Figurative Kunst bezeichnet eine zentrale Stilrichtung der bildenden Kunst, in der erkennbare Motive aus der realen Welt dargestellt werden. Dazu zählen insbesondere Menschen, Tiere, Landschaften, Gegenstände oder Szenen aus dem Alltag, die für den Betrachter eindeutig identifizierbar bleiben.

Im Mittelpunkt steht dabei nicht zwingend eine realistische Wiedergabe, sondern die erkennbare Verbindung zur sichtbaren Wirklichkeit. Figurative Kunst kann naturalistisch, stilisiert, expressiv oder symbolisch sein – entscheidend ist, dass ein konkreter Gegenstandsbezug erhalten bleibt.

Figurative Kunst ist kein Medium, sondern ein Prinzip

Wichtig ist: Figurative Kunst ist nicht auf die Malerei beschränkt. Der Begriff beschreibt keine Technik, sondern eine Darstellungsweise.

Figurative Kunst findet sich in vielen künstlerischen Disziplinen, darunter:

Malerei (z. B. Porträts, Landschaften, Stillleben)
Zeichnung (Studien, Skizzen, Illustrationen)
Bildhauerei / Skulptur (menschliche Figuren, plastische Darstellungen)
Druckgrafik (Radierungen, Lithografien)
Fotografie (künstlerische oder dokumentarische Bildgestaltung mit realen Motiven)
Zeitgenössische Mixed Media Kunst (Kombination verschiedener Ausdrucksformen)

Damit beschreibt „figurativ“ nicht das Medium, sondern die Art der Bildsprache.

Abstrakte Figuration – wenn Figur und Abstraktion verschmelzen

Figurative Kunst kann auch abstrakte Elemente enthalten. In diesem Fall spricht man häufig von abstrakter Figuration oder expressiver Figuration.

Dabei bleiben die Motive grundsätzlich erkennbar, werden jedoch bewusst verfremdet:

Formen werden vereinfacht, verzerrt oder fragmentiert
Farben sind nicht realitätsgetreu, sondern emotional oder symbolisch eingesetzt
Perspektiven können gebrochen oder übertrieben dargestellt sein
Details werden reduziert oder nur angedeutet

👉 Entscheidend ist: Das Motiv bleibt identifizierbar, auch wenn es stark abstrahiert ist.

Sobald jedoch kein Bezug zur realen Welt mehr erkennbar ist, handelt es sich nicht mehr um figurative, sondern um rein abstrakte Kunst.

Merkmale der figurativen Kunst

Typische Eigenschaften figurativer Kunst sind:

Darstellung real erkennbarer Objekte oder Figuren
Orientierung an der sichtbaren Welt
große stilistische Bandbreite (von realistisch bis abstrahiert)
häufig emotionale, narrative oder symbolische Bildinhalte
Fokus auf Körper, Raum, Licht und Komposition
Figurative Kunst in der Kunstgeschichte

Die figurative Darstellung gehört zu den ältesten Ausdrucksformen der Menschheit. Bereits in der Höhlenmalerei wurden Tiere und Jagdszenen festgehalten. In der Antike entwickelte sich eine idealisierte Darstellung des menschlichen Körpers, während die Renaissance die realistische Perspektive und Anatomie in den Mittelpunkt stellte.

Auch in der Moderne blieb die figurative Kunst präsent – oft in bewusster Abgrenzung zur Abstraktion. Künstlerinnen und Künstler nutzen figurative Elemente, um Emotionen, gesellschaftliche Themen oder persönliche Sichtweisen auszudrücken.

Abgrenzung: Figurative vs. abstrakte Kunst

Die figurative Kunst steht im direkten Gegensatz zur abstrakten Kunst:

Figurativ: Darstellt erkennbare Objekte der realen Welt
Abstrakt: Verzichten vollständig auf gegenständliche Darstellung

Zwischen diesen Polen existieren jedoch viele Übergänge, insbesondere in der abstrakten Figuration, die beide Ansätze miteinander verbindet.

Bedeutung heute

In der zeitgenössischen Kunst ist figurative Kunst weiterhin sehr präsent. Viele Künstler verbinden klassische Darstellungstechniken mit modernen Bildsprachen, um gesellschaftliche, persönliche oder politische Inhalte sichtbar zu machen.

Damit bleibt figurative Kunst ein zeitloses und vielseitiges Ausdrucksmittel, das sich stetig weiterentwickelt und neu interpretiert wird.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

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Am 29.06.2024 zeigt Chris Morys seine Kunst in Frankfurt. Die Jubiläumsausstellung findet in der Dhira Art Gallery, Kronengasse 5
63263 Neu Isenburg statt.

Chris Morys ist ein dynamischer Künstler und Pädagoge aus Deutschland, der seine Kunst als Mittel zum Selbstausdruck und Verarbeitung nutzt, und damit zur inneren Transformation inspiriert. Seine Kunst ist ein Weg, diese Vision zu verwirklichen, indem sie den Menschen hilft, sich selbst intensiver zu spüren und ihre eigene Reise anzutreten. Seine Werke beschäftigen sich mit Emotionen und Energie und erforscht die Verbindungen zwischen Menschen und Natur. Die Einflüsse von Human Design, Achtsamkeit, Meditation, Tanz, Musik und schamanischen Einflüssen spiegelt sich in seinen einzigartigen Werken wider.

Chris Morys’ Kunst ist ein Kanal zur Verarbeitung von Emotionen, Erfahrungen und persönlichem Wachstum. Seine Werke spiegeln nicht nur individuelle Reisen wider, sondern laden auch den Betrachter ein, in eine Welt der eigenen Reflexion einzutauchen. Seine Kunst ist eine kraftvolle Möglichkeit, die eigene innere Stärke zu erkennen und zu stärken.

In diesem Jahr feiert Chris Morys bereits 10-jähriges Jubiläum als Künstler und zeigt in der Dhira Art Gallery in Neu-Isenburg; 5 Autominuten von Frankfurt am Main entfernt, einen Querschnitt aus den letzten Jahren. Gezeigt werden abstrakte Werke, figurative, dezente ebenso wie farbgewaltige Bilder. Ebenso gibt der Künstler Einblicke in seine Skizzenbücher und erklärt, wie er sich als Künstler vom ersten Werk bis heute entwickelt hat und zeigt auf, in welche Richtung seine Reise gehen wird.

Die Ausstellung ist für alle geeignet, die sich auch für Menschen und deren geistige Entwicklung interessieren.

Chris Morys

Chris Morys ist ein bildender Künstler aus Deutschland, dessen Gemälde international ausgestellt wurden. Die Expressivität und der kraftvolle Ausdruck seiner Bilder spiegeln die innersten Energien, die die Menschen antreiben. Die Kunstwerke von Chris Morys regen dazu an, die eigene innere Stärke wahrzunehmen und auf positive Art schöpferisch zu leben.

​Morys gelingt es die kraftvollen Dynamiken des menschlichen Seins in seinen Werken darzustellen. Inspiriert durch Begegnungen mit Menschen, dem Hören von Musik und dem Erleben von Natur, lassen seine kontrastreichen und lebendigen Kompositionen den Betrachter in ein starkes emotionales Erlebnis eintauchen.

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Dhira Art Gallery

Die Dhira Art Gallery hat wunderschöne, liebevoll kuratierte Räume und ist definitiv eine der angesagtesten Adressen, wenn es um Kunst in Frankfurt geht. Grade erst ging die Ausstellung Transformation von Nabiha und Thom in der Dhira Art Gallery zu Ende, schon steht die nächste Vernissage in den Startlöchern. Die Galeristin Dhira Sarah Barein ist aber auch selbst als Künstlerin tätig! Kunstfreunde sollten sich ihre Solo-Ausstellung am 11.07.2024  in der Artgallery Adriana vormerken.

Vom 13.09 bis zum 15.09 gibt es auch auf der Arte Wiesbaden die Gelegenheit, einen Stand von Dhira Art zusammen mit Nabiha von Unity Art zu entdecken. Wer keine Events in der Dhira Art Gallery verpassen möchte, sollte sich für den News-Letter eintragen oder die Webseite im Blick behalten: www.dhira-art.com. Denn mit Sicherheit wird es nach der kommenden Ausstellung von Chris Morys nicht lange ruhig bleiben.

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In dem Zeichenkurs zeigen Sina Schulz und Zaneta Kern, wie ein Modell so realistisch wie möglich gezeichnet werden kann. Dabei vermitteln die beiden Künstlerinnen nicht nur die Fähigkeit, die Proportionen des menschlichen Körpers zu messen, sondern auch verschiedene Zeichentechniken und Materialien, die dabei verwendet werden können.

Das Angebot richtet sich an alle, die das Zeichnen erlernen möchten und Interesse daran haben, den menschlichen Körper künstlerisch darzustellen. Sina Schulz und Zaneta Kern vermitteln Anfängern alle grundlegenden Techniken des Zeichnens und bieten Fortgeschrittenen Tipps und Tricks, um ihre Zeichnungen auf das nächste Level zu bringen.

Im Preis sind inbegriffen;

• Bereitstellung von Papier, Stiften, Pinseln, Farben usw.
• Individuelle Hilfe durch die Kursleiter während des gesamten Kurses
• Erfrischungsgetränke und Snacks

die Teilnehmer müssen also nichts mitbringen, außer guter Laune. Anmeldung unter : kontakt@sinakunst.de

Sina Schulz

TIPP: Am 19.05.2024 startet von Sina K. Schulz die Vernissage der Ausstellung NATUR VERBUNDENHEIT um 15:30 Uhr in den Räumen der Kurpark- Residenz in Bad Salzschlirf und ist dort bis zum 14.07.24 zu besichtigen. Für die Finissage ist am 14.07.24 um 15:30 Uhr ist Live-Gesang von der Sängerin Nina Kosel angekündigt.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Sina Katharina Schulz im Interview – Atelier Mal Anders Ausstellung Natur Verbundenheit.

Zaneta Kern

Zaneta Kerns Leinwand lebt; Acryl trifft auf Buntstifte, und ihr Hintergrund in Kindheitsschöpfungen pulsiert in jedem Strich. Mit Schichttechnik und strukturierten Oberflächen fängt sie die Wandelbarkeit der Natur ein, beleuchtet weibliche Silhouetten und die Seele der Bäume. Ihre Kunst strömt Emotionen, lässt Farben und Formen eine stille Poesie der Seele tanzen.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Zaneta Kern: Deutsche Malerin – SINGULART

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Mumienbraun war ein überwältigendes, tiefbraunes Pigment. Die Farbe wurde von Künstlern bereits seit der Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet – besonders in der Ölmalerei fand es seine Anwendung. In altmeisterlichen Techniken wurde es lasierend bis deckend verwendet und war aufgrund seiner Eigenschaften auch für Schattierung sehr beliebt.

Mumienbraun war keine gewöhnliche Pigmentmischung. Ihr Ursprung liegt in der Verwendung von gemahlenen ägyptischen Mumien – eine Praxis, die im Laufe der Jahrhunderte in der europäischen Kunst entstand und sich verbreitete. Diese Mumienreste, hauptsächlich von Menschen, Tieren und sogar Katzen – die als Heilig galten – , wurden aus ägyptischen Gräbern importiert und zu einem feinen Pulver verarbeitet.

Der warme, bräunlich-rote Farbton von Mumienbraun/Mumia fand seinen Platz auf den Paletten einiger renommierter Künstler. Es ist zwar schwierig, spezifische Werke zu identifizieren, in denen Mumienbraun verwendet wurde, da viele Gemälde im Laufe der Jahrhunderte auch restauriert wurden und die genaue Verwendung von Pigmenten oft schwer nachvollziehbar ist. Es wird jedoch angenommen, dass einige Künstler im 18. und 19. Jahrhundert, darunter auch bekannte Namen wie William Turner oder Eugene Delacroix Mumienbraun in ihren Gemälden verwendet haben.

Makaber, wenn man bedenkt, das sich an Kunstwerken wie „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugene Delacroix im Louvre in Paris jährlich Hunderttausende – wenn nicht sogar Millionen Besucher erfreuen.

Die Verwendung dieser Farbe war jedoch nicht ohne Kontroverse. Ethik spielte eine immer größere Rolle, als die viktorianische Ära Fortschritte machte. Die Idee, Pigmente aus menschlichen Überresten zu gewinnen, rief zunehmend Bedenken hervor, und viele Künstler wandten sich aus Respekt vor den Toten von der Farbe Mumienbraun ab.

Auch die Gesundheitsrisiken trugen zur Abkehr von dieser Praxis bei. Es wurde festgestellt, dass das Einatmen von „Mummy-Brown“-Pulver gesundheitsschädlich sein könnte, was die Verwendung dieser Farbe weiter zurückdrängte.

Wussten die Künstler, mit was sie da malten?

Ob und wie weit, die Künstler selbst wussten, womit sie da malten, lässt sich nur wage vermuten. Bis 1933 konnte man Mumienbraun beispielsweise im Katalog von C Roberson und Co. finden – damals einer der Marktführer für Künstlerfarben in ganz Europa. Und auch heute, auch wenn zum Glück nicht mehr die Überreste von Toten Menschen oder Tieren verwendet werden, finden sich bei einigen Verkäufern von Farben rund um den Globus noch Farbtuben mit Namen wie „Transparent Mummy“ – die wenigsten werden wissen, wo diese Farbtöne ihre Wurzeln haben.

Mumienbraun heute?

Heutzutage ist Mumienbraun nicht mehr in der Kunstwelt präsent. Die Verwendung von Mumienbraun ist heute höchst unwahrscheinlich und wäre mit Sicherheit, – zu mindestens in den meisten Teilen der Welt –  auch illegal. Die ethischen und gesundheitlichen Bedenken, die im 19. Jahrhundert zu einem Rückgang der Verwendung führten, gelten auch immer noch und auch die Nutzung von menschlichen Überresten zu künstlerischen Zwecken wird heute in den meisten Ländern als respektlos und ethisch unvertretbar betrachtet.

Darüber hinaus könnten Gesundheitsvorschriften und Umweltauflagen die Verwendung von Materialien, die potenziell gefährliche Substanzen enthalten, verbieten. Moderne Kunstmaterialien werden nach strengen Sicherheitsstandards hergestellt, und die Verwendung von historisch kontroversen oder problematischen Substanzen wie Mumienbraun würde diesen Standards wahrscheinlich nicht entsprechen.

Die obskure Geschichte dieser Farbe dient als Mahnung an die sich ändernden ethischen Standards in der Kunst und die komplexen Beziehungen zwischen Kreativität und sozialen Werten. Obwohl Mumienbraun einst auf den Leinwänden der Meister zu finden war, bleibt es nun als kurioses Kapitel in der Farbgeschichte erhalten, ein faszinierendes Rätsel, das die Dunkelheit vergangener Pinselstriche enthüllt.

In jedem Fall ist es wichtig, sich an die aktuellen Gesetze und Standards zu halten und Materialien zu verwenden, die ethisch und gesundheitlich unbedenklich sind.

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Cally Stronk hat die Ausstellung eigens für den luftigen Glasanbau, die Flure und andere Räume der Fouqué-Bibliothek entwickelt. Schon die Fassade ist so dekoriert, dass man merkt: Hier findet gerade etwas Besonderes statt: bunte Neonbänder wehen im Wind und ein riesiger aufblasbarer Juwelenring baumelt aus dem Fenster in der ersten Etage. Aus anderen Fenstern lugen Figuren der Malerin. Ist das nicht
Frida Kahlo? Richtig! Es gibt mehrere Portraits der berühmten Künstlerin – in Neonfarben auf Karton. Das Herzstück der Ausstellung sind drei sehr große Portraits der Künstlerin.

Doch zurück zum Eingang: Dort wird man schon mit einem lustigen Text und Bildern begrüßt: „Trägst du Handschuh an den Füßen, riechts nach Käse beim Begrüßen!“ Dieser und andere lustige Reime stammen aus Callys Büchern. So baumeln auch im Ausstellungsraum verschiedene Tierrätsel von der Decke, die man lösen kann: Auf der Vorderseite das Rätsel – auf der Rückseite das gemalte Tier, das gesucht wird.

Überall sind Bilder – einige hängen auch schon mal verkehrt herum oder verstecken sich an geheimen Orten. Da muss man sich schon mal trauen, eine Klappe zu öffnen, um einen zart gemalten zwitschernden Vogel zu entdecken. Viele Bilder sind Teil der Rätsel und Geheimnisse.

 

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Interaktive Kunstausstellung – Kinder können Kunst erleben

Die Künstlerin lädt die kleinen Besucherinnen und Besucher ein, Kunst (inter-)aktiv zu erleben: „Balanciert über den Hai-Parcours, wer kann den geheimen Brief der Gräfin Nasewitz entschlüsseln? Wer findet heraus, welche Bilder durch Fälschungen ausgetauscht wurden?

Es gibt einen Kletterparcours für die Kleineren und Buchstaben-Spiele. Für jede Altersgruppe gibt es einen Anknüpfungspunkt. Überall gibt es etwas zu entdecken. Seit 21. September läuft die beliebte Ausstellung. Sie ist ein echter Kindermagnet.

Kein Wunder, denn Cally Stronk, weiß, was Kinder spannend finden: Die Künstlerin schreibt seit über 12 Jahren Kinderbücher und liebt es, Rätsel zu entwickeln – ob für Bücher, für Rätselrallyes der Berliner Buchmesse BUCHBERLIN, für Ausstellungen oder auch gemeinsam mit Kindern in Workshops.

Im Rahmen einer ihrer Lesungen in der AK Galerie im Galerienviertel am Kurfürstendamm in Berlin hatte Cally Stronk 2022 ihre erste Ausstellung. Die auch gleich fast komplett ausverkauft wurde. Seitdem folgt eine Ausstellung der nächsten. Wichtig ist Cally die Kommunikation auf Augenhöhe.

„Kinder möchten ernst genommen werden. Sie möchten bei ihren Interessen und ihren Erfahrungen abgeholt werden und die Möglichkeit bekommen, Neues zu entdecken. So lernen sie spielerisch, mit Spaß und ohne belehrt zu werden.“

Die Ausstellung macht neugierig auf Callys Bücher, die gleich nebenan in der Bibliothek ausgeliehen werden können.

Kunst in der Fouqué-Bibliothek

Die rätselhafte Ausstellung von Cally Stronk ist noch bis Mitte Januar 2024 geöffnet. Während der Öffnungszeiten der Fouqué-Bibliothek, diese befindet sich am Altstädtischer Markt8, 14770 Brandenburg an der Havel.

Öffnungszeiten, Anfahrt und weitere Informationen, finden Sie auf der Webseite der Bibliothek: Fouqué-Bibliothek (stadt-brandenburg.de)

Weitere Informationen

Mehr über Cally Stronk finden Sie u.a auf Wikipedia: Cally Stronk – Wikipedia

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Auch für das kommende Jahr – 2024-  hat die Künstlerin Tanja Robisch aus Reutlingen einen Kalender gestaltet.  Dieses mal gibt es sogar zwei Variationen! Die erste Variante verbindet geometrische und abstrakte Werke. Die zweite Variante ist mehr inspiriert von Naturstimmungen. Beide Kalender sind jedoch ein abstraktes Farbenspiel und zeigen die Mondphasen an. Bei der ersten Variante sind die Kunstwerke im Hochformat abgebildet und das Bild und Kalendarium liegen auf einer Seite. Die zweite Ausführung ist im Querformat mit Drahtheftung zum Aufklappen und Lochung, sodass auf einer Seite das Bild und auf der unteren Seite ein großzügig gestaltetes Kalendarium Platz für mehr Eintragungen bietet.

Beide Kunstkalender sind über die Webseite der Künstlerin bestellbar: Atelier Tanja Robisch Reutlingen – Tanja Robisch

Malseminare 2024

Ebenso hat Tanja Robisch die Termine für ihre beliebten Malseminare 2024 bekannt gegeben. Malkurse bei Tanja Robisch sind mehr, als sich mit der Kunstals solches auseinanderzusetzen. Sie vermittelt den Einklang von Geist, Seele und Körper.

In den „MAL“Seminaren stimmen wir uns zu Beginn mit einer Klang- Körpermeditation ein. Wir verankern uns im Körper, verbinden uns mit der Schwingung der Erde und mit dem göttlichen Bewusstsein. Öffnen den Herzraum, bringen den Körper und die Seele in einen fließenden Austausch. Lassen innere Bilder entstehen. – Tanja Robisch

Alle Termine und weitere Informationen finden Sie hier: MAL-SEMINARE – Tanja Robisch

Tanja Robisch

Tanja Robisch wurde 1975 in Südafrika geboren und wuchs in Deutschland auf. Schon früh entdeckte Sie ihre Liebe zu den Farben und zur Natur. Diese Liebe konnte sie am Besten in der Malerei Ausdruck geben. Um dies zu vertiefen studierte sie Malerei an der Alanus Hochschule Alfter. Im Anschluss absolvierte sie noch das Studium zur Dipl. Kunsttherapeutin(Fh).

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: MALEREI AUS HINGABE – Tanja Robisch im Interview

Weitere Informationen

Mehr über das Atelier Robisch erfahren Sie hier: tanjarobisch.com

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Kinder malen gerne, um sich auszudrücken. In jüngeren Jahren ist das Bild ein Medium, durch das sich Kinder spielerisch mitteilen bevor sie schreiben können. Nadja Wende bietet Kunsttherapie hauptsächlich als Einzeltherapie an, um besser auf ihre Patienten eingehen zu können. Bei entsprechender Indikation sind aber auch Gruppentherapien möglich.

Kunst als Therapie

Wie in jeder Therapie muss zunächst eine vertrauensvolle Beziehung zwischen Therapeut und Patient aufgebaut werden (in diesem Text sind mit der männlichen Form durchgehend alle Personen gemeint, unabhängig von ihrem Geschlecht). Eine gute Beziehung trägt maßgeblich zu einem erfolgreichen Therapieverlauf bei.

Als Therapeutin arbeitet Nadja Wende daran, ihre Patienten anzuregen, die eigenen Darstellungen nicht vorschnell zu bewerten, und den Patienten bei persönlichen Konflikten zu ermutigen und zu unterstützen. Die Therapeutin ist ein offener Gesprächspartner bei der Suche nach Lösungen und gibt auch begleitende und passende Impulse.

Kunsttherapie bietet eine Vielzahl an unterschiedlichen Methoden, Ansätzen und Techniken mit denen gearbeitet werden kann. So wird beispielsweise nicht nur mit Stift und Papier oder anderen Farben, also malerisch gearbeitet, sondern auch mit plastisch-skulpturalen Techniken und Materialien wie Ton oder mit Fotografie.

In der Praxis nw-atelier liegt der Fokus auf den Gestaltungsformen der bildnerischen Kunsttherapie. Es können aber auch Methoden aus den anderen Sparten der kreativen Therapien angewendet werden, wenn es sinnvoll erscheint, da Nadja Wende in der Grundausbildung am campus naturalis auch Tanztherapie, Musiktherapie, Theatertherapie und Psychodrama kennengelernt hat.

Durch den nonverbalen Ausdruck der persönlichen Gefühle empfinden viele Menschen die Kunsttherapie als eine angenehme Therapieform, da sie nicht von Beginn an gezwungen sind, ihre Anliegen oder Probleme zu versprachlichen. Insbesondere Kinder sind in der Regel offen für den Umgang mit verschiedenen Farben und anderen Werkmaterialien wie z. B. Ton oder Papier. Durch die Neugier, Neues auszuprobieren, versinken sie völlig in der jeweiligen Tätigkeit. Dies hilft sehr, unbewusst unterdrückte oder aus anderen Gründen bisher unerkannte Gefühle, belastende Gedanken oder Traumata durch die Kunst sichtbar zu machen.

Im Einzelgespräch erforscht Nadja Wende als Therapeutin die Bedeutung des Werkes.  Indem sie das Kind mit der offenen Fragetechnik nach seinen Gefühlen befragt: Welche Gefühle oder Gedanken sind während des Schaffens aufgetreten? Was gefällt an dem Kunstwerk? Was möchte der Patient verändern? Der Patient kann dadurch tief in seine Innenwelt eintauchen, seine Perspektive erweitern und neue Anregungen erhalten.

Um neue Bewältigungsmöglichkeiten zu finden, dient dem Kunsttherapeuten nicht nur das Gespräch, sondern auch die Arbeit mit Kunstwerken. Oft empfinden die Patienten bereits die Möglichkeit, sich in Farbe und Form ausdrücken zu können, als Entlastung.

In jedem Werk stecken nicht nur Probleme, sondern auch Möglichkeiten des Fortschrittes und der Lösung. Diese im therapeutischen Gespräch herauszuarbeiten, ist die Kunst der Kunsttherapie. Eine erste Veränderung kann der Patient bereits in den Bildern oder Plastiken umsetzen. Er kann beispielsweise Änderungen an seinem Werk vornehmen. Farben und Formen verändern, etwas hinzufügen, anderes wegnehmen und in einen neuen Kontext setzen.

Bei den Übungen schöpft die Kunsttherapeutin Nadja Wende aus einer in der Selbsterfahrung, den Ausbildungen sowie Weiterbildungen erlernten Methoden- und Themenvielfalt und sucht jeweils die passende Herangehensweise heraus. Dazu macht sie in der Erstsitzung mit den Eltern eine Anamnese oder ein Problemerkennungsgespräch. Schon jetzt setzt Frau Wende kreative Methoden ein und lässt das Kind z. B. seinen Helden oder einen Steckbrief malen, um es besser kennenzulernen.

In der nw-atelier Kunsttherapiepraxis für Kinder bedient sich die Kunsttherapeutin altersentsprechend verschiedenster Techniken, der Malerei, der Bildhauerei/Skulptur, der Grafik, dem Zeichnen, dem Malen nach Musik, der Sprache in Form von Geschichten, Märchen und Gedichten, dem Töpfern mit Ton und den Techniken der Collagen.

Das Kind kann dabei neue Fähigkeiten entwickeln, Lösungen für Probleme finden und eigene Ressourcen entdecken. Die Kunsttherapie soll die Selbstheilungskräfte stärken und psychische Veränderungen anstoßen. Sie wird in der Kunsttherapiepraxis nw-atelier als Einzeltherapie angewendet. Sollte es innerhalb der Familie zu Konflikten kommen, kann es sinnvoll sein, die Kunsttherapie als Gruppentherapie innerhalb der Familie anzubieten, denn dann geht es auch um die soziale Interaktion in dem konkreten familiären Umfeld.

Der Gestaltungsprozess ist dabei im therapeutischen Sinne wichtiger als das fertige Werk.

Kann ich eine Kunsttherapie über die Krankenkasse abrechnen?

Auch wenn Kunsttherapie in Deutschland ambulant nicht als Psychotherapieformat gesetzlich abgerechnet werden kann, gibt es einige private Krankenkassen oder auch Zusatzversicherungen, die einen Teil der Kosten übernehmen. Das wird meist als psychotherapeutische Heilpraktikerleistung abgerechnet.

Kunsttherapeutin Nadja Wende

Dass Kunst innere Gefühle sichtbar machen kann, hat Nadja Wende zum ersten Mal bei der kreativen Arbeit mit Ton zum Thema Menschen am Flughafen im Jahr 1992 entdeckt. Als sie damals im Leistungskurs Kunst für den neuen Münchner Flughafen eine Ausstellung mit Tonfiguren zum Thema „Menschen am Flughafen“ vorbereiteten. Seitdem beschäftigt sich Nadja Wende damit, welche künstlerischen Gestaltungsformen für verschiedene Situationen therapeutisch geeignet sind.

Nadja Wende hat die Ausbildung zur Kunsttherapeutin an der campus naturalis Akademie in Berlin gemacht. Um sich auf Kinder als Zielgruppe zu spezialisieren, hat sie eine Kunsttherapie-Weiterbildung am DIL Berlin absolviert. Damit sie die Kunsttherapiepraxis eröffnen kann, hat Nadja Wende die Heilpraktikerprüfung beschränkt auf das Gebiet der Psychotherapie am Gesundheitsamt bestanden und sich mit der Kunsttherapiepraxis nw-atelier beim Gesundheitsamt in München angemeldet.

Ihre Kunsttherapie-Ausbildung an der campus naturalis Akademie Berlin war hauptsächlich tiefenpsychologisch orientiert nach den Lehren von C.G. Jung. Inhalte des Studiums an der campus naturalis Akademie waren zum einen kunstgeschichtliche, psychologische und psychotherapeutische also theoretische Inhalte, jedoch auch viele praktische Beispiele und praktische Arbeiten, welche häufig als Selbsterfahrung angefertigt werden mussten. Praktika und selbst angeleitete Kunsttherapiestunden gehörten ebenfalls zur Ausbildung.

Die Zusatzausbildung am DIL als Kunsttherapeut für Kinder und Jugendliche ergänzte die Methodenvielfalt um kindgerechte Methoden aus mehreren verschiedenen psychotherapeutischen Ansätzen, unter anderem den systemischen Therapieansätzen sowie den verhaltenstherapeutischen Methoden.

Mit der Zusatzausbildung Trauerarbeit in der Kunsttherapie an der Paracelsus Schule Osnabrück hat sich Nadja Wende zusätzlich auf Trauerfälle in der Familie spezialisiert, um Kindern Hilfe anzubieten, deren Eltern in der Trauer verständlicherweise mit sich selbst bzw. Formalitäten beschäftigt sind und die die Kinder nicht unnötig zusätzlich belasten wollen. Kinder trauern anders als Erwachsene, darauf geht die Kunsttherapeutin Nadja Wende speziell ein.

Weitere Informationen

Mehr über Nadja Wende und die Kunsttherapie: nw-atelier.de

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Anja Semling ist bildende Künstlerin und Grafikdesignerin. Als gelernte Graphikerin konnte Semling ihre graphischen Kenntnisse jahrelang in zahlreichen sowie vielfältigen Auftragsarbeiten für Print- und Non-Printmedien einbringen. Hauptsächlich konzentrierte Anja Semling sich dabei auf Logos, Bücher, Corporate Design, klassische Printmedien sowie Illustrationen & Internetgraphiken.

Seit 2012 widmet sich die Künstlerin verstärkt der Malerei mit Acrylfarben bevorzugt auf Keilrahmen. Zu ihrem Spektrum gehören seit 2019 Spachteltechniken sowie Acrylic-Pouring, die sog. Fließtechnik. Im illustrativen Bereich ist Semling mit vielen weiteren Techniken versiert. Einen Einblick in ihre Arbeiten finden Sie hier: Werk der Woche #40 – Totengesang.

Zuletzt stellte Anja Semling in Frankreich aus;  Tour des beaux arts-  Ausstellung im Festungsbau Vauban.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Interview mit der elefantastischen Künstlerin

Die Malerei im alten Ägypten – Ein Gastbeitrag von Anja Semling:

Die Bilderwelt des alten Ägypten ist einzigartig in der Kunstgeschichte des Abendlandes, keine vergleichbare Hochkultur hat solch ein immenses Bildrepertoire hervorgebracht und umgesetzt, über einen Zeitraum der mehr als drei Jahrtausende währte. Die alten Ägypter bedienten sich ihrer visuellen Kommunikation mit den Göttern und Lebenden sowie Toten, mittels malerischen Darstellungen ihrer realen und imaginären Lebenswelten.

Traditionsbewußte aber auch innovative bildhafte Darstellungen, reich an Farbenpracht, prägen die ägyptischen Wandmalereien; wechselseitig ergänzen und bereichern sich Bild und Schrift – die Hieroglyphen. Vielfach heute noch zu bestaunen in Königs- und Privatgräbern sowie an Tempelbauten.

Die alten Ägypter entwickelten schon früh einen Kanon ihrer vielseitigen Malereien, der über die Jahrtausende anhielt. Seit der prädynastischen Zeit (um 4000 bis 3000 v.Chr.), bildeten die Künstler die Natur mit bereits ausgemalten Zeichnungen ab. Die vollständig, mit gemalten Szenen zu Alltag und Jenseits, bedeckten Grabwände bezeugen wie die Ägypter eine Perfektion auf diesem Gebiet erreicht hatten. Die ägyptische Malerei besitzt ihre eigenen Normen, die seit dem Ursprung des Alten Reiches (um 2750–2130 v.Chr.) festgelegt waren. Sie waren von religiösen, sozialen und ästhetischen Überlegungen geprägt.

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch,

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch, was sich insbesondere in Personendarstellungen ausdrückt. Die Personen wurden im Allgemeinen im Profil dargestellt, wenn sie nach rechts gerichtet waren, konnten sie lediglich den linken Arm und den linken Fuß nach vorn strecken. Dafür gab es einen ästhetischen Grund, und zwar, dass im gegenteiligen Fall die Linien des Körpers sich kreuzen und damit der Harmonie der Zeichnung schaden würden. Vorderansichten in der ägyptischen Malerei sind äußerst selten anzutreffen!

Die ägyptische Kunst besaß religiösen Charakter, und die in Gräbern abgebildeten Personen, waren nicht reine Dekorationen, sondern waren Wesen, die magisch lebendig wurden. Eben dadurch dass sie auf malerische Art dargestellt wurden. Je größer eine Person dargestellt wurde, desto wichtiger war sie.

Gesichter und Körper stellte man in der Position dar, die sie am besten charakterisierten: das Auge von vorne, den Kopf im Profil, die Hände ausgestreckt von ihrer Außenseite, die Füße im Profil. Auffallend an der ägyptischen Malerei: die Lebendigkeit, die reiche Farbigkeit und die flächigen Formen, die dem Ganzen einen individuellen Malstil anhaften. Hieroglyphen, die Schrift der alten Ägypter wurden aus-oder angemalt, farbig oder schwarzweiß.

Insbesondere auf Papyri wurden die Hieroglyphen „aufgemalt“, oder besser: geschrieben, denn die alten Ägypter hatten ihr eigenes komplexes Schriftsystem. Aber je nach Schriftträger und Material, wurde die Schrift gemalt auf Kalkputz, Papyri, Holz, oder gemeißelt in Stein und dann ausgemalt!

Farben

Altägyptische Bezeichnungen

Wadj; bezeichnet im weiteren Sinne den Lebensraum Wasser. Die Vegetation (Grün) mit eingeschlossen, denn das Wasser bringt ja erst die Vegetation hervor.

Kem; Das Fruchtland, das jedes Jahr unter dem Nil versank, insofern umfasst der Begriff Kem alle Schattierungen des Erdbodens, also auch Braun, Grau, usw. Dominiert wird Kem aber von Schwarz. Kem ist somit lebensspendend und lebendig.

Kek; charakterisiert die Finsternis, das Gegenteil von Hedj (Helligkeit). Kek ist unbelebt und vage.

Descher;  verweist auf die Wüste und bezeichnet die diversen Facetten des Sandes am Tage. Die wesentliche Komponente dieser Farbe ist allerdings Rot, z.B. Sonnenuntergang.

Hedj; benennt das Sonnenlicht und im übertragenen Sinne alles Glänzende (z.B. Silber). Hedj bedeutet Helligkeit. Hedj muss als eine Art Nichtfarbe angesehen werden. Das Gegenteil von Kek, die Finsternis, ist Hedj.

Das Schwarz bestand weitgehend aus Ruß (wurde teils von den Kochtöpfen abgekratzt), das Weiß von dem Kalk, das Blau vom Lapislazuli, das Grün vom Malachit und das Rot dagegen aus Ocker, einem Mineral, das in großen Klumpen in den ägyptischen Wüstengebieten gefunden wurde und von gelber, oranger, roter oder brauner Farbe sein konnte.

Die Mischungen dieser Farben ergab eine reiche Farbpalette. Mit den Farben wurden Grabwände, Reliefs, Tempelmauern, Säulen, die reliefierten Hieroglyphen auf Mauern und Architekturteilen der Tempel sowie die Mauern der Paläste und Adligenhäusern, bemalt. Sowie auf Holz wurde gemalt, z.B. die Sarkophage und Särge. Selbstverständlich auch auf den Beschreibstoff Papyri malten die Ägypter, insbesondere ihre Totenbuch-Illustrationen.

Schwarz – kek und kem

Für die Ägypter existierten zwei Arten von Schwarz, nämlich ein unbestimmtes Schwarz, das Leere ausdrückt und zum Bereich der Finsternis (kek) gehört und ein klares Schwarz, das zur Wiedergabe greifbarer Dinge verwandt wurde und dem Bedeutungsfeld des Lebendigen (kem) zugeordnet ist.

Symbolik der Farben

Anfangs verwendete man nur die vier Grundfarben, später erst mischte man sie hell oder dunkel und fand Zwischentöne. Die Farben wurden stets symbolträchtig angewendet: Blau für Amun = Himmelsgott, Grün für Osiris als Jüngling, Schwarz, wenn er den Totengott verkörperte, Rot für Seth und überhaupt für böse, schlecht, hinterhältig und für alles Störrische, also auch für Bilder von Eseln oder Hunden oder auch für die Fehler, die der Schreiber Rot notierte. Rot oder Gelb für Unsterblichkeit dekorierte man gern die Gräber, Gelb (=> suggerierte Goldfarben) war auch beliebt für Hintergründe bei Szenen zum Totenbuch. Nachgewiesen werden konnte, dass Rosa als eigenständige Farbe benutzt wurde ab dem Neuen Reich; Rosa setzten die Maler beispielsweise für transparente Kleidung ein.

Herstellung der Farben

Die Farbpigmente wurden zu Puder vermahlen, mit Harz und Wasser angerührt und anschließend in Tablettenform getrocknet und auf die Palette des Schreibzeugs gesetzt. Ersatztabletten zum Nachfüllen lagen immer bereit. Gemalt wurde mit Wasserfarben.

Die ägyptischen Künstler nahmen Pinsel, Bürstchen, Wassergefäße und Scherben die zur Zubereitung der Farben dienten, zur Hilfe.

Gestaltungsprinzipien in der ägyptischen Kunst;

zweidimensionale Darstellungen und die Tatsache, dass die alten Ägypter eine räumlich-zeitliche Perspektive umsetzten, vier Dimensionen in eine einzige Bildfläche, die sich schon ab den frühesten Epochen findet. Die Unterteilung von Bildflächen in Register oder die typischen Kompositionen. Am verbreitetsten und zugleich die charakteristischste Ausdrucksform in der ägyptischen Malerei war der flächige Farbauftrag.

Schon im Alten Reich wurden die Gräber mit Malereien dekoriert, mit Bildprogrammen die Szenen aus dem Alltag wie Jagd, Fischfang oder Ernte zeigen. Den Ägyptern, denen eine gewisse Kontinuität in der Ausführung ihrer
künstlerisch-malerischen Werken anhaftet ist kaum zu übersehen, doch es gab viele Entwicklungen oder Veränderungen, sowohl in der Farbgebung als auch bei den Formen und Bildthemen. Vieles auch in idealisierter Darstellung.

Schlusswort

Die Farben des alten Ägypten auf Wandmalereien, strahlen noch heute! Sie  haben eine große Anziehungskraft auf die Menschen, die sie bestaunen. Wenn man bedenkt, dass diese Farbenpracht viele Jahrtausende im Dunkel verborgen war, so ist es ein kleines Wunder, sie heute wieder zu erblicken. Noch sind nicht alle wiederentdeckt, die Malereien in Gräbern der Könige und Adligen. Natürlich finden auch Restaurationen der Wandgemälde statt, um sie zu erhalten.

Buchtipp: Ägyptische Wandmalerei

Der Text-/Bildband der von etwa 3500 bis 1000 v.Chr. durch die ägyptische Malerei führt, beleuchtet die Ursprünge, Entwicklungen und Veränderungen sowie die ägyptischen Malereien an sich, anhand vielfältiger Beispiele. Zum Verständnis dieser Bereiche sind im ersten Teil des Werkes die Themen: Gestaltungsprinzipien, Chromatik und Farbsymbolik ausführlich erklärt; des Weiteren die Maltechniken. Mit diesen Themenbereichen bietet der Text-Bildband einen in die Tiefe gehenden Einblick in das künstlerische Schaffen.

Rezension des Buches: http://buch.mein- altaegypten.de/Geschichte+Kultur/2_GK-Wandmalerei.html

Weitere Informationen

Homepage über das alte Ägypten, von Anja Semling: www.mein-altaegypten.de

Mehr über das künstlerische Schaffen von Semling: www.viskom-semling.de

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Die junge Künstlerin Janine Pommerenke hat sich in den letzten Tagen und Wochen Gedanken gemacht, wie sie sich und ihre Kunst einbringen kann, um etwas zu bewegen. Die Idee für das Projekt Paintbreak stammt von Janine Pommerenke, für die Umsetzung wird noch Unterstützung gesucht – wir möchten unsere Reichweite nutzen, um auf das Projekt aufmerksam zu machen und vielleicht finden sich auch Künstler, die in den letzten Tagen ähnliche Gedanken hatten.

Janine Pommerenke über Projekt Paintbreak

Ich selbst habe die Kunst oftmals als Möglichkeit genutzt persönliche Ereignisse zu reflektieren, sowohl im positiven als auch negativen Sinne. Sie half mir in unterschiedlichen Situationen meine Emotionen herauszulassen und über Geschehnisse nachzudenken. Meiner Meinung nach ist dafür nicht unbedingt Talent erforderlich, vielmehr ist die Tätigkeit an sich entscheidend.

Ich bin davon überzeugt, dass ein künstlerischer Workshop eine willkommene Abwechslung für geflüchtete Kinder und Jugendliche, aber auch für Erwachsene, ist. Im Projekt „Paintbreak“ könnten die Menschen die Möglichkeit erhalten, sich Zeit für sich zu nehmen und selbst zu entscheiden, ob bzw. wie sie ihren Gefühlen und Gedanken künstlerisch freien Lauf lassen, möchten.

Schlimme Traumata, die der Krieg und Terror mit sich bringt, lassen sich oft schwer mit Worten ausdrücken. Ich kann mir vorstellen, dass es einfacher ist mithilfe der Kunst zu sprechen. Professionelle Betreuung z. B. durch Psychologen*innen sollten im besten Fall den Workshop begleiten, um die Menschen, die solches Leid erlebt haben, auf sichere Art und Weise zu helfen.

Bei dem Projekt „Paintbreak“ könnten sie ein Stück weit das Leben für einen oder mehrere Nachmittage ohne Angst genießen. Das Projekt könnte nicht nur kurzfristig eine Abhilfe von einem neuen Alltag sein, der voller Verlust, Trauer, Orientierungslosigkeit, Wut und Dankbarkeit gekennzeichnet ist. Auch langfristig birgt das Projekt das Potenzial auf künstlerische Art und Weise Wunden zu heilen und eine Freizeitbeschäftigung im Austausch mit vielen anderen Menschen zu sein.

Generell stelle ich mir vor, einen Workshop in drei Teilblöcke zu gliedern. Um den Einstieg zu erleichtern, würde ich den Workshop durch eine kurze Vorstellung meinerseits beginnen. Die Teilnehmenden können daraufhin folgen.
Dieser erste Block soll nicht länger als eine halbe Stunde dauern, wobei das von der Anzahl der Teilnehmenden abhängt.

Der Hauptteil kann im Rahmen eines bestimmten Themas durch die künstlerische Tätigkeit ausgefüllt sein. Drei Themen können beispielsweise sein:

• Fantasietiere – je bunter umso besser
• Frühlingsgefühle – was verbindet ihr mit wärmer werdenden Temperaturen?
• Traumstädte – wie sieht sie für euch aus?

Um die Themen zu unterstreichen und die Teilnehmenden anzuregen Pinsel und Farben herauszusuchen, können Requisiten und/ oder bereits gestaltete Leinwände das Ambiente ergänzen. Außerdem können Snacks wie Kekse und warme Getränke wie Kaffee oder Tee den Nachmittag gemütlicher gestalten.

Im dritten und letzten Teilblock würde ich gern die Werke präsentieren, die entstanden sind, wenn die Teilnehmenden das ebenso wünschen. Die Präsentation soll vor Ort die anderen inspirieren. Im Einverständnis mit den Teilnehmenden können die Ergebnisse medial festgehalten werden. Um diese Idee umzusetzen, bedarf es in vielerlei Hinsicht Unterstützung und Organisation, in erster Linie bezüglich der Räumlichkeiten und zur Stadtverwaltung, um Kontakte zu den geflüchteten Ukrainer*innen herzustellen.

Was wird benötigt?

Die folgende Auflistung soll einen groben Umriss des Notwendigen aufzeigen.

Material/ Mobiliar:
Leinwände, bemalbare Stoffe, Farben, Stifte, Pinsel, Schwämme, Waschbehälter, Wasser, Seife,
Handtücher, Einweghandschuhe, Tische, Stühle

Verpflegung:
Tee, Kaffee, Wasser, Saft, Zucker, Milch, Kekse, Rührstäbchen, Servietten, Müllsäcke

Räumlichkeiten:
Ateliers, Lagerhallen, Kulturräumlichkeiten (z.B. Theaterbühnen, Tanzflächen von Clubs etc.),
Räumlichkeiten in den Universitäten

Arbeitskräfte/ Freiwillige:
Dolmetscher*innen, Psychologen*innen/ Sozialarbeiter*innen, Bürger*innen und Künstler*innen
Mögliche Partner/ Sponsoren:
– Kunsthochschulen (Kunsthochschule Berlin-Weißensee und/ oder Universität der Künste in
Berlin),
– Künstlerkollektive (z.B. „innerfields“ Künstlerkollektiv Berlin),
– städtische Institutionen und Organisationen (z.B. Senatsverwaltung für Bildung, Jugend und
Familie, Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Kulturszene/ Theater/ Museen etc.),
– Organisationen (z.B. Kreativhaus, Bürgerhaus BüHa gGmbH etc.)

Ich könnte mir vorstellen die künstlerischen Workshops in Berlin an mehreren Nachmittagen am Wochenende oder auch Werktags zusammen mit anderen Unterstützern/ Freiwilligen durchzuführen.

Sie finden die Idee gut und sie können mir bei der Umsetzung der Projektidee helfen? Oder Sie haben hilfreiche Kontakte bezüglich Räumlichkeiten, Sponsoren/Partner, Organisationen zu Geflüchteten usw.?

Sie finden das Projekt ist eine Investition wert?

Dann melden Sie sich bitte bei mir: J.Pommerenke@gmx.de

Weitere Informationen

Titelbild: Ein Rädchen im Getriebe von J. Pommerenke (100x70cm/Nahaufnahme)

Mehr über die Künstlerin:  Nachwuchskünstlerin Pommerenke im Portrait

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