Ditha De Rablo sammelte im Laufe ihres bewegten Lebens weitreichende Erfahrungen und meisterte immer wieder schwere Schicksalsschläge. »Kunst hat mir das Leben gerettet, davon bin ich felsenfest überzeugt. Ich glaube, ich wäre ohne sie heute gar nicht mehr hier und dafür werde ich ihr ewig dankbar sein« sagt sie. Für Ditha waren diese frühen Jahre von widersprüchlichen Gefühlen geprägt. Zwischen emotionaler Nähe, Distanz, Aversion und Begeisterung verlor sie dennoch nie ihre Kreativität; sie konnte immer darauf zugreifen – bis zum heutigen Tag gab ihr das jederzeit Halt in ihrem Leben.

1991 stieg sie in die Modebranche ein, später bildete sie sich zur Kunsttherapeutin fort und machte mehrere Fortbildungen im Bereich angewandte Psychologie und Persönlichkeitsentwicklung. 2014 beschloss sie, ihrem Leben eine neue Richtung zu geben.

Ditha De Rablo gewann mehrere Preise in Rom, Montecosaro, Venedig, New York oder im MEAM Museum in Barcelona. Sie durfte ebenfalls am Leipziger Museum bei der Yoko Ono »PEACE is POWER«-Ausstellung teilnehmen. Ihre Gemälde sind weltweit in den wichtigen Kunstmetropolen zu finden.

In Kürze sind 2 ihrer begehrten Werke über das Wiener Auktionshaus der Gallery1503 erhältlich! 

Ditha De Rablo im Interview

Wie erklärst du persönlich den Begriff „Gagaismus“ und wie spiegelt sich dieser in deinen Kunstwerken wider?

Für mich bedeutet „Gagaismus“, eine kreative Bewegung, die die Grenzen des Konventionellen herausfordert und die Individualität sowie Ausdruckskraft feiert. In meinen Kunstwerken spiegelt sich dies durch die Verwendung von kräftigen Farben und Formen wider, um emotionale Tiefe und persönliche Erfahrungen zum Ausdruck zu bringen. Inspiriert mich dazu, meine Kunst aus einer authentischen und oft unkonventionellen Perspektive zu schaffen, die den Betrachter dazu ermutigt, über die Oberfläche hinauszublicken und eine tiefere Verbindung herzustellen. Für mich bedeutet Anderssein einfach, sich selbst zu sein. Bunt und laut zu sein.

Was inspiriert dich, Kunst zu schaffen, die laut ist, gegen den Strom schwimmt und als schräg betrachtet wird?

Mich inspiriert die Möglichkeit, Emotionen, Gedanken und Perspektiven auf eine kraftvolle und andere Weise auszudrücken. Die schräg ist und gegen den Strom schwimmt, hat die Kraft, Menschen zu provozieren, zum Nachdenken anzuregen und neue Sichtweisen zu eröffnen. Diese Art von Kunst ermöglicht , mich auszudrücken, ohne mich den Erwartungen oder Normen anzupassen, und ermutigt andere, ihre eigene Individualität zu feiern. Es ist die Herausforderung, Konventionen zu brechen und Grenzen zu überschreiten, die mich antreibt, Kunst zu schaffen, die als schräg betrachtet wird. Ich bin schon als Kind anders betrachtet worden. Immer schräg angesehen in meiner Umgebung. Das ist ein Teil von mir. Vielleicht bin ich eine Rebellin, aber ich habe immer mein eigenes Ding durchgesetzt.

Wie reagiert das Publikum typischerweise auf deine Kunst, und wie gehst du mit unterschiedlichen Reaktionen um?

Einige mögen meine Arbeit möglicherweise sehr, während andere sie weniger ansprechend finden. Ich konzentriere mich hauptsächlich auf die Menschen, die sie mögen. Für diejenigen, die sie nicht mögen, ist das auch in Ordnung. Es ist mir schon ein paar Mal passiert, dass Menschen auf den ersten Blick skeptisch waren, aber nachdem sie die Geschichte hinter dem Werk verstanden haben, wurden sie berührt und haben sogar das Bild gekauft. Ich denke, es ist auch wichtig, Kunst erklären zu können, denn das verleiht ihr eine andere Bedeutung. Und wenn jemand überhaupt nicht mag, ist das auch in Ordnung. Ich mag auch nicht alles und alle .

Um mit unterschiedlichen Reaktionen umzugehen, ist es wichtig, offen für Feedback zu sein und daraus zu lernen. Ich betrachte sowohl positive als auch negative Rückmeldungen als Möglichkeiten, meine Fähigkeiten zu verbessern und meine Kunst zu verfeinern. Letztendlich ist die Vielfalt der Reaktionen ein integraler Bestandteil des kreativen Prozesses und kann dazu beitragen, meine Arbeit weiterzuentwickeln.

Wie wichtig ist Dir der Dialog mit anderen Künstlerinnen und Künstlern oder dem Publikum?

Der Dialog mit anderen Künstlern ermöglicht mir, verschiedene Perspektiven zu verstehen, neue Ideen zu sammeln und mich kreativ weiterzuentwickeln. Ebenso ist das Feedback und die Reaktionen des Publikums essenziell, um zu verstehen, wie meine Kunst aufgenommen wird und welche Wirkung sie hat.

Siehst du dich selbst als Teil einer größeren Kunstbewegung oder als Einzelgängerin in der Kunstszene?

Ja, ich hoffe, dass ich etwas dazu beitragen kann. Ich habe jetzt ein Projekt in Augsburg „Augsburg braucht mehr Farben“. Dabei ich möchte auch gerne mit anderen Künstlern zusammen arbeiten . Wir leben in einer Zeit, in der jeder versucht, auf seine eigene authentische Weise zu sein, ohne in ein Schema zu passen. Es geht darum, „bunt* und andersartig zu sein. In den letzten Jahren hat sich bereits viel getan, es gibt mehr Akzeptanz.

Du hast bereits in Rom, Montecosaro, Venedig, New York und Barcelona ausgestellt. Warst auch auf der PEACE Ausstellung von YOKO ONO vertreten. Gibt es ein Projekt oder eine Ausstellung, die dir in deiner Karriere besonders in Erinnerung geblieben ist?

Ja, es gibt ein Projekt mit 999 Zeichnungen, das ich durchgezogen habe. Darauf bin ich stolz. Während des Corona-Lockdowns habe ich mich mit meinen Ängsten auseinandergesetzt, und dabei sind 999 Zeichnungen entstanden.

 

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Wie sieht dein kreativer Prozess aus? Hast Du bestimmte Rituale oder Gewohnheiten, die dich beim Schaffen neuer Kunstwerke begleiten?

Bei mir entfaltet sich die Magie oft in den ruhigen Momenten unter der Dusche oder beim Entspannen in der Badewanne. Ich gehe auch gerne spazieren, dort finde ich auch Inspiration.

Wie beeinflusst deine Herkunft deine Kunst und deine Weltanschauung?

Es hat nicht beeinflusst, dass ich in Rumänien geboren wurde, aber das Aufwachsen in einer Sekte hat mein Kunst stark beeinflusst. Ich habe viele Jahre nach meiner Identität gesucht und Dinge verarbeitet.

Und wie weit fließen Deine Erfahrungen als ausgebildete Kunsttherapeutin und deine Fortbildungen in Psychologie und Persönlichkeitsentwicklung in deine Kunstwerke ein?

Beeinflusst meine Kunstwerke auf vielfältige Weise. Sie ermöglichen es mir, tiefer in die emotionale Dimension meiner Kunst einzutauchen und sie als Mittel zur Selbstreflexion und Selbstausdruck zu nutzen. Natürlich, wenn man tiefe Themen malt, kommen tiefe Emotionen hoch. Psychologische Erkenntnisse haben mir geholfen, diese Emotionen anzuschauen und mich von vielen Dingen loszulassen.

Welche Herausforderungen hast du auf deinem Weg als Künstlerin erlebt, und wie hast du diese gemeistert?

Natürlich habe ich viele Herausforderungen erlebt, von Ablehnungen von Galerien bis hin zu finanziellen Schwierigkeiten, besonders während der Corona-Zeit. Es war wirklich schwer, aber ich habe mich intensiv mit Marketing und Verkauf, sowie mit den sozialen Medien auseinandergesetzt.

Wie bleibst du motiviert und inspiriert, auch wenn es schwierig wird?

Ich habe gelernt, sehr diszipliniert und fokussiert zu sein. Als Künstlerin neigt man dazu, verträumt zu sein, aber ich habe gelernt, Dinge zu Ende zu bringen. Die Inspiration ist reichlich vorhanden, und ich glaube, ich bräuchte mindestens drei Leben, um alles malen zu können, was mir im Kopf herumschwirrt.

Wie stellst du dir die Zukunft Deiner Kunst vor, und gibt es spezifische Ziele oder Träume, die du noch verwirklichen möchtest?

Eines meiner wichtigsten Ziele ist es, meine Kunst auf einer größeren Bühne zu präsentieren und mehr Menschen zu erreichen.

Ich glaube fest daran, dass Kunst ein lebendiger Prozess ist und dass es wichtig ist, sich ständig weiterzuentwickeln und zu wachsen. Ich möchte meine Fähigkeiten als Künstlerin kontinuierlich verbessern und mich dabei von verschiedenen Quellen inspirieren lassen, sei es von anderen Künstlern, der Natur oder meinen eigenen Erfahrungen und Emotionen.

Ein großer Traum von mir ist es auch, Menschen durch meine Kunst zu inspirieren und zu berühren. Ich möchte, dass meine Werke nicht nur ästhetisch ansprechend sind, sondern auch eine tiefere Bedeutung und Botschaft vermitteln. Ob es darum geht, gesellschaftliche Themen anzusprechen, Emotionen auszudrücken oder Erfahrungen zu teilen – ich hoffe, dass meine Kunst die Herzen der Betrachter berührt und sie zum Nachdenken anregt.

Insgesamt sehe ich die Zukunft meiner Kunst als eine aufregende Reise voller Möglichkeiten und Herausforderungen. Ich bin bereit, mich den Herausforderungen zu stellen und meine Träume zu verwirklichen, und freue mich darauf, zu sehen, wohin mich diese Reise führen wird.

Welche Botschaft möchtest Du mit Deinen Kunstwerken vermitteln, besonders im Hinblick auf die Selbstakzeptanz?

Mein Botschaft ist, dass jeder Mensch einzigartig ist und dass Selbstliebe und Selbstakzeptanz essentiell sind, um ein erfülltes Leben zu führen. Sei schräg, sei Gaga, sei anders.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Die Frage nach den Grenzen der Kunst ist eine komplexe und kontroverse Angelegenheit, die oft zu hitzigen Diskussionen führt. Auf der einen Seite steht die Vorstellung, dass Kunst frei sein sollte, jegliche Tabus zu brechen und sogar zu provozieren. Auf der anderen Seite gibt es jedoch die Ansicht, dass Kunst eine Verantwortung gegenüber der Gesellschaft hat und bestimmte Grenzen nicht überschreiten sollte.

Für mich persönlich gibt es definitiv Grenzen, die in der Kunst respektiert werden sollten. Während Kunst dazu da ist, Grenzen zu überschreiten und auch provokativ zu sein, glaube ich fest daran, dass sie nicht dazu dienen sollte, Gewalt zu fördern oder Menschen zu schaden. Kunst sollte eine Botschaft haben, sei es politisch, sozial oder persönlich, und diese Botschaft sollte auf konstruktive Weise vermittelt werden, ohne jemanden zu verletzen. .

Ein Thema, bei dem ich persönlich klare Grenzen ziehe, ist der Missbrauch, insbesondere der Missbrauch von Kindern. Kindermissbrauch ist ein absolutes Tabu und ein No-Go in meiner Kunst. Es ist wichtig, dass Künstler sensibel mit solchen Themen umgehen und sie nicht sensationalisieren oder verharmlosen. Wenn ich über solche Themen spreche würde oder sie in meiner Kunst behandeln würde , wird es immer mit dem Ziel, Bewusstsein zu schaffen, Opfern eine Stimme zu geben und zu einer positiven Veränderung beizutragen.

Insgesamt glaube ich, dass Kunst eine immense Kraft hat, die Welt zu verändern und uns zum Nachdenken anzuregen. Aber mit dieser Kraft kommt auch eine Verantwortung, verantwortungsbewusst zu handeln und ethische Grenzen einzuhalten. Denn letztendlich sollte Kunst nicht nur schön sein, sondern auch eine positive Wirkung auf die Welt haben und Menschen zusammenbringen.

Gibt es etwas, was du auf dem Kunstmarkt gerne ändern würdest?

Ja, ich würde es bevorzugen, mehr Künstler zu fördern und Kunstgemeinschaften mehr Veranstaltungen organisieren zu sehen, anstatt in Waffen zu investieren und Kriege zu führen. Außerdem würde ich gerne dazu ermutigen, Kunstwerke von jungen Künstlern zu kaufen.*

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – wie die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

In einer Zeit, in der die Herausforderungen unserer Welt immer drängender werden, ist es von entscheidender Bedeutung, dass wir uns bewusst werden, dass die Erde unser Zuhause ist und es unsere gemeinsame Verantwortung ist, sie zu schützen und zu bewahren. Anstatt die Welt zu zerstören, sollten wir sie schöner und lebenswerter machen.

Unsere Fähigkeit zur Kreativität und Individualität ist ein unschätzbares Geschenk, das uns gegeben wurde. Sie ermöglicht es uns, einzigartige Lösungen für komplexe Probleme zu finden und eine Welt zu gestalten, die von Vielfalt und Innovation geprägt ist. Indem wir unsere kreativen Kräfte vereinen und unsere individuellen Talente entfalten, können wir eine Welt schaffen, die reich an Schönheit, Inspiration und Möglichkeiten ist.

Es liegt an uns allen, unsere Kreativität und Individualität zu nutzen, um die Welt um uns herum zu gestalten und zu verändern. Indem wir unsere Ideen, Träume und Visionen miteinander teilen und gemeinsam daran arbeiten, können wir eine Zukunft schaffen, die für alle Menschen und für kommende Generationen lebenswert ist.

Lasst uns gemeinsam für eine Welt eintreten, die von Liebe, Respekt und Nachhaltigkeit geprägt ist. Lasst uns gemeinsam daran arbeiten, die Schönheit unserer Erde zu bewahren und zu schützen. Denn am Ende des Tages ist es unsere gemeinsame Heimat, die es zu schützen und zu bewahren gilt.

Ein schönes Schlusswort – danke dir für deine Zeit und Mühe!

Gagaismus trifft Expressionismus und Surrealismus,

Die (Stil-)Richtung von der Künstlerin Ditha De Rablo vermischt Gagaismus mit einem Hauch von Expressionismus und Surrealismus, welcher sich in all ihren Bildern widerspiegelt. Gagaismus ist eine Philosophie, ein Lebensstil, eine Lebensweise, gar eine Religion. Es geht darum, uns so zu akzeptieren, wie wir wirklich sind – uns nicht darum zu kümmern, was andere Leute denken. Es geht darum, an sich selbst zu glauben. Dinge geschehen, weil wir sie geschehen lassen. Gagaismus ist eine eigene Stilrichtung. Sie leitet sich vom Wort „Gaga“ (schräg) ab und ist entstanden durch eine Kunstbewegung, die im Jahre 1916 begründet wurde. Man findet sie auch vermehrt in der Musikszene. Ein bekanntes Beispiel hierfür ist „Lady GaGa“.

Ditha De Rablo Auktion in Wien

Bei der kommenden  Auktion der Gallery1503 in Wien bist du mit 2 arbeiten vertreten, was kannst du über die Arbeiten erzählen?

Ein Bild trägt den Titel Extravaganza des Überlebens und misst 60*80 cm Acryl auf Leinwand.

Das Gemälde zeigt Maria Antoinette nach einer langen Party, entspannt auf dem Chaiselongue, halb nackt, mit prächtiger Perücke und Ballmaske. Ihr rechtes Auge ist geschlossen, während das linke wachsam bleibt, vielleicht in einer Ahnung der Gefahr. Sie wartet auf ihr Kammermädchen, fühlt sich jedoch heimlich von unsichtbaren Wärtern beobachtet, was ihr Bauchgefühl anspricht.

Die Geschichte, die das Gemälde erzählt, offenbart eine Ambivalenz. Maria Antoinette scheint die Gefahr zu ahnen, aber vielleicht verdrängt sie es, während sie in ihrem goldenen Käfig lebt. Das prächtige Schlafzimmer im Hintergrund verweist auf ihren luxuriösen, aber begrenzten Lebensraum. Die extravagante Umgebung ihres lila Schlafzimmers ist mit Torten geschmückt, ein Symbol für den Überfluss, der ihr Leben umgibt. Doch der Kontrast zu der Welt draußen, wo hungriges und wütendes Volk lebt, wird deutlich.

Ihre Geschichte erzählt von einer Frau, die möglicherweise in die falsche Zeit geboren wurde, sich ihrer Verantwortung nicht vollständig bewusst war und zwischen kindlichem Verlangen nach Überfluss und der Schwere ihrer Position gefangen war. Ihr ewiges trotziges Kindsein mag eine Flucht vor der Realität sein. Die Belehrung könnte darin liegen, dass man sich den Herausforderungen bewusst stellen muss, auch wenn man in einem goldenen Käfig lebt. Oder es mag uns daran erinnern, dass das Leben trotz Widrigkeiten weitergeht und dass die Vergänglichkeit eine Lehre für die Leichtigkeit des Lebens ist.

Das zweite Werk findet sich im kommenden Katalog des Auktionshauses der Gallery1503.

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: https://www.rablo.space/about

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Noel Dederichs ist 18 Jahre jung und unterhält monatlich Millionen von Menschen in den sozialen Medien mit kleinen oder auch größeren Videoprojekten. Dabei wurde er im letzten Jahr, 2023 zum „Breakout Creator 2023“ auf YouTube ernannt. Damit zählt Dederichs zu den erfolgreichsten Aufsteigern in der YouTube-Welt neben Formaten wie unter anderem 7 vs. Wild. Der Einser-Schüler aus Nordrhein-Westfalen hat damit ein sensationelles Jahr hingelegt und lässt auch seine Projekte und die Kreativität dahinter in der Zukunft immer mehr wachsen.

Hypeneedz ist die Anlaufstelle für limitierte Schuhe, Kleidung und Accessoires. Wer in den letzten Tagen in der Sendlingerstrasse 26a · 80331 München, den Hypeneedz Store betreten hat, konnte dort auch Schuhe entdecken, die von Noel Dederichs designt wurden und im Anschluss an die Mini-Ausstellung für einen guten Zweck zum Kauf angeboten werden. Der Preis für die Crocs wurde mit 166,66€ angegeben, wobei der Käufer entscheiden kann, wohin die Spende fließen soll.

Doch wer ist überhaupt der Begründer der #PNSLGANG?

#PNSLGANG – Noel Dederichs

Vor einigen Wochen sind wir auf ein Video von Noel Dederichs aufmerksam geworden, bei dem er sich in einem kurzen Clip humorvoll mit der Frage auseinandersetzt, was Kunst eigentlich ausmacht und wie er Künstler wird. Oft tauchen Künstler auf und verschwinden nach nur ein, zwei kleinen Spaßprojekten wieder – das kann für „echte Sammler“ und Kunstfreunde oft abschreckend wirken, da es den Eindruck erwecken könnte, die Kunstwelt wäre ein Spielplatz ohne Regeln. Das stimmt natürlich nicht, aber genau deshalb schenken viele Plattformen auch neuen Künstler weniger bis keine Aufmerksamkeit, da es sich um Eintagsfliegen handeln könnte. Es ist sicherer für die eigene Reputation, darüber zu schreiben was bereits funktioniert – als etwas neuem eine Bühne zu geben. Dabei ist es immer spannend, zu sehen wie junge Menschen überhaupt zur Kunst finden und ist in unseren Augen auch ein Vorteil für die gesamte Branche, wenn jemand kommt und ungezwungen an eine Projektidee rangeht – einfach aus Spaß.

Dabei ist die Kritik von etablierten und gelernten aus der Szene oft größer, wenn Menschen mit einer medialen Reichweite plötzlich anfangen Kunst zu machen. Denn natürlich haben diese es „immer viel einfacher“. Aber, sich eine große Reichweite aufzubauen und Content zur Unterhaltung zu entwickeln, ist auch eine Form von Kunst und vor allem Kreativität. Noel Dederichs hat also durchaus eine Daseinsberechtigung, sowieso hat er grade sein zweites Kunstprojekt im Hypeneedz München beendet – er scheint es also ernst zu meinen.

 

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Noel Dederichs – Warum Kunst?

Seit dem Sommer 2023 bin ich durch ein Videoprojekt in die Kunst Nische gerutscht. Zuerst noch durch einen Spaß, bei welchem ich einen roten Punkt auf eine Leinwand gesprayt habe. Im Endeffekt konnte ich dieses Bild für einen 4-stelligen Betrag verkaufen und das Geld spenden. 

Im Februar 2024 stand jetzt mein zweites Kunstwerk, neu designte Crocs Schuhe im Hypeeneedz Store München aus. Jetzt strebe ich an, meine künstlerischen Flügel weiter zu spannen und einen ernsteren und viel erwachsenen Blick darauf zu werfen.

Dabei denke ich, dass meine bisherige Reichweite in den sozialen Medien helfen wird, schneller an Einfluss zu gewinnen und vor allem jungen Menschen zu zeigen, wie wichtig künstlerische Freiheit ist und die eigene Kreativität. Ich möchte junge Menschen dazu inspirieren, sich selber in der Kunst zu finden und diese ernster zu nehmen. Es gibt eben nicht nur die langweiligen alten Museen mit Kirchenmalereien, es gibt darüber hinaus viel mehr zu entdecken.

In meiner Auffassung von Kunst sehe ich nicht nur Gemälde, oder Skulpturen. Ich denke, dass auch durch neue Technologien wie NFTs der Raum von Kunst ausgebreitet werden kann. Kunst ist für mich die reinste Form von Freiheit, weil es eben keine Regeln oder Grenzen gibt. Nur sollte Kunst immer aus einem Gedanken und damit einer Geschichte entstehen. Kunstwerke haben in meinen Augen immer eine Geschichte, die erzählt wird.

Mein Ziel: Der Jugend diese Geschichten zu zeigen!

Wir sind gespannt wohin die Reise geht! 

 

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Der Goldschatz wurde 1999 bei Manching entdeckt und gehört zu den größten keltischen Goldfund. Das Aushängeschild des Museums bestand aus 483 Goldmünzen, die rund 2000 Jahre alt sind.

Bayerns Kunstminister Markus Blume (CSU) äußerte sich: „Der Verlust des Kelten-Schatzes ist eine Katastrophe, die Goldmünzen als Zeugnisse unserer Geschichte sind unersetzlich. Wer auch immer diese Tat begangen hat: Jemand hat sich an unserer Geschichte vergangen und unfassbare kriminelle Energie dafür an den Tag gelegt.“

Die Münzen waren im Erdgeschoss des Museums unter einer dicken Glasscheibe ausgestellt. Die Ermittler gehen davon aus, dass es einen Zusammenhang mit einer Sabotage an diversen Glasfaserleitungen gab, die in der Nacht zum Ausfall der Telefon- und Internetverbindungen bei etwa 13.000 Privat- und Firmenkunden rund um Manching geführt hatte.  Durch den Ausfall hat es zudem keinen Alarm bei der Polizei gegeben.

Hinweise an die Polizei

Den genauen Ablauf des Diebstahls, kann die Polizei derzeit aus „ermittlungstaktischen Gründen“ nicht veröffentlichen. Sie bittet allerdings Zeugen sich zu melden oder verdächtige Hinweise weiterzuleiten.

Wem sind in den Nachtstunden im Bereich des Kelten Römer Museum Manching verdächtige Personen aufgefallen

Wer hat im Vorfeld in der näheren Umgebung verdächtige Wahrnehmungen gemacht, die im Zusammenhang mit dem Einbruch stehen könnten?

Wer kann sonst sachdienliche Hinweise zur Tat, den Tätern oder den gestohlenen Goldmünzen geben?

Archäologische Forschung in der Keltenstadt von Manching

Zur Webseite des Museums: www.museum-manching.de

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Mathias Kiss ist ein zeitgenössischer französischer Künstler und fokussiert sich darauf, seine Ideen in avantgardistische Raumkonzepte zu überführen. Zu seinen Hauptwerken gehören die Installation Kiss Room. Das Sofa Igloo, der für den Juwelier Boucheron geschaffene Radiant Room oder die monumentale Installation Golden Snake. Der anerkannte Künstler der zeitgenössischen Pariser Szene setzt für die Ausstellung des DS 3 E-Tense auf Techniken wie Blattgold und Kunstmarmor.

Kiss dekonstruiert klassische Wohn- und Ausstattungscodes und übersetzt die Autokomponenten in zeitgenössische Werke vor Ort. Es entsteht ein Dialog zwischen der Welt des Autos und seiner eigenen Kultur in Bezug auf Inneneinrichtung. Dies erklärt auch die Entscheidung des Künstlers, die Ausstellung an einem historischen Ort mit klassischem französischem Stil zu realisieren. Dem Hôtel de Coulanges, das heute von einer kulturellen Avantgarde-Szene genutzt wird.

Mit den Augen des Künstlers wird der neue DS 3 E-Tense zum eigenständigen Lebensraum. Inspiriert von der Eleganz der Farbtöne und Schattierungen des neuen DS Modells, der Finesse seines Designs, dem skulpturalen Charakter seiner Form und seiner fortschrittlichen Technologie, kreiert Mathias Kiss eine Reise, die aus Skulpturen und Wohnzimmerarrangements für ein neues Genre steht, das sowohl visuell als auch akustisch erlebbar wird und unsere allgemeine Vorstellung von der Kunst des Wohnens verändern soll.

Mathias Kiss konzentriert sich bei der Inszenierung auf drei Kernelemente:

1. Der goldene Motor

Indem er den elektrischen Motor des neuen DS 3 E-Tense extrahiert im Hof des Hôtel de Coulanges ausstellt, rückt Mathias Kiss eine Komponente des Autos in den Vordergrund, die normalerweise aus unserem Blickfeld fällt, jedoch das „Herz“ und Kernelement darstellt. Das reflektierende Blattgoldornament spiegelt nicht nur die 100%ige elektrische Energie des Motors wider, sondern verleiht ihm auch das Aussehen einer antiken Skulptur. Verstärkt wird diese Anspielung durch die Aufstellung des Werks auf einem mit Blattsilber bedeckten Sockel. Die raffinierten und dekonstruierten architektonischen Formen, die der Handschrift des Künstlers treu bleiben, bringen dennoch eine sehr zeitgenössische Vision vom neuen DS 3 zum Ausdruck, wenn sie auf dieses Medium angewendet werden.

2. Die Leuchten-Skulptur

Im Haupttreppenhaus des Hôtel de Coulanges lässt sich Mathias Kiss von der elektrischen Kraft des Motors inspirieren.Dabei greift er die charakteristische Beleuchtung des neuen DS 3 E-Tense auf. Der Künstler nutzt vor allem das Prinzip der Glühfäden, die sich unter den Frontscheinwerfern des Fahrzeugs befinden und aus Hunderten von LEDs bestehen. Diese werden symbolisch in eine ultraminimalistische LED-Lichtskulptur übersetzt, deren grafische und kantige Form die gerichtete Lichttechnik des neuen DS 3 nachahmt.

3. Der „Listening Room“ samt Sitzskulpturen

Mathias Kiss lässt uns die „Kokon“-Atmosphäre des neuen DS 3 erleben, indem er den Innenraum mit einem „Indoor-Wohnzimmer“ vergleicht, dessen Stil sich zwischen klassischem Erbe und Zukunftsvisionen aufdrängt. Die Vordersitze des neuen DS 3 behalten ihre Sitzfunktion, aber ihre skulpturale Form und ihre hochwertige Verarbeitung (Uhrenarmband-Design, Perlstickerei) regen die Fantasie an. Aus Gips geformt und mit einem vom Künstler handgezeichneten marmorierten Muster überzogen, verwandeln sich die Sitze symbolisch in Marmorskulpturen.

Diese Installation zielt auch darauf ab, uns in die einhüllende akustische Atmosphäre des neuen DS 3 eintauchen zu lassen. Die 12 Lautsprecher der HiFi-Anlage des Fahrzeugs sind daher auf beiden Seiten des Raums verteilt. Eingebettet in dekorative Boxen, die die Wände wie Gemälde schmücken. Um den Hörgenuss noch weiter von jeglicher Lärmbelästigung zu isolieren, sind die Wände mit schalldämpfendem Schaumstoff verkleidet, dessen Hülle aus 3D-Polygonen besteht. Eine subtile Hommage an das Guillochage-Muster „Clous de Paris“, das im Cockpit des neuen DS 3 auf moderne Weise wieder aufgegriffen wurde. Diese Basrelief-Fresken eines neuen Genres werden im Untergeschoss und am Boden durch einen Plüschteppich ergänzt, der die roten Farbtöne des neuen DS 3 aufgreift.

 

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Klangkreation von Komponist Jonathan Fitoussi

Für den „Listening Room“ wurde außerdem der Komponist Jonathan Fitoussi eingeladen. Dieser hat eine maßgeschneiderte Klangkreation geschaffen, die von diesem automobilen Kokon inspiriert ist. Die entstandene „emotionale Symphonie“ wird durch den Effekt der Verdoppelung des Raums mit einer Spiegeldecke verstärkt.

DS Automobiles

DS Automobiles wurde 2015 in Paris gegründet und lässt die Tradition des französischen Premium-Automobils wiederaufleben. Die Marke ist inspiriert vom Pariser Savoir-faire. Sie verkörpert die von der DS aus dem Jahr 1955 geerbten Werte Innovation und Individualität. Nach der Fusion von PSA und FCA 2021 ist DS Automobiles eine der Premiummarken im neu gegründeten Konzern Stellantis.

Alle Neuigkeiten zu DS Automobiles finden Sie auf www.dsautomobiles.de

Weitere Informationen

Titelbild: DS 3 Vernissage Paris 2022 (c)David Zagdoun

Mehr Informationen über den Künstler: https://www.mathiaskiss.com/

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Kartoffelbrei-Attacke auf ein Gemälde von Claude Monet. Unbekannte Substanz auf Jan Vermeers „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“. Chaoten die sich an die „Gewitterlandschaft mit Pyramus und Thisbe“ von Nicolas Poussin, die “ Sixtinische Madonna“ von Raffael oder an ein 66 Millionen Jahre altes Dinosaurierskelett kleben. Solche Meldungen sind scheinbar aktuell täglich in den Nachrichten. Allerdings sorgen diese Sachbeschädigungen in der Gesellschaft nur für Kopfschütteln und finden verständlicherweise wenig bis keine Befürworter.

Wie denn auch?, wenn die eigentlich wichtige Botschaft verloren geht und man mittlerweile froh sein muss, wenn durch die Klebeaktionen immerhin niemand ernsthaft verletzt wurde. Denn wegen solcher „Klima-Demonstrationen“ sind auch Rettungskräfte bereits zu spät an Unfallstellen eingetroffen,  zusätzlich nehmen solche Straftaten, die eh schon überlasteten Justizbehörden in Anspruch. Solche Aktionen schaden also schon lange nicht mehr „nur“ der Kunst- und Kulturbranche.

Was ist die Botschaft?

Ja, die Klimaerwärmung ist nicht von der Hand zu weisen und ja, Nachhaltigkeit ist wichtig! So wichtig, dass Unternehmen, aber auch Privatpersonen sich am besten schon vor vielen Generationen darüber einen Kopf gemacht hätten, denn dann wären wir heute vermutlich überhaupt nicht an diesen Punkt. Aber was ist die Botschaft, wenn man mit Essen um sich wirft oder sich auf den Boden klebt? Wo sind die Lösungsansätze oder konstruktiven Vorschläge, etwas besser zu machen und wirklich nachhaltig zu verändern?

Und vor allem, für wen ist die Botschaft bestimmt? 2020 war China für ca. 31% der weltweiten Kohlenstoffdioxid-Emissionen verantwortlich. Die USA lagen mit ca. 14% auf Platz 2. Es folgten Indien (7%), Russland (4,5%) , Japan (3%) und erst dahinter auf Platz 7. landete Deutschland mit ca. 1,9%. Die größten Umweltverschmutzer werden sich vermutlich herzlich wenig dafür interessieren, wenn sich Karen und Kevin in Deutschland an ein unbezahlbares Kunstwerk kleben.

Außerdem geht jede Botschaft verloren, wenn das eigene Handeln das erzwingt bzw. auslöst, was durch die eigene Botschaft zuvor eigentlich kritisiert wurde. Es wird angedeutet, das der Klimaschutz wichtig und Umweltverschmutzung schlecht ist, aber gleichzeitig wird durch eine solche Aktion dafür gesorgt, das Restauratoren mit hochgiftigen Chemikalien und Reinigern ein Kunstwerk in den ursprünglichen Zustand zurückversetzen müssen.

Museen und Galerien setzen sich dabei oft für wohltätige Zwecke ein oder machen auf schwierige Situationen aufmerksam. Museen vermitteln auch Denkansätze und fördern den Dialog. Ein Gemälde, was eine Landschaft zeigt, ist dabei vermutlich hilfreicher, als das Verschmutzen eines solchen Werkes. Die Reinigung fordert viel Geld, Zeit und Mühe – zusätzlich wird auch der Betriebsablauf gestört und das ist auch das Einzige, woran sich alle Beteiligten oder Geschädigten erinnern werden – nicht an die eigentliche Botschaft.

Dass die FDP nun völlig zu Recht eine Plattform fordert, mit deren Hilfe Schadenersatzansprüche im Zusammenhang mit Klimaprotesten angemeldet werden können ist die Folge und nicht, das die FDP sich mehr für den Umweltschutz einsetzt. Zu denken, positive Veränderungen erzwingen zu können ist naiv und hat langfristig noch nie funktioniert.

Berufspendler einzuschränken oder Museen und Galerien nach bzw. während der Coronapandemie mit zusätzlichen Kosten zu belasten, ist asozial. Zusätzliche fördert dieses Verhalten nicht den Dialog. Der Dialog wäre vielleicht gewesen, den Kontakt zu einer Galerie oder einem Museum zu suchen und gemeinsam eine zeitgenössische Ausstellung auszuarbeiten.

Eine Ausstellung, in der vielleicht Werke alter Meister im Zusammenspiel mit Arbeiten von jungen Künstlern präsentiert werden, um thematisch gemeinsam auf die Wichtigkeit der Natur aufmerksam zu machen… aber für eine solche Zusammenarbeit dürften die betroffenen Ausstellungshäuser nach solchen Aktionen kein offenes Ohr mehr haben. Und auch nicht direkt betroffene Museen/Galerien werden sich abwenden, da diese sich nun eher mit Einlasskontrollen und anderen Sicherheits-Maßnahmen auseinandersetzen müssen, damit es demnächst nicht eines der eigenen Kunstwerke trifft.

Prominente Stimmen in der Gesellschaft werden lauter…

Schauspielerin und Moderatorin Sophia Thomalla überlegte, wie sicherlich viele Personen aus dem öffentlichen Leben, lange sich überhaupt zu dem Thema zu äußern. Teilte ihre Meinung letztendlich doch auf ihrem Instagramkanal.

 

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Carsten Stahl setzt sich seit Jahren für Aufklärungsarbeiten an Schulen im Bereich Mobbing ein. Der Gewaltpräventionsberater setzt sich für Menschen und deren Entwicklung und Bildung ein. Stahl ist in dieser Hinsicht selbst ein Aktivist. Allerdings ohne sich oder andere in Gefahr zu bringen, zu belästigen oder Sachschäden zu hinterlassen. Vielleicht wäre er sogar ein Ansprechpartner für den ein oder anderen „Klimaretter“. Das Verhalten der Klebe-Chaoten lässt ihn aber alles andere als mit deren Aktionen sympathisieren!

 

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Sebastian Czaja, Vorsitzender der Berliner FDP-Fraktion findet mindestens ebenso deutliche Worte.

 

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Christopher Förster ist Abgeordneter für den Bezirk Neukölln. Förster ist zwar nicht in der gleichen Partei wie sein „Kollege“ Czaja,  aber der Ortsvorsitzender der CDU Brit vertritt offensichtlich die gleiche Meinung,

 

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VORSCHLAG

Sollten Sie immer noch mit dem Gedanken spielen, sich auf eine Kreuzung oder an ein Kunstwerk zu kleben, nehmen Sie gerne Kontakt zu uns auf und teilen Sie uns ihre Vorschläge, für eine Nachhaltigere Welt mit, so dass wir diese mit unseren Lesern teilen können, ganz ohne Sachbeschädigung und fahrlässige Körperverletzung bzw. unterlassene Hilfeleistung.

Weitere Informationen

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Jeden Sonntag machen wir in unserer Kategorie „Werk der Woche“ auf besondere Kunstwerke aufmerksam, das können Gemälde, Skulpturen oder auch kunsthandwerkliche Exponate sein. Das letzte Kunstwerk der Woche war für uns der „Powerful Finger“ von Albrecht ModernArt.

Bei Kunstliebhabern war der prägnante Künstler zuvor für seine schwarz-weiß Auftragsarbeiten und Werke bekannt, nun hat sich der kreative Wirkungskreis von Albrecht, durch sein neuestes Epoxidharz-Projekt erweitert. Das wirft auf unserer Seite Fragen auf – Albrecht war so freundlich, sich die Zeit zu nehmen, diese zu beantworten.

Albrecht im Interview

Moin Moin Albrecht, wo bist du grade und wie geht es dir?

Einen wunderschönen Samstag wünsche ich dir Rob! Ich bin momentan in meinen eigenen vier Wänden und mir geht es wirklich gut! Ich kann mich nicht beschweren!

Du hast am 02 April dein neuestes Kunstwerk veröffentlicht. Den „Powerful Finger“ – etwas ganz anderes, als die Schwarz/Weiß Kunst, die man bisher von dir kannte. Wie kam es zu der Idee?

Man muss dazu sagen, dass ich Anfang dieses Jahres etwas Neues rausbringen wollte, was außergewöhnlich sein sollte! Was? Stand noch nicht fest! Die Idee kam mir dann unter der Dusche Ende letzten Jahres! Ich wollte etwas Sensationelles, etwas anderes, am besten ein Werk mit einer Funktionalität!

Ein Schlüsselbrett mit magnetischem Epoxidharz-Finger… für das erste Werk nutztest du deinen eigenen Zeigefinger? – Aber es wäre auch mit dem Finger des Käufers möglich?

Das erste Werk ist mit meinem linken Zeigefinger erstellt worden, dass stimmt!  Und ja, es ist definitiv machbar, jeden beliebigen Finger von den Menschen zu nehmen!

Also bleibt jedes Werk ein Unikat?

Es bleibt nicht nur ein Unikat, sondern wird auch ein für den Kunden, wenn er sein eigenen „Powerful Finger“ anfertigen lässt, sein eigenes personalisiertes Meisterwerk!

Leuchtet der Finger eigentlich im dunkeln?

Wenn man im dunkeln eine Lampe auf den „Powerful Finger“ hält, dann definitiv schon!😉Ansonsten leider nicht!😁

Du wirst dir jetzt aber keine Epoxidharz-Frisur einfallen lassen oder?

Warum nicht, wenn jemand eine haben möchte! Ich bin immer offen für neue Ideen und Herausforderungen!

Spaß beiseite, der Umgang mit den Materialien ist nicht ganz ungefährlich, hast du es dir „beibringen“ lassen oder auf eigene Faust probiert?

Definitiv auf eigene Faust, aber mir viele Ratschläge und Informationen eingeholt. Wie was reagiert und funktioniert! …Oder, was geht, was geht nicht, was ist möglich, welche Materialien sind am besten geeignet! Es sind sehr viele Fragen gewesen, die eine Antwort brauchten! Und ich kann sagen, dass ich noch lang nicht alle Antworten in der Tasche habe für die Zukunft, die ich brauche!

Apropos Faust, ich habe mehr als 2 Schlüssel – wäre es auch möglich, mehr Finger, Fäuste oder stärkere Magneten zu verwenden? Falls ja, in welcher Preisklasse würde man sich vermutlich bewegen?

Definitiv ist es möglich! Das sind z.b. einige Fragen, wo ich die Ergebnisse noch nicht in der Tasche habe, aber was nicht unmachbar ist! Preislich kann ich Zukunftswerke nicht benennen, da sie noch nicht entstanden sind, da mir sämtliche Details der Menge für die Entstehung fehlen! Aber ich kann sagen, dass keiner sein Hab und Gut verkaufen muss, um eines dieser Werke zu kaufen!

ANMERKUNG DER REDAKTION: Als wir das Interview veröffentlichten wollten, präsentierte Albrecht auf seinem Instagram-Kanal bereits eine weitere Version des Powerful Finger.

 

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Wie viele Versuchen waren nötig, bis du am Ende zu frieden warst?

Um es kurz zu fassen! 2,6 Monate, hat es gedauert und etliche Versuche! Ca. 28 Fingerversuche habe ich hier rumliegen, und von dem Untergrund(der Rückwand) ca. 22!

Du hast deine Instagram-Follower, Kunstfreunde und Sammler ganz schön auf die Folter gespannt. Der Teaser und die Inszenierung war meiner Meinung nach schon Kunst für sich, – wie war das Feedback bisher?

Vielen Dank für das Lob und Kompliment erst einmal! Das Feedback war bisher sehr begeisternd. Es wurde der „WOW-Effekt“ bei den Leuten ausgelöst!

Hast du der Schwarz/Weiß-Kunst jetzt den Rücken gekehrt?

Auf gar keinen Fall! Auftragsarbeiten werden immer noch fleißig ausgeführt, und ich liebe das Erstellen meiner Schwarz/Weiß Werke einfach so sehr, dass es bleiben wird!

Planst du noch weitere Experimente neben deinen Schwarz/Weiß-Kunstwerken und nun den Powerful-Finger-Projekt? – oder entsteht sowas bei dir spontan?

Neue Projekte, mit den momentan gleichen Materialien, kommen spontan! Aber komplett neue Ideen, kommen nicht einfach so spontan!

Ich lasse mich gerne überraschen, wir kommen zum Ende…möchtest du noch irgendwas loswerden, was dir auf der Seele liegt?

Wäre schön, wenn Kriege nur auf dem Spielbrett stattfinden würden!

Ein schönes Schlusswort. Danke dir für deine Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

Unser letztes Interview mit dem Künstler: Figurative Masken? Interview mit Albrecht

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Der Powerful Finger auf Etsy: https://www.etsy.com/de/shop/AMA

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Bereits im August vergangenen Jahres wurde das erste Kampagnenvideo von Emirates mit einer Stuntfrau auf der Spitze des höchsten Gebäudes der Welt zum weltweiten Thema in der Presse und in den sozialen Medien.

Dieses Mal steht die mutige Stuntfrau wieder auf der Spitze des Burj Khalifa von Emaar und lädt auf großen Schildern dazu ein, die größte Show der Welt, die Expo 2020 Dubai, zu besuchen. Begleitet wird sie dieses Mal von ihrer „Freundin“, der ikonischen Emirates A380 in Expo-Bemalung, die im Hintergrund ihre Runde dreht. Das Kampagnenvideo zeigt beeindruckende Luftaufnahmen von Dubai und seiner Skyline sowie dem Al Wasl Dom, das Zentrum des Expo 2020 Dubai-Geländes.

„Zur Halbzeit der sechsmonatigen Laufzeit ist die Begeisterung für die Expo 2020 Dubai immer noch sehr groß. Unsere neueste Kampagne unterstreicht spektakulär die Expo-Botschaft und lädt die Menschen ein, die größte Show der Welt zu erleben. Es gibt derzeit keinen anderen Platz auf der Welt, der so viele Attraktionen, so viel Unterhaltung, Musik und Sportangebote, spannende Länder- und Themenpavillions, eine pulsierende kulinarische Szene und vieles mehr an einem einzigen Ort bietet. Dubai und die Weltausstellung sind bereits Top-Attraktionen. Unser Ziel ist es, Reisenden weltweit noch mehr Gründe zu bieten, damit sie sich bei ihrem bevorstehenden Winter- und Frühjahrsurlaub für Emirates und Dubai entscheiden“, sagt Sir Tim Clark, Präsident Emirates Airline.

behind the scenes…

Das Video macht den Eindruck, dass es mühelos gedreht wurde. Doch das gesamte Projekt erforderte genaueste Planung und Ausführung, in die alle Stakeholder des Luftfahrtsystems von Dubai eingebunden wurden. Der Fokus lag vor allem auf der Sicherheit beim Flugmanöver in niedriger Flughöhe. Teil der sorgfältigen Flug-Choreografie war ein Tiefflug eines Airbus A380 in einer Höhe von nur 830 Metern. Die genaue Höhe des Burj Khalifa von Emaar. Die Maschine flog zudem mit einer niedrigen Geschwindigkeit von rund 270 km/h. Die durchschnittliche Fluggeschwindigkeit einer A380 beträgt rund 890 km/h. Die niedrige Geschwindigkeit sicherte, dass das Flugzeug problemlos und kontinuierlich in einem engen Radius um den Burj Khalifa kreisen konnte. Insgesamt drehte die Emirates A380 elf Runden für die passenden Aufnahmen. Das Flugzeug war über eine halbe Meile entfernt von der Stuntfrau.

Die Filmaufnahmen und die Tiefflüge fanden am 13. und 14. Oktober 2021 statt, außerhalb der Hauptverkehrszeiten am Dubai International Airport.

Während der Planung arbeiteten die Piloten und das Team von Emirates Flight Operation, die Fluglotsen, die Hubschrauberpiloten, die Drohnenpiloten, die Filmteams, das Marketingteam von Emirates, das Team von Emaar, die lokalen Behörden sowie die Zivilluftfahrtbehörden von Dubai und der Vereinigten Arabischen Emirate eng zusammen.

Für die erforderlichen Genehmigungen besprachen und prüften sie jedes Detail. Den Aufbau der Flugpläne, die Sicherheitsrisiken, die Einbindung in den Luftverkehr, die überflogenen Gebiete und auch mögliche Wetterbedingungen. Die Piloten unternahmen zahlreiche Trainingsflüge im A380-Flugsimulator, um so sicherzustellen, dass jeder visuelle Referenzpunkt bekannt und getestet war sowie jedes Manöver vor dem eigentlichen Flug geprüft wurde. Die Simulation diente zur Gewährleistung der Sicherheit aller Beteiligten sowie zur Kommunikation zwischen allen Beteiligten während der Rundflüge und der Filmaufnahmen. Darüber hinaus arbeitete das Team eng mit der Flugsicherung von Dubai zusammen, so dass alle Aktivitäten durch eine temporäre Sperrung des Luftraums geschützt waren.

globale Multi-Channel-Kampagne

Die neue globale Multi-Channel-Kampagne wird in zwölf Sprachen und in 19 Ländern im Fernsehen und im Kino ausgestrahlt. Ebenso auf digitalen Plattformen und in sozialen Medien ausgespielt. Die Werbemaßnahme ist Teil eines Engagements von Emirates in Höhe von mehr als 20 Millionen US-Dollar, um die Aufmerksamkeit und die Besucherzahlen für Dubai und für die Expo 2020 Dubai zu steigern.

Seit der Wiedereröffnung von Dubai für Geschäfts- und Urlaubsreisen hat Emirates in 25 Ländern rund 15 große globale und regionale Kampagnen durchgeführt. Startschuss war die Kampagne „Dubai ist offen“. Sie entstand zusammen mit Superstar Chris Hemsworth, um die zahlreichen Möglichkeiten für Besucher auf der Expo 2020 Dubai bereits im Vorfeld zu kommunizieren. Die beiden Kampagnenvideos rund um die Flugbegleiterin auf dem Burj Khalifa sollen Urlauber für Dubai auf der Flucht vor der Kälte begeistern.

Emirates bewirbt die Expo 2020 Dubai zudem weltweit auch im Rahmen einiger taktischer Kampagnen. Dazu gehören unter anderem die kostenfreien Expo-Tageskarten für jedes Flugticket, die Gutschrift von Skywards-Meilen für den einen Aufenthalt in Dubai während Expo, Frühbucherermäßigungen sowie spezielle Angebote für Familien und KMUs.

Die Expo 2020 Dubai bringt während ihrer Laufzeit bis zum 31. März.2022 buchstäblich die Welt zusammen.  Das spektakuläre Event begeistert Besucher unter anderem mit Innovationen, Kultur, Kunst, Musik, Gastronomie, Sport und mehr als 190 Länderpavillions.

Weitere Informationen

Mehr über die Airline: http://www.emirates.de

Weitere Informationen über die Expo 2020: https://www.expo2020dubai.com/

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder und in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Beim letzten Mal berichteten wir über „Glück und Leben“ von der Dortmunder Künstlerin Sabine Oecking. 

Triptychon von Ina Hirtz

Ina Hirtz fertigt Werke aus Muscheln und dabei entstehen echte Kunstwerke. Die hier gezeigte Arbeit ist ein Triptychon mit den Maßen 3x 30cm x 90cm. Es besteht aus von der Künstlerin lackierten großen Turmschnecken und naturbelassen Abalonen (Seeohrenschnecken). Beide Arten stammen von den Philippinen. Da für die mehrteiligen Bilder der Künstlerin generell keine feste Anordnung vorgesehen ist, lassen diese sich nach Gusto und Laune immer wieder anders kombinieren. Die Arbeitszeit liegt bei rund 2 Wochen, vorausgesetzt die Künstlerin arbeitet täglich Stunden daran. Jedes Muschelkunstwerk von Ina Hirtz ist ein Unikat.

Ina Hirtz über ihre Muschelkunst

2009 begann ich, meine ersten Bilder zu fertigen. Auf die Idee bin ich gekommen, beim aufräumen unseres Kellers, wo ich haufenweise gesammelte Muscheln wiederfand. Da ich sie zu schade fand, im Keller verstauben zu lassen, überlegte ich, was ich damit anderes anfangen könnte. Zum damaligen Zeitpunkt hatten mein Mann und ich einen Concept Store, in dem wir auch Wohnaccessoires verkauften. Das brachte mich auf die Idee, Muscheln nicht nur als Füllmaterial für Windlichter zu verwenden, sondern ihre Schönheit und Vielfalt auf Bilder zu zeigen. Also begann ich zu experimentieren! Bis heute klebe ich die Muscheln auf Leinwand, habe aber im Sinn, demnächst mit Holz oder satiniertem Glas zu arbeiten, sowie die Bilder zu rahmen und hinter Glas zu setzen.

Wir finden die Idee sehr ansprechend und sind gespannt wohin die Reise der Künstlerin geht. Wer weitere Arbeiten von Ina Hirtz sehen möchte, kann auf ihrem Instagram-Kanal vorbeischauen, nach Absprache mit der Künstlerin sind auch Auftragsarbeiten möglich.

 

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Wenn es die Möglichkeit gibt, Arbeiten der Künstlerin bei einer Ausstellung in Natura zu erleben, werden wir unsere Leser rechtzeitig darauf aufmerksam machen.

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Es war wohl das heißeste Thema der Kunstwelt 2018. Der britische Street-Art-Künstler Banksy baute einen Schredder in einen Bilderrahmen seines Werkes „Girl with Balloon“ – als das Werk versteigert wurde, zerstörte es sich auf Knopfdruck selbst. Banksy wollte mit seiner Auktion den Kunstmarkt und die teilweise utopischen Preise kritisieren. Das zerstörte Kunstwerk erhielt einen neuen Namen und wurde nun vom ursprünglichen Käufer wieder zur Auktion freigegeben.

„Love is in the Bin“ wurde nun für ca. 18,9 Millionen Euro bei dem Londoner Auktionshaus Sotheby’s versteigert. „Ich kann Ihnen gar nicht sagen, wie viel Angst ich habe, mit dem Hammer zu klopfen“, sagte der Auktionator bei der Versteigerung. Diesmal ist dann nichts passiert, außer eine enorme Gewinnspanne für den Verkäufer, wenn man bedenkt das er 2018 „nur“ ca. 1,2 Millionen Euro für das Werk ausgab. Eine Wertsteigerung von 17,7 Millionen Euro in 3 Jahren – ob das im Interesse des Künstlers, war wagen wir zu bezweifeln.

Der geschätzte Verkaufspreis lag bei 4 bis 6 Millionen Pfund. Die Prognose, dass dieser Wert deutlich übertroffen werden sollte, gaben wir schon im Vorfeld, als wir die Auktion ankündigten.

Artflipping?

Das der ursprüngliche Käufer ein Kunstwerk bereits nach 3 Jahren verkauft, lässt natürlich spekulieren; das es es ihm nie darum ging sich lange an dem Kunstwerk zu erfreuen. Sondern eher darum, das Werk zu einem guten Zeitpunkt zu verkaufen. Kritiker bezeichnen Art Flipper häufig als die Heuschrecken des Kunstmarktes. Einen Interessanten Beitrag dazu finden Sie hier: Art Flipping – die Kunst der Spekulation 

Banksy

Banksy ist vielleicht der bekannteste Street-Art-Künstler der Welt, seine urbanen Werke finden sich in vielen Ländern der Welt. Seine Kunstwerke haben fast immer eine politische Botschaft, ebenso unterstützt der Künstler, der seine Identität geheim hält, häufig soziale Projekte. – Game Changer: Millionen für den guten Zweck

Wenn Sie mehr über den Künstler erfahren wollen, haben wir einen passenden Filmtipp:
„EXIT THROUGH THE GIFT SHOP“ (2010)

Weitere Informationen

Mehr über Banksy finden Sie hier: Banksy: Urheberrecht ist etwas für Loser

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Viele werden sich an die Aktion erinnern: Das Gemälde mit dem ursprünglichen Titel „Girl with Balloon“ von Banksy wurde im Oktober 2018  für fast 1,1 Millionen Pfund verkauft. Als der Hammer fiel, wurde es durch einen im Bilderrahmen versteckten Aktenschredder gezogen.

Der Besitzer behielt es „trotzdem“.  Nun ist das halb zerstörte Werk bekannt unter dem Namen „Love is in the Bin“. Jetzt wird es 3 Jahre später wieder zum Verkauf angeboten. Am gleichen Ort. Sotheby´s kündigt die Auktion für den 14. Oktober an. Der geschätzte Verkaufspreis liegt bei 4 bis 6 Millionen Pfund.

Banksy hat das Werk also mit seiner „Zerstörungsaktion“ deutlich im Wert gesteigert.

Unbekannter Käufer

In einer von Sotheby´s veröffentlichten Erklärung spricht der unbekannte Käufer: „An diesem surrealen Abend vor drei Jahren wurde ich zufällig der – aber sehr privilegierte – Besitzer von ‚Love is in the Bin‘. Es war eine unglaubliche Reise, Teil der Geschichte zu sein, wie eines der berühmtesten Kunstwerke der Welt entstand, aber jetzt ist es an der Zeit, das Gemälde loszulassen.

Artflipping?

Banksy hat mit diesem Werk und der Aktion vor 3 Jahren Geschichte geschrieben. Wir wagen deshalb die Prognose, das der geschätzte Preis weit übertroffen wird. Der Hammer fällt vermutlich erst im zweistelligen Millionenbereich. Das der unbekannte Käufer ein Kunstwerk  bereits nach 3 Jahren verkauft, lässt natürlich spekulieren;  das es es ihm nie darum ging sich lange an dem Kunstwerk zu erfreuen. Sondern eher darum, das Werk zu einem guten Zeitpunkt zu verkaufen. Kritiker bezeichnen Art Flipper häufig als die Heuschrecken des Kunstmarktes. Einen Interessanten Beitrag dazu finden Sie hier: Art Flipping – die Kunst der Spekulation 

Weitere Informationen

Mehr über Banksy finden Sie hier: Banksy: Urheberrecht ist etwas für Loser

Zur Auktion kommen Sie hier: Contemporary Art Evening Auction | Sotheby’s 

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