A BETTER PLANET, A BETTER WORLD ist ein Kunstprojekt und eine Kampagne, die von der Multimedia-Künstlerin Alessandra Mattanza ins Leben gerufen wurde. Es ist der Sensibilisierung für den Schutz der Natur, der Flora und Fauna, der Umwelt und indigener Kulturen durch die Kraft der Kunst gewidmet. Es kombiniert Fotografie, Poesie, Literatur, Technologie, KI und Innovation, um neue Lösungen zu schaffen.

Die erste Multimedia-Kunstausstellung „A Better Planet, A Better World“ fand im Juli und August 2023 in der Hauptgalerie des Hauptsitzes der Vereinten Nationen in New York mit über 200.000 Besucher*innen statt. Ein Teil dieser Kunstausstellung wird nun bis 2025 in der Vertretung Italiens bei den Vereinten Nationen zu sehen sein.

Die Kunstausstellungen „A Better Planet, A Better World“, die durch die Welt touren, sollen zum Handeln zu inspirieren, um die Umwelt zu retten, Natur und Tiere zu schützen, und für den Respekt und die Bewahrung der Kulturen der indigenen Völker eintreten, die seit Urzeiten als Hüter*innen von Mutter Erde fungieren.

A Better Planet, A Better World in München

VERNISSAGE: 13. April 2024, 12 Uhr – 18 Uhr im KUNSTLABOR 2, DACHAUER Str. 90, 80335 MÜNCHEN.

Die ersten 10 Gäst*innen, die eintreffen, erhalten ein kleines Kunstwerk als Geschenk. 90 weitere Exemplare der für München limitierten Auflage, werden zum Verkauf angeboten.

10% des Verkaufserlöses werden an den Sheldrick Wildlife Trust gespendet. Die an der Rettung und Aufzucht von verwaisten Elefanten- und Nashornbabys bis zu ihrer Wiedereingliederung in die Wildnis beteiligt sind.

Die Künstlerin ALESSANDRA MATTANZA  und Kurator AUGUSTO FERRETTI werden bei der Vernissage anwesend sein.

ALESSANDRA MATTANZA

Alessandra Mattanza, eine versierte Kunstfotografin. Bestsellerautorin und vielseitige Multimedia-Künstlerin. Sie entdeckte ihre Leidenschaft für das Erzählen von Geschichten durch die Fotografie im zarten Alter von sechs Jahren. In der malerischen Landschaft Italiens. Ihre Reise durch Kunst, Literatur, Philosophie und Theater an der Universität Ca‘ Foscari in Venedig und eine Ausbildung an der Akademie der Bayerischen Presse in München legten den Grundstein für ihr künstlerisches Schaffen.

Spezialisiert auf Kunst, Kultur, Biografien, Interviews und soziale oder ökologische Themen, ist Alessandra nicht nur Autorin von Bildbänden, sondern auch an der Produktion und Entwicklung von Kampagnen, Videos und Dokumentarfilmen beteiligt.

Zu ihren bemerkenswerten Titeln gehören „AUSTRALIEN – DAS NEUE GRENZENLAND“, „MEIN NEW YORK – CELEBRITIES TALK ABOUT THE CITY“, „MEIN PARIS – CELEBRITIES TALK ABOUT THE VILLE LUMIERE“, „SOS PLANET EARTH: STIMME FÜR EINE BESSERE WELT“, „BANKSY“, „C215“, „STREET ART – LEGENDÄRE KÜNSTLERINNEN UND IHRE VISIONEN“, „STREET ART IS FEMALE – STRASSENKÜNSTLERINNEN“: 24 KONTEMPORÄRE GRAFFITI- UND MALKÜNSTLERINNEN AUS DER GANZEN WELT“, „STREET ART’S RISING STARS“ und „TULIPINA’S FLORAL FANTASY“.

Alessandra ist eine anerkannte Größe in diesem Bereich und wurde unter anderem mit zahlreichen Preisen bei den National Journalism Awards in Los Angeles ausgezeichnet. Ihre Kunstfotografien schmücken Galerien, Luxushotels und Museen auf der ganzen Welt. Während ihre Multimedia-Kampagnen sich für verschiedene Anliegen einsetzen, darunter Menschenrechte und soziale Rechte, Gleichberechtigung, Antirassismus, Rechte der Ureinwohner, Umweltschutz, Tierschutz, Unterstützung aufstrebender Künstler*innen und die Förderung von Kultur und Bildung.

Alessandras künstlerischer Weg zeugt von ihrem unerschütterlichen Engagement für das Geschichtenerzählen und das Streben nach einer besseren Welt durch die Linse ihrer Kreativität.

AUGUSTO FERRETTI – ARCHITEKT UND KUNSTKURATOR

Der in Rom geborene Augusto verbrachte seine prägenden Teenagerjahre mit einem Studium in Tokio, Japan, bevor er nach Italien zurückkehrte. Wo er an der renommierten Universität La Sapienza in Rom seinen Master-Abschluss in Architektur zu machte und seine Approbation erhielt. Beeinflusst durch die reiche Architekturgeschichte beider Länder, entwickelte Augusto eine Leidenschaft für strukturelles Design und architektonische Ideologie.

Nach Abschluss seines Studiums zog er 2001 nach New York, wo er mit verschiedenen Stilen und Formen experimentieren konnte. Er begann dann als freiberuflicher Designer für Ausstellungen, Kunstinstallationen und Messen zu arbeiten. Zu seinen Projekten gehörte auch das Lichtdesign in New Yorker Kunstgalerien und Ausstellungen.

In den folgenden Jahren weitete er diese Arbeit auf mehrere groß angelegte Ausstellungsprojekte in den gesamten Vereinigten Staaten aus. Als Designer überwachte und koordinierte Augusto Kunstausstellungen wie die groß angelegte Ausstellung Pesce for Lunch des italienischen Künstlers Gaetano Pesce im ICFF, die Eröffnung des Italian Immigration Museum in New Jersey, die Moleskine New Notebook Design Launching Party, die Inner Earth Exhibition im MACC Art Museum und – am bekanntesten – die Fotoausstellung Images von Bernardo Bertolucci, die er parallel zur Retrospektive des Regisseurs im MoMA kuratierte, gestaltete und aufbaute.

Während dieser Zeit erweiterte Augusto sein architektonisches Portfolio, indem er als freiberuflicher Designer für New Yorker Architekturbüros an Wohn- und Gewerbeprojekten arbeitete. Und dabei sein besonderes Interesse an zeitgenössischem Design und minimalistischen Merkmalen nutzte. In Zusammenarbeit mit lokalen Architekten trug er zur Planung und zum Bau einer breiten Palette von Projekten bei, darunter Wohnkomplexe, Privatvillen, Restaurants, Galerien, Landschaftsgestaltung sowie denkmalgeschützte und industrielle Renovierungen.

Als sein Werk wuchs, begann er, sich als individueller Designer zu betätigen. Was ihm ermöglichte, sich auf eine mehr künstlerisch inspirierte Karriere zu konzentrieren. Er begann mit der persönlichen Gestaltung von Geschäfts- und Wohnräumen, die sowohl Innen- als auch Außenrenovierungsarbeiten umfasste. Im Jahr 2010 gründete er crAft-nyc, ein Architekturbüro, das sich mit der Innenrenovierung von Wohn- und Geschäftsräumen sowie mit Ausstellungsdesign beschäftigt.

Heute arbeitet Augusto an der Renovierung mehrerer Stadthäuser und Luxuswohnungen sowie an der Gestaltung von Lobbys in New York. Er plant weitere Ausstellungsprojekte in Museen und Galerien sowie im städtischen Umfeld und in der Natur.

KUNSTLABOR 2 in München

Das KUNSTLABOR 2 ist ein dynamisches Zentrum für Kunst und Kultur in München. Gegründet durch das Team des Museum of Urban and Contemporary Art (MUCA). Es dient als Plattform für künstlerischen Austausch und fördert Vielfalt und Inklusion in der Kunstszene. Mit einer Vielzahl von Veranstaltungen, Ausstellungen und Workshops bietet das KUNSTLABOR 2 Raum für Kreativität und Zusammenarbeit. Es engagiert sich in der Kunstvermittlung und ist Treffpunkt für Kunstschaffende und Kunstinteressierte. Das KUNSTLABOR 2 steht für die Verbindung von Kunst und Gemeinwesen. Es fördert lokale und internationale Künstler*innen und trägt zur kulturellen Bereicherung der Stadt München bei.

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Noel Dederichs ist 18 Jahre jung und unterhält monatlich Millionen von Menschen in den sozialen Medien mit kleinen oder auch größeren Videoprojekten. Dabei wurde er im letzten Jahr, 2023 zum „Breakout Creator 2023“ auf YouTube ernannt. Damit zählt Dederichs zu den erfolgreichsten Aufsteigern in der YouTube-Welt neben Formaten wie unter anderem 7 vs. Wild. Der Einser-Schüler aus Nordrhein-Westfalen hat damit ein sensationelles Jahr hingelegt und lässt auch seine Projekte und die Kreativität dahinter in der Zukunft immer mehr wachsen.

Hypeneedz ist die Anlaufstelle für limitierte Schuhe, Kleidung und Accessoires. Wer in den letzten Tagen in der Sendlingerstrasse 26a · 80331 München, den Hypeneedz Store betreten hat, konnte dort auch Schuhe entdecken, die von Noel Dederichs designt wurden und im Anschluss an die Mini-Ausstellung für einen guten Zweck zum Kauf angeboten werden. Der Preis für die Crocs wurde mit 166,66€ angegeben, wobei der Käufer entscheiden kann, wohin die Spende fließen soll.

Doch wer ist überhaupt der Begründer der #PNSLGANG?

#PNSLGANG – Noel Dederichs

Vor einigen Wochen sind wir auf ein Video von Noel Dederichs aufmerksam geworden, bei dem er sich in einem kurzen Clip humorvoll mit der Frage auseinandersetzt, was Kunst eigentlich ausmacht und wie er Künstler wird. Oft tauchen Künstler auf und verschwinden nach nur ein, zwei kleinen Spaßprojekten wieder – das kann für „echte Sammler“ und Kunstfreunde oft abschreckend wirken, da es den Eindruck erwecken könnte, die Kunstwelt wäre ein Spielplatz ohne Regeln. Das stimmt natürlich nicht, aber genau deshalb schenken viele Plattformen auch neuen Künstler weniger bis keine Aufmerksamkeit, da es sich um Eintagsfliegen handeln könnte. Es ist sicherer für die eigene Reputation, darüber zu schreiben was bereits funktioniert – als etwas neuem eine Bühne zu geben. Dabei ist es immer spannend, zu sehen wie junge Menschen überhaupt zur Kunst finden und ist in unseren Augen auch ein Vorteil für die gesamte Branche, wenn jemand kommt und ungezwungen an eine Projektidee rangeht – einfach aus Spaß.

Dabei ist die Kritik von etablierten und gelernten aus der Szene oft größer, wenn Menschen mit einer medialen Reichweite plötzlich anfangen Kunst zu machen. Denn natürlich haben diese es „immer viel einfacher“. Aber, sich eine große Reichweite aufzubauen und Content zur Unterhaltung zu entwickeln, ist auch eine Form von Kunst und vor allem Kreativität. Noel Dederichs hat also durchaus eine Daseinsberechtigung, sowieso hat er grade sein zweites Kunstprojekt im Hypeneedz München beendet – er scheint es also ernst zu meinen.

 

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Noel Dederichs – Warum Kunst?

Seit dem Sommer 2023 bin ich durch ein Videoprojekt in die Kunst Nische gerutscht. Zuerst noch durch einen Spaß, bei welchem ich einen roten Punkt auf eine Leinwand gesprayt habe. Im Endeffekt konnte ich dieses Bild für einen 4-stelligen Betrag verkaufen und das Geld spenden. 

Im Februar 2024 stand jetzt mein zweites Kunstwerk, neu designte Crocs Schuhe im Hypeeneedz Store München aus. Jetzt strebe ich an, meine künstlerischen Flügel weiter zu spannen und einen ernsteren und viel erwachsenen Blick darauf zu werfen.

Dabei denke ich, dass meine bisherige Reichweite in den sozialen Medien helfen wird, schneller an Einfluss zu gewinnen und vor allem jungen Menschen zu zeigen, wie wichtig künstlerische Freiheit ist und die eigene Kreativität. Ich möchte junge Menschen dazu inspirieren, sich selber in der Kunst zu finden und diese ernster zu nehmen. Es gibt eben nicht nur die langweiligen alten Museen mit Kirchenmalereien, es gibt darüber hinaus viel mehr zu entdecken.

In meiner Auffassung von Kunst sehe ich nicht nur Gemälde, oder Skulpturen. Ich denke, dass auch durch neue Technologien wie NFTs der Raum von Kunst ausgebreitet werden kann. Kunst ist für mich die reinste Form von Freiheit, weil es eben keine Regeln oder Grenzen gibt. Nur sollte Kunst immer aus einem Gedanken und damit einer Geschichte entstehen. Kunstwerke haben in meinen Augen immer eine Geschichte, die erzählt wird.

Mein Ziel: Der Jugend diese Geschichten zu zeigen!

Wir sind gespannt wohin die Reise geht! 

 

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Kinder malen gerne, um sich auszudrücken. In jüngeren Jahren ist das Bild ein Medium, durch das sich Kinder spielerisch mitteilen bevor sie schreiben können. Nadja Wende bietet Kunsttherapie hauptsächlich als Einzeltherapie an, um besser auf ihre Patienten eingehen zu können. Bei entsprechender Indikation sind aber auch Gruppentherapien möglich.

Kunst als Therapie

Wie in jeder Therapie muss zunächst eine vertrauensvolle Beziehung zwischen Therapeut und Patient aufgebaut werden (in diesem Text sind mit der männlichen Form durchgehend alle Personen gemeint, unabhängig von ihrem Geschlecht). Eine gute Beziehung trägt maßgeblich zu einem erfolgreichen Therapieverlauf bei.

Als Therapeutin arbeitet Nadja Wende daran, ihre Patienten anzuregen, die eigenen Darstellungen nicht vorschnell zu bewerten, und den Patienten bei persönlichen Konflikten zu ermutigen und zu unterstützen. Die Therapeutin ist ein offener Gesprächspartner bei der Suche nach Lösungen und gibt auch begleitende und passende Impulse.

Kunsttherapie bietet eine Vielzahl an unterschiedlichen Methoden, Ansätzen und Techniken mit denen gearbeitet werden kann. So wird beispielsweise nicht nur mit Stift und Papier oder anderen Farben, also malerisch gearbeitet, sondern auch mit plastisch-skulpturalen Techniken und Materialien wie Ton oder mit Fotografie.

In der Praxis nw-atelier liegt der Fokus auf den Gestaltungsformen der bildnerischen Kunsttherapie. Es können aber auch Methoden aus den anderen Sparten der kreativen Therapien angewendet werden, wenn es sinnvoll erscheint, da Nadja Wende in der Grundausbildung am campus naturalis auch Tanztherapie, Musiktherapie, Theatertherapie und Psychodrama kennengelernt hat.

Durch den nonverbalen Ausdruck der persönlichen Gefühle empfinden viele Menschen die Kunsttherapie als eine angenehme Therapieform, da sie nicht von Beginn an gezwungen sind, ihre Anliegen oder Probleme zu versprachlichen. Insbesondere Kinder sind in der Regel offen für den Umgang mit verschiedenen Farben und anderen Werkmaterialien wie z. B. Ton oder Papier. Durch die Neugier, Neues auszuprobieren, versinken sie völlig in der jeweiligen Tätigkeit. Dies hilft sehr, unbewusst unterdrückte oder aus anderen Gründen bisher unerkannte Gefühle, belastende Gedanken oder Traumata durch die Kunst sichtbar zu machen.

Im Einzelgespräch erforscht Nadja Wende als Therapeutin die Bedeutung des Werkes.  Indem sie das Kind mit der offenen Fragetechnik nach seinen Gefühlen befragt: Welche Gefühle oder Gedanken sind während des Schaffens aufgetreten? Was gefällt an dem Kunstwerk? Was möchte der Patient verändern? Der Patient kann dadurch tief in seine Innenwelt eintauchen, seine Perspektive erweitern und neue Anregungen erhalten.

Um neue Bewältigungsmöglichkeiten zu finden, dient dem Kunsttherapeuten nicht nur das Gespräch, sondern auch die Arbeit mit Kunstwerken. Oft empfinden die Patienten bereits die Möglichkeit, sich in Farbe und Form ausdrücken zu können, als Entlastung.

In jedem Werk stecken nicht nur Probleme, sondern auch Möglichkeiten des Fortschrittes und der Lösung. Diese im therapeutischen Gespräch herauszuarbeiten, ist die Kunst der Kunsttherapie. Eine erste Veränderung kann der Patient bereits in den Bildern oder Plastiken umsetzen. Er kann beispielsweise Änderungen an seinem Werk vornehmen. Farben und Formen verändern, etwas hinzufügen, anderes wegnehmen und in einen neuen Kontext setzen.

Bei den Übungen schöpft die Kunsttherapeutin Nadja Wende aus einer in der Selbsterfahrung, den Ausbildungen sowie Weiterbildungen erlernten Methoden- und Themenvielfalt und sucht jeweils die passende Herangehensweise heraus. Dazu macht sie in der Erstsitzung mit den Eltern eine Anamnese oder ein Problemerkennungsgespräch. Schon jetzt setzt Frau Wende kreative Methoden ein und lässt das Kind z. B. seinen Helden oder einen Steckbrief malen, um es besser kennenzulernen.

In der nw-atelier Kunsttherapiepraxis für Kinder bedient sich die Kunsttherapeutin altersentsprechend verschiedenster Techniken, der Malerei, der Bildhauerei/Skulptur, der Grafik, dem Zeichnen, dem Malen nach Musik, der Sprache in Form von Geschichten, Märchen und Gedichten, dem Töpfern mit Ton und den Techniken der Collagen.

Das Kind kann dabei neue Fähigkeiten entwickeln, Lösungen für Probleme finden und eigene Ressourcen entdecken. Die Kunsttherapie soll die Selbstheilungskräfte stärken und psychische Veränderungen anstoßen. Sie wird in der Kunsttherapiepraxis nw-atelier als Einzeltherapie angewendet. Sollte es innerhalb der Familie zu Konflikten kommen, kann es sinnvoll sein, die Kunsttherapie als Gruppentherapie innerhalb der Familie anzubieten, denn dann geht es auch um die soziale Interaktion in dem konkreten familiären Umfeld.

Der Gestaltungsprozess ist dabei im therapeutischen Sinne wichtiger als das fertige Werk.

Kann ich eine Kunsttherapie über die Krankenkasse abrechnen?

Auch wenn Kunsttherapie in Deutschland ambulant nicht als Psychotherapieformat gesetzlich abgerechnet werden kann, gibt es einige private Krankenkassen oder auch Zusatzversicherungen, die einen Teil der Kosten übernehmen. Das wird meist als psychotherapeutische Heilpraktikerleistung abgerechnet.

Kunsttherapeutin Nadja Wende

Dass Kunst innere Gefühle sichtbar machen kann, hat Nadja Wende zum ersten Mal bei der kreativen Arbeit mit Ton zum Thema Menschen am Flughafen im Jahr 1992 entdeckt. Als sie damals im Leistungskurs Kunst für den neuen Münchner Flughafen eine Ausstellung mit Tonfiguren zum Thema „Menschen am Flughafen“ vorbereiteten. Seitdem beschäftigt sich Nadja Wende damit, welche künstlerischen Gestaltungsformen für verschiedene Situationen therapeutisch geeignet sind.

Nadja Wende hat die Ausbildung zur Kunsttherapeutin an der campus naturalis Akademie in Berlin gemacht. Um sich auf Kinder als Zielgruppe zu spezialisieren, hat sie eine Kunsttherapie-Weiterbildung am DIL Berlin absolviert. Damit sie die Kunsttherapiepraxis eröffnen kann, hat Nadja Wende die Heilpraktikerprüfung beschränkt auf das Gebiet der Psychotherapie am Gesundheitsamt bestanden und sich mit der Kunsttherapiepraxis nw-atelier beim Gesundheitsamt in München angemeldet.

Ihre Kunsttherapie-Ausbildung an der campus naturalis Akademie Berlin war hauptsächlich tiefenpsychologisch orientiert nach den Lehren von C.G. Jung. Inhalte des Studiums an der campus naturalis Akademie waren zum einen kunstgeschichtliche, psychologische und psychotherapeutische also theoretische Inhalte, jedoch auch viele praktische Beispiele und praktische Arbeiten, welche häufig als Selbsterfahrung angefertigt werden mussten. Praktika und selbst angeleitete Kunsttherapiestunden gehörten ebenfalls zur Ausbildung.

Die Zusatzausbildung am DIL als Kunsttherapeut für Kinder und Jugendliche ergänzte die Methodenvielfalt um kindgerechte Methoden aus mehreren verschiedenen psychotherapeutischen Ansätzen, unter anderem den systemischen Therapieansätzen sowie den verhaltenstherapeutischen Methoden.

Mit der Zusatzausbildung Trauerarbeit in der Kunsttherapie an der Paracelsus Schule Osnabrück hat sich Nadja Wende zusätzlich auf Trauerfälle in der Familie spezialisiert, um Kindern Hilfe anzubieten, deren Eltern in der Trauer verständlicherweise mit sich selbst bzw. Formalitäten beschäftigt sind und die die Kinder nicht unnötig zusätzlich belasten wollen. Kinder trauern anders als Erwachsene, darauf geht die Kunsttherapeutin Nadja Wende speziell ein.

Weitere Informationen

Mehr über Nadja Wende und die Kunsttherapie: nw-atelier.de

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Alfredo Jaar erforscht komplexe sozio-politische Themen und stellt die Ethik der Repräsentation in den Vordergrund. In seinen stillen und meditativen Werken setzt sich Jaar mit Themen von großer Tragweite auseinander, indem er Zeugnis von humanitären Katastrophen ablegt und die Auswirkungen militärischer Konflikte, politischer Korruption und wirtschaftlicher Ungleichheit auf der ganzen Welt aufzeigt.

Rotundenprojekt

Und wieder einmal wird Alfredo Jaar ein drängendes Thema unserer Zeit aufgreifen, indem er auf die aktuelle Debatte über die Einbürgerung in Deutschland und eine Welt mit wachsenden globalen Ungleichheiten reagiert. In der zentralen Rotunde präsentiert er eine Installation, die sich auf die deutsche und europäische Einwanderungspolitik, Staatsbürgerschaft und Identität konzentriert, angesichts einer zunehmenden Flüchtlingskrise aufgrund des Klimawandels und anhaltender Konflikte, verschärft durch den Krieg in der Ukraine, und infolgedessen auch einer ungleichen Behandlung von Flüchtlingen nach ihrer Herkunft.

Das Rotundenprojekt ist Okwui Enwezor (23. Oktober 1963, Calabar, Nigeria – 15. März 2019, München, Deutschland) gewidmet. Ausstellungsdauer: 29. März 2023 – 27. August 2023.  Eröffnung: 28. März, 19 Uhr (Rotunde). Vortrag: 29. März, 19 Uhr (Ernst von Siemens-Auditorium), Architekturmuseum der TUM in der Pinakothek der Moderne.

Publikationen: Eine Ausstellungszeitung mit Beiträgen zur Installation wird im Mai 2023 erscheinen. Autor:innen sind Donatella Di Cesare, Steffen Mau, Sinthujan Varatharajah, Mirjam Zadoff, Sandro Mezzadra, Nicholas Courtman, Christian Joppke, Dimitry Kochenov, Laura Robson, Piper French und andere.

Alfredo Jaar

Alfredo Jaar: Die Arbeiten des Künstlers wurden weltweit in zahlreichen Ausstellungen gezeigt. Er hat an den Biennalen von Venedig (1986, 2007, 2009, 2013), São Paulo (1987, 1989, 2010, 2021) sowie an der Documenta in Kassel (1987, 2002) teilgenommen. In jüngster Zeit wurden seine Arbeiten im Musée des Beaux Arts in Lausanne, im Hangar Bicocca in Mailand, in der Alten Nationalgalerie, der Berlinischen Galerie und der Neuen Gesellschaft für bildende Kunst e.V. in Berlin, bei den Rencontres d’Arles, im KIASMA in Helsinki, im Yorkshire Sculpture Park in Großbritannien, im ZEITZ Museum in Kapstadt in Südafrika und im SESC Pompeia in São Paulo in Brasilien ausgestellt.

Der Künstler hat mehr als fünfundsiebzig öffentliche Interventionen in der ganzen Welt realisiert. Über fünfundsechzig monografische Publikationen wurden über seine Arbeit veröffentlicht. Er wurde 1985 Guggenheim-Stipendiat und 2000 MacArthur-Stipendiat. Im Jahr 2018 erhielt er den Hiroshima Art Prize und 2020 den Hasselblad Award.

Mehr über den Künstler:  https://alfredojaar.net/

Weitere Informationen

Mehr über das Museum in München: Pinakothek der Moderne

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Im Rahmen des diesjährigen Flower Power Festivals wird ein neues Dinner-Event angeboten, welches Natur und Florales sowohl auf dem Teller wie auch in der Führung durch das MUCA im Fokus hat. Das „B(L)OOM Art Dinner“ findet zwischen März und Juni 2023 einmal im Monat statt und lädt dazu ein, in eine Welt voller Kunst und Kulinarik einzutauchen.

Das im MUCA ansässige Restaurant „MURAL“, mit Küchenchef Joshua Leise, ist bekannt für seine kulinarischen Geschmackserlebnisse aus nachhaltig produzierten Zutaten regionaler Erzeuger*innen. Das mit einem Stern im Guide Michelin ausgezeichnete Restaurant bietet eine perfekte Symbiose aus Geschmack und Ästhetik.

Die Gäste können sich auf ein exquisites Menü freuen, bei dem die florale Küche im Fokus steht. Hierbei werden natürliche Zutaten in kreativer Weise in Szene gesetzt und zu einem geschmacklichen Erlebnis vereint. Die Speisen sind nicht nur ein Genuss für den Gaumen, sondern auch eine Augenweide. Passend zu den kulinarischen Highlights können die Gäste zudem im MUCA eine Führung genießen, bei der das Thema „Blumen und Natur“ im Mittelpunkt steht.

Dieses Dinner ist eine perfekte Verbindung aus Kunst und Kulinarik und verspricht den Gästen ein unvergessliches Erlebnis. Das MUCA und das Restaurant „MURAL“ schaffen hier eine außergewöhnliche Atmosphäre, in der sich Kunst, Natur und Genuss vereinen.

Das „B(L)OOM Art Dinner“ ist ein einzigartiges Erlebnis, das sich perfekt für Paare, Gruppen oder Unternehmen eignet, die etwas Besonderes erleben möchten. Das Event findet einmal im Monat statt und ist aufgrund der begrenzten Plätze schnell ausgebucht. Interessierte sollten daher frühzeitig eine Reservierung vornehmen, um sich dieses besondere Erlebnis nicht entgehen zu lassen.

Das nächste Art Dinner findet am 19.04.2023 um 19 Uhr statt und mehr Informationen, sowie weitere Termine, gibt es unter https://www.muca.eu/bloom-art-dinner-mural-muca/

MUCA Museum in München

Das MUCA Museum in München als Begegnungsstätte für Urban und Contemporary Art besticht durch eine hochkarätige Ausstellungsprogrammatik. Auf mehreren Kunsterlebnisebenen werden im MUCA nicht nur die Werke renommierter, international gefeierter Künstler gezeigt, uns ist es ebenfalls ein Anliegen experimentellen Formaten und interessanten Positionen eine Plattform zu bieten. Das im Dezember 2016 gegründete MUCA ist Deutschlands erstes Museum für Urban Art.

Das MUCA versteht sich nicht nur darin Urban Art in den zeitgenössischen Kunstdiskurs einzufügen und eine junge Kunstform zu musealisieren. Ein besonderes Augenmerk liegt auf der Kunstvermittlung. Die Ausstellungen werden durch ein umfangreiches Programm mit Künstler- und Expertengesprächen, Lesungen und Führungen begleitet.

Eintrittspreise: Regulär 7,50€ / Ermäßigt 5€ / Kinder unter 12 frei.

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Albert Scopin, 1943 in Freiburg im Breisgau geboren, hat sich einem Material zugewandt, das zwar in unserem Alltag überall präsent, aber im Bereich der Kunst eher ungewöhnlich ist: dem Asphalt. Seine intensive künstlerische Auseinandersetzung mit diesem Werkstoff ist einmalig. Seit gut 10 Jahren schafft er aus und mit ihm zwei- und dreidimensionale Werke von starker Präsenz und Ausdruckskraft.

Scopins Handwerkszeug sind Schmelzöfen, Gasbrenner, Besen und anderes Gerät, mit dem er die auf über 200 Grad erhitzte, zähflüssige Masse auf Holzplatten aufbringt und verteilt, ein Prozess, der langjährige Erfahrung und höchste Könnerschaft verlangt.

Die Idee, Asphalt als Farbe für seine meist großformatigen Werke zu verwenden, ist das Ergebnis eines langen Reflexionsprozesses. In den frühen 1970er-Jahren lebte Scopin in New York, eine prägende Zeit in seinem Leben. Die schlechten Straßen Manhattans mit ihren Schlaglöchern und unzähligen Ausbesserungen in übereinanderliegenden Schichten unterschiedlicher Farbe und Konsistenz erschienen ihm seinerzeit wie Strukturen unserer Zivilisation und haben sich als Bild in sein Gedächtnis eingebrannt.

Doch erst fast 40 Jahre später fand er die nötige Inspiration beim Anblick einer großformatigen Kohlearbeit des koreanischen Künstlers Lee Bae. Seit diesem Moment bestimmt die Beschäftigung mit dem Material Asphalt und der Wille, dem Betrachter die Schönheit und Energie dieses organischen Werkstoffes nahezubringen, sein gesamtes Wirken als Künstler.

Scopins Werke haben eine ruhige, geradezu meditative Ausstrahlung und sind dennoch energiegeladen. So archaisch wie das Material sind oft die Formen, in denen Scopin die heiße Masse auf dem hölzernen Grund verteilt. Sie sind stark, wirkungsmächtig, monolithisch, andere erinnern durch ihren mitunter durchaus schwungvollen Auftrag an Werke des Informel oder auch an asiatische Kalligrafie.

Mit geübten Handgriffen legt Scopin Schicht über Schicht, lässt sich von der zähen, geschmolzenen Masse leiten und verleiht seinen Werken damit eine reliefartige Gestalt. Mitunter fügt er Holz, Glasstaub, Sand oder Dispersionsfarbe hinzu. Es entsteht ein Dialog zwischen dem Material und dem Künstler. Anders als in seiner alltäglichen Nutzung darf der Asphalt bei Scopin zu seiner puren, materiellen Präsenz finden. Da das Material schnell erkaltet und aushärtet, bleibt für den Malprozess wenig Zeit.

Je nach Art des Auftrags und den verwendeten Werkzeugen entstehen Oberflächen von unterschiedlicher Struktur, die das Licht auf ganz verschiedene Weise brechen und reflektieren und dem Betrachter somit eine Vielzahl an Seherlebnissen bieten. Die Farbe Schwarz wird in ihrem ganzen Spektrum aufgezeigt. Matte Flächen liegen neben seidig schimmernden oder auch hochglänzenden Partien. Bewegt man sich vor Scopins Arbeiten, scheinen sie sich unentwegt zu verändern und changieren zwischen tiefem Schwarz und dunklem Anthrazit über unterschiedlichste Grautöne bis hin zu Weiß.

In manchen Werken sorgen starkfarbige, vor allem ultramarinblaue Pigmente für kontrastierende Ebenen. Scopins Arbeiten rücken ein Material in den Fokus, das untrennbar mit unserer modernen Industriegesellschaft verbunden ist. Asphalt enthält konserviertes pflanzliches und tierisches Leben und ist damit ein Speicher von Jahrmillionen Erdgeschichte. Er ist die Einheit von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, Fluch und Segen zugleich. Durch die Hand des Künstlers wird er zu einem ästhetischen Erlebnis.

Eine Ausstellung der Edition Minerva kuratiert von Manfred Möller. Zur Ausstellung erscheint in der Edition Minerva, die auf hochwertige Kunstpublikationen spezialisiert ist, ein Katalog zur Ausstellung.

Ausstellung: SCOPIN – Schwarzes Licht

In den 1960er-Jahren studierte Scopin Fotografie in München, bevor er 1969 nach New York zog und renommierten Fotografen assistierte. In dieser Zeit lernte er Andy Warhol und seine Freunde kennen und wohnte und arbeitete im legendären Chelsea Hotel. Hier drehte er 1970 den Dokumentarfilm „Chelsea Hotel“, der die damaligen Bewohner des Hotels porträtiert, u. a. Patti Smith und Robert Mapplethorpe.

Anfang der 1970er-Jahre gründete Scopin eine eigene Filmproduktionsfirma und drehte Dokumentarfilme im und über den New Yorker Kulturuntergrund. 1974 zog er zurück nach Deutschland, richtete sich ein Studio in Frankfurt am Main ein und widmete sich zunehmend der Fotografie.

Zu Beginn der 1980er-Jahre begann er zu zeichnen und zu malen, primär in Grautönen der Schwarzweiß-Fotografie. Im Jahr 1985 folgte ein Umzug nach München. Von 1983 bis 1988 lehrte Albert Scopin als Dozent an der Fachhochschule für Gestaltung in Darmstadt, zog sich aber 1990 in sein Atelier in Seeshaupt am Starnberger See zurück, um ausschließlich künstlerisch zu arbeiten.

Von der Fotografie wandte er sich gänzlich ab. Mal stand die Zeichnung im Vordergrund, mal war die Malerei im Zentrum seines Interesses.

Seit 2012 arbeitet Scopin fast ausschließlich mit Asphalt. Der Künstler lebt und arbeitet in Lörrach und Riehen bei Basel. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Museen wie dem Museum Ludwig in Köln. Großangelegte Werkschauen fanden 2016 in der Barlach Halle K in Hamburg sowie in der St.-Elisabeth-Kirche in Berlin statt. Zuletzt waren seine Arbeiten 2022 im Rahmen der 59. Biennale Arte in Venedig zu sehen und ab Ende Oktober im Bayerischen Nationalmuseum in München.

Zum Bayerischen Nationalmuseum

Das Bayerische Nationalmuseum zählt zu den großen europäischen Museen, die sowohl der Bildenden Kunst als auch der Kulturgeschichte gewidmet sind. Daher bezeichnet sich das Haus nicht nur als „Schatzhaus an der Eisbachwelle“, sondern auch als das deutsche V&A.

Den Kern der Sammlungen bildet der königliche Kunstbesitz der Wittelsbacher. Das Bayerische Nationalmuseum wurde 1855 von König Maximilian II. von Bayern mit dem Ziel gegründet „die interessantesten und vaterländischen Denkmäler und sonstigen Überreste vergangener Zeiten der Vergessenheit zu entreißen“.

Nach fünf Jahrzehnten in der Maximilianstraße erfolgte ein vergrößerter Neubau in der Prinzregentenstraße, der 1900 von Prinzregent Luitpold eröffnet wurde. Der Neubau, der zu den bedeutendsten und originellsten Museumsbauten seiner Zeit zählt, wurde von Gabriel von Seidl konzipiert, um den unterschiedlichsten Kunstwerken und Stilen aus mehreren Jahrhunderten eine Plattform zu geben.

Auf rund 13.000 Quadratmetern Ausstellungsfläche sind hier alle prägenden europäischen Stilepochen vertreten. Seit dem Amtsantritt von Dr. Frank Matthias Kammel als Generaldirektor des Bayerischen Nationalmuseums im Sommer 2018 befindet sich das Haus in einem sichtbaren Erneuerungsprozess. Mit der Ausstellung „Treue Freunde. Hunde und Menschen“ betrat man 2019 gewissermaßen Neuland, indem das ehrwürdige Hauskunst- und kulturgeschichtlich wertvolle Stücke aus der Sammlung im Zusammenspiel mit Elementen der Popkultur zeigte. Seit kurzer Zeit öffnet sich das Bayerische Nationalmuseum nun auch der zeitgenössischen Kunst.

Bayerisches Nationalmuseum: Prinzregentenstraße 3 – 80538 München.

www.bayerisches-nationalmuseum.de

Weitere Informationen

Titelbild: Der Künstler Albert Scopin. Foto: Arno Dietsche

Mehr über den Künstler: www.scopin.info

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Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag sowie an geöffneten Feiertagen 10 – 17 Uhr
Donnerstag 10 – 20 Uhr (feiertags 10 – 17 Uhr) Montag geschlossen

Eintrittspreis: Die Ausstellung ist im regulären Eintrittspreis inbegriffen und wird im
Hauptgeschoss im Mars-Venus-Saal gezeigt.

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In seinen Arbeiten beschäftigt sich Refik Anadol mit dem Verhältnis von Künstlicher Intelligenz und Kreativität, er entwickelt eine neue durch künstliche Intelligenz gezielt gesteuerte künstlerische Ästhetik. Aus den Daten im Kontext der Pinakothek der Moderne erschafft Refik Anadol eine Datenskulptur, die uns alternative Formen von Präsenz und neue Perspektiven auf die eigene Existenz vorführt. Diese Daten werden mit künstlicher Intelligenz so bearbeitet, dass ihre ursprünglichen Erscheinungen selbst unkenntlich werden, aber ihre Bestandteile zu neuen Verbindungen mutieren.

Mit Hilfe von datenbasierten maschinellen Lernalgorithmen bildet die flache Projektion immer neue dreidimensional erscheinende Räume aus. Aus den Daten entstehen in einem zufälligen Rhythmus ständig neue Anordnungen mit immer wieder neuen Farbkonstellationen und Mustern. Es entwickeln sich abstrakte Bilder aus sich bewegenden Linien, Flächen, Wellen oder Strudeln, die in ihrer Dynamik die Wand aufzulösen scheinen und eine Sogwirkung entfalten.

Diese auf die Nordseite des Gebäudes projizierte Datenskulptur basiert auf umfangreichen Bild- und Sounddatensätzen der Pinakothek der Moderne, die ihre vier Museen für Kunst, Graphik, Architektur und Design sowie ihre Kooperationspartner zur Verfügung gestellt haben. Refik Anadol und sein Team ergänzen diese Quellen mit weiteren öffentlich zugänglichen Daten aus digitalen Archiven im Kontext der Pinakothek der Moderne.

Der Künstler möchte die Besucher:innen in einen Zustand der „Immersion“ (des Versinkens) versetzen, um die traditionellen Grenzen der Betrachtung zu überschreiten und das Bewusstsein zu erweitern. Die Gegensätze zwischen Fläche und Raum, Realität und Fiktion, Physis und Virtualität lösen sich auf.

Refik Anadol

Refik Anadol, geboren 1985 in Istanbul, studierte Fotografie, Video und Kunst an der Bilgi Universität in Istanbul. Ein zweites Studium absolvierte er am Design Media Arts Program an der University of California in Los Angeles. Refik Anadol lebt und arbeitet in Los Angeles, wo er das Refik Anadol Studio und RAS LAB gründete. Das RAS LAB widmet sich der Erforschung und Kultivierung neuer Wege zu Datenerzählungen und künstlicher Intelligenz. Seit 2021 unterrichtet Refik Anadol an der Design Media Arts School der UCLA.

Für seine Arbeiten setzt er die innovativsten Methoden ein, die KI-Medienkünstler:innen zur Verfügung stehen.

Refik Anadol gilt als einer der international bedeutendsten Pioniere der Datenkunst und wird weltweit zu Projekten und ortsspezifischen Großinstallationen eingeladen.

Für seine Arbeiten hat Anadol viele Preise und Anerkennungen erhalten, darunter den Microsoft Research’s Best Vision Award, den German Design Award, den UCLA Art+Architecture Moss Award, den University of California Institute for Research in the Arts Award, den SEGD Global Design Award und den Google’s Art and Machine Intelligence Artist Residency Award.

Ganz zu Beginn seiner Laufbahn ist Refik Anadol auch nach München gereist, um Motive der Stadt zu fotografieren. Nach eigenen Aussagen lag sein Fokus auf der Pinakothek der Moderne, von der er zahlreiche Fotografien anfertigte. Natürlich werden auch diese Fotografien in den Datenpool für seine neue Arbeit wandern. So scheint sich ein Kreis zu schließen.

Auf Instagram begeistert der Künstler rund 620.000 Follower mit seiner Kunst…

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Wie wird die Entwicklung von KI die Kunst noch beeinflussen?

Die vier Museen der Pinakothek der Moderne sind glücklich, dass sie Refik Anadol für die Entwicklung einer ortsspezifischen Datenskulptur gewinnen konnten. Denn neue technische Mittel bringen immer auch Innovationen im Bereich von Kunst, Graphik, Architektur und Design hervor. Wie wird die Entwicklung von KI noch weiter diese Disziplinen beeinflussen und wie werden sich die Seh- und Rezeptionsgewohnheiten im Kontext digitaler Lebens- und Arbeitsfelder sowie der alltäglichen Nutzung digitaler Objekte und Tools noch weiterentwickeln?

Die Arbeit von Refik Anadol, die sich mit Phänomenen und Fragestellungen aus den Bereichen Kunst, Grafik, Architektur und Design beschäftigt, ist so Disziplinen übergreifend wie die Pinakothek der Moderne selbst. Mit seiner faszinierenden Kunst spiegelt Refik Anadol die Entwicklung der zunehmenden Datenflut und ihre Auswirkungen auf Individuen und Gesellschaft.

Die von Refik Anadol zum Jubiläum der Pinakothek der Moderne geschaffene Datenskulptur wird dank PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne für die Sammlung erworben. Ein wunderbares und großzügiges Jubiläumsgeschenk.

Kuratorin: Prof. Dr. Angelika Nollert

Weitere Informationen

Titelbild: Refik Anadol/Screenshot/Panasonic North America/

Mehr über das Museum in München: Pinakothek der Moderne

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Unser Leben hat sich in den letzten drei Jahren verändert. Da uns die frühen 2020er Jahre, wahrscheinlich immer, als die drastischen „What The F**k?“-Jahre in Erinnerung bleiben werden, dachten wir, dass es kein besseres Thema für die allererste TED’s brand – TEDxYouth@München – NFT Ausstellung geben könnte als “REFLECTIONS 2022”.

REFLECTIONS 2022 ist eine von Nahid Shahalimi und Lianna Adams kuratierte NFT-Ausstellung, die von „We the Women“ gesponsert wird, um junge Künstlerinnen und Künstler aus der NFT-Welt zu unterstützen und ihnen Raum zu geben.

NFT-Künstlerinnen und -Künstler im Alter von +/-20 Jahren wurden eingeladen, ein Original-Kunstwerk in einem Medium ihrer Wahl einzureichen, das die Ereignisse der letzten drei Jahre und deren Auswirkungen auf ihr Leben reflektiert:

REFLECTIONS 2022 über:

die verschiedenen Kriege?

das Nichterreichen der Klimaziele?

die Pandemie?

rassistische Angriffe weltweit?

den nächsten Lockdown?

den Verlust der Rechte von Frauen/Mädchen/LGBTQI+?

We The Women X TEDxYouth@München REFLECTIONS 2022

Die Verantwortlichen geben bekannt: „Die TEDxMünchen Community ist in den letzten Jahren erfolgreich gewachsen, die letzten Veranstaltungen waren ein großer Erfolg. Deshalb freuen wir uns sehr, unser TEDxYouth@München Festival 2022 anzukündigen. Nach einer erstaunlichen ersten Runde 2019, und einer fantastischen digitalen Konferenz 2020, können wir es kaum erwarten, euch alle dieses Jahr wieder im echten Leben zu treffen!

Für TEDxYouth@München konzentrieren wir uns auf eine Zielgruppe von +/-20 Jahren, die neugierig, wissbegierig, aufgeschlossen und bereit ist, aktiv zu werden. Am 26. Juli 2022 werden wir im Werk 7 Theater und in der Tonhalle im Werksviertel München zu Gast sein. Zwei wunderschöne Locations mit einer großartigen Umgebung und einer urbanen, lebendigen Atmosphäre.

Mit TEDxYouth@München 2022 wollen wir junge Menschen ermutigen, inspirieren und zum Ideenaustausch einladen. Wir freuen uns, dass es so viele von Euch gibt, die den Mut haben, auf unsere Bühne zu gehen und über die Dinge zu sprechen, die wichtig sind, über Ideen und Projekte.

Getreu dem TED(x)-Geist ist es uns wichtig, dass unsere Gäste nicht nur inspirierende Vorträge hören, sondern einen Event erleben, der es ihnen ermöglicht neue Dinge auszuprobieren, über den Tellerrand zu schauen und sich mit anderen Gästen, Partnern und Rednern auszutauschen. Auf unserem Festivalgelände bieten wir interessante Workshops, interaktive Aktivitäten und eine Menge an Unterhaltung, die Ihr sehen und erleben könnt.“

 

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We The Women

We The Women (WTW) wurde 2008/2009 von Nahid Shahalimi in München, Deutschland, als kreativ soziale Initiative gegründet. Heute ist WTW ein unabhängiges, weltweit tätiges Social-Impact-Unternehmen. Mit besonderem Fokus auf das Wohlergehen von Frauen, Jugendlichen und marginalisierten Gruppen mit Hauptsitz in München.

WTW hat die Vision einer achtsamen Gesellschaft, die auf einer Kultur des Friedens, der globalen Gerechtigkeit und der Gleichberechtigung der Geschlechter basiert. WTW unterstützt all jene, die dazu beitragen, die bestehenden Narrative umzugestalten. Sie organisieren maßgeschneiderte, kreative Veranstaltungen, Podiumsdiskussionen, Programme und vermitteln Expertenwissen. Das Ziel: Soziale Projekt zu unterstützen, die auf die Bedürfnisse der verschiedenen Länder abgestimmt sind.

WTW bietet Plattformen für den Dialog an, die Vielfalt/Intersektionalität/Inklusion sowie Emanzipation durch Bildung, Sport, Kreativität und Innovation aufzeigen.

www.we-the-women.com

Nahid Shahalimi

Nahid Shahalimi ist eine, in Afghanistan geborene, kanadische Autorin, Künstlerin, Filmemacherin und Gründerin von „We The Women“. Wachsporträts mächtiger deutscher Frauen waren 2008/9 Shahalimis bekanntestes Projekt, gefolgt von „German Soccer For Life”: ein Gemälde der gesamten deutschen Fußballnationalmannschaft (Gewinner der FIFA-Weltmeisterschaft 2016); beide Projekte wurden vollständig an Wohltätigkeitsorganisationen in aller Welt gespendet.

Darüber hinaus wurde 2015 ihre Kampagne „Stand Up For Unity“ ins Leben gerufen (vom Dalai Lama und mehreren hochrangigen, weltbekannten Persönlichkeiten befürwortet), die Projekte in Entwicklungsländern und in der digitalen Kreativbranche umfasst, die alle sozial ausgerichtet sind.

Seit zwei Jahrzehnten unterstützt Shahalimi Projekte für Frauen und Mädchen in Afghanistan. Ihre Arbeit intensivierte sich, als sie (ab 2011) in ihr Geburtsland reiste und kleine Basisprojekte vor Ort recherchierte, filmte und mitfinanzierte. Von Bildungs-, Kreativ- und Empowerment-Projekten bis hin zur Unterstützung von Frauen-Nationalsportteams mit Ausrüstung. Bei allen steht die Stärkung der Frauen im Mittelpunkt.

2017 veröffentlichte sie ihr erstes Buch auf Deutsch, „Wo der Mut die Seele trägt“, und erntete große Anerkennung. Darauf folgte ihr preisgekrönter Film „We The Women of Afghanistan: A Silent Revolution“.

Zu ihren jüngsten Projekten gehören die Beratung von hochrangigen Beamten und Lenkungsausschüssen für afghanische Frauenverteidigerinnen und die Kuratierung der NFT-Ausstellungsreihe.

Zudem schreibt Shahalimi an der Fortsetzung ihres Bestsellers „Wir Sind Noch Da!“ (erschienen im November 2021 im Elisabeth Sandmann Verlag), einer Sammlung von Berichten mutiger afghanischer Expertinnen aus erster Hand, geschrieben wenige Tage nach dem Fall von Kabul (August 2021). Die Fortsetzung soll von Penguin Randome House zum ersten Jahrestag des Abzugs der US-geführten Streitkräfte veröffentlicht werden.

 

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Lianna Adams

Lianna Adams setzt sich leidenschaftlich dafür ein, die Welt zu einem besseren Ort zu machen. Sie möchte andere dazu inspirieren, selbst ein dauerhaftes Vermächtnis zu hinterlassen. Ihre Karriere begann, als ihr klar wurde, dass sie das Leben außerhalb der vier Wände eines Klassenzimmers erkunden wollte.

Sie verließ die Universität für einen Job im Bereich Medien und Kommunikation. Danach produzierte sie Radio- und Fernsehsendungen und wurde schließlich eine beliebte Moderatorin. In dieser Funktion reiste sie um die Welt, um international bekannte Persönlichkeiten mit interessanten Geschichten zu interviewen.

Ihr Streben nach Wissen und Abenteuer führte sie vom Fernsehen zu preisgekrönten Veranstaltungen und Festivals, bevor sie ihre Sachen packte, um in London neu anzufangen. Dort baute sie ihre Fähigkeiten aus. Sammelte weiter Erfahrung und Wissen, und öffnete ihren Geist für abweichendes Denken, neue Ideen und Erkenntnisse. Ihre einzigartige Fähigkeit, Muster und Strukturen zu erkennen, nutzte sie zur erfolgreichen Produktion von Unterhaltungsinhalten und Veranstaltungen, einschließlich der Organisation ihrer eigenen Kunstmessen, der Zusammenarbeit mit großen Auktionshäusern und international anerkannten Künstlern und Marken.

Lianna arbeitet an der Schnittstelle von Kunst und Kultur und setzt sich mit großer Leidenschaft dafür ein, unterrepräsentierten und sozial benachteiligten Menschen eine Stimme zu geben. Seit kurzem baut Lianna eine Community für Organisationen auf, die ein sinnvolles Ziel verfolgen und gibt ihr Wissen über Kommunikation, Markenmarketing, Strategien und Eventproduktion an NGOs und NFT-Projekte und -Plattformen weiter, um deren Wachstum voranzutreiben.

Für die Community hält Lianna sogenannte Mental-Health Check-In-Räume bereit. Darüber hinaus ist sie Mitglied des Top Tier Impact Network. Sie berät DAOs und Organisationen, die sich auf soziale Auswirkungen und Inklusivität konzentrieren. Sie ist Vice President bei „TheDream Conduit“, einer 501c3 kohlenstoffneutralen DAO, die es Kreativen ermöglicht, ihr Potenzial im NFT-Bereich zu maximieren.

Ihre Leidenschaft ist es zu Netzwerken und Menschen dahingehend zu inspirieren, einen nachhaltigen positiven Einfluss in der physischen und digitalen Welt zu hinterlassen.

Mehr über die Künstlerin: https://lianna-adams.com

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Als Hobby betrieb Herr Fechner aus Bayern ein Zoo- und Aquaristik-Fachgeschäft. In der Hauptsache befasst er sich mit dem Aufbau einer sozialen Fachpflegeeinrichtung für schwerst-hirnverletzte Menschen. Die behördlichen Genehmigungen sind bereits vorhanden. Gegenwärtig wird eine Hilfsaktion für das Sanatorium in die Wege geleitet. Aber fangen wir von vorne an.

Auf der Webseite des „Wonderfish“ hält Herr Fechner sein kurioses Erlebnis genau fest:

Eines Tages kamen zwei dunkelhäutige Manner, die einen uralten bärtigen Mann links und rechts stützten, in meine Geschäftsräume. Sie setzten sich auf die vorhandenen Stühle und beobachteten das Treiben. Sie unterhielten sich in einer für mich fremden Sprache. Ich nahm erst Notiz von ihnen, als einer der Herren auf mich zukam und fragte, ob ich etwas Zeit hätte. Ich bejahte, begrüßte sie und setzte mich zu ihnen. Obwohl der alte Herr mit seinem langen weißen Bart und seinem weißen Kittel, der bis zum Boden reichte, wie eine Gestalt aus einem Märchen aussah, strahlte er eine Autorität und Jugendlichkeit aus, die faszinierend war. Der rechts von ihm sitzende Mann fungierte als Dolmetscher. Er musterte mich und begann:

Wir haben davon gehört, dass Sie die Absicht haben, eine Fachpflegeeinrichtung für schwerstgeschädigte Menschen zu bauen. Ich wunderte mich sehr und bejahte. Er meinte, ob ich schon einmal daran dachte, diese ausschließlich für islamische Gläubige aufzubauen. Ich verneinte, doch könnte ich darüber nachdenken. Er fragte, ob ich gläubig wäre und dass sich der Koran und die Bibel nicht sehr unterscheiden würden.

Jeder sollte dem anderen helfen, das wäre das Wichtigste im Leben. Der Älteste sagte etwas in einer fremden Sprache (mittlerweile weiß ich, dass es arabisch war).

Mein Gesprächspartner, der perfekt deutsch sprach, meinte, sie würden wieder etwas von sich hören lassen. Sie erhoben sich, verabschiedeten sich, dabei nahm der ,,Älteste“ meine Hände in seine und drückte sie ungewöhnlich lange. Ich dachte, welch ein eigenartiger Besuch! Dann ging ich wieder meiner Arbeit nach.

Etwa ein halbes Jahr später.

Ich hielt mich gerade bei meinen Knabberfischen, die bei Schuppenflechte und Neurodermitis therapeutisch eingesetzt werden, auf. Mein Mitarbeiter kam und sagte, es wären zwei dunkelhäutige Männer mit einem Behälter da, in dem sich ein Fisch befindet. Ich ging in den Verkaufsraum und erkannte die zwei Männer gleich wieder, die vor Monaten bei mir waren, allerdings diesmal ohne dem alten Mann. Sie begrüßten mich und ich fragte, wo denn der Dritte sei. Der eine teilte mir mit, der alte Herr ist nun im Reiche Allahs. Vor seinem Weg ins Paradies gab er die Anordnung, seinen besonderen Fisch in meine Hände zu geben. Ich war natürlich mehr als erstaunt und fragte, was denn so besonderes mit diesem Fisch sei. Ich bekam zu hören, dieser Fisch ist ein Mysterium, er trägt den Namen ,,Allah“ auf der einen und ,,Mohammed“ auf der anderen Körperseite. Außerdem werden diese arabischen Wörter auf beiden Seiten von dem Abbild eines Meerwasserfisches (eine Chelmon-Art) eingerahmt. Ich soll nun versuchen, über diesen Fisch mein soziales Vorhaben zu realisieren. Sie würden wieder auf mich zukommen, ließen das Aquarium samt Inhalt zurück und gingen.

Ich stellte das Aquarium mit dem Fisch erst einmal in eine Ecke, schloss den Strom für eine Filterpumpe an, musterte kurz den Fisch, bemerkte nichts weiter, als schwarz-rote Streifen und dachte bei mir, na ja, jetzt habe ich einen Fisch mehr im Geschäft.

In den nächsten Wochen fiel mir auf, dass immer mehr fremdsprachige Menschen ins Geschäft kamen und in das Becken mit dem Fisch sahen. Jetzt musste ich ja doch einmal fragen, was da so besonderes an diesem Fisch sei. Zu meinem Erstaunen sagten sie mir, ich hätte einen Fisch mit den arabischen Zeichen Allah und Mohammed (wie es mir schon einmal gesagt wurde). Also stimmte es doch.

Um aber ganz sicher zu sein, telefonierte ich mit dem moslemischen Priester unserer Moschee, erzählte ihm von der Geschichte des Fisches. Dieser erklärte sich sofort bereit, die Schriftzeichen zu begutachten. Er kam am nächsten Tag mit einem Dolmetscher, sah sich staunend den Fisch an und bestätigte, dass jeder, der den Koran lesen kann, auch die Schriftzeichen für Allah und Mohammed lesen kann. Ich filmte dies im Originalton. Da wurde mir bewusst, dass ich wirklich etwas Einzigartiges als Vermächtnis bekommen habe und das beste daraus machen muss. Ich bin gespannt, was die Vorsehung für mich und den Fisch noch auf Lager hat.
Nachdem die Schar der Neugierigen immer größer und mir klar wurde, welch einen lebenden Schatz ich besitze, brachte ich das kostbare Tier an einen sicheren Ort.

Nichts ist beständig, so ist auch dieses einzigartige Geschöpf gestorben. Um ihn für extravagante Sammler präsent zu halten, wurde der besondere Fisch von Europas größtem Fischpräparationsbetrieb präpariert. Wir haben bei dem Unternehmen nachgefragt und ließen uns den damaligen Auftrag bestätigen.

„Allah-Fisch“ soll soziales Projekt fördern

Das seltene Exponat dreht sich nun in einem prächtig gestalteten Schrein und steht zum Verkauf. Da sich der Besitzer mit dem Aufbau eines sozialen Fachpflege-Sanatoriums für Menschen mit schwersten Schäden an Körper und Seele befasst, wird der Erlös in das künftige „Sanatorium für Hirngeschädigte Waldkraiburg“ investiert. Das Baugelände steht bereits fest. Der Entstehungsort: Von-der-Tann-Strasse 46, Waldkraiburg, 65 km südostlich von München, eine Stadt mit ca. 25 000 Einwohnern. Mehr über das Projekt!

Sollten Sie Kontakte zu ,,außergewöhnlichen Sammlern“ haben, oder selbst den für die Moslems „heiligen Fisch“ ansehen wollen, nutzen Sie gerne unseren Kontakt.

Weitere Informationen

Mehr über den „Wonderfish“ – http://www.wonder-fish.com/

Ein weiteres, exklusives Kunstwerk von Tom Moog finden Sie hier: Tom Moog: Das Auge von Nazar

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Die Kunstmesse „Stroke Art Fair“ – geläufig auch Stroke genannt – gehört zu den führenden Messen für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Ins Leben gerufen wurde die Stroke 2009 von den Brüdern Marco und Raiko Schwalbe in München. Seit der Gründung konnte die Stroke fast eine  viertel Million Besucher verzeichnen, wobei im Jahr 2020 eine coronabedingte Pause zu berücksichtigen ist.

In diesem Jahr fand die beliebte Messe vom 19. – bis zum 22. Mai auf der Praterinsel in München statt. In den 4 Tagen zeigten knapp 115 Künstler ihre Arbeiten und begeisterten Kunstliebhaber aus ganz Europa. Unter den teilnehmenden Ausstellern befand sich auch die Künstlerin und Autorin Isabella Schels, die so freundlich war, ihre Erfahrung mit der Kunstmesse mit unseren Lesern zu teilen.

Isabelle Schels über die Stroke Art Fair 2022

Die Stroke Art Fair entdeckte ich zum ersten Mal im Herbst 2021. Damals nahm mich ein Freund aus dem Chiemgau mit, der ein Fan von der Kunstmesse auf der Praterinsel ist. Mir gefiel die Stroke so gut, dass in mir der Wunsch reifte, auch einmal dort als Ausstellerin mit dabei zu sein. Und das klappte schneller, als ich dachte.

Durch Zufall erfuhr ich diesen Januar von einer Bewerbungsmöglichkeit für die nächste Auflage der Stroke. Ich musste ein Formular ausfüllen und eigene Werke einreichen, die ich auf der Kunstmesse zeigen wollte. Innerhalb von 24 Stunden erhielt ich die Zusage. Die Zusammenarbeit lief von Beginn an reibungslos, ebenso die Kommunikation, die in der Regel nur per Email stattfand. Und falls ich etwas als Ausstellerin übersehen hatte, wurde ich rechtzeitig hingewiesen. Wirklich toll.

Die gesamte Organisation für den Online-Auftritt sowie für den Workflow vor Ort mit Auf- und Abbau war sehr gut. Mit meinem Stand im Kellergewölbe war ich auch sehr zufrieden: Es gab eine hohe Stellwand, die mir überraschenderweise mehr Ausstellungsfläche anbot, als erwartet, und zudem zwei Strahler, die alles gut ausleuchteten. Der Keller hatte darüber hinaus den Vorteil, dass es relativ kühl war – denn draußen hatte es teilweise über dreißig Grad Celcius an diesen Tagen!

Wegen der Hitze war es auch an einem Tag, dem Freitag, sehr ruhig, was das Publikum betrifft. Am Eröffnungsabend wie auch am Samstag und Sonntag herrschte jedoch überraschend großer Besucherandrang. Nach Corona-Lockdowns eine schöne Erfahrung.

Die Stroke ist ohnehin ein Erlebnis: Im Innenhof auf der Praterinsel herrschte Stimmung wie auf einem Festival, mit Musik, mit diversen Essens- und Getränkeständen und mit schönen Sitzmöglichkeiten. Ich habe es sehr genossen, mit vielen anderen Künstlern an dieser stimmungsvollen Location zusammenzukommen, sich auszutauschen und das Wiederaufleben der Kunstmesse nach den vielen Lockdowns zu feiern. Die Stroke war in dieser Hinsicht ein echtes Fest!

 

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Isabella Schels

Isabella Schels wurde in Kelheim (Niederbayern) geboren. Als Kind zunächst infiziert mit dem Ballett-Virus, das zu einer kleinen Rolle in einem ZDF-Film (erste Berührung mit meinem heutigen Medium) führte, später dann Berlin sowie Hamburg und München als Wirkungsort. Inspiriert durch nahezu alles – was sich in Filmen, Bildern und anderen musischen Feldern niederschlägt.

Studium der Geographie, Germanistik und Erziehungswissenschaften an der Universität Regensburg, mit Abschluss M.A. Anschließend Ausbildung zur TV-Redakteurin. Stationen als Reporterin bei Nachrichtenredaktionen, als Redakteurin im Bereich Spielfilm und Serie, Fernsehautorin und Regisseurin im Bereich Magazine und Dokumentation sowie Online-Redakteurin im Magazin-Bereich. Autodidakt im Bereich Fotografie. Studium Zeichnung und Malerei bei Professor Markus Lüpertz.

Mehr über die Künstlerin & Autorin: https://isabellaschels.de/

Weitere Informationen

Mehr über die Stroke: stroke-artfair.com

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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