphics in my works.

How do you maintain your artistic signature while adapting to different genres or projects as an Art Director?

If I work on a commercial project, I often have to adapt to the customer’s taste, but my artistic vision and selection of references and sketches help to inspire and find a common language.

Which aspects of film design – be it lighting, costumes, or sets – are particularly crucial to you in creating a compelling visual narrative?

In my work, I pay attention to every detail. I think through the shot, the characters’ image, and work closely with the cameraman, stylist, artist, and others. In all aspects, I have a clear vision and have developed an effective way of interacting with other team members. On occasion, I find new effective solutions on how to overcome difficulties.

I was strongly influenced by my parents, who are artists. All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself.

What projects or experiences have left a lasting impact on your artistic development, and how have they influenced your perspective?

All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself. At some point, I realized that the format of the paper canvas, limited to the plane and two-dimensional image, was not enough for me. I entered a two-year animation study program. After graduation, I realized that I wanted to make movies and entered the Institute of Cinematography VGIK in Moscow. I believe that cinema has an interesting principle that distinguishes it from other art forms.

This principle is that for the first time in the history of art, for the first time in the history of culture, man has found a way to directly capture time. And at the same time – the possibility to reproduce the passage of this time on the screen, to repeat it, to return to it. Man has got the matrix of real time in his hands». – Quote by Andrei Tarkovsky from the article „Captured Time“.

I find this vision fundamental to my work.

Could you tell us about your creative beginnings and how you found your individual artistic expression?

I do not think I created or invented my style. Rather, I discovered and brought to the surface something that existed naturally from the moment of my birth. As a child, I liked watching movies and going to exhibitions. I singled out authors I liked. Nevertheless, I didn’t try to imitate them. I was always excited with an idea of doing something new, never existing before. I saw this as the ultimate purpose of my existence. Over time, my maximalism has cooled down, and I’m not chasing something unrealistic anymore. I still stick to the idea that my works will always find their audience. It is important for me to keep mental integrity and authenticity, to be independent of short-term influences and the opinion of the masses. I believe this is key to my success.

As a child, I didn’t like to play with toys from stores. I made the sets and characters myself, invented plots. You could say that what I do now takes its roots in my childhood. I still play my favorite game of making up stories and bringing them to life.

Why did you choose Art Direction, and what aspects of this role appeal to you the most in terms of creative filmmaking?

I have always loved making up stories and bringing them to life. I found a continuation of this approach in my professional life, i believe that a person should choose their life’s work to enjoy it, to live it, only then is it possible to do something worthy.

To what extent does your background or personal history influence your artistic work, and how do these elements find their way into your projects?

In my works, I try to create a world that is not tied to a specific real place and time. Almost everything plays out in a parallel universe, but some works are influenced by real events. For example, my work «The Fire Is Gone» was created when the war in Ukraine started. In this work, I tried to express my attitude towards wars in general without being tied to a specific situation. The war served as an impetus for my reflections.

What significance does the connection between film and art hold for you, and how do you incorporate artistic principles into the visual design of your films?

Cinema can be called a synthesis of all kinds of arts. It is not possible to involve the viewer fully or strike all strings of their soul without the combined help of the plot, visuals, and music. This is only possible in art that combines all these aspects together. That’s why I chose cinema and want to develop further as a filmmaker.

What advice would you give to young, aspiring artists interested in a career in filmmaking and Art Direction?

I would advise young artists aspiring to become a film director or an art director to start with a high-quality education in the field, read a lot, listen to good music, and watch prominent movies. Then bind it together with your own personal vision and experience. I would like to quote Andrei Tarkovsky again: «An artist begins when their idea or their film has its own special image structure, its own system of thoughts about the real world, and the director presents it to the viewer, shares it with the viewer as their most cherished dreams. Only when they have their own way of looking at things, becoming a kind of philosopher, do they act as an artist.»

Thank you for your time and effort! I’m looking forward to your next projects!

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Während sich Gaby Fey lange und akribisch mit Unterstützung eines großen Teams auf die Realisierung ihrer Arbeiten vorbereitet – bis zur Fertigstellung von „La Cène“, das sie mit viel Liebe zum Detail dem Original nachgebildet hat, verging fast ein Jahr – , nehmen die Werke von Gabriele Demmel ihren Anfang in absoluter, ungeplanter Ziellosigkeit und führen über ein lebendiges Chaos in eine gewisse Ruhe und Genugtuung bei der Künstlerin.

Zwei verschiedene, ja gegensätzliche Ansätze des künstlerischen Schaffens, die sich ergänzen und den Besucher in den Sog eines positiven Spannungsfelds ziehen.

Auf der Art Chiemsee 2023 waren die beiden Künstlerinnen, die schon auf der Sylt Art Fair 2021 und 2022 Teil einer hochkarätigen Gruppenausstellung waren, mit ihren Werken Seite an Seite neben Bildern von Gerhard Richter, Julian Schnabel, Markus Lüpertz und Jeff Koons im Sommer dieses Jahres ausgestellt. Am Ausstellungsort Prien schmiedeten die beiden Künstlerinnen Kooperationspläne, die zu der aktuellen Ausstellung führten.

Gezeigt werden mehr als zwanzig Werke der beiden Künstlerinnen, darunter auch einige der berühmten Composings von Gaby Fey wie „La Cène“ nach Leonardo da Vincis letztem Abendmahl und – ganz aktuell – „Girl with Pearls“ nach Jan Vermeers „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, sowie farbintensive, große und kleinere abstrakte Arbeiten von Gabriele Demmel.

 

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Gaby Fey

Wenn sie auf den Auslöser drückt, halten alle die Luft an. Gaby Fey, Fotokünstlerin aus Köln/Erftstadt und Carqueiranne, Südfrankreich, erschafft aufwendig inszenierte Kunstwerke mit Darstellern unter Wasser. Bekannt sind Feys spektakuläre Unterwasser-Interpretationen berühmter Kunstklassiker wie Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“ oder „Das Floß der Medusa“ von Théodore Géricault.

Gaby Fey arbeitet zunächst vor der Kamera – als international gefragtes Model. Bereits in dieser Zeit wächst ihre Leidenschaft für Fotografie und fotografische Komposition. Es folgen Jahre der Tätigkeit als weltweit erfolgreiche Werbefotografin. Doch erst in der Unterwasser-Fotografie kann sie ihre künstlerischen Visionen frei realisieren sich konsequent der Umsetzung eigener Projekte widmen. „Beim Fotografieren unter Wasser geht es vor allem darum, den richtigen Moment zu finden, den Moment, in dem der Portraitierte seine Seele offenbart“, erläutert die Künstlerin ihre Arbeitsmethode.

Ausstellungen in Deutschland, Frankreich, Monaco, Österreich und der Schweiz belegen das Interesse an ihren Werken.

Gabriele Demmel

Die in Bayern geborene Künstlerin Gabriele Demmel lebt und arbeitet seit vielen Jahren in Köln. Studien machte sie bei dem amerikanischen Künstler Baird Cornell auf dem Gut Deixlfurt in Oberbayern und an der freien Hochschule für bildende Kunst in Essen. Ihr Drang nach Farben und Größe haben dabei ihren Weg bestimmt. Inspiriert wurde sie u.a. von den Künstlern Cy Twombly, Claude Monet, Gerhard Richter und Marc Chagall.

Die Künstlerin benutzt die Leinwand als Spiegel ihres Lebens. Lebenlust, Sensibilität und Brutalität wechseln sich bei ihren Bildern ab. Sie malt am liebsten nachts – unbeobachtet, ungestört und frei. Das Resultat: farbintensive, expressive Arbeiten.

Ausstellungsstationen in Deutschland waren u.a. Sylt, Prien am Chiemsee und das Kölner Landgericht 2023.

Vernissage & Öffnungszeiten

Die Vernissage für geladene Gäste findet am Freitag, 17. November 2023 statt.

Öffnungszeiten der Ausstellung für Besucher:

18.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
24.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
25.11.2023 16.30 – 19.00 Uhr
01.12.2023 16.30 – 19.00 Uhr
02.12.2023 16.30 – 19.00 Uhr

Weitere Informationen

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Im Länderfokus der diesjährigen NordArt steht die Türkei: Insgesamt werden Werke von 17 Künstlerinnen und Künstlern der «Türkiye» präsentiert. Neben weiteren Highlights wird auch zeitgenössische Kunst aus China, nunmehr Markenzeichen der NordArt, zu sehen sein, die spannende Einblicke ins Reich der Mitte eröffnet. Ausstellungsort ist eine historische Eisengießerei mit 22.000 Quadratmetern Fläche sowie der dazugehörende 80.000 Quadratmeter große Skulpturenpark. Die NordArt zählt in jeder Saison mehr als 100.000 Besucher.

Bereits zum zweiten Mal unter den ausgewählten Künstlern der NordArt ist die Unterwasser-Fotografin Gaby Fey, die mit spektakulären Unterwasser-Interpretationen berühmter Kunstklassiker wie Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“ oder „Das Floß der Medusa“ von Théodore Géricault bekannt wurde.

Die NordArt präsentiert drei großformatige Werke, in denen die Künstlerin das Paradies „Ozean“ und seine Bedrohung durch den Menschen thematisiert. „Venus“ (2018), ebenfalls eines von Gaby Feys historischen „Composings“ – ihre Version von Sandro Botticellis berühmtem Gemälde „Die Geburt der Venus“ – zeigt die Göttin der Liebe und der Schönheit in einer faszinierenden und unversehrten Unterwasserwelt. Ihr Werk „Date with Neptune“ (2022) führt uns dagegen die Bedrohung dieses Idylls vor Augen. Mit „SOS – Save Our Souls“ (2022) ruft die Künstlerin zum Schutz der Meere auf.

Gaby Fey betont: „Ich freue mich riesig, zum zweiten Mal auf der NordArt dabeizusein. Hier herrscht immer eine ganz besondere Atmosphäre: Dieses wundervolle Industriedenkmal und der große Skulpturenpark – man fühlt sich hier wie in einem Kunstwunderland. Ich bin immer wieder fasziniert und begeistert!“

Die Fotokünstlerin Gaby Fey

Wenn sie auf den Auslöser drückt, halten alle die Luft an. Gaby Fey, Fotokünstlerin aus Köln und Carqueiranne, Südfrankreich, erschafft aufwendig inszenierte Kunstwerke mit Darstellern unter Wasser. Bekannt sind Feys spektakuläre Unterwasser-Interpretationen berühmter Kunstklassiker wie Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“ oder „Das Floß der Medusa“ von Théodore Géricault.

Gaby Fey arbeitet zunächst vor der Kamera – als international gefragtes Model. Bereits in dieser Zeit wächst ihre Leidenschaft für Fotografie und fotografische Komposition. Es folgen Jahre der Tätigkeit als weltweit erfolgreiche Werbefotografin. Doch erst in der Unterwasser-Fotografie kann sie ihre künstlerischen Visionen frei realisieren sich konsequent der Umsetzung eigener Projekte widmen. „Beim Fotografieren unter Wasser geht es vor allem darum, den richtigen Moment zu finden, den Moment, in dem der Portraitierte seine Seele offenbart“, erläutert die Künstlerin ihre Arbeitsmethode.

Die NordArt 2023

3.6.2023 – 08.10.2023. Kunstwerk Carlshütte, Vorwerksallee 3, 24782 Büdelsdorf.

Öffnungszeiten: Dienstags bis Sonntags (inkl. Feiertage), 11-19 Uhr. Montags geschlossen (inkl. Feiertage).

Weitere Informationen unter: www.nordart.de

 

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Stan Bert Singer wurde 1966 in Niederösterreich als Christian Hubert Freisinger geboren. Er malt seit Kindertagen, so dürfte sein erstes (Selbst)-Porträt mit ca. 10 Jahren entstanden sein. Bereits dieses frühe Werk zeigt Singers Detailbesessenheit. Er studierte Architektur, während der Studienzeit lernte er Malerei und Zeichentechnik unter Professor Göschl – inklusive Studienreise zur Aquarellmalerei nach Venedig.

Zusätzlich genoss Stan Bert Singer eine Ausbildung in plastischer Formgebung. Aber erst relativ spät, um 1991 begann er selbst ernsthaft mit der Malerei. Aufgrund der autodidaktischen Herangehensweise versuchte er sich in verschiedenen Stilen und Ausdrucksmöglichkeiten. Seit 2005 sieht er sich der klassischen Malerei verpflichtet.

Es folgten Ausstellung in Österreich, Italien sowie in den USA. Sein jüngstes Projekt, „Moderne Madonnen“ – unser Anlass das Gespräch mit dem Künstler zu suchen. Dieser war so freundlich unsere Fragen zu beantworten.

Stan Bert Singer im Interview

Ein leichter Einstieg, wo sind Sie grade, wie geht es ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Im Moment befinde ich mich in Wien – abgesehen von der politischen überbordenden Coronasituation in Österreich geht es mir sehr gut. Ich bin gesund und arbeite gerade an drei Projekten. Ein Projekt nennt sich „Moderne Madonnen“,das zweite hat den Arbeitstitel: „Mythologie und Eros 21Punkt Null“ und im Projekt Nr. 3 geht es um „den Heilsbringer“

Eines davon ist der Anlass für unser Gespräch. Mit Dieter Hanf haben Sie das Frauenbild der Heiligen Maria überarbeitet, wie kam es zu der Zusammenarbeit?

Ja, genau! Das bezieht sich auf das zuvor genannte Projekt „Moderne Madonnen“. Nun ja, die Zusammenarbeit hat sich spontan ergeben, würde ich sagen … Wir haben uns nicht hingesetzt und gesagt, jetzt machen wir mal ein Projekt „Neue Madonnen“ oder? (lacht)

Dieter und ich stehen in regen künstlerischen Austausch. Wir sprechen oft über neue künstlerische Ansätze, welche Fotografie und Malerei stärker in Verbindung bringen kann – dies in Verbindung mit meinem Lieblingsthema, nämlich Weiblichkeit, Erotik und der Würde der Frau und mit Dieters Ambitionen in Fotografie und digitalen Kunst. Wir beide sind ja eigentlich in den Ausdrucksformen sehr unterschiedlich, was die Zusammenarbeit daher so spannend macht.

Wie viel Zeit und Aufwand war im Hintergrund für das Projekt „Moderne Madonnen“ nötig?

Das ist sehr schwer zu sagen, so etwas ist ein laufender Prozess mit Pausen, dann wieder neuen Ideen und Rückschlägen usw… Wir zählen da nicht die Stunden oder Wochen. An den Ölbildern selbst arbeite ich nun schon über ein Jahr, so viel kann ich von meiner Seite berichten. Dieter ist natürlich bedingt durch sein Medium wesentlich schneller als ich. Jedenfalls sind wir nun in der Schlussphase und planen die Locations für die Ausstellungen.

Können Sie schon etwas über die Zukunftspläne verraten?

Bezüglich Moderne Madonnen und mit Künstlerkollegen Dieter Hanf sollen die Werke bis Mitte 2022 in Europa ausgestellt werden und auf Kunstmessen präsentiert werden. Zum Beispiel bei der Discovery Art fair und ähnlichen Events. Eigene Zukunftspläne gibt es in Richtung Religion, Glaube und Verirrung,… da sind Ansätze vorhanden,… viel mehr kann ich dazu im Moment nicht berichten – es werden jedenfalls andere Arbeiten sein, als man sie von mir gewohnt ist…

Ich bin gespannt! Die Transformation der Madonna in das 21. Jahrhundert gelingt über teils sehr subtile Änderungen der Blicke und Gesten, teils deutlich abweichende räumliche Zuordnungen oder durch eine provozierende Wahl der Modelle. Gab es Momente, in denen Sie Angst vor der Kirche hatten?

Nein, gar nicht. Angst im Zusammenhang mit meiner Kunst ist mir fremd. Ich sehe mich auch nicht als Provokateur. Meine Werke sind nur sehr subtil provokant. Die Provokation belegt auch nur ein sehr untergeordneter Teil in meinen Bildern. Es geht mir vor allem darum, die Würde und die Schönheit der Frau zu zeigen – im Falle der modernen Madonnen sind also junge, selbstbewusste Frauen ganz bewusst in ähnlich traditionellen Posen wie in der Renaissancekunst von mir gemalt worden.

Ein Spiel und Reflexion von Gegenwartsweiblichkeit und dem Bild der Frau in der Renaissance. Die Spannung entsteht auch erst maßgeblich in der Gegenüberstellung mit den Fotografien von Dieter Hanf. Um ehrlich zu sein, spreche ich nicht so sonderlich gern über meine Bilder und was Sie möglicherweise bedeuten.

Ein Bild soll vorzugsweise in erster Linie ein Gefühl und einen Eindruck beim Betrachter erwecken. Dann im Idealfall ergänzend eine Aussage durch das Bild beim Betrachter erzeugen. Sowohl Gefühl und Eindruck werden von Betrachter zu Betrachter unterschiedlich ausfallen – wenn man das vorher erklären muss bzw. den Betrachter vorher einsuggerieren muss, was er darin fühlen, lesen oder erkennen kann oder soll, so ist das Bild nicht stark genug und hat zu wenig Aura…

Gut sprechen wir weniger über die Bedeutung und mehr über die Technik. Wie kamen Sie auf die „Dietro l‘aria“-Technik, was hat Sie besonders fasziniert und wo liegen die Herausforderungen?

Gute Frage, das werde ich oft gefragt ,… – wie bekannt sein dürfte, schätze ich die alten Meister sehr, insbesondere den Meister unter den Meistern, nämlich Leonardo da Vinci. Man glaubt nicht, wie viel man auch heute noch von ihm lernen kann.

Ich weiß, wovon ich spreche, da ich eine Replik seiner „Dame mit den Hermelin“ gemacht habe. Anfangs dachte ich: „Da bist du in 3,4 Monaten fertig,“ – gedauert hat es 18 Monate, da ich die Replik in der Originaltechnik, also in sfumato ausgeführt habe und nicht bloß eine Kopie der Form und Farben. Davon gibt es ja genug.

Enttäuschenderweise wird heute sehr viel Kunst „produziert“, wo es schade um Leinwand und Farbe ist. Plakatives und Provokantes bzw. immer mehr auch Schockierendes ist im Vormarsch, nach dem Motto es muss um jeden Preis aufregen und auffallen. Ja die Kunst kann aufzeigen und auch provozieren – selbstverständlich, aber es ist nicht der Hauptzweck oder Sinn der Kunst, sofern es einen solchen überhaupt gibt…

Jetzt bin ich jedoch sehr von ihrer Frage abgeschweift, aber das ließ sich nicht vermeiden, da es mit der Dietro Aria Technik letztlich ursprünglich zusammenhängt. Dietro Aria bedeutet so viel wie „hinter Luft“. Ähnlich wie die sfumato Technik von Leonardo geht es auch mir darum, eine gewisse Unschärfe der Kontur zu erzeugen, da es dem menschlichen Sehen am nächsten kommt.

Die derzeit gezeigten hyperrealistischen Bilder verschiedener Künstler entsprechen ja in keiner Weise dem natürlichen Sehen, sondern eher dem der Fotografie. Leider haben wir aufgrund der vielen digitalen Medien und Fotografien verlernt, was ein natürliches Bild ist, und bevorzugen oft überkontrastiertes und überdetailliertes Bildwerk.

Das natürlich Sehen wird im Gegensatz zum Foto im Gehirn aus zwei Bildern erzeugt, welches von zwei Augen generiert wird, und dies aus verschiedenen Winkeln. Schon aus diesem Grund kann es gar nicht scharf sein, – es ist eine Interpretation der Realität durch das Gehirn.

Weiters liegt zwischen Betrachter und Objekt die Atmosphäre bzw. Luft dazwischen, was speziell bei Landschaftsbildern für eine gewisse Unschärfe sorgt. Leonardo, aber auch beispielsweise Giorgione hat dies mit Hilfe des sfumato, also dem Verwischen der Konturen erzeugt, aber auch durch das einsetzten brauner Farbtöne in den Schattenbereichen usw. In meinen Werken versuche ich einerseits die Details genau auszuarbeiten, um diese dann aber in einem weiteren Schritt wieder durch das Einsetzen der Dietro Aria Technik abzuschwächen.

Dies wird durch eine Vielzahl von Layern erzeugt und einem von mir speziell entwickeltem Malmedium. Die Herausforderung bei dieser Technik ist vor allem Zeit und die Geduld. Oft ist man versucht, den einfachen, schnellen Weg zu wählen und „schnell“ fertig zu malen. An den Dietro Aria Bildern arbeite ich oft bis zu einem Jahr und darüber.

Sehr Intensiv und Zeitaufwendig … gab es schonmal einen Moment, in denen Sie mit dem Gedanken gespielt haben, den Pinsel an den Nagel zu hängen? Falls ja, wie motivieren Sie sich in solchen Momenten selbst?

Nein – die Malerei ist ein Teil von mir.

Mir gefällt es besonders, das sie ihre Kreativität auch als Sprachrohr nutzen, um zu sagen „hier gibt es Probleme – darauf möchte ich aufmerksam machen“ – gab es einen bestimmten Auslöser für „Moderne Madonnen“?

Einen bestimmten Auslöser hat es nicht gegeben. Es ist ja so, dass die Emanzipation seit ich weiß, nicht wie vielen Jahren zu Tode ge- und besprochen wird. Letztlich ändert sich meist sehr wenig und viele tradierte Rollen und Denkweisen bleiben weiterhin erhalten. Ich sage nicht, dass das schlecht ist – und ich sage auch nicht, dass dies gut ist. Ich zeige einfach auf – was ich aufzeige, sind Frauenporträts.

Sehen Sie sich Cecilia Gallerani um ca. 1490/1500 von Leonardo da Vinci an. Und betrachten Sie mein Bild „La affascinante“ aus 2021. Beide Damen sind 17 Jahre alt. Wo sind die Gemeinsamkeiten, – sehen Sie diese? – und wo sind die Unterschiede? – sehen Sie diese? Was hat sich in 3 Hundert Jahren wirklich verändert und was ist unverändert geblieben?

Apropos Veränderung, gibt es etwas, was Sie auf dem Kunstmarkt gerne ändern würden?

Nun, dass ist eine Frage die einer umfangreicheren Betrachtung und Antwort bedarf. Das hebe ich mir für ein nächstes Interview auf!

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Natürlich gibt es Grenzen. Diese liegen genau dort, wo es zu einer aktiven Form der Einflussnahme auf die individuelle Freiheit kommt. Dabei ist mir das Wort aktiv sehr wichtig.

Kunst muss…

…Geist und Herz anrühren!

Haben Sie einen Tipp für junge Künstler?

Nicht den einfachen Weg einschlagen und seinen Visionen treu bleiben und das Sehen kultivieren!

Vielen Dank für ihre Zeit und Mühe. Ich bin gespannt wohin die Reise der „Modernen Madonnen“ geht und freue mich auf unser nächstes Gespräch!

Weitere Informationen

Mehr über Stan Bert Singer: www.stan-bert-singer.com

Weitere Informationen über Moderne Madonnen –von Stan Bert Singer und Dieter Hanf

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Als Madonna oder Madonnenbildnis, auch Marienbild oder Marienbildnis, bezeichnet man in der christlichen Ikonografie die Darstellung Marias allein, gemeinsam mit dem Jesuskind oder umgeben von anderen Personen. Der populäre Begriff Madonna wird überwiegend für Einzeldarstellungen der Gottesmutter mit ihrem Kind verwendet. Seit dem 3. Jahrhundert bildet das Madonnenbild den häufigsten Gegenstand der christlichen Kunst, der sich auf zahllosen Bildmedien und in vielfachen inhaltlichen Zusammenhängen präsentiert und der Marienverehrung bildhaften Ausdruck verleiht.

Marienbildnisse greifen oft Szenen aus dem apokryphen Jakobusevangelium, dem Marienleben oder dem Leben Jesu Christi auf. Daneben existieren zahlreiche Bildzyklen und Einzeldarstellungen, bei denen sich eigenständige Bildtypen herausgebildet haben, sowie solche, die bestimmte theologische Vorstellungen und Zusammenhänge rund um Maria abbilden. Maria wurde als Mutter Gottes stellvertretend das christliche Rollenmodell der Frau. Genauere Informationen zur Geburt, Leben und Tod der Maria gibt es kaum. Die wenigen Erwähnungen stammen vor allem aus dem  Jakobusevangelium, welches nicht zum biblischen Kanon gehört und frühestens nach dem 2. Jahrhundert nach der Geburt Christie geschrieben wurde.

Maria wurde im Jahr 431 beim Konzil in Ephesos als Mutter Gottes dogmatisiert. Madonnen stellen bis heute das katholische Rollenmodell der unbefleckten, selbst von den Erbsünde freien, Frau dar. So entstand ab dem 5. Jahrhundert ein regelrechter Madonnenkult, der sich in den einzelnen Kirchen recht unterschiedlich zum Ausdruck brachte.

Während sich in der Orthodoxie acht Kategorien für Ikonendarstellungen ausbildeten, entwickelte sich in der katholischen Tradition durch die Jahrhunderte unterschiedliche Darstellungsformen, die in Abhängigkeit der historischen Strömungen, wie zum Beispiel der Renaissance oder der Gegenreformation zu sehr komplexen Bildnissen führten.

Das Frauenbild Maria

Maria und somit die Madonnen, stellt einen Frauentyp dar, der asexuell, da unbefleckt Jesus über den heiligen Geist empfangen, von Männern dominiert ihr ganzes Leben fürsorglich und leidend, auf Erlösung hoffend, in den Dienst ihres Sohnes Jesus stellte. Viele mittelalterliche, Renaissance oder neuzeitliche Darstellungen bringen dies kunstvoll zum Ausdruck.

Auffallend sind bei diesen Darstellungen historische wie geographische falsche Zuschreibungen, die aus verschiedenen Gründen ausgearbeitet wurden. In der Bibel wurden die hochschwangere Maria und ihr späterer Mann Josef als mit einem Esel Flüchtende beschrieben.

Josef sollte ein Handwerker gewesen sein. Belege gibt es dafür leider nicht. Dennoch werden die beiden, vor allem Maria mit sehr üppigen, häufig prunkvollen Kleidern gemalt. Die Gesichtszüge und die Haarfarbe entsprechen, genau wie bei Jesusdarstellungen in der Regel, eher einem Westeuropäischen Aussehen; heller Hauttyp, die Haare oft blond, großer Körper.

Tatsächlich war Maria eine Jüdin aus dem Mittleren Osten. Der Körperbau muss daher verhältnismäßig klein gewesen sein, wahrscheinlich war die Haut eher etwas dunkler, die Haare dunkelbraun oder schwarz, blaue oder grüne Augenfarbe sind im südlichen Mittelmeerraum eher selten. Eine entsprechende Studie, die im Auftrag des BBC durchgeführt wurde kam zu einem solchen Ergebnis.

Die künstlerische Herausforderung

Ein solcherart ausgearbeiteter Themenkreis, welcher durch viele Jahrhunderte von herausragenden Künstlern interpretiert wurde, stellt eine besondere Herausforderung an die sich heranwagenden Künstler dar. Wie nähert man sich diesem Thema und mit welcher Intention? Letztere bestimmt sowohl die Eingrenzung und Interpretationsrichtung als womöglich auch die Wahl der Medien und der Ausdrucksmittel. Da die Madonnen durch viele Jahrhunderte hindurch tradiert wurden und es darüber hinaus wie schon beschrieben verschiedene Kunstzweige entwickelten, sind den Mitteln der Malerei kaum Grenzen gesetzt. Lediglich die modernen Medien und Malmittel, wie beispielsweise der Acrylfarbe spielen in der Tradition der Madonnenbildnisse eine untergeordnete Rolle.

Wenn Künstler wie Michelangelo, Leonardo da Vinci und Caravaggio sich eines Themas annahmen, dann setzen sie auch gleichsam eine, wie man heute sagt, Benchmark. Als Künstler wird man daran gemessen werden. Es kommt also in mehrfacher Hinsicht auf eine sehr gute Recherche, Planung und vor allem Umsetzung an. Diesen Herausforderungen wollten sich Stan Bert Singer, Maler aus Wien und Dieter Hanf, Fotograf und Digitale Kunst stellen.

Intention

Die westlichen Gesellschaften haben in den vergangenen 100 Jahren eine unglaubliche Transformation vollzogen. Der technische Fortschritt, die Weltkriegserfahrungen sowie die Nachkriegsjahre haben zu einer Dynamik geführt, deren Ergebnisse in der Rückschau nicht in allen Belangen positiv zu bewerten sind, insbesondere aber auf die Stellung der Frauen radikalen Einfluss genommen hat. Es ist offensichtlich, dass die nächsten Schritte zu einer eigentlich selbstverständlichen Gleichberechtigung noch vollzogen werden müssen.

Frauen sind heutzutage in allen beruflichen Zusammenhängen anzutreffen, sie haben alle Bildungschancen, die Möglichkeit auf akademische Abschlüsse und werden in vielen Fällen auch entsprechende Arbeitsstellen eingesetzt. Dennoch gibt es noch viel zu tun.

Das Kunstprojekt Moderne Madonnen möchte einen kleinen Anteil dazu leisten und ein Gegenbild zu den im Ausgang beschriebenen Rollenmodell der perfekten, vor allem katholischen, Frau entwerfen. Viele zeitgenössische Frauen sind sich ihrer Möglichkeiten bewusst, nehmen die Herausforderungen des Lebens selbstbewusst an, erleben sich selbstverständlich als unabhängiges Wesen und genießen Sexualität als Ausdruck ihrer Weiblichkeit und das oft ohne Zutun und schon gar nicht mehr in Abhängigkeit von Männern. Die eheliche Fremdbestimmung sowie das Warten auf Erlösung hat in den meisten Fällen ein Ende. Die Frauenbewegung Maria 2.0 weist als Teil des Synodalen Wegs in die gleiche Richtung.

Die Künstler

Stan Bert Singer

Stan Bert Singer, Österreich, absolvierte eine Meisterausbildung in Architektur und Zeichnen sowie in Malerei an der Universität Wien am Karlsplatz, in der Nähe der berühmten Secession. Singer ist ein klassischer Kunstmaler, der sich auf die Technik der alten Meister spezialisiert hat und sowohl Porträtaufträge als auch Aktbilder und Kunstrepliken anfertigt. Er studierte die Malerei und Techniken von Leonardo da Vinci, Michelangelo und Caravaggio. Sein Schwerpunkt in der Malerei ist der menschliche Körper, insbesondere des Gesichts.

Er entwickelte die „Dietro l‘aria“-Technik. Stan Bert Singer: „Es ist eine Art Sfumato-Technik, bei der ich die Arbeitsweise von Leonardo da Vinci aufgegriffen und versucht habe, sie weiter zu entwickeln. Dabei werden viele Malschichten verwendet und einer Art ‚Luftschicht‘ mit eigenem Malmittel. Dadurch entsteht eine gewisse Tiefe des Lichts. Die Bilder sind detailliert und doch irgendwie „unscharf“, so wie das natürliche Sehen auch.

Er stellt seit 2010 international aus und wird von der Gallery 1503 in Wien präsentiert.
Mehr über den Künstler: www.stan-bert-singer.com

Dieter Hanf

Der deutsche Künstler erhielt informelle Ausbildungen in Kunst und Fotografie und bildete sich autodidaktisch fort. Ausgehend von der analogen Fotografie, arbeitete er schon 1978 an Fine Art Serien, veröffentlichte seine Arbeiten erst seit 2018. Ausgehend von heute digitalen Fotografien entwickelte Hanf seinen eigenen Stil der künstlerischen Bildbearbeitung, bei der das Ursprungsbild oft nicht mehr erkennbar, dennoch der Mittelpunkt des daraus entstehenden Kunstwerkes ist. Kennzeichnend für seine Arbeiten sind die oft bestechenden Farben sowie ungewöhnliche Farbschemen.

„Im Mittelpunkt meiner Kunstwerke stehen die Menschen und ihre sozialen oder gesellschaftlichen Beziehungen sowie Themen aus Wissenschaft, Technik, Literatur und Philosophie. Kunst hat für mich neben der rein ästhetischen Funktion einen dahinterstehenden Auftrag der Menschen- und Geistesbildung.

Das Spiel mit Farben und Formen, meine Liebe zur Abstraktion, lassen die Grenzen zwischen Fotografie und Malerei oft verwischen.“ Dieter Hanf stellt seit 2018 international aus und wird durch Galerien in Berlin, Wien, London, Laguna Beach, CA und Edmonton vertreten.

Erwartungshorizont

Jede Frau ist potentiell eine Madonna im klassischen Sinne, denn jede Frau, die gebärfähig ist, kann einen Sohn oder eine Tochter Gottes zur Welt bringen. Folgt man dem christlichen Schöpfungsmythos, sind philosophisch gesehen alle Kinder, ungeachtet des Geschlechts Kinder Gottes. Jesus wurde nach dem Neuen Testament ohne einen sexuellen Akt durch den Heiligen Geist gezeugt.

Falls dies denn überhaupt möglich sein könnte, ist eine Wiederholung nicht ausgeschlossen. Die Madonnendarstellungen der Vergangenheit folgten den zeitgenössischen Strömungen und dem katholischen Weltbild. Dargestellt wurden häufig wohlhabende Frauen, die es sich leisten konnten sich so portraitieren zu lassen. Die Darstellungen gerieten immer wieder zu üppigen Szenen, die mit der Lebenswelt der Maria sicher nichts gemein hatten.

Madonnen von heute…

Stan Bert Singer und Dieter Hanf zeigen Madonnen von heute. Junge selbstbewusste Frauen, die selbstbestimmt und klar ihre eigenen Lebensentscheidungen treffen, die sich nicht mehr dem Patriarchat unterordnen und ihren Körper und damit ihre Weiblichkeit in jeder Hinsicht und frei von christlichen Moralvorstellungen genießen.

Maria, die ihr Kind als Obdachlose, Geflüchtete in einem Stall zur Welt bringen musste, wird in die heutigen Lebensumstände gerückt, sodass beim Betrachter andere Assoziationen geweckt werden. In einer veränderten Welt sind die Modernen Madonnen eingebunden in einen anderen Kontext, auch wenn die Darstellungsformen in einer Tradition erkennbar bleiben. Die Transformation der Madonna in das 21 Jahrhundert gelingt über teils sehr subtile Änderungen der Blicke und Gesten, teils deutlich abweichende räumliche Zuordnungen oder durch eine provozierende Wahl der Modelle.

Kontrastierend zu den üblicherweise verwendeten Medien und Malmitteln im Stil der alten Meister, deren sich Stan Bert Singer bedient, benutzt Dieter Hanf digitale Fotografie sowie die Mittel der digitalen Bildbearbeitung als auch zeitgenössischer Produktionsformen. So stehen sich Darstellungsformen in hochwertigster Ölmalerei, großformatige Fotografien und digital bearbeiteter Kunstwerke gegenüber. Darüber hinaus erwarten Sie zuvor noch nicht gezeigte Darstellungsformen im Großformat.

Umfang der Ausstellungsexponate:

8 Ölgemälde 60cm x 80cm
8 Fotografien 100cmx 75cm oder 140cm x 105cm
4 Mix Media Displays in unterschiedlichen Formaten
Dokumentation als Bildschirmpräsentation

Weitere Informationen

Titelbild: „Venus on fire“ Dieter Hanf 140,0 x 105,0 cm/ Ultra High Definition Print behind Acryllic Glass

Nächste Woche steht ein Fotoshooting zu dem Thema Moderne Madonnen mit Leila Akinyi an, wer nichts verpassen möchte; sollte den Instagram-Kanal von Dieter Hanf im Auge behalten.

Weitere Informationen über die Galerie 1503: https://www.gallery1503.com/

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In der Vergangenheit faszinierten uns schon immer große Kunstwerke mit großen oder berührenden Geschichten. Kein April Scherz! – Vom teuersten Gemälde der Welt fehlt derzeit jede Spur. Anscheinend ist Salvator Mundi verschwunden. Am 15. November 2017 wurde das Jesus Porträt für rund 400 Millionen Euro in New York versteigert. Der Louvre Ableger in Abu Dhabi kündigte rund drei Wochen später  an, das Gemälde aus dem 15. Jahrhundert in der Zukunft auszustellen. Doc für September 2018 geplante Ausstellung sagte man ab – „Salvator Mundi“ ist unauffindbar! Salvator Mundi ist mit den Maßen von 65,6 x 45,4 Zentimetern ein relativ kleines Gemälde – trotzdem ist es verwunderlich das weder der Louvre in Paris noch der Ableger in Abu Dhabi keine Informationen haben.

Vermutlich handelt es sich bei dem Anonymen Käufer um Prinz Bader bin Abdullah bin Mohammed bin Farhan al-Saud aus Saudi-Arabien, dieser ist ein Vertrauter von Kronprinz Mohammed bin Salman – schließlich gab das saudische Kultusministerium an, das Jesus-Porträt erworben zu haben.

Solange die Recherche Arbeiten laufen kann man nur spekulieren, hängt das Jesus-Porträt in den Privatgemächern des saudischen Prinzen? Wurde es unbemerkt gestohlten? Zerstört oder der Transport DHL überlassen?….Wir sind uns sicher das es wieder auftauchen wird!…Das Kunstwerke wir durch die Aktion nicht grade uninteressanter!

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Auf der Made in Hamburg Messe wurden wir auf eine kleine Buchserie aufmerksam und diese wollen wir euch nicht vorenthalten. Zur Zeit gibt es in der Serie 5 Ausgaben und Serie wird fortgesetzt. Mit den Kunst-Quickies erhalten wir seltsame Marotten, Manieren und Machenschaften der großen Künstler und Filmregisseure. Diese kleinen Heftchen bringen so Licht in die Keller und Katakomben der Kunst- und Filmgeschichte. So widmet sich der erste Teil Dali und Frida Kahlo. Salvador Dali kreierte ein Parfum aus Mist und Frida Kahlo besaß einen alkoholkranken Papagei und in der 5. Ausgabe erfahren wir das Leonardo da Vinci Hofnarr beim französischen König war.

„Pixi-Bücher für Erwachsene“, sagte einst die Financial Times Deutschland. Wir sagen, die liebevoll gestalteten booklits sind eine lesenswerte Alternative um kleinere Wartezeiten im Leben zu überbrücken.

Weitere Informationen gibt es hier: https://www.literatur-quickie.org/lesemittelhandel/kunst-quickie/

Titelbild: Foto – ©E.P.DEMIE

Die Mona Lisa ist wohl das bekannteste Gemälde der Welt, doch jetzt liegt der Focus eines ganzen Landes und vielleicht sogar der ganzen Welt auf der „Schwester der Mona Lisa“

Die Dame mit dem Hermelin

Das Gemälde „Die Dame mit dem Hermelin“ von Leonardo da Vinci hat eine Geschichte und Vergangenheit die ihrer „Schwester“, der Mona Lisa, eigentlich in nichts nachsteht. Die Dame mit dem Hermelin wurde 1489/90 im Auftrag des Herzogs von Mailand angefertigt. Technische Untersuchungen stellten heraus das „die Dame“ in 3 Phasen gemalt wurde. Generell wurde sich der Erforschung des Gemäldes erst Anfang der 2000 gewidmet.

Die Geschichte

„Das Gemälde wurde 1800 vom Fürsten Adam Jerzy Czartoryski erworben und seiner Mutter Izabela Czartoryska geschenkt. Es wurde im „Gotischen Häuschen“ in der Czartoryski-Residenz in Puławy ausgestellt. Während des Novemberaufstands 1831 wurde es nach Paris gebracht. Um 1880 erwarb es das Czartoryski-Museum in Krakau. 1939, unmittelbar nach der Eroberung Polens, wurde es von den deutschen Behörden beschlagnahmt und ins Bodemuseum in Berlin gebracht. 1940 verlangte der Generalgouverneur Hans Frank die Rückführung nach Krakau, wo es als Wandschmuck in seiner Residenz im Wawel-Schloss diente. Bei der Flucht wurde es 1944 nach Deutschland mitgenommen. Nach dem Weltkrieg fanden amerikanische Truppen das geraubte Bild in Franks Landhaus in Bayern und brachten es zurück nach Krakau.“
Quelle: https://de.wikipedia.org/wiki/Dame_mit_dem_Hermelin

Ende des Jahres 2016 kaufte der polnische Staat die bedeutende Czartoryski-Kunstsammlung unseren Informationen nach für die „Schnäppchen-Summe“ von 100 Millionen Euro. Alleine „die Dame“ ist ein vielfaches Wert.Die gesamte Czartorski-Sammlung mit Werken von Rembrandt, Renoir und Dürer wird auf 2 Milliarden Euro taxiert.

Das Czartoryski Museum

Das Czartoryski Museum wird derzeit umgebaut. Aus diesem Grund ist die Dame mit dem Hermelin zur Zeit in der Haupthalle des Krakauer Nationalmuseums zu sehen. 2019 soll das Gemälde umziehen, am 500 Todestag von Leonardo da Vinci.  Dies wird dann wohl vorerst die letzte Reise von „der Dame“. So sagt auch eine ehemalige Kunstkritikerin der polnischen Tageszeitung „Gazeta Wyborcza“ das sie sehr Stolz sei das die Dame nicht mehr Reisen müsste, wer sie sehen möchte muss zu ihr kommen – nicht umgekehrt. Man spürt die Bedeutung für Krakau, für Polen und letztendlich für die ganze Welt.

Die Bedeutung der Dame mit dem Hermelin für Polen und die Welt

Polen hat in den letzten Jahren an Ansehen verloren, zum Teil weil der Rest der Welt Nationalsozialistische Bewegungen und Äußerungen von Regierung und Parlamenten wahrnehmen musste und zum anderen Teil spielen Vorurteile und die mit beiden Faktoren eingehenden sinkenden Touristenzahlen eine Rolle. Die Da Vinci Dame kann und wird dabei helfen darauf aufmerksam zu machen, dass Polen schon immer sehr viel Wert auf Kultur und Kunst legte und legt. Die Dame kann für Kraukau und Polen als Botschafterin fungieren so wie ihre „Schwester“ Mona Lisa für den Louvre, für Frankreich. Schließlich ist die Dame mit dem Hermelin älter als die Mona Lisa und obwohl sie etwas kleiner ist, ist sie  dieser Rolle garantiert gewachsen.

Bevorstehender Leonardo Da Vinci Hype?

Es sind große Werbekampagnen in Arbeit und geplant. Anlässlich des 500. Todestag von Leonardo da Vinci´s keine große Überraschungen. Viele Happenings und Veranstaltungen werden sich um dieses historische Ereignis drehen. Das Internet mit diversen Social Media Plattformen trägt ebenso seinen Teil bei. Durch Memes, Hashtags und Fotos steigt die Aufmerksamkeit auf die Werke Leonardo Da Vinci´s  so wie den Künstler selbst garantiert noch einmal an. Den Startschuss hat wohl Krakau selbst gegeben, wo man in der Stadt schaut man erblickt die Dame mit dem Hermelin oder einen Bezug zu ihr. Der Maler Jacek Sroka spielt mit den Mythen die sich um den Hintergrund drehen. Dieser wurde übermalt. Jacek Sroka hat verschiedene Versionen was im Hintergrund zu sehen sein könnte. Einige wohl ernster gemeint als andere. Künstler auf der ganzen Welt nehmen Leonardo da Vinci als Vorbild, greifen auf Techniken von ihm zurück oder interpretieren seine Kunstwerke neu. So gibt es zum Beispiel das Abendmahl in vielen verschiedenen Versionen.

Fazit:

Wir freuen uns auf nächstes Jahr und sind gespannt wie sich das kulturelle Ansehen von Polen und Da Vinci entwicklen werden. Fans und Sammler finden unter folgenden Link mehrere Bücher über Leonardo da Vinci und seine Werke.

Bücher über Leonardo da Vinci

Der Wert von „Salvator Mundi“ wird auf Circa 90 Millionen Euro geschätzt.