Das bedeutende Museum liegt gegenüber dem berühmten Central Park im Herzen von New York. Die umfangreiche Sammlung vom Museum of the City of New York besteht aus rund 1,5 Millionen Einzelstücken. Alle befassen sich mit der Geschichte und der Bevölkerung von New York City. Dazu gehören neben Gemälden, Zeichnungen auch dekorative Objekte, Kleidungsstücke, Möbel, seltene Bücher, auch Fotografien.

Die deutsche Fotokünstlerin CP Krenkler kann nun von sich behaupten, dass Sie es mit ihren Aufnahmen in das vielleicht bedeutendste Museum der Stadt geschafft hat. Ein Meilenstein, der die Qualität und Wichtigkeit der Fotografien der Wahl-New-Yorkerin unterstreicht.

14 Arbeiten im Format: 50 x 75 cm, High End Fotobelichtung hat das Museum von der Künstlerin erworben. Der Kaufvertrag liegt uns vor. Wir haben die Künstlerin gefragt, wie es dazu kam!

Alle Fotos sind in einer limitierten Sonderedition – auf Acrylglas – über unseren online-Shop erhältlich!

CP Krenkler über ihr Fotoprojekt „Chinatown“

Was hat es mit dem Projekt auf sich? 

Das Projekt über Chinatown sollte mein Projekt über St. Pauli spiegeln. Ich habe dort das selbe gemacht wie zu Hause in St. Pauli, ich habe die Menschen vor ihren Geschäften portraitiert. Die Idee dabei ist, Mensch und Architektur zu verbinden und die ganze Vielfalt und Eigenart des Stadtteils einfangen.

Beide Stadtteile sind außergewöhnlich und einzigartig, in meinen Augen, und nicht nur den üblichen Veränderungsprozessen einer lebendigen Stadt ausgesetzt, sondern eben leider auch der Gentrifizierung und ich wollte das, was ist, festhalten, den beiden Stadtteilen, St. Pauli in Hamburg und Chinatown in Manhattan, die ich liebe, eine Denkmal setzten. Daher sollen die Fotos nicht nur Portraits einzelner Menschen sein, sondern vielmehr das Portrait eines Stadtteils.

Ab wann werden die Fotos im Museum zu sehen  sein? 

Die sind jetzt in der ständigen Sammlung ! Heißt in der Praxis, die Fotos sind erstmal im Archiv. Aber da es das Museum of the City of New York ist, bedeutet das, dass meine Bilder in dem wichtigsten Archiv der Stadt NYC sind und dort bleiben werden!

Jedes Museum hat eine ständige Sammlung, die weit größer ist, als die tatsächlichen Ausstellungs Kapazitäten. Bedeutet aber, dass meine Fotos verfügbar sind, heißt auch weltweit an andere Museen verliehen werden können, wenn es angefragt wird. Das Museum of the City of New York hat außerdem keine feste Dauerausstellung. Die haben immer nur thematische Sonderausstellungen.

Und die vielleicht spannendste Frage, wie kam der Deal zustande? 

Tatsächlich war es wohl Glück. Meine Assistentin Alex Ching, mit der ich das Projekt über Chinatown gemacht habe, hatte die E-Mail des Kurators des Museums. Sie hat ihm eine ziemlich unprofessionelle und etwas kindische E-Mail geschrieben und meine schwächsten Fotografien aus dem Projekt angehängt. Ohne mich zu fragen. Als ich die E-Mail gelesen habe, bin ich davon ausgegangen, dass nie eine Antwort kommen würde. Und plötzlich kam eine!

Wir wurden dann eingeladen und ich hatte eine Box mit 56 hochwertigen Abzügen, die sich der Kurator Sean Corcoran angesehen hat. Sehr schnell hat er gesagt: „We are highly  interested in buying!“

Da war ich wieder überrumpelt. Bin maximal davon ausgegangen, dass er meine Fotos vielleicht im Kopf behält und mich nicht vergessen hat, wenn eine Sonderausstellung geplant werden sollte, die thematisch zu meinem Projekt passen würde. Von kaufen für die ständige Sammlung hätte ich mich nicht einmal getraut zu träumen!

Ich habe mich lange gefragt, weshalb die E-Mail von meiner Assistentin nicht untergegangen ist, bis mir klar wurde, dass es ihr Nachname gewesen sein muss, der Interesse geweckt hat. Ching ist chinesisch. Alex ihr Vater ist Chinese, ihre Mutter weiße Amerikanerin. Ich glaube, der Kurator dachte, es wäre ein Projekt von jemanden aus der chinesischen Community über die chinesische Community und dadurch wurde es interessant.

Ausschlaggebend war aber am Ende die Qualität der Fotografien. Aber so kam das erste Interesse, wie gesagt, es war auch Glück.

Was war das anspruchsvollste bei dem Projekt?

Tatsächlich ist es auch so, dass die Chinesen in Chinatown – kulturell bedingt – dem fotografiert werden gegenüber sehr verschlossen sind. In der asiatischen Kultur gehört es sich nicht, sich selbst in den Vordergrund zu stellen. They don’t want to be exposed. Trotzdem haben sie mir ihre Herzen geöffnet und mir erlaubt, ihnen so nahe zu treten.

Gab es Momente während des Projekts , die dir besonders in Erinnerung geblieben sind? 

Es war eine wundervolle Zeit. Wenn ich durch die Straßen Chinatowns lief, begegneten mir oft Menschen, die ich portraitiert habe, von allen Straßenseiten wurde mir strahlend zugewunken. Jedem, den ich fotografiert habe, habe ich später einen Abzug des Bildes vorbei gebracht.

Der Vater der Familie, die ich vor dem Gebrauchtwaren und Smartphone Reparatur Laden portraitiert habe, hatte Tränen in den Augen als er das Fotos in der Hand hielt. Er konnte gar nicht mehr aufhören, es anzuschauen und hat dabei immer wieder geflüstert: „It’s so beautiful!“ Es hat mich glücklich gemacht, zu sehen, wie sehr mein Foto ihn berührte. Das bedeutet mir mindestens so viel, wie das meine Fotos nun im Museum sind!

Seit einem Jahr lebe ich nun in Chinatown. Aber die Pandemie hat einen Kahlschlag hinterlassen. 2020 habe ich noch viele Menschen wieder getroffen, die ich fotografiert habe. Jetzt sind nur noch eine Handvoll von ihnen übrig. Es ist, als ob das Lächeln aus Chinatown verschwunden ist. Es ist erschütternd.

Weitere Informationen

Zum Schutz vor (digitalen) Raubkopien veröffentlichen wir einzelne Aufnahmen in verminderter Qualität. Eine limitierte und nummerierte Edition der Werke ist zeitnah über unseren online-Shop erhältlich! Bei Interesse an hochqualitativen Abzügen nutzen Sie bitte unseren Kontakt. 

Titelbild: Grocery Store, 71 East Broadway /2017 (c)CP KRENKLER

Mehr über CP Krenkler: https://krenkler.eu/

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

ARTTRADO und unsere Arbeit unterstützen:

Laut Otto Piene hatte »Zero« die Bedeutung »Neubeginn«. In dem zerstörten Deutschland der Nachkriegszeit gründet er Ende der 1950er-Jahre zusammen mit Heinz Mack eine Bewegung, die auf »der Idee beruht, dass der Wiederaufbau mit den Mitteln der Kunst ins Werk gesetzt werden kann, wenn er vom Geist ausgeht.«

Aus der Initiative dieser jungen deutschen Künstler erwächst dann eine umfassende internationale Bewegung.  Diese Bewegung wird unter demselben Namen ZERO bekannt. In ihr versammeln sich so unterschiedliche wie bahnbrechende Figuren wie Fontana, Klein, Kusama, Manzoni, Alviani, Arman, Tinguely, Spoerri, Soto und andere. Sie alle eint der Wunsch, von Grund auf mit der künstlerischen wie der politischen Vergangenheit aufzuräumen und neue Formen des Schöpferischen auf den Trümmern der alten Welt zu ersinnen.

Als führender Kopf der Gruppe erforscht Otto Piene über seine gesamte Laufbahn unermüdlich die unterschiedlichsten und innovativsten Formen plastischen Schaffens. (Malerei mit Feuer, Skulpturen aus Edelstahl, bemalte Keramik, kinetische Installationen, Film, Performance, Sky Art …).

In dieser fortwährenden Neuerfindung der Kunst hat Otto Piene nie aufgehört, den Sinn der künstlerischen Geste zu hinterfragen.

Le Rouge et le noir

Gleichsam als Spiegel der experimentellen Kreativität Pienes präsentiert die Ausstellung eine Reihe bemalter Keramiken, Feuerbilder, Gouachen auf Papier sowie eine Lichtinstallation. Die Auswahl umkreist die basale Kombination der Farben Rot und Schwarz in Pienes Œuvre.

Den Titel Le Rouge et le noir verwendete der Künstler für mehrere Werke.  Sowie für verschiedene Medien, etwa bemalte Keramik, Öl und Feuer auf Leinwand oder Lichtinstallationen.

Le Rouge et le noir lautete auch der Titel seiner Keramikausstellung im Leopold-Hoesch-Museum. Das Haus in Düren zeigte die Keramiken im Jahr 2010. Als Anklang an den Roman von Stendhal stehen die beiden Farben in Pienes Œuvre für die Leidenschaft und das Streben nach dem Absoluten. Rot und Schwarz sind auch die Farben des Schmelzvorgangs von Materie, der Anblick, der sich einem bietet, wenn man in den Ofen schaut, in dem die Keramik gebrannt wird.

Keramik von Piene

Wie Miró hat sich auch Piene in denselben Jahren der Keramik zugewandt. Um sich mit der Materie als solcher, mit den Elementen auseinanderzusetzen; um zu einer archaischen Geste zurückzukehren, um an den prähistorischen Künstler zu erinnern, der dem unbehauenen Material eine einzigartige Form verleiht, der die Steine zum Sprechen bringt.

Die imposante blutrote Keramik Red Bulls (2011) stellt ein Quartett von Stieren dar, die einer Wandmalerei aus einer prähistorischen Höhle zu entstammen scheinen. Die Skulptur war 2013 in der Energy Fields betitelten Ausstellung von Piene im Museum ZKM in Karlsruhe zu sehen. Was diese kraftvolle Keramik im Besonderen und die Ausstellung überhaupt hinterfragt, ist die fundamentale Energie, die den Ursprung aller Kunst bildet.

»In meinen Keramiken«, so Piene, »kommen die vier Elemente zusammen: das Fließen von Wasser − kombiniert mit Ton −, das später im Feuer des Brennofens verdampft und von der Luft getrocknet wird«.

Zu den Wurzeln der Kunstgeschichte zurückzukehren, um sie ganz neu zu schreiben, kann man als den Geist von ZERO bezeichnen. Der Bewegung, die Piene initiiert hat. Wenn man bedenkt, wie viele junge Künstler sich heute, im Westen wie in Asien, der Keramik zuwenden, dann kann man ermessen, wie visionär Piene in seiner Rückkehr zu diesem Material war.

Eine kleine Retrospektive

Den Arbeiten der letzten Serien von Otto Piene werden in der Ausstellung die Werke aus der ersten Schaffensphase des Künstlers gegenübergestellt. Damit bildet die Schau eine Art kleiner Retrospektive. So zeigt das mit Öl, Feuer und Rauch auf Leinwand gemalte Bild „Die Geburt des Regenbogens“ (The birth of the rainbow, 1966) die Kontinuität in der Verwendung von Feuer im Œuvre von Piene sowie seinen Dialog mit dem Werk von Yves Klein. Einem Freund und Weggefährten Pienes.

Mit Piene, wie auch mit Klein, wird das Feuer zu einer Kunstform, in der die Künstler, beide Kriegskinder, vorführen, dass das Feuer der Kanonen auch zum Instrument der Maler werden kann; dass der Zerstörung durch das künstlerische Schaffen widersprochen werden kann. Das Himmelsfeuer wird zu Feuerorgel. (Fire Organ, 1972). Einem Feuergemälde auf Karton, wo Piene, allem Anschein nach, das Herz der Schöpfung zeigen will.

Und auch für seine Installationen wie die hier vorgestellte Lichtraster o. T. (2012−2014) bildet das gleichermaßen erhabene wie beunruhigende Himmelslicht die Basis. Das Licht ist hier das grafische Element, das dem Bild Form und Bedeutung verleiht. Oder, wie Otto Piene einmal erklärt hat: »Das Licht war das verbindende Element und sozusagen der Schlussstein unserer Kunst«.

Der Grad Null der Kunst

Die Ausstellung wird begleitet von einem originellen Essay von Jerome Neutres. Dem ehemaligen Direktor der Réunion des musées nationaux − Grand Palais (dt. »Vereinigung der Nationalmuseen − Grand Palais«) und ehemaligen Präsidenten des Musée du Luxembourg. Unter dem Titel »Der Grad Null der Kunst« (Le Degré zéro de l’art) stellt der Text die Grundlagen der Arbeit Pienes in den größeren Kontext der Geschichte der zeitgenössischen Kunst ab dem Zweiten Weltkrieg bis heute. Piene erscheint darin als eine der Schlüsselfiguren dieser Geschichte, welche die Tendenzen und Brüche erhellt, die die Kunst seit 60 Jahren kennzeichnen.

Weitere Informationen

Otto Piene, Rouge et noir vom 08. Mai bis 30. Juni 2022, Galerie Gmurzynska USA -43 East 78th Street, NY-10075,United States of America.

Mehr über die Galerie und das Programm:  http://www.gmurzynska.com/

Sie planen einen Besuch in New York? –  Unterkünfte finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Der junge Künstler Mikail Akar stellt seine charakteristisch abstrakten Gemälde zum ersten Mal in Amerika aus. Mikail begann im Alter von vier Jahren zu malen und gilt heute, mit neun Jahren als einer der jüngsten professionellen Maler der Welt. Seine Kunstwerke wurden bereits deutschlandweit sowie in Wien und Istanbul ausgestellt. In diesem Jahr folgen Ausstellungen in Zürich, München, Hamburg, Rom und in New York. Es ist also vollkommen angemessen, den jungen trotz seines alters als international anerkannten Künstler zu bezeichnen.

Eines der ersten Interviews, mit dem jungen Künstler am Anfang seiner Karriere, finden Sie hier: Mit 4 Jahren die Karriere als Künstler gestartet

COLORFUL NEW YORK

Mikail lässt sich von modernen Malern des abstrakten Expressionismus inspirieren, insbesondere von Jean-Michel Basquiat und Jackson Pollock. Besonderes Augenmerk auf Farbe und Komposition findet sich in seinem gesamten Werk. Akars Sammlungen konzentrieren sich oft auf den Ort, an dem er ausstellt. Für diese Show greift er auf amerikanische Bilder zurück und befasst sich insbesondere mit der Geschichte der amerikanischen Flagge.

Die Eröffnung findet am Donnerstag, den 14. April von 18 bis 21 Uhr in der Galerie 8, High Line Nine Galleries in New York statt. Die Ausstellung ist bis zum 30. April geöffnet.

Mehr über die Ausstellung und Öffnungszeiten, finden sich auf der Webseite der Galerie:

https://highlinenine.org/mikail-akar

Auf seinem Instagram-Kanal gibt der junge Künstler auch immer wieder Einblicke hinter die Kulissen und berichtet über kommende oder bevorstehende Projekte!

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von MIKAIL AKAR (@mikails_galerie)

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler: https://mikailakar.de/

Sie planen einen Besuch in New York? –  Unterkünfte finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Die Affordable Art Fair NYC kehrt im Mai 2021 in den Metropolitan Pavillon zurück und zeigt originale zeitgenössische Kunstwerke zwischen 100 und 10.000 US-Dollar. Vom 20.05 bis zum 23.05.2021 findet in New York City die Affordable Art Fair „New York Spring“ statt. 36 nationale und internationale Galerien werden dieses Jahre ihre Kunstwerke und Künstler präsentieren. Kunstmessen und Veranstaltungen sind in der aktuellen Situation schwierig zu planen und umzusetzen, doch die Makowski Galerie aus Berlin wird Teil der Kunstmesse in New York sein. Viel Organisationstalent war dafür nötig, schließlich gelten strenge Auflagen für Einreisende. Neben der Makowski Galerie nehmen nur noch die Evart (Frankreich) Chiefs  & Spirits (Niederlande) und die Manifest Destiny Art (Spanien) aus Europa teil. Die Makowski Galerie ist somit die einzige Galerie aus Deutschland auf diesem internationalen Messeparkett.

Frau Makowski freut sich sehr, das es geklappt hat, für die die Kunstmesse wurden ganz besondere Künstler ausgesucht. Wir sind uns sicher, dass die Makowski Galerie auch zwischen den amerikanischen Big Playern den Besuchern im Gedächtnis bleiben wird. Fotos des Standes werden nach der Messe bereitgestellt. Alle teilnehmenden Galerien finden Sie hier: Galleries | New York Spring – affordableartfair.com

Ein Interview mit  Frau Makowski finden Sie hier:  Interview mit Rusudan Makowski

Weitere Informationen

Mehr über die Art Fair NYC: www.affordableartfair.com

Affordable Art Fair NYC auf Instagram: • Instagram-Fotos und -Videos

Tickets: NYC Spring 2021 Tickets, Multiple Dates | Eventbrite

Flüge und Hotels auf Myreisen.de

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Wenn Sie unser Projekt ARTTRADO unterstützen möchten, können Sie das über PayPal.

#FoundArt

Rund 60 Jahre galt ein Gemälde von Jacob Lawrence als vermisst. Das Bild aus dem Jahre 1956 stammt aus der Serie „Struggle: From the History of the American People“ des US-Künstlers Jakob Lawrence. Die Serie entstand zur Zeit der Bürgerrechtsbewegung und zählt insgesamt 30 Werke. Das nun wiederentdeckte ist jetzt als Leihgabe Teil der Ausstellung, im New Yorker Metropolitan Museum of Art (Met). Das teilte das Museum am Mittwoch mit.

https://www.metmuseum.org/press/news/2020/jacob-lawrence-panel-16-discovery

Kuriose Geschichte

Das besonders kuriose daran, das Werk befand sich die 60 Jahre lang ganz in der Nähe. Eine Museumsbesucherin der Ausstellung im Metropolitan Museum erinnerte sich während des Besuchs an ein Kunstwerk ihrer Nachbarn und ermutigte diese, das Museum zu kontaktieren. Und tatsächlich, 1960 erwarben diese bei einer lokalen Benefiz-Auktion das Kunstwerk.

In der New York Times sagte die Besitzerin: „Eine Freundin hat sich die Ausstellung angesehen und gesagt: ‚Da ist ein weißer Fleck an der Wand und ich glaube, da gehört dein Bild hin.“ Sie selbst war 27 Jahre alt, als Sie das Gemälde erwarb, dem Künstler selbst und dem Museum gegenüber fühlt Sie sich verantwortlich, das Kunstwerk nun wieder für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Das Gemälde hing 60 Jahre lang unberührt an ihrer Wand.

Weitere Informationen

Titelbild: Foto: Anna-Marie Kellen / dpa

Weitere Informationen über das New Yorker Metropolitan Museum of Art.
https://www.metmuseum.org/

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Wenn Sie unser Projekt ARTTRADO  unterstützen möchten, können Sie das über Paypal.

In den 90iger Jahren war 5Pointz im New Yorker Stadtteil Queens die Anlaufstelle für Sprayer und Freunde der Graffiti-Kunst. Dann erfolgte der unangekündigte Abriss und ein Rechtsstreit zwischen Eigentümer und den Künstlergruppen. Das Urteil kann man hier nachlesen: 5Pointz – Urteil gesprochen. Nun könnte ein Treppenhaus – Beziehungsweise ein Hotel die Pilgerstätte ersetzen. Rund zwei dutzend der bekannten 5Points-Künstler wurden für Auftragsarbeiten des Hotels angeworben. In rund 420 Stunden verbrauchten die Künstler mehr als 520 Sprühdosen. Tausende Caps wurden gewechselt und verschlissen. Kuratorin Marie Flageul sagt, dass soll das legendäre Graffiti-Zentrum wiederbeleben. Die Arbeiten stammen von Künstlern aus den USA, Großbritannien, Frankreich, Australien und Singapur – hoffentlich werden sich noch viele Künstler, Nationalitäten und verschiedene Styles einbringen.

Urbane Kunst: vom Volk für das Volk!

„Kunst über alles!“ wurde in ein Graffiti eingearbeitet und im Erdgeschoss schreibt eine Gruppe: „Unser Museum hat keine Türen und kein Dach. Es war vom Volk für das Volk“.

New-York Touristen und Streetartfreunde sollten sich zu einem Besuch hinreißen lassen. Das Treppenhaus des CitizenM Hotels ist kein trauriger Versuch durch Streetart den Hotel mehr Prestige zu bringen. Es ist auch kein Versuch 5Pointz zu kopieren oder zu ersetzen. Hier entsteht ein ganz eigener, neuer Kunstraum mit eigenem Flair. Hier haben Künstler und Eigentümer Hand in Hand gearbeitet und das merkt man. – Die urbane Kunst schafft sich einen ganz eigenen Platz.

Wir sind gespannt wie sich das ganze entwickelt.

Niemand geht wohl gerne ins Krankenhaus, besonders Kinder haben oft damit probleme. So ist der Platz für das neueste Kunstwerk von Donald Lipski sicherlich nicht zufällig gewählt. Vor einem Kinderkrankenhaus in Manhatten steht „Spot“ – „Spot“ ist ein 12 Meter hoher Dalmatiner auf dessen Nasenspitze ein Taxi balanciert. Ja richtig, ein Taxi und zwar ein ausgemustertes, gelbes New Yorker Taxi. Die Statue ist jetzt schon zum beliebten Fotomotiv geworden und es erfreut auch die Besucher und Patienten des Krankenhauses. Der Clou: Bei Regen gehen die Scheibenwischer an.

Seit 1992 bereichert Donald Lipski die Öffentlichkeit mit seinen Werken, er selbst findet Kunstwerke in Museen oder Galerien eher verschwendet und entschied sich so im laufe seiner Karriere für den öffentlichen Raum. Weitere Informationen über den Künstler oder Werke gibt es hier: http://www.donaldlipski.net/public-art

Titelbild: Christina Horsten

Donald Lipski findet man auch in gebundener Version: