Die Kolbhalle befindet sich zurzeit im Wandel, denn im Rahmen der städtebaulichen Entwicklung des Stadtteils Ehrenfeld soll die „Baulücke“ an der Helmholtzstraße geschlossen werden. Dem Verein „Wir selbst“ wurde in direkter Nachbarschaft ein kleineres Objekt zum Kauf angeboten. Der Zusammenschluss aus Kreativen ist bereits mitten drin – Bauplanung – Finanzierung. Neben der sicherlich einspannenden Projektplanung finden in den Räumlichkeiten aber weiterhin Veranstaltungen statt. Zurzeit läuft das Urban Art Festival MODUS OPERANDI mit insgesamt 38. Künstler.

 

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Ein Einblick in die Ausstellenden Künstler

ALEXANDER GNIDA

Das Kunstkabinett Moll schreibt über den Künstler: Die Werke von Alexander Gnida verschaffen dem Betrachter einen prononzierten Eindruck auf das klassische Graffiti innerhalb des überschaubaren Raumes eines mittelformatigen Bildträgers. Über mehrere Dekaden hinweg hat der autodidaktische Künstler das Handwerk des Graffiti an der frischen Luft und am witterungsbeständigen Objekt erlernt, für sich immer wieder verbessert und erweitert und sich erst in den letzten Jahren zu einer Bearbeitung des innerhäuslichen Bildträgers aus Holz entschieden, die auf erstaunliche Weise die Lebendigkeit von Graffiti wiederzugeben in der Lage ist.

Alexander Gnida – Künstler | www.kunstkabinett-moll.de

ASAK

Andreas Schmidt Aus Köln – ASAK ist Wahlkölner und bezeichnet seinen Weg, selbst als vom Takt geleitet – er macht einzigartige Schallplattenkunst. Er verarbeitet in echter Handarbeit Vinyl Schallplatten und hat dabei eine weltweit einzigartige Methode entwickelt um dieses sensible Material in neues Licht zu stellen.

Ausgewählte Kunstwerke von ASAK finden Sie auch bei uns im Shop!

 

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CÄSAR. TIF
CHRISTIANO ERNESTO
CHRISTOPH STALLKAMP

DANIEL ZAKHAROV

Im kommerziellen Bereich hat sich Daniel Zakharov  auf die People- / Portraitfotografie und Dokumentationen spezialisiert. In den vergangenen Jahren begleitet er zahlreiche Menschen und Projekte mit seiner Kamera – unter anderem fuhr er im Rahmen der DFB-Ehrenrunde mit dem Fifa WM-Pokal drei Monate quer durch Deutschland und fotografierte dabei an die 200.000 Menschen, dokumentierte die Entstehung unterschiedlichster Projekte wie dem Photobook Museum in Köln, arbeitete für den russischen Pavillon auf der renommierten Kunstbiennale in Venedig und porträtierte zahlreiche Künstler, Musiker und Unternehmer.

Mehr über den Fotokünstler finden Sie hier: Home – Daniel Zakharov

ELISE KAROTTI
FRANK ZAPPEL
FUNKYASFUCK
GIZA ONE
GIZEM GUVENDAG
HANSJUERGENOFFICAL
HERR CHOKO
KAI SEMOR
KING PIN
KOKO LOWRES
KRIPS
LATETE
58 LINES
MARCEL KREUZER
MICHAEL PELTZER
MUGGI MAGOO
RANDOM EXP.
ROBERT OISIN CUSACK
SEVERIN HUMBOLDT
SVEN BORMES
TAMARA BERTRAN
THE KUHL KID
VAKHTANG SIKHARULIDZE
VAST STUDIO
VITALI LUKIN
VOLKER DER GOLDENE REITER
WALLSDONTLIE
W.M. GRIFFIN
YLVIS LINDENBAUM

Wir Selbst e.V.

Der Verein „Wir Selbst e.V.“ wurde 1989 bei Bezug der Räumlichkeiten in der Helmholtzstraße 8-32 gegründet. Seit 33 Jahren betreibt er dort unter dem Namen „Kolbhalle“ einen Kulturbetrieb mit Ausstellungen, Theater, Lesungen, Konzerten und internationalem Künstleraustausch.

Wir Selbst e.V. steht für : Wohnen und Arbeiten unter einem Dach – Kunst als ganzheitliches Lebensmodell * Interkultureller Treffpunkt * Plattform für Ausstellungen, Lesungen, Theater, Musik, Performance etc. * Freiräume zur gesunden Entfaltung – Werkstätten, Proberäume, Ateliers * Skulpturengarten und Stadtnatur * Internationale Kooperationen und Künstleraustausch (Vereinssatzung)
Weitere Infos zum Projekt unter Wir Selbst e.V.

Weitere Informationen

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Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<.

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de.

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Am 18. und 19. Mai 2024 präsentieren sich über 25 Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region mit der ganzen Vielfalt ihrer künstlerischen Arbeiten. Ihr gemeinsamer Nenner: Die Überzeugung, dass es heute nicht mehr ausreicht, nur in eigenen gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Und das Vielfalt bereichert und Spaß macht.

Und das spiegelt sich deutlich im Aufgebot des zweiten Loft of Art WEEKENDs wider: Die 25 KünstlerInnen zeigen ein vielfältiges Portfolio aus Malerei, digitalen Collagen, Fotografie, Illustrationen, Steet-Art, ASCII Art, Upcycling Mode, Schmuckdesign, Wohnkultur und vielem mehr – alles, außer Mainstream. Alles zum Mitnehmen.

Neben einem vielfältigen Aussteller-Mix legen die OrganisatorInnen, selbst KünstlerInnen, großen Wert auf ein kreatives Rahmenprogramm. Im Fokus: Ein buntes musikalisches Line Up von Singer/SongwriterInnen über Indie Rock, Hip Hop, Elektro und Live-Djanes und Djs.

Darüber hinaus sind kreative Side-Events von Schreibmaschinen-Poesie bis Kreativ-Workshops, Teil des WEEKENDs. Und an der Bar gibt es kühle Drinks für die wunderschöne Terrasse der Spieloase.

„Kunst kennt viele Formen. Das Loft of Art WEEKEND ist ein Format, das die Sinne auf vielen Ebenen anspricht und Begegnungen zwischen interdisziplinären Kunstschaffenden und Interessierten in einem unkonventionellen Rahmen und in entspannter Atmosphäre ermöglicht“. – Carolin Herzberg, Mitorganisatorin des Loft of Art WEEKENDs

Loft of Art WEEKEND Eröffnung und Tickets

Das Loft of Art WEEKEND öffnet am Samstag, dem 18.05.2024 um 15:00 Uhr in der Spieloase, Brunnenstrasse 65a in Düsseldorf-Bilk. Live-Musik gibt es ab 15:30 Uhr. Am Sonntag, dem 19.05.2024 sind die Türen dann von 15:00 – 20:00 Uhr inklusive Live-Djs geöffnet.

Der Eintritt ist frei – wer will, kann und darf vor Ort spenden.

Tickets und weitere Infos über das Line Up gibt es hier: https://rausgegangen.de/events/loft-of-art-weekend-0/

Über Loft of Art:

Loft of Art – das sind Carolin Herzberg, Matthias Diebels, Vernice Collet, Lotta Krickel, Gerrit Jansen und Alexandra Lehmberg.

Wir sind Düsseldorfer KünstlerInnen aus Leidenschaft. Ohne Kunsthochschulabschluss. Wir teilen die Überzeugung, dass es mehr denn je darauf ankommt, Horizonte zu erweitern, neue Perspektiven zu entdecken, offen und neugierig zu sein und zu bleiben. Dass es nicht mehr
ausreicht, nur in gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Dafür veranstalten wir regelmäßig unregelmäßig das Loft of Art WEEKEND – je vielfältiger, desto besser. Mit immer neuen KünstlerInnen aus unterschiedlichen Genres. Immer selbstfinanziert und auf Spendenbasis. Alles für die Kunst.

Dabei verstehen wir unser Konzept als Plattform für weniger etablierte und interdisziplinäre Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region. Wir wollen uns miteinander vernetzen, voneinander lernen und gemeinsam wachsen. Als Ausstellungsorte dienen uns wechselnde Düsseldorfer Locations, so durchziehen wir die Stadt und hinterlassen überall unsere Spuren.

 

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Über die Spieloase:

Die „Spieloase in Bilk“ ist ein Kooperationsmodell mit der Stadt Düsseldorf, Amt für Soziales und Jugend und wurde 1985 von Trude Kraus ins Leben gerufen. Seither engagieren sich die MitarbeiterIinnen aus Kindertreff und Verein „Spielen und Leben in Bilk e.V.“ für das Leben im Stadtteil Bilk und bieten für Jung & Alt, Kinder wie Eltern viele tolle, kreative Angebote und Events.

Ein Einblick in die Künstler:

Die MYSTREETARTGALLERY aus Köln, ist gleich mit zwei Künstlern im Rahmen der Veranstaltung präsent. Unser letztes Interview mit dem Gründer Thorsten Landré und mehr über die MYSTREETARTGALLERY finden Sie hier: Kunst in Köln: MYSTREETARTGALLERY – Gründer Thorsten Landré im Interview

Holger Zimmermann

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Andreas Schmidt Aus Köln – ASAK ist Wahlkölner und bezeichnet seinen Weg, selbst als vom Takt geleitet – er macht einzigartige Schallplattenkunst. Er verarbeitet in echter Handarbeit Vinyl Schallplatten und hat dabei eine weltweit einzigartige Methode entwickelt um dieses sensible Material in neues Licht zu stellen.

Werk der Woche #107: SENSENMANN von Andreas Schmidt

Andreas Schmidt – ASAK wurde bei diesem Werk von Kasimir Malewitsch inspiriert . Der SENSENMANN entstand 2019 und misst 140cm * 100cm – das Kunstwerk zählt damit zu den größeren Werken von ASAK. Entstanden ist es, als der Künstler seinen Kindern erklärt hat, was ein „One Liner“ ist.

Die Herstellung dieser SCHALLPLATTENKUNST dauerte ca. 3 Monate, weil ASAK zuerst mit seinen Händen, das Material und die Belastbarkeit erspüren musste, bevor er anfing, das richtige Instrument zur Behandlung des sensiblen Materials auszuwählen. Oft scheitert die Umsetzung einer Idee, am Raum und den Mangel der richtigen Instrumente und da diese sehr kostspielig sind, wollte ASAK erst die haptische Wirkung sehen und spüren und die Arbeit mit den Händen machen – bevor er Tausende Euros in eine Idee oder Hilfsmittel steckt, um eine Idee umzusetzen. Seit der Fertigstellung des Werkes, bis heute – hat sich viel in der Arbeitsweite und Technik des Künstlers geändert.

 

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Dadurch das ASAK alte Schallplatten und Farbe verwendet, ist das Kunstwerk SENSENMANN quasi eine Skulptur – dadurch, dass die Platten jedoch so dünn sind, können die Arbeiten wie klassische Gemälde gerahmt aufgehangen werden.

ASAK ist auch offen für Auftragsarbeiten und Kooperationen, wenn Sie einen besonderen Wunsch oder eine Idee für eine Umsetzung haben, bei den Schallplatten/Vinyl als Ausgangsmaterial verwendet werden sollen, nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

Unser letztes  Interview mit dem Künstler finden Sie hier: ASAK im Interview

ONE LINER

Ein „ONE LINER“ in der Kunst bezieht sich auf eine Arbeit, die mit nur einer einzigen, prägenden Idee auskommt. Es kann sich hierbei um eine humorvolle Bedeutung, eine minimalistische Skulptur oder eine einfache Zeichnung handeln – die eine tiefe Bedeutung oder Wirkung vermitteln. Das Ziel ist es, eine starke Resonanz beim Betrachter zu erzeugen, ohne dabei komplexe oder ausführliche Elemente einzubeziehen.

ASAK FÜR EINEN GUTEN ZWECK

ASAK macht mit seinen Upcycling Kunstwerken nicht nur auf den Natur- und Umweltschutz aufmerksam, sondern setzt sich auch öfter als Sprachrohr für einen guten Zweck ein. Am 2. & 3. März 2024 veranstaltet MEDtiopia eine Charity-Ausstellung & Vernissage in der Kölner Galerie Art of Buna mit After-Art Party. Kuratiert wurde die Ausstellung von RANDOM EXP. Mit ASAK finden sich noch Namen wie ADULTRMX, SAMY DELUXE, NORA COENENBERG, YEYE WELLER und viele mehr im Line Up.

Mehr über die Veranstaltung: MEDtiopia e.V. – Aktionen

Weitere Informationen

Mehr über Andreas Schmidt finden Sie auf seiner Webseite: https://asak.online/

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Andreas Schmidt lebt und arbeitet in Köln, unter dem Akronyme ASAK fertigt er einzigartige und aufwendige Kunstwerke aus alten Schallplatten. Vinyl ist ein schwierig zu verarbeitendes Material und viel Detailreicher, als man als Laie vielleicht auf den ersten Blick vermuten würde. Im Thema Schallplattenkunst ist ASAK ein absoluter Experte. Wie schneidet man zum Beispiel ein Material, was bei Hitze schmilzt und wieder zusammenklebt oder unkontrolliert brechen kann?

Andreas Schmidt macht vermutlich weltweit etwas Einzigartiges und möchte zusätzlich mit seinen Kunstwerken auch auf den Umweltschutz aufmerksam machen. Das Recyclen von Plastik, welches sonst im Müll landen würde, um daraus etwas Schönes zu bauen, ist eine schöne Botschaft. ASAK verwendet für seine Kunstwerke aber nicht nur „irgendwelche Schallplatten“ – sondern hier steckt Liebe im Detail. Longplayer haben beispielsweise andere Rillen, als Singles – dadurch sind andere Muster und Ergebnisse möglich – generell ist sich ASAK sicher, das Vinyl ein total unterschätztes Material ist, seiner Meinung nach sollte es möglich sein, aus altem Vinyl auch Bausteine herzustellen und somit in der Theorie auch Häuser.

Mehr über ASAK und warum er auf Ausstellungen manchmal eine Box als Maske trägt, erfahren Sie im Interview!

ANDREAS SCHMIDT – ASAK IM INTERVIEW

Wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Ich bin zuhause, in den letzten Monaten gab es private Veränderungen, die ich auch mit meiner Kunst verarbeite. Mir geht es gut, aktuell arbeite ich an einem 12 Teiler. Es ist eine spirituell angehauchte Arbeit. Es geht um die 12 Monde, den Tierkreislauf – Zodiak und auch Numerologie spielt eine Rolle. Wiederholung und Wandel.

Bisher habe ich in meinen Arbeiten aus der Form heraus gearbeitet; Dreiecke, Waben und jetzt nehmen Zahlen diese Stellen ein – mich faszinieren, kleine Details, wie das eine liegende 8 Unendlichkeit symbolisiert.

Wie hast du überhaupt zur Kunst gefunden, bzw. was war der Auslöser, dass du gesagt hast, du möchtest deine Werke mit der Öffentlichkeit teilen?

Wie vermutlich die meisten, habe ich schon als Kind gerne gemalt. Immer, wenn ich die Zeit hatte, war Kunst ein Weg für mich Ruhe zu finden. Ich hatte auch schon lange mit Schallplatten zu tun, – habe mit diesen gehandelt und auch Musik gemacht. Dabei kamen mir immer alte, unbrauchbare oder kaputte Schallplatten in die Hände und ich fing an mich zu fragen, was man daraus machen kann.

Die ersten Versuche habe ich noch mit einer Laubsäge gemacht. Vinyl ist ein Material, das schmilzt, wenn es heiß wird, es zu verarbeiten wirft immer neue Fragen und Probleme auf, ich habe also viel ausprobiert, bis ich meine heutigen Techniken gefunden habe. Dazu zählt auch richtige Feinarbeit, bei der ich beim Sägen meine Atmung kontrollieren muss, um im Millimeterbereich zu arbeiten.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden?

Das kann ich gar nicht so genau sagen, ein paar dutzend sind es aber schon. Einige davon auch unverkäuflich, wie beispielsweise „der Sensenmann?“ – das war eine Arbeit für meinen Sohn, als ich ihm erklärt habe, das oneliner unendlich sein können.

Und wie viele Schallplatten hast du bis heute verarbeitet?

3000 bis 4000 Schallplatten dürften es gewesen sein, schwierig zu zählen. Ich verwende auch die Innenhüllen beispielsweise für Sketches. Auch das Innenleben von den Covern wird für Projekte genutzt, wenn ich neues ausprobiere – es gibt also nichts, was ich wegschmeißen möchte. Grade ältere Schallplatten bestehen auch mehr aus Öl und Asche, das sollte nicht einfach in der Tonne landen.

Ich bin auch motiviert, diese Masse wegzubekommen – zuletzt habe ich mir beispielsweise auch eine Fräse angeschafft, um großflächigere Arbeiten zu machen – mal schauen, wohin die Reise geht.

 

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Wie wählst du die Schallplatten aus, die du in deinen Werken verwendest?

Es gibt sehr viele kleine Details, die „Nicht-Nerds“ schnell übersehen könnten – so gibt, es bspw. Unterschiede, zwischen Platten aus Amerika und Europa. Je nach Herstellungsjahr variiert die Dicke und Flexibilität. Die älteste Platte, die ich verwendet habe ist aus dem Jahr 1958. Dicker Schinken, schwer zu bearbeiten und nicht flexibel. Die jüngeren Pressungen sind da anders. Je nach Presswerk können sich ein und dasselbe Release unterscheiden, weil jedes Werk eine eigene Mutterplatte erstellen muss.

Zu Zeiten der Ölkrise wurden Innovationen entwickelt, um dem Ölmangel entsprechend gegen zu wirken. Darauf achte ich je nachdem was ich vor habe. Und wenn ich Musik höre – dann höre ich sie in Farben, Kunst ist vielschichtiger, als das was man auf den ersten Blick versteht, so ist es auch mit Tönen, die aus einem Instrument kommen. Schallplatten haben den besten Sound, nach dem „live Sound“. Mit meiner Kunst möchte ich mich aber nicht nur auf die musikalische Ebene beschränken, manchmal ist es auch ein reines upcyceln.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke vorstellen?

Ich habe Bilder im Kopf die raus müssen, manchmal habe ich eine Idee innerhalb von Sekunden – bis ich das Werk dann aber fertig habe, kann es auch schon mal ein paar Monate dauern, an meinem aufwendigsten Werk – Planet Fun Communicator – habe ich 9 Monate gesessen. Meine Kunst ist sehr persönlich, von der Idee/Themenwahl über die Wahl der Schallplatten, über die Details, bis hin zur Umsetzung. Ich möchte aber auch für andere mit meiner Kunst sprechen, gleichzeitig aber auch nichts „vorsagen“ – deshalb verstecke ich die Message, die ich rüberbringen möchte, auch oft im Abstrakten. Aber Kunst darf sein wie sie will.

Apropos sein, wie man will: Du trägst auf Ausstellungen eine Maske, was hat es mit dieser Box auf sich?

BoxedPointOfView. Ich setze mir den Kasten auf und bin dann ein Mensch, der sich in seiner Box befindet – Ich setz mir diesen Kasten auf und könnte irgendwer sein – esmacht mich anonym aber gleichzeitig auch individuell und vielseitig,… unter der Box könnte jeder stecken. Zugleich ist es eine Anti-Aging-Maske, ich werde älter – aber mit der Box sehe ich immer gleich alt aus. Gleichzeitig motiviert sie mich nach einer Ausstellung wieder von vorne anzufangen,… keine falsche Bescheidenheit, meine Kunst ist was besonderes, aber ich bin gewöhnlich, die Box hilft mir auch, mich daran zu erinnern und mich auszudrücken? Wollen wir nicht alle eine Krone aufsetzen?

Stichwort ausdrücken, wie viele Sprachen sprichst du nochmal?

Russisch, Deutsch, Englisch, Französisch in der Schule und Chinesisch studiert vor 15 Jahren. Bachelor in Mandarin gemacht und mongolisch die Basics. Sprachen helfen in einem anderen Spektrum zu denken und sie haben auch meinen Weg zur Kunst geöffnet. So sind Schriftzeichen anderer Sprachen, wie Bilder – als ich gelernt habe, diese zu schreiben – glich es mehr einem zeichnen oder malen.

Seitdem ich ein Kind bin, habe ich einen guten Bezug zu Sprachen, Kunst wurde mir als die universellste Sprache aller Sprachen nahe gelegt. Dazu habe ich mich nicht berufen gefühlt. Wenn du etwas künstlerisch ausdrücken kannst, kannst du Informationen vermitteln / Bilder malen und trotzdem etwas anderes zwischen den Zeilen meinen. Kunst ist eine Sprache, die universal Gehör finden kann – Kunst kennt keine Sprachbarrieren. Egal ob Kochen, Musik oder Bilder.

ASAK steht für Andreas Schmidt aus Köln? Sonderlich anonym möchtest du aber dann doch nicht sein oder?

Ich habe in Köln schon ein paar von mir kennen gelernt. Ich habe hier zur Kunst gefunden und ich lebe hier, aber das K könnte auch für Kasachstan stehen. Und auch dort gab es einige mit meinem Namen. Also auch wenn ich eines Tages aus Köln wegziehen sollte, bleibt der Künstlername.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Kunst darf alles, es ist nur wichtig zu erkennen – in wie weit hat es eine Bedeutung? Wenn ein Künstler etwas macht, hat es immer einen Grund. Es gibt Menschen die setzen sich mit Religionen auseinander und suchen bzw. gehen in den Konflikt – diesen Weg sehe ich bei der Kunst nicht. Es ist eher ein Missbrauch und limitieren der Kunst. Kunst ist etwas, was in jedem drin steckt, schließlich ist Kunst auch in jeder Religion zu finden –  es muss nur geweckt werden – dabei kann es dann auch helfen gewisse Grenzen zu sprengen, indem der Konflikt bewußt gesucht wird. Somit ist es auch ein Kommunikationssystem.

Was macht gute Kunst für dich aus?

Gute Kunst spricht für viele – das heißt nicht, dass viele bereit sind, viel Geld dafür zu bezahlen – oder ein Künstler schnell und viel verkaufen muss, sondern – das viele ein Werk hinterfragen oder sich mit diesem auseinandersetzen. Kunst gibt Denkanstöße. Die berühmte Banane mit Klebeband zum Beispiel. Ich glaube auch, dass bei meiner Kunst einige im Nachhinein sagen, dass hätten sie auch gekonnt und das oder das könnte man besser machen, aber gute Kunst muss nicht perfekt und glatt sein, oft ist Kunst auch nur eine Idee – die Nachkommen oder die Nachwelt aufgreift und für sich verwendet.

Und gibt es Künstler oder Kunststile mit denen du überhaupt nichts anfangen kannst?

Es gibt einen Künstler, der füllt den Saal, weil er eine Furzshow bieten kann sobald der Vorhang fällt. Dafür würde ich nicht bezahlen, also nicht indoor.

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach „nur schön“ sein?

Ich persönlich grenze nicht aus, dass eine unschöne Szene Denkanstöße gibt, weshalb im Nachhinein eine schöne Botschaft entstehen kann.

Was war bisher das schönste Feedback?

„Aaaah, da. Jetzt sehe ich es auch.“ Das höre ich wenn ich das kleinste Werk (so klein wie das Innenloch der Schallplatte) zeige.

Welches ist den dein eigenes bisheriges Lieblingswerk und warum?

Kopfzerbrechen ist unter den Top 5. Top 1 könnte mein Baum sein – zeigt für mich, das immer wieder wiederholen, bis man ein Ergebnis hat, was zufrieden stellendes ist. Mir geht es auch darum, mit den eigenen Händen etwas zu erschaffen, etwas so oft wiederholen – bis es zur Routine wird. Sensenmann ist ein Bild, das entstanden ist, während ich den Kids gezeigt habe, das one liner unendlich sein können. Das Werk habe ich in den drei Grundfarben gehalten – was mich auch daran erinnert, bei der Grundlage zu bleiben.

Uns rennt grade etwas die Zeit davon, stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Macht Kunst und ihr findet zusammen!

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

Titelbild: Das Kunstwerk trägt den Titel Impulses. Es heißt so, weil eine Ecke unfertig gelassen wurde. ASAK fertigte auch einen Gegenpart dazu, dessen Titel ist Example. Es gibt eine Musikgruppe namens Example, deren Album hieß Impulses. Nachdem ASAK das Bild Impulses fertig gestellt hatte, musste er an das Cover denken, so kam die Namensgebung zustande.

Bei den beiden Bildern geht es darum, wie farbenfroh es sein kann wenn man in die Ecke gedrängt wird. Folgt man seinem Impuls und stellt sich der Herausforderungen, steht man nicht mehr in der Ecke sondern auf ihr. Die Bilder lassen sich als Quadrate oder als Rauten aufhängen. Die beiden Bilder entstanden 2018, der Arbeitsaufwand bei beiden Bildern lag bei circa 190 Stunden.

Mehr über Andreas Schmidt finden Sie auf seiner Webseite: https://asak.online/

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Zunächst Beethoven sichtbar machen, – das ist und war die Intension des Künstlers. Ludwig hat ihn so in seinen Bann gezogen, dass ihn dies aus künstlerischer Sicht sehr motivierte, den Musiker in verschiedenen Sichtweisen zu porträtieren. Der erste Schritt war, sich mit den vielen Facetten von Ludwig auseinanderzusetzen. Die Vielfalt des Meisters und seine oft schwierige Lebenssituation kommen in den Porträts von HJ Linden auf unterschiedliche Weise zum Ausdruck.

HJ Linden über Edition 5 – Classic Composers

Ich habe einige Monate an den ersten Porträts gearbeitet, dies immer mit Beethoven-Musik. Die Energie, die ich dadurch erfahren habe, war eine völlig neue Erkenntnis in meiner künstlerischen Arbeit. Beethoven liebte die Natur, aus der er neue Kraft schöpfte, da haben wir Gemeinsamkeiten.

Nach 11 Porträts von Beethoven war dies der Start in ein umfangreicheres Konzept der Komponisten, die Beethoven in seiner Zeit umgaben. Als Nächstes galt es Mozart nach dem gleichen Prinzip wie Beethoven zu kreieren. Ihm folgten dann Bach, Haydn und Händel. Mittlerweile war es ein komplexes Gebilde, an dem ich über Monate in einem völligen Musikrausch arbeitete.

Es eröffneten sich weitere interessante Sichtweisen in dem breiten Umfeld der klassischen Musik. Es ging durch alle Bereiche, ob es die Philharmonien in Deutschland, Österreich und der Schweiz waren, Dirigenten oder Klavierbauer mit Jahrhunderten alten Tradition auf exzellente Art und Weise Klaviere zu bauen.

Diese Erlebnisse waren wie eine Erleuchtung, und in einem unbewussten kreativen Prozess fing es wieder mit Beethoven an, Beethoven the Enlightened. Beethoven der Naturfreund sollte symbolisch in Erscheinung treten, mit einer außergewöhnlichen Leuchtkraft in Form einer Lichtskulptur von 1 Meter x 1 Meter Größe. Dazu mussten Spezialisten gesucht werden, die diese Idee umsetzen konnten. Als dies geklärt war, konnte ich die Lichttechnik aus Gesprächen mit den Fachleuten weiter gestalten, um die Lichtgestalt Beethoven in einer größeren Lichtskulptur von 3 Meter x 3 Meter zu kreieren. Jetzt war es naheliegend, dies auch mit allen anderen Komponisten zu bewerkstelligen. Auch dieser Prozess ist abgeschlossen. Jetzt können die 5 Großen ihrer Zeit in einer zeitgemäßen Darstellung im öffentlichen Raum leuchten.

HJ LINDEN

HJ LINDEN ist ein deutscher Künstler, der aus seinem konzeptionellen Ansatz im Cross Media arbeitet. Er ist ein interdisziplinärer Grenzgänger zwischen Kunst und Kommunikation. In den 1970er Jahren startete er in München und wechselte dann mit dem Studium an die Kölner Werkschulen und die Kölner Fachhochschule für Fotografie bei Professor Wedewardt.

Die Physis der Natur ist oft Ausgangspunkt von HJ LINDEN in der Umschreibung seiner Bilder. Wie zum Beispiel die Essenz eines Motives. Das Dynamische, das innere Prinzip des Wirkens, etwa der Bewegung, wird betont. Dabei geht es um die Maxime der Entfaltung, des Erscheinens und des Wandels. Sie setzen Akzente mit künstlerischem Anspruch in ihren individuellen Bereichen. Hieraus hat sich das Plant Community Concept entwickelt.

Im Zeitalter der digitalen Reproduzierbarkeit entstehen Motive bis zur Abstraktion. Die unendlichen, ja millionenfachen Farbräume in der Gestaltung erfahren ein ungleich größeres Spektrum gegenüber den herkömmlichen Farben. Dabei können auch zufällige Kompositionen entstehen, die ihre Wirkung zeigen.

Weitere Informationen

Titelbild: EDITION 5 – CLASSIC COMPOSERS

Mehr über den Künstler: www.linden-classic-art.eu

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Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Die für den 5. Geburtstag der Elbphilharmonie am 11. Januar 2022 geplante öffentliche Lichtinstallation »Breaking Waves« des niederländischen Künstlerduos DRIFT wird verschoben. Aufgrund der sich zuspitzenden pandemischen Lage haben der Senat der Freien und Hansestadt Hamburg und die Ministerpräsidentenkonferenz dringend dazu aufgerufen, Zusammenkünfte im öffentlichen Raum um den Jahreswechsel zu vermeiden. Daher wird die Installation verschoben und nun zum Start des Internationalen Musikfests Hamburg 2022 am 28. April uraufgeführt und im Anschluss an drei weiteren Abenden gezeigt. So können die Hamburgerinnen und Hamburger und die Besucher der Stadt die öffentliche Lichtinstallation vor Ort erleben.

Hunderte beleuchtete Drohnen werden die Fassade des Konzerthauses spielerisch zum Leben erwecken. Choreografiert zum zweiten Satz des Klavierkonzertes von Thomas Adès, das am 11. Januar 2022, beim Festkonzert im Großen Saal aufgeführt wird. »Breaking Waves« wurde in enger Abstimmung mit dem Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg geplant. Das MK&G widmet dem Künstlerduo vom 7. Januar bis 8. Mai 2022 eine Einzelausstellung. (»Moments of Connection«)

Studio Drift in Hamburg

DRIFT wurde 2007 von den bildenden Künstlern Lonneke Gordijn und Ralph Nauta in Amsterdam gegründet. Naturerscheinungen waren stets integraler Bestandteil ihrer Arbeiten.

In »Breaking Waves«, einem Auftragswerk der Elbphilharmonie anlässlich ihres fünfjährigen Bestehens, untersucht das Künstlerduo die Bewegung des die Elbphilharmonie umgebenden Flusswassers und setzt es in Beziehung zu den Bewegungen, die sich im Inneren des Hauses vollziehen. Die Wechselwirkungen zwischen dem Gebäude, dem Wasser und der Musik bilden dabei das Schlüsselelement im Bestreben der DRIFT-Künstler, die Besucher mit diesem besonderen Ort in Hamburg auf eine Wellenlänge zu bringen. »Als Menschen sind wir auf vielfältige Art Wellenbewegungen unterworfen und können mit der Bewegung verschmelzen«, sagt Lonneke Gordijn.

Lichtkunst und Musik….

Christoph Lieben-Seutter, Intendant von Elbphilharmonie und Laeiszhalle Hamburg: »Architektur und Musik treffen in der Elbphilharmonie ja auf besonders inspirierende Weise zusammen, >Breaking Waves< überträgt diese Faszination vor die Fassade des Gebäudes und ist unser Geburtstagsgeschenk an die Hamburger. Auch wenn die Installation mit der Verschiebung in den April den direkten Zusammenhang zum Jubiläumskonzert verliert, hat die Verlegung in eine wärmere Jahreszeit auch Vorteile. So werden hoffentlich viel mehr Menschen an dem Projekt teilhaben können.«

Die Skulptur betont die Mission von DRIFT, Kunst in den öffentlichen Raum zu tragen, damit sie auf ein großes und breit gefächertes Publikum trifft. Es geht den Künstlern im Kern darum, physische Installationen zu schaffen, bei denen das Publikum Kunst mit allen Sinnen erfahren und wahrnehmen kann. Ralph Nauta: »Kunst sollte möglichst vielen Menschen gleichzeitig zugänglich sein. Deshalb haben wir unsere Installation für den öffentlichen Raum konzipiert. Gleich zu Beginn der Zusammenarbeit mit der Elbphilharmonie kamen beide Seiten darin überein, dass wir das, was im Inneren des Gebäudes vor sich geht, nach außen bringen sollten, damit die Menschen es auch sehen können.«

Hamburger und Besucher können am 28. April,  die Premiere der Installation, die die West-, Süd- und Nordseite des Gebäudes umspielt, live aus den umliegenden Hafengebieten beobachten. Weitere Vorführungen finden am 29. und 30. April sowie am 1. Mai statt.

Die Musik dazu wird auf der Website des Konzerthauses abrufbar sein. Die Live-Aufführung des Werks von Thomas Adès findet am 11. Januar ab 20 Uhr statt. Das Konzert wird als Livestream auf Arte Concert sowie den digitalen Kanälen der Elbphilharmonie übertragen. Im Anschluss steht das Material  als Video kostenlos zur Verfügung. Es spielt das NDR Elbphilharmonie Orchester unter der Leitung seines Chefdirigenten Alan Gilbert. Den Solopart am Klavier übernimmt Kirill Gerstein.

Die Installation wird vom Freundeskreis Elbphilharmonie + Laeiszhalle e.V. unterstützt. Der Freundeskreis fördert vor allem musikalische Projekte in Elbphilharmonie und Laeiszhalle und ermöglicht seinen Mitgliedern die aktive Teilhabe am Konzertleben. Diese Kommission wurde in Zusammenarbeit mit Superblue organisiert.

Die Elbphilharmonie

Im Strom der Elbe gelegen und an drei Seiten von Wasser umgeben, bietet die Elbphilharmonie ein einzigartiges Gesamterlebnis aus Architektur und Musik. Das Gebäude vereint zwei Konzertsäle, einen großen Musikvermittlungsbereich, Gastronomie, Hotel, 45 Privatwohnungen und die öffentlich zugängliche Plaza, die alle Bereiche des Hauses erschließt und den Besuchern einen einmaligen Panoramablick über die gesamte Stadt bietet. Das Schweizer Architekturbüro Herzog & de Meuron setzte auf einen Backsteinspeicher aus den 60er-Jahren einen gläsernen Neubau, dessen kühn geschwungene Dachlandschaft sich bis zu 110 Meter hoch in den Himmel erhebt.

Kunst und Kultur für alle…

Die Elbphilharmonie wirkt imposant, aber nicht einschüchternd. Sie ist für Menschen gemacht. Ein Haus für alle. Im Konzertbereich öffnen die Foyers überraschende Perspektiven und Sichtachsen und schärfen die Sinne für den Genuss exzellent gespielter Musik. Im Großen Saal, wo das Publikum nach dem Weinbergprinzip um die Bühne herum platziert wird, ist die Verbindung zwischen Bühne und Publikum ist so nah, dass sich Interpreten wie Zuhörer auch ihrer Verbindung zueinander in besonderem Maße bewusst werden. So entsteht ein starkes Gefühl gemeinschaftlichen Erlebens.

Die Frage, welches Genre hier gespielt wird, ob die Komposition bekannt ist oder nicht, zeitgenössisch oder klassisch, tritt in den Hintergrund. Vielfalt, höchste Qualität und das Aufbrechen von Genregrenzen ‒ dafür steht das künstlerische Programm der Elbphilharmonie. Lebendige Interpretationen der Meisterwerke der Klassik spielen eine ebenso große Rolle wie das Entdecken zeitgenössischer Musik unterschiedlicher Kulturen.

Kunst- & Kulturstadt Hamburg

Fünf Jahre Elbphilharmonie stehen auch für die Entwicklung eines neuen Selbstverständnisses in der Kulturstadt Hamburg. Kultur hat in Hamburg eine lange Tradition − mit der Eröffnung der Elbphilharmonie hat sie einen Leuchtturm gefunden, der ihre Vielfalt über die Grenzen der Hansestadt hinaus erstrahlen lässt. Als Symbol steht die Elbphilharmonie für die Besonderheiten der Hamburger Kulturlandschaft: Offen für alle, Kontraste vereinend, Verbindungen schaffend. Genreübergreifende Kooperationen der Hamburger Szene und vielfältige Festivals sorgen dafür, dass die Kultur in Hamburg allgegenwärtig ist und in immer neuen, überraschenden Facetten erlebt werden kann.

Weitere Informationen

Titelbild: Elbphilharmonie (c)Lacherlott 

Mehr über die „Elphi“ – Elbphilharmonie Laeiszhalle Hamburg

Weitere Informationen über die Künstler: Home – Studio Drift

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Das Focke-Museum bietet künftig auch nicht-professionellen Musikerinnen und Musikern eine Bühne, um vor Publikum aufzutreten. In der Reihe Fockes Pavillon startet das Bremer Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte am Dienstag, 7. September 2021, von 15 bis 20 Uhr ein neues Musikformat: „Open Stage“. Musiker und Musikerinnen aus den Bereichen Blues, Jazz, Pop und mehr können auf der überdachten Bühne im Garten des Museums auftreten, einzeln oder als Gruppe. Wer möchte, verabredet sich mit anderen zum Jammen oder spielt spontan eine Session.

Das Focke-Museum bietet die Tontechnik (Tonab- und -aufnahme) an und stellt verschiedene Gitarren (Bass, Western, Konzert) und ein Schlagzeug zur Verfügung. Natürlich können auch eigene Instrumente mitgebracht werden.

Mark Seaton aus dem Museums-Team steht am Mischpult und freut sich auf ein abwechslungsreiches Programm. Gäste sind willkommen. Eine Anmeldung ist für alle erforderlich unter seaton@focke-museum.de oder Ruf 0421/699 600-44.

Weitere Informationen

Mehr über das Museum: www.focke-museum.de

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Für das im Rahmen von NEUSTART KULTUR entwickelte Förderprogramm des Deutschen Musikrats für freie Ensembles stellt der Bund 35 Millionen Euro zur Verfügung. Hiervon ist eine Summe von 5 Millionen Euro für die gezielte Unterstützung von Nachwuchsensembles vorgesehen. Das ist einer Pressemitteilung der Bundesregierung vom 2. August 2021 zu entnehmen.

Kulturstaatsministerin Monika Grütters: „Die Folgen der Pandemie waren und sind für die freien Ensembles und insbesondere auch für den künstlerischen Nachwuchs existenzbedrohend. Deshalb gilt es, den freien Ensembles eine Zukunft zu ermöglichen und die Vielfalt dieser Szene in ihren zahlreichen Facetten zu bewahren. Mit unserer Förderung wollen wir die große Anzahl professioneller Ensembles aller Genres in freier Trägerschaft unterstützen und damit dazu beitragen, ihre enorme künstlerische Qualität zu erhalten.“

Freie Ensembles prägen das Musikleben in seiner ganzen Bandbreite von der Alten Musik bis zur zeitgenössischen Musik. Sie sind Innovationsmotor der Musikszene, auch in transkulturellen und Genregrenzen überschreitenden Formationen. Als elementarer Bestandteil der Musikinfrastruktur in Deutschland sollen sie durch das Programm in die Lage versetzt werden, ihre künstlerische Arbeit fortzusetzen und weiter professionell zu arbeiten, innovative Wege auszuprobieren und damit künstlerische Profile zu schärfen. Antragssteller können bis zu 150.000 € aus diesem Förderprogramm erhalten.

Die Fördermittel können für einen Projektzeitraum bis zum 31. Oktober 2022 beantragt werden. Antragsberechtigt sind professionelle freie Ensembles aller Genres ab zwei Mitgliedern bis zu Orchester- oder Chorgröße. Voraussetzung ist, dass die Ensembles nicht überwiegend öffentlich finanziert werden und die Projekte der Antragsteller im Inland durchgeführt werden.

Ein spezieller Fokus des Programms liegt in der Förderung von Nachwuchsensembles mit den Projektschwerpunkten Coaching, Professionalisierung und Qualifizierung. In diesem Bereich können insbesondere Projekte gefördert werden, die eine kuratierte Entwicklung eines Nachwuchsensembles in Zusammenarbeit mit einer Künstlervermittlerin / einem Künstlervermittler beinhalten.

Die Antragstellung für das Programm ist ab dem 16. September 2021 beim Deutsche Musikrat gGmbH möglich.

Weitere Informationen

Weitere Informationen gibt es hier: www.musikrat.de

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