Mit „COEXIST PART 7 — DIALOGUE“ zeigt Franziska Stünkel eine neue fotografische Werkserie über Dialog, gesellschaftliche Spannungen und menschliche Koexistenz. Die Ausstellung in Hannover verbindet internationale Stadtansichten mit poetischen Bildräumen und partizipativen Formaten.

Mit der Ausstellung „COEXIST PART 7 — DIALOGUE“ präsentiert die Fotokünstlerin Franziska Stünkel ab dem 29. Mai 2026 ihre neueste Werkserie in Hannover. Die Vernissage findet bereits am Donnerstag, den 28. Mai 2026 um 19 Uhr in der Galerie Drees statt. Eingeführt wird der Abend von Stefan Gronert.

Seit 17 Jahren reist Stünkel mit ihrer Leica M durch Metropolen weltweit, um Fragen menschlicher Koexistenz fotografisch zu untersuchen. Die neue Serie entstand unter anderem in Mexico City, Neapel, Belfast sowie in Little Havana, dem kubanisch geprägten Viertel von Miami. Im Zentrum steht der Dialog — zwischen Menschen, Kulturen und gesellschaftlichen Wirklichkeiten.

Die Arbeiten thematisieren, wie fragil und zugleich unverzichtbar Austausch in einer Zeit zunehmender digitaler Kommunikation und gesellschaftlicher Polarisierung geworden ist. Stünkel entwickelt dabei keine dokumentarische Reportage, sondern poetische Bildräume, die den Betrachtenden aktiv in einen visuellen Dialog hineinziehen.

Zwischen Fotografie, Film und gesellschaftlichem Blick

Franziska Stünkel zählt seit Jahren zu den markanten Stimmen zeitgenössischer deutscher Fotografie. Neben ihrer fotografischen Arbeit ist sie auch als Regisseurin und Drehbuchautorin tätig. Internationale Aufmerksamkeit erhielt sie insbesondere mit ihrem Spielfilm Nahschuss, der sich intensiv mit Fragen von Moral, Macht und politischer Verantwortung auseinandersetzt.

Auch ihre fotografischen Arbeiten kreisen um gesellschaftliche Spannungen, Identität und menschliche Wahrnehmung. Charakteristisch für ihre Serie „COEXIST“ sind Spiegelungen und Reflexionen in urbanen Räumen, durch die mehrere Realitätsebenen gleichzeitig sichtbar werden. Dadurch entstehen Bildkompositionen, die dokumentarische Beobachtung mit subjektiver Interpretation verbinden.

Dialog als partizipatives Ausstellungskonzept

Ein besonderer Bestandteil der Ausstellung ist eine gläserne Stuhlkreis-Installation, die an zwei partizipativen Abenden — am 17. Juni und 14. August 2026, jeweils um 19 Uhr — zum Ort gemeinsamer Gespräche und Begegnungen werden soll.

Auch zur diesjährigen Nacht der Museen am 6. Juni beteiligt sich die Galerie mit einem umfangreichen Programm. Um 20 Uhr spricht Franziska Stünkel mit dem Schauspieler und Grimme-Preisträger Sebastian Urzendowsky über künstlerische Schaffensprozesse in Fotografie und Film. Musikalisch begleitet wird der Abend durch Konzerte der Kunstfestspiele Herrenhausen in Kooperation mit dem Musikzentrum Hannover.

Die Ausstellung läuft vom 29. Mai bis 29. August 2026.

Darüber hinaus verweist die Galerie Drees auf den aktuellen Erfolg des Künstlers Haakon Neubert, der derzeit ein dreimonatiges Stipendium in Wien absolviert. Seine Ausstellung „Die volle Distanz“ ist bis zum 17. Juni 2026 in der STRABAG Art Site zu sehen.

Die Galerie Drees bleibt über Christi Himmelfahrt (14.–17. Mai) geschlossen und befindet sich vom 4. Juli bis 4. August 2026 in Sommerpause. Die nächste Ausstellungseröffnung ist für den 4. September 2026 mit Arbeiten von Jürgen Paas und Wolfgang Flad angekündigt.

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: https://www.franziskastuenkel.de/

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Mit der Ausstellung summ_summ: summa_summarum entsteht im Rahmen der IntraRegionale 2026 einer der eindrucksvollsten Schauplätze der diesjährigen Kunstreihe – ein Ort, an dem sich Natur, Klang und Installation zu einem begehbaren Gesamterlebnis verdichten.

Vom 9. Mai bis 18. Juni 2026 verwandelt sich das Gelände von kunst in kontakt e. V. in Hannover-Herrenhausen in ein vielschichtiges „Insekten-Kunst-Areal“. Fünf Künstlerinnen und Künstler entwickeln hier eine Umgebung, die weniger Ausstellung als vielmehr Erfahrungsraum ist.

Ein Gelände wird zur künstlerischen Landschaft

Was diese Ausstellung besonders macht, ist ihr räumlicher Ansatz. Statt klassischer Museumsräume entfaltet sich summ_summ: summa_summarum auf einem offenen Gelände, das selbst Teil der künstlerischen Arbeit wird.
Zwischen Vegetation, Gebäuden und freien Flächen entstehen:

multimediale Installationen
Licht- und Klangräume
Zeichnungen, Objekte und Interventionen
großformatige Videoprojektionen

Die Arbeiten wirken dabei nicht wie platziert, sondern wie Teil eines größeren Ganzen – als hätte sich die Welt der Insekten bereits in die Landschaft eingeschrieben.

Gerade in den Abendstunden entfaltet die Ausstellung ihre besondere Wirkung. Lichtinstallationen und akustische Elemente schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Naturbeobachtung und künstlerischer Inszenierung oszilliert.

Jean-Robert Valentin und das „UV-Spinnennetz“

Einen der visuell prägnantesten Beiträge liefert der Künstler Jean-Robert Valentin.
Seine Arbeit „UV-Spinnennetz“ gehört zu den zentralen Ankerpunkten der Ausstellung. Unter ultraviolettem Licht wird ein Netzwerk sichtbar, das sich der normalen Wahrnehmung entzieht. Strukturen, die im Alltag verborgen bleiben, treten plötzlich hervor und eröffnen eine neue Perspektive auf die Welt der Insekten.

Das Werk macht deutlich, worum es in der IntraRegionale im Kern geht:
nicht nur um Naturdarstellung, sondern um die Frage, wie Wahrnehmung überhaupt entsteht.

Fünf künstlerische Positionen – ein gemeinsames Ökosystem

Neben Jean-Robert Valentin sind Arbeiten von Frank Fuhrmann, Chieko Fumikura, Helmut Hennig und Angelika Wolf zu sehen.

Die Ausstellung bringt damit bewusst unterschiedliche künstlerische Handschriften zusammen – von materialbetonten Arbeiten bis hin zu raumgreifenden Installationen und malerischen Positionen.

Frank Fuhrmann – Installation zwischen Natur und Erinnerung

Der in Hannover aktive Künstler Frank Fuhrmann arbeitet häufig mit Installationen und Objekten, die gesellschaftliche und ökologische Themen aufgreifen. Bereits in früheren Projekten verband er Naturraum und Bedeutungsebene – etwa durch Interventionen im öffentlichen Raum, die auf Umweltfragen oder historische Ereignisse verweisen.

Seine Arbeiten bewegen sich dabei oft zwischen sichtbarer Form und gedanklicher Erweiterung: Das Werk entsteht nicht nur im Objekt selbst, sondern im Nachdenken darüber.

Chieko Fumikura – Malerei zwischen Natur und Symbolik

Die aus Japan stammende Künstlerin Chieko Fumikura ist vor allem für ihre Malerei und großformatigen Bildarbeiten bekannt. Ihre Werke greifen häufig natürliche Prozesse und Strukturen auf und übersetzen sie in symbolische, teils meditative Bildwelten.

In früheren Ausstellungen verband sie organische Formen mit Themen wie Umweltveränderung und menschlichem Einfluss – etwa durch spiralförmige Kompositionen, die Zyklen von Wachstum und Zerstörung sichtbar machen.

Helmut Hennig – Teil eines internationalen Ausstellungskontexts

Helmut Hennig tritt regelmäßig im Kontext von Gruppenausstellungen auf, insbesondere im Umfeld von Projekten, die verschiedene künstlerische Medien zusammenführen. So war er unter anderem an internationalen Ausstellungskonstellationen beteiligt, die Malerei, Installation und gesellschaftliche Fragestellungen verbinden.

Seine Position steht exemplarisch für die Offenheit der IntraRegionale gegenüber unterschiedlichen künstlerischen Zugängen.

Angelika Wolf – künstlerische Position im erweiterten Raum

Auch Angelika Wolf ist Teil dieses bewusst heterogenen Ensembles. Ihre Arbeiten fügen sich in den erweiterten Ausstellungsraum ein, der weniger als klassische Präsentationsfläche funktioniert, sondern als begehbare Struktur, in der sich einzelne Positionen gegenseitig ergänzen und überlagern.

Gemeinsame Fragestellungen

So unterschiedlich die Ansätze auch sind, verbindet die Arbeiten eine zentrale inhaltliche Klammer:

Wie lassen sich Insekten nicht nur darstellen, sondern erfahrbar machen?
Wie verändert sich unser Blick auf Natur, wenn wir Maßstab und Perspektive verschieben?
Und welche Rolle spielt der Mensch innerhalb dieses sensiblen Gefüges?

Im Zusammenspiel entsteht ein vielschichtiges Geflecht aus Installation, Malerei, Klang und Raum – ein künstlerisches Ökosystem, das sich nicht statisch präsentiert, sondern im Erleben entfaltet.

Mehr als Ausstellung: Ein erweitertes Kunstformat

Summ_summ: summa_summarum geht bewusst über die klassische Ausstellung hinaus. Ein vielfältiges Begleitprogramm erweitert das Erlebnis und macht den Besuch zu einer aktiven Auseinandersetzung mit Kunst und Natur.

Regelmäßige Führungen durch das Gelände ermöglichen vertiefende Einblicke in die künstlerischen Arbeiten und deren Hintergründe. Diese finden in der Regel an Wochenenden sowie zu ausgewählten Veranstaltungsterminen statt und werden teils von beteiligten Künstlerinnen und Künstlern selbst begleitet.

Ergänzt wird das Programm durch:

Open-Air-Kinoabende, die das Gelände auch nach Einbruch der Dunkelheit bespielen
performative Formate, bei denen Klang, Bewegung und Raum miteinander verschmelzen
audiovisuelle Interventionen, die gezielt mit Licht, Projektion und akustischen Elementen arbeiten

Gerade in den Abendstunden entsteht so eine besondere Atmosphäre, in der sich die Ausstellung nochmals verändert und neue Wahrnehmungsebenen eröffnet.

Damit wird der Ort nicht nur zur Ausstellungsfläche, sondern zu einem temporären Treffpunkt für Kunst, Austausch und gemeinsames Erleben.

Teil eines größeren Netzwerks

Die Ausstellung ist Teil der IntraRegionale 2026, die als dezentrales Kunstprojekt die gesamte Region Hannover einbezieht.

Mit über 30 Künstlerinnen und Künstlern, rund zehn Ausstellungsorten und mehr als 50 Veranstaltungen entsteht ein Netzwerk, das bewusst über klassische Ausstellungsräume hinausgeht. Kunst wird hier nicht isoliert präsentiert, sondern in Beziehung gesetzt – zu Landschaft, Architektur und gesellschaftlichen Fragestellungen.

Dieses Konzept verlagert den Fokus weg vom einzelnen Ausstellungsort hin zu einer vernetzten kulturellen Bewegung, die sich über Monate hinweg entfaltet.

Die IntraRegionale 2026 in Hannover – Wenn die Kunst zu summen beginnt

Warum diese Ausstellung heraussticht

Innerhalb dieses Netzwerks nimmt summ_summ: summa_summarum eine besondere Rolle ein.

Nicht, weil sie lauter ist –
sondern weil sie unmittelbarer wirkt.

Während viele Ausstellungen auf Betrachtung setzen, fordert diese Schau Bewegung: Besucherinnen und Besucher durchqueren das Gelände, wechseln Perspektiven, erleben Werke im Vorübergehen oder im Verweilen.

Klang, Licht und Raum greifen ineinander – und lassen die Grenzen zwischen Kunstwerk, Umgebung und eigener Wahrnehmung zunehmend verschwimmen.

Ein neuer Blick auf die Welt der Insekten

Vielleicht liegt genau darin die Stärke dieser Ausstellung:

Sie zeigt Insekten nicht einfach als Motiv.
Sie macht erfahrbar, dass Wahrnehmung immer abhängig ist von Perspektive, Licht und Aufmerksamkeit.

Strukturen werden sichtbar, die zuvor verborgen waren.
Geräusche treten in den Vordergrund, die sonst überhört werden.

Und plötzlich verändert sich der Blick auf das, was selbstverständlich schien.

Manchmal genügt ein verändertes Licht,
um das Unsichtbare sichtbar zu machen.

Oder ein leises Summen,
um zu begreifen, wie komplex und lebendig selbst die kleinsten Teile unserer Umwelt sind.

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Die metavier Galerie in Hannover präsentiert das eindrucksvolle Fotoprojekt Anderwelt von Bert Strebe. In seinen Arbeiten begegnen uns Menschen, die einen geliebten Menschen durch dessen Tod verloren haben – gemeinsam mit den Verstorbenen. Strebe untersucht, wie Trauer in Gestik, Mimik, Haltung und Licht sichtbar wird.

Die Fotografien von Bert Strebe zeigen die emotionale Tiefe von Verlust und eröffnen neue Perspektiven auf Trauer, Erinnerung und Integration in den Alltag.

Die Ausstellung ist mehr als reine Fotografie – sie öffnet einen sensiblen Dialog über Verlust, Trauer und Sterblichkeit. Bert Strebe übersetzt emotionale Tiefe in visuelle Geschichten und lädt die Besucher:innen ein, den Tod als Teil des Lebens zu erfahren. Ein Muss für alle, die Kunst lieben, sich mit Trauerarbeit beschäftigen oder neue Perspektiven auf Verlust suchen.

Ausstellung & Öffnungszeiten

Laufzeit: 04.04.2026 – 17.05.2026
Öffnungszeiten: jeden Sonntag 13 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Veranstaltungen & Termine

Sa. 04.04.2026, 18 – 21 Uhr: Vernissage mit Buchvorstellung
Mo. 13.04.2026, 19 – 21 Uhr: In Resonance mit Karin Hutter – Offener Abend mit Meditation, Stille und IFS-Übungen
Sa. 18.04.2026, 18 – 21 Uhr: Leichenschmaus – Kulinarischer Abend mit Kunst, Gesprächen und hausgemachtem Kartoffelsalat (Teilnahme: 25 €, Anmeldung bis 11.04.2026 an galerie@metavier.de)
Mo. 04.05.2026, 18 – 20 Uhr: Schreiben zur Trauer mit Ela Windels
Do. 07.05.2026, 18 – 20 Uhr: Todescafé mit Susanne Benze – Austausch über Leben, Tod und Stabilität
Mo. 11.05.2026, 19 – 21 Uhr: In Resonance – Wiederholung des offenen Abends

Über den Künstler: Bert Strebe

Bert Strebe ist ein zeitgenössischer Fotograf, der sich in seinen Arbeiten intensiv mit den Themen Verlust, Vergänglichkeit und menschliche Emotionen auseinandersetzt. Ausgehend von eigenen Erfahrungen mit Trauer entwickelt er fotografische Konzepte, die intime Momente zwischen Leben und Tod einfangen.

Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine sensible Bildsprache aus, in der Licht, Schatten und Haltung eine zentrale Rolle spielen. Mit Anderwelt führt Strebe seine künstlerische Forschung weiter, indem er den Dialog zwischen Lebenden und Verstorbenen in den Mittelpunkt stellt und Betrachter:innen zu einer emotionalen Auseinandersetzung mit Verlust und Erinnerung einlädt.

Die Metavier Galerie

Der Initiator Sven Friedrich Cordes ist Bestatter – mit Leib und Seele. Seine Kunstgalerie widmet sich naheliegend dem Thema Tod. Ein Thema, was uns alle angeht.

Die Galerie verändert den Blick auf den Tod ein Stück bzw. bringt ihn zurück in unseren Alltag – auch um uns die eigene Sterblichkeit und Vergänglichkeit wieder bewusst zu machen.

Die Leichtigkeit der zeitgenössischen Kunst ermöglicht dem Thema Tod ohne Furcht oder dramatisch zu begegnen.

Mehr über die Galerie: https://metavier.de

Weitere Informationen

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Die Schau von Martin Grobecker, die vom 13. Februar bis zum 4. April 2026 im Kwartier Nord in Hannover zu sehen ist, präsentiert eine Bildwelt zwischen schwarzem Humor, grotesker Übertreibung und dystopischer Gegenwartsdiagnose.

Martin Grobecker entwickelt in seinen Arbeiten ein visuelles Universum, das gleichzeitig verspielt und verstörend wirkt. Figuren, Szenen und Symbole überlagern sich in einer kaum überschaubaren Bildfülle. Diese Überladung ist kein Zufall: Sie spiegelt eine Welt, deren Realität selbst zunehmend fragmentiert und chaotisch erscheint. Die Werke bewegen sich dabei bewusst zwischen Kitsch, vulgärem Humor und dunkler Poesie – eine Mischung, die das Absurde der Gegenwart sichtbar machen soll.

Der Titel der Ausstellung lässt sich als Metapher lesen: Der „unfriendly ghost“ ist kein romantisches Gespenst, sondern eher ein Störgeist unserer Zeit. Grobecker beschreibt damit eine Atmosphäre gesellschaftlicher Gereiztheit, die durch digitale Kultur, politische Spannungen und kulturelle Überproduktion verstärkt wird.

Die Ausstellung reflektiert insbesondere die sogenannte „Slopification“ des digitalen Raums – eine Entwicklung, bei der Inhalte immer schneller produziert und konsumiert werden, während Qualität und Kontext zunehmend verschwimmen. Grobeckers Bilder erscheinen daher wie visuelle Verdichtungen dieser chaotischen Informationswelt. Aus Fragmenten von Popkultur, historischen Bildtraditionen und grotesken Figuren entsteht eine Art ikonografisches Sammelbecken des zeitgenössischen Irrsinns.

In diesem Sinne lässt sich Grobeckers Arbeit in eine Tradition satirischer und allegorischer Malerei einordnen – von den moralischen Bildwelten eines Hieronymus Bosch bis zu den grotesken Karikaturen moderner Comicästhetik.

Zwischen Humor und Abgrund

Trotz der düsteren Grundstimmung besitzen Grobeckers Bilder eine ausgeprägte humoristische Dimension. Die grotesken Figuren wirken häufig wie parodistische Karikaturen.

Gerade diese Ambivalenz – zwischen komischem Cartoon und apokalyptischer Allegorie – verleiht dem Werk seine besondere Spannung. Das Bild funktioniert zugleich als Satire, als kulturelle Collage und als visuelle Parabel.

Der „unfreundliche Geist“ erscheint damit weniger als übernatürliche Figur denn als Spiegelbild unserer Zeit: eine Welt, in der Humor und Absurdität untrennbar mit Verfall, Entropie und kultureller Überreizung verbunden sind.

Fazit

„The Unfriendly Ghost“ zeigt eine Welt im Zustand der Überreizung – eine Welt, in der Bilder, Geschichten und Symbole unaufhörlich kollidieren.

Martin Grobecker gelingt es, diese Situation nicht nur zu kritisieren, sondern in eine eigenständige visuelle Sprache zu übersetzen. Seine Werke sind überladen, grotesk und bisweilen verstörend – aber gerade darin liegt ihre Stärke.

Der „unfreundliche Geist“ der Ausstellung ist letztlich nichts anderes als der Geist unserer Zeit.

Kwartier Nord e.V

Das Kwartier Nord e.V. befindet sich in der Asternstraße in der Nordstadt von Hannover und ist ein vergleichsweise kleiner, unabhängiger Kunstraum mit experimentellem Charakter. Die Räumlichkeiten liegen in einem ehemaligen Kita-Gebäude und wurden seit 2021 schrittweise zu einem kreativen Arbeits- und Ausstellungsort umgestaltet. Besonders prägend ist der straßenseitige Ausstellungsraum mit großem Schaufenster, das einen direkten visuellen Kontakt zum Stadtraum herstellt und die Kunst bewusst in den Alltag der Nachbarschaft hineinträgt.

Hinter diesem frontalen Galerieraum befinden sich weitere Arbeits- und Projekträume, die ursprünglich als Co-Working-Bereich genutzt wurden. Die Architektur ist schlicht und funktional, wodurch ein offener, flexibel nutzbarer Projektraum entsteht, der sich gut für experimentelle Ausstellungen, Installationen und kleinere Präsentationen eignet. Gleichzeitig ist das Kwartier Nord stark im lokalen Umfeld der Nordstadt verankert und versteht sich als niedrigschwelliger Ort für zeitgenössische Kunst und internationale künstlerische Positionen.

Mehr über den Co-Working Space und Raum für Kreativität: https://www.kwartiernord.de/

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler finden Sie hier: https://martingrobecker.de/

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Die IntraRegionale ist ein ungewöhnliches Format. Anders als ein klassisches Festival konzentriert sie sich nicht auf ein einzelnes Museum, sondern verteilt sich über zahlreiche Orte der Region Hannover. Kunstvereine, Galerien und Kulturinstitutionen entwickeln jeweils eigene Ausstellungen und Projekte, die durch ein gemeinsames Thema miteinander verbunden sind.

Das Ziel: *Kunst aus den urbanen Zentren hinauszutragen und in einen Dialog mit Landschaft, Gemeinden und lokalen Initiativen zu bringen.*

Damit wird die IntraRegionale zu einem kulturellen Netzwerk, das die Region Hannover als *Experimentierfeld für zeitgenössische Kunst im ländlichen und suburbanen Raum* positioniert. Über mehrere Monate hinweg zeigen Kunstvereine, Galerien und Kulturorte zeitgenössische Positionen, die sich mit Biodiversität, Naturwahrnehmung und den fragilen Ökosystemen unserer Zeit beschäftigen.

Neben Installationen umfasst das Programm *Konzerte, Performances, Vorträge, Workshops und Führungen*, die den kreativen Umgang mit Klang aus unterschiedlichen Perspektiven beleuchten. Künstlerische Praxis trifft hier auf Wissenschaft, Umweltbewusstsein und experimentelle Musik. Besonders spannend ist dabei die Frage, wie sich unsere Wahrnehmung von Landschaft, Natur und urbanem Raum verändern kann.

Gerade in einer Zeit, in der visuelle Reize dominieren, setzt die IntraRegionale ein bewusstes Gegengewicht: Sie lädt dazu ein, die Welt einmal anders wahrzunehmen. Das Festival eröffnet damit einen Raum für intensive, oft überraschende
Erfahrungen und zeigt eindrucksvoll, wie vielfältig und innovativ zeitgenössische Kunst heute sein kann.

Für Kunstinteressierte, klangforschende und neugierige Entdecker gleichermaßen bietet die *IntraRegionale 2026* eine seltene Gelegenheit, die Grenzen zwischen Kunst und Natur neu zu erleben.

Insekten als künstlerisches Motiv

Dass ausgerechnet Insekten im Mittelpunkt stehen, ist kein Zufall. Die preiswertesten Rückgänge vieler Arten – etwa Wildbienen, Käfer oder Schmetterlinge – gelten heute als Warnsignal für den Zustand unseres Ökosystems. In Deutschland ist die Biomasse von Fluginsekten seit 1990 endgültig gesunken, was weltweit Diskussionen über Biodiversität ausgelöst hat.

Die Künstlerinnen und Künstler der IntraRegionale greifen dieses Thema auf und übersetzen es in ganz unterschiedlichen künstlerischen Sprachen: Malerei, Installation, Fotografie, Klangkunst und ortsspezifische Landschaftsinterventionen. So entsteht ein vielschichtiges Panorama der Frage, wie der Mensch die Natur wahrnimmt – und verändert.

Die Ausgabe 2026 steht unter dem inspirierenden Leitmotiv *„Insekten in der Kunst“*. Was zunächst ungewöhnlich klingt, öffnet tatsächlich ein faszinierendes Feld für Künstlerinnen und Künstler: das akustische Universum der Insekten. Summen, Zirpen, Flügelschläge und vibrierende Frequenzen werden zu Ausgangspunkten für Kompositionen, Installationen und experimentelle Klangräume. Die beteiligten Kunstschaffenden greifen dabei sowohl auf Feldaufnahmen aus der Natur als auch auf elektronische Klangbearbeitung zurück und erschaffen Werke, die die verborgene Welt kleinster Lebewesen hörbar machen.

Wichtige Künstlerinnen und Künstler der IntraRegionale 2026

Auch wenn die vollständige Liste der Teilnehmenden projektbedingt variiert, lassen sich bereits einige zentrale Positionen hervorheben.

Maria Trezinski

Die Malerin Maria Trezinski widmet sich in ihrer Serie *„Holometabola“* der faszinierenden Metamorphose von Insekten. Ihre Gemälde zeigen etwa Feuerwanzen, Bienen oder Larven in intensiven Farbkompositionen und verbinden naturwissenschaftliche Präzision mit poetischer Abstraktion.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://kuenstlerbund-speyer.de/

Peer Steppe

„Der Bildhauer Peer Steppe, der auch als Restaurator in Irland und Venedig gearbeitet hat, erkennt Zeugen des vergangenen, gemächlichen oder lauten Lebens, die jetzt aber als stille Beschützer immer noch auf das ursprünglich innewohnende Leben verweisen. Doch wie sah dieses aus?

Peer Steppe bearbeitet schwere irische Kalksteinbrocken, Granit und Basaltlava, fügt auch Einzelskulpturen zu neuen Formen zusammen, assoziativ zu überdimensionierten Panzern von Käfern, Insekten und Schalentieren. Geheimnisvolle Zwischen- und Innenräume entstehen, dem Auge verborgen; Fragen stellen sich nach deren Inhalt, ob und was darin versteckt sein mag. Dieses Spannungsverhältnis zwischen Außen- und Innenform, Außen- und Innenräumen, beschreibt geradezu dramatisch den Facettenreichtum und die Ästhetik des abgelaufenen Lebens, das schützenswert war, und dennoch der harten, schweren Rüstung entwichen ist. Sie bleibt liegen, wuchtig und still.“

Mehr über den Künstler finden Sie hier: http://www.peer-steppe.de/

Meike Zopf

Meike Zopf ist geboren in Berlin. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Hannover. Meisterschülerin von Prof. Verena Vernunft, Hochschule Hannover, University of Applied Sciences and Arts. Diplom Bildende Kunst, Hochschule Hannover, University of Applied Sciences and Arts. Diplom Kunsttherapie an der Hochschule für Künste im Sozialen Ottersberg Kunst auf Lehramt an der Universität der Künste Berlin.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: http://meike-zopf.de/

Mischung aus regionaler Kunstszene und internationalen Perspektiven

Neben diesen Beispielen präsentiert die IntraRegionale eine Vielzahl weiterer Künstlerinnen und Künstler aus Deutschland und dem internationalen Umfeld – wovon wir viele in den nächsten Wochen in Rahmen von Interviews und Einzelbeiträgen noch genauer vorstellen werden. Ihre Arbeiten reichen von *fotografischen Naturstudien über installative Skulpturen bis hin zu experimentellen Klanglandschaften*, die das Summen, Krabbeln und Zirpen der Insekten akustisch erfahrbar machen.

Gerade diese Mischung aus regionaler Kunstszene und internationalen Perspektiven verleiht dem Projekt seine besondere Dynamik.

Kunst als ökologische Sensibilität

Die IntraRegionale versteht sich nicht nur als Ausstellung, sondern auch als ökologische Sensibilisierung durch Kunst. Indem Künstlerinnen und Künstler Insekten ins Zentrum ihrer Arbeit stellen, lenken sie den Blick auf jene kleinen Organismen, von denen große ökologische Zusammenhänge abhängen.

Oder anders gesagt:

Ohne Insekten,
keine Bestäubung,
keine Pflanzen,
kein Leben.

Ein leises, aber eindringliches Finale.

Vielleicht ist es kein Zufall, dass die IntraRegionale mit einem Summen beginnt.

Denn dieses Summen erinnert uns an etwas Grundlegendes:
Dass Kunst nicht immer laut sein muss, um gehört zu werden.

Manchmal genügt ein Flügelschlag.

Und plötzlich wird aus einem kleinen Geräusch eine große Frage –
nach unserer Beziehung zur Natur, nach Verantwortung, nach Zukunft.

Wenn Besucherinnen und Besucher im Sommer 2026 durch die Kunstorte der Region Hannover wandern, könnten sie auch mehr hören als nur Kunst. Vielleicht hören Sie das fragile Echo eines Ökosystems. Und das leise Versprechen, dass Aufmerksamkeit der erste Schritt zur Veränderung ist.

Weitere Informationen

Weitere Informationen über die 3. Ausgabe der IntraRegionale!

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Mit der aktuellen Ausgabe der Reihe #printisnotdead #printiskillingyou sind *Gfeller + Hellsgård* zu Gast in Hannover. Die Galerie Bohai zeigt das international renommiertes Künstlerduo, das seit zwei Jahrzehnten die Möglichkeiten des experimentellen Siebdrucks und anderer analoger Drucktechniken ausgelotet hat.

Gezeigt werden 14 großformatige mixed media Kunstwerke, sowie 2 Serien mit verschiedenen Motiven und Auflagen. Die Ausstellung bietet einen konzentrierten Einblick in eine künstlerische Praxis, die den analogen Druck nicht als nostalgisches Medium versteht, sondern als radikal zeitgenössisches Experiment.

Die Vernissage fand am 06.03.2026 statt. Die Ausstellung ist noch bis zum 29. März zu den regulären Öffnungszeiten der Galerie Bohai zu besichtigen. Teil des Rahmenprogrammes ist eine Filmvorführung »Playtime«, Jacques Tati, FRA/ITA 1967 am Do. 19.03. 18:30 Uhr. Kostenfreier Eintritt. Anmeldung erforderlich. Sowie ein Artist Talk am So. 29.03. um 16:00 Uhr.

Von Punkpostern zur musealen Druckkunst

Hinter dem Namen Gfeller + Hellsgård stehen die Künstler *Christian „Meeloo“ Gfeller* und *Anna Hellsgård*, deren Zusammenarbeit aus der unabhängigen Grafik- und Musikszene der 1990er Jahre hervorging. Ihre ersten Arbeiten entstanden im Umfeld von Punk-, Noise- und Independent-Kultur in Straßburg: Poster, Zines und visuelle Experimente, die eng mit subkulturellen Netzwerken verbunden waren.

Im Laufe der Zeit entwickelten sich diese grafischen Experimente zu einem eigenständigen künstlerischen Werk. Das Duo entwarf unter anderem Plakat- und Coverarbeiten für Musiker wie Sonic Youth, PJ Harvey, Nick Cave oder Animal Collective – ein Umfeld, das ihre visuelle Sprache nachhaltig geprägt hat.

Heute finden sich Arbeiten des Duos in bedeutenden internationalen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Metropolitan Museum of Art oder die Staatsbibliothek zu Berlin.

Der Druck als Experiment

Das künstlerische Interesse von Gfeller + Hellsgård richtet sich weniger auf die Perfektion eines einzelnen Drucks als auf den Prozess selbst. Typisch für ihre Arbeit ist ein vielschichtiges Vorgehen: Fotokopieren, Ausschneiden, Collagieren und das Überlagern von Bildfragmenten bilden die Grundlage für komplexe Siebdrucke mit intensiven Farbflächen.

Gerade das Unvorhersehbare im Druckprozess – Verschiebungen, Farbüberlagerungen oder scheinbare „Fehler“ – wird von den Künstlern bewusst als gestalterisches Mittel eingesetzt. Was im klassischen Druck als Makel gelten würde, erscheint hier als ästhetischer Mehrwert. Seit etwa 2011 konzentrieren sie sich zunehmend auf freie, nicht-figurative und experimentelle Arbeiten, in denen der Druck selbst zum Thema wird.

Raum, Material und Transparenz

Für die Ausstellung in Hannover hat das Duo eine ortsspezifische Installation entwickelt. Großformatige Plexiglasscheiben, bedruckt mit Spiegel- und Transparentfarben, verwandeln den Ausstellungsraum in ein vielschichtiges Spiel aus Reflexion, Farbe und Überlagerung.

Typisch für Gfeller + Hellsgård ist dabei die Erweiterung der Druckgrafik in den Raum: Bedruckt werden nicht nur Papier, sondern auch Materialien wie Holz, Glas oder Alltagsobjekte. Dadurch entstehen Arbeiten, die zwischen Grafik, Installation und Objektkunst oszillieren.

Der Raum selbst wird so Teil des Bildes – ein Konzept, das an experimentelle Traditionen der Druckgrafik seit den 1960er Jahren erinnert, gleichzeitig aber stark von der Do-it-yourself-Ästhetik der Independent-Kultur geprägt bleibt.

Druckkunst als kulturelle Haltung

Die Ausstellung macht deutlich, dass analoge Druckverfahren keineswegs nostalgische Relikte sind. Im Gegenteil: Gerade ihre Materialität und Prozesshaftigkeit verleihen ihnen eine besondere Relevanz und Individualität in einer Zeitdigitaler Bilderfluten. Die Serie *„#printisnotdead #printiskillingyou“* formuliert diese Gedanken bereits im Titel – als ironisches Manifest für ein Medium, das immer wieder totgesagt wird und dennoch beständig neue Ausdrucksformen hervorbringt.

Gfeller + Hellsgård zeigen eindrucksvoll, dass Druckgrafik nicht nur reproduzierendes Handwerk ist, sondern ein experimentelles Feld zwischen Kunst, Design und visueller Kultur.

Einen Einblick in die Ausstellung finden Sie auf dem Instagram-Kanal des Künstlerduos.

 

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Galerie Bohai e.V. Hannover

Der Galerie BOHAI e. V. ist ein gemeinnütziger Kunstverein. Sie sehen sich als ein Ort für zeitgenössische Bildende Kunst und bieten Kunst- und Kulturschaffenden einen Raum, um unter umfassender Begleitung ihre Arbeiten auszustellen. Bei ihnen steht Kunst für eine Möglichkeit für menschlichen Ausdruck und zwischenmenschlichen Austausch. Dabei ist es ihr Anspruch, demokratische Strukturen und Werte unserer Zivilgesellschaft zu verteidigen und zu stärken. Kunst leistet einen Beitrag zum gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Der Kunstverein ist ein Dritter Ort für alle Menschen, unabhängig von sozialer oder ethnischer Herkunft, Geschlecht, Alter, Religion, Begabung und Bildung. Der Verein räumen der Vermittlung einen hohen Stellenwert ein. Der Zugang zur Kunst wird durch ein Rahmenprogramm gefördert. Sie bieten Formate der Kulturellen Bildung, um das eigene künstlerische Arbeiten anzuregen. Der Verein sieht sich als Teil der Freien Szene und engagieret sich für kulturpolitische Netzwerkarbeit.

Das Programm, die Öffnungszeiten und weitere Informationen zur Galerie finden Sie hier: https://www.galeriebohai.com/program-2026

Weitere Informationen

Mehr über die Künstler finden Sie hier: https://gfellerhellsgard.com/

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In seinen Arbeiten spielt Patrick Eicke mit der Dynamik von Entstehung, Veränderung und Auslöschung. Sein formaler Umgang mit Farbe und das Übermalen vorheriger Motive spiegeln das Wesen des Lebens wider und eröffnen einen Dialog zwischen dem Verborgenen und dem Offensichtlichen. Häufig sind alltägliche Szenen des ländlichen Lebens der Ausgangspunkt seiner Bilder, die durch unerwartete Wendungen und Erzählungen bereichert werden. Hierbei vermischen sich Elemente des europäischen Expressionismus mit den Stilmitteln des japanischen Holzschnitts und der Mangakultur, was zu einer einzigartigen Bildsprache führt.

Die entstehenden Bildwelten bieten nicht nur eine sinnliche Erfahrung, sondern auch einen intuitiven Zugang zum Menschsein, der über intellektuelle Kategorien hinausgeht. Eickes Kunst lädt dazu ein, die Grenzen der Wahrnehmung zu hinterfragen und sich auf das Überraschende und Übernatürliche einzulassen.

Im Rahmen der Ausstellung wird Patrick Eicke, der nach seinem Studium der Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig auch einen Meistertitel im Bäckerhandwerk erwarb, ein besonderes Abendbrot aus seinem Holzsteinofen von „Charlie Brandt“ im Rahmen des Leichenschmauses präsentieren. Die Vernissage am 15. März 2025 wird von einem Orgelkonzert der Komponistin Christine Kappe begleitet, was die übersinnliche Erfahrung der Eröffnung unterstreicht.

 

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Christine Kappe

Christine Kappe wurde 1970 in Einbeck geboren, studierte Sprachwissenschaft und Geschichte in Hannover, im Anschluss daran am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Seit 1990 Veröffentlichungen in Literaturzeitschriften und Anthologien, Inszenierungen eigener Stücke. Seit April 2001 ist sie freiberuflich als Autorin und Grafikerin tätig.

„Wie kann das sein“, ihr erster Gedichtband, erschien im August 2013 in der San Marco Handpresse, Bordenau, und war innerhalb weniger Wochen vergriffen. 2014 der Roman „Rahling“ im Pop Verlag, Ludwigsburg. Ebendort: „Vom Zustand der Welt um 4 Uhr 35“, eine Sammlung von Erzählungen und Essays, 2016.

Mit 6 Bildern von Irene Klaffke und „Variationen über die Stille und andere Stücke“, eine Sammlung von Theatertexten mit Vertonungen von Corinna Eikmeier und 6 Bildern von Irene Klaffke, Pop Verlag Ludwigsburg 2019. Neu: „Den ganzen Tag über brennen die Straßenlampen“, Lyrik, edition offenes feld, Dortmund 2022. Einige ihrer Gedichte sind ins Russische und Niederländische übersetzt worden.

http://www.christine-k.de/vita.html

Termine

Sa. 15.03.2025 18 – 21 Uhr – Vernissage mit Orgelkonzert von Christine Kappe
Do. 03.04.2025 18 – 20 Uhr – Death Café mit Susanne Benze.
Mo. 07.04.2025 18 – 20 Uhr – Schreiben zur Trauer mit Ela Windels.
Sa. 12.04.2025 18 – 21 Uhr – Leichenschmaus mit Brot von Charlie Brandt
So. 27.04.2025 13 – 18 Uhr – Finissage mit Gedichtlesung von Lisa Kreißler

Weitere Informationen

Die Metavier Galerie

Der Initiator Sven Friedrich Cordes ist Bestatter – mit Leib und Seele. Seine Kunstgalerie widmet sich naheliegend dem Thema Tod. Ein Thema, was uns alle angeht.

Die Galerie verändert den Blick auf den Tod ein Stück bzw. bringt ihn zurück in unseren Alltag – auch um uns die eigene Sterblichkeit und Vergänglichkeit wieder bewusst zu machen.

Die Leichtigkeit der zeitgenössischen Kunst ermöglicht dem Thema Tod ohne Furcht oder dramatisch zu begegnen.

Mehr über die Galerie: https://metavier.de

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Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Besondere Kunstwerke finden Sie auch bei uns im Shop!

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Die Werke von Theodoros Nikolaidis, insbesondere seine spektakulären Live-Paintings, begeistern das Publikum weltweit und haben ihm bereits Ausstellungen und Anerkennung in den USA, Griechenland, China und Deutschland eingebracht. Seine großformatigen Gemälde wurden bereits in modernen Kunstausstellungen von Miami bis Hannover ausgestellt und genießen großen Zuspruch von namhaften Prominenten aus den Bereichen Sport, Schauspiel und Musik, darunter Jason Derulo, Gims und Sido.

Seine Werke vereinen Dynamik, Einzigartigkeit und Expressivität. Wir haben uns entschieden, einmal anzufangen, alle Kunstwerke von Theodoros Nikolaidis im öffentlichen Raum in und um Hannover aufzulisten. Die folgende THEO TOUR ist jedoch noch nicht vollständig und wächst bereits während wir das schreiben weiter. Wenn Sie ein Kunstwerk des Künstlers entdecken, welches wir noch nicht in der Liste führen, können Sie uns gerne ein Foto senden und die Location nennen.

Zusätzlich ist die folgende Liste auch eine Auflistung von empfehlenswerten Locations, für Snacks, Getränke, Afterwork und sonstige „nice to know“-Adressen für Locals oder jene, die es werden wollen.

THEO´s Kunst Tour HANNOVER und Umgebung

Bulls Kitchen – Burger Steak & Co


Eine einzigartige Location im Herzen von 0511, mit Inneneinrichtung und Kunst. Neben zahlreichen, hauseigenen Burgerkreationen nach amerikanischer Art gibt es hier feines Filetfleisch, Steaks, Lammkoteletts und köstliche Spezialitäten.

In Zusammenarbeit mit einem Architektur-Büro aus Istanbul, dem Künstler Theo Nikolaidis & in Kooperation mit einem Sternekoch entstand das Konzept für Bulls Kitchen – außergewöhnliche, mediterran inspirierte Burgerkreationen in Kombination mit einem gemütlichen Ambiente.

Theodoros Nikolaidis gestaltete die Räumlichkeiten vom Bulls Kitchen; inspiriert von Ikonen der 50er, 60er, 70er, 80er und 90er Jahre. Die Örtlichkeiten hingegen schon etwas wilder vom Designkonzept.

Stevens
Creperie & Coffeebar


Sweet and hearty – seit nun über 5 Jahren voller Leidenschaft! Direkt im Zentrum – in der Rundestraße am Kaufland-Eingang – findet sich eine der wahrscheinlich leckersten Ecken der Stadt! Hauchzarte Crêpes, duftende Waffeln und Sandwiches. Zwischen Kunstwerken von Theodoros Nikolaidis.

Besucher, die selbst kreativ sind, sollten sich ihren eigenen Big Crêpe oder Special zusammenstellen! Oder einfach bei einem Cocktail ganz entspannt relaxen. Unbedingt mal ausprobieren! www.stevens-creperie.de

Happy Falafel
Arabisches Restaurant

Bei Google eine Durchschnittsbewertung von 4,6 Sternen spricht für sich. Hebräische Küche, aufmerksames Personal – faire Preise – entspannte Atmosphäre. Perfektes Hähnchen. Sollte man auf dem Schirm haben!

Cosmos
Bar

Ein kleiner Geheimtipp, in der Limmerstraße 82, 30451. Die perfekte Kneipe. Billiard, Dart, Automaten, Tischfußball und super sympathisches Personal.

Palo Palo Diskothek

Das Palo wird nicht umsonst der „Kult-Club“ genannt. Seine Geschichte reicht bis in das Jahr 1987 zurück, welcher Club kann schon so weit zurückschauen. Qualität zeichnet sich aus, in dieser mitunter kurzlebigen Clubkultur. Das Rezept des Palo’s war es schon immer den höchsten Standard zu bieten, sei es musikalisch oder gastronomisch. Ein Konzept, das seit mehr als 35 Jahren aufgeht.

Das Palo ist die Hochburg für alle feierwütigen und Freunde bester Urban Musik Klänge. (palopalo.de)

Creperie Lamara

Die Crêperie Lamara in der Limmerstrasse bietet täglich frisch zubereitete Crêpes, Belgische Waffeln, Paninis, Sandwiches und vieles mehr, um deinen Hunger zu stillen. Viele Gerichte können auch vegan zubereitet werden!

Osmanli Lounge
Shisha Bar 

BURGER, DRINKS & HOOKAH in Hannover/Garbsen.

 

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Felix
Restaurant, Bar, Events


Der Schwerpunkt der Speisekarte liegt auf hochwertigen Steaks sowie überwiegend regionalen und saisonalen Gerichten aus frischen Zutaten, die ausschließlich von bekannten und vertrauenswürdigen Erzeugern bezogen werden. Neben einer sorgfältigen Auswahl an deutschen und internationalen Weinsorten beeindruckt die Getränkekarte mit Longdrinks, Cocktails, Digestifs und weiteren Getränken, denn wer gut isst, darf auch gut trinken!

www.felix-hannover.de

Kings Gym Hannover
Kampfsportschule

Das Kings Gym Hannover arbeitet mit Menschen, die einen modernen Kampfsport erlernen möchten, welcher sie lehrt, Vertrauen in ihre Fähigkeiten zur Selbstverteidigung zu haben und gleichzeitig die positiven Erfahrungen, die sie im Training machen, in ihr tägliches Leben zu übertragen. www.kingsgym-hannover.de

Smoke in Heaven
American Sweets – Shisha Shop


Rocket Lounge
Veranstaltungsraum, Co-Working Space


Brudis – Döner und Burger

Ihr dürft Euch auf unwiderstehliche Döner und saftige Burger freuen! Der kulinarischen Anlaufpunkt in Hannover ist bekannt für unvergleichliche Döner und köstliche Burger!

Brudis ist seit Jahren bestrebt, sicherzustellen, dass jeder Gast, der ihre Türen betritt, eine unvergleichliche gastronomische Reise erlebt. Der beliebte Laden erfüllt alle Bedürfnisse; sei es ein schneller Genuss für unterwegs oder ein gemütlicher Abend in ihrem wunderschönen Ambiente, umgeben von einer warmen Atmosphäre.

Brudis – Döner & Burger (brudis-db.de)

THEO´s Kunst-Tour aktuell

Aktuell designt „Theo“ die Räumlichkeiten der MONKEYS CLUB LOUNGE in Vechta, unweit von Hannover. Die Eröffnung in der Große Straße 13, direkt im Zentrum von Vechta ist auf den 20.07.2024 gelegt – Kunstfreunde werden sich also noch ein wenig gedulden müssen. Auf dem Instagramkanal des Künstlers werden immer wieder kleine Vorschauen und Einblicke in die Arbeitsweise und Schaffensprozesse gegeben.

 

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Für Lokalbetreiber und Locations, die über eine Neugestaltung ihrer Räumlichkeiten nachdenken, stellt der Künstler gerne ein individuelles Konzept und Angebot vor. Kunstfreunde, die Kunstwerke von Theo im öffentlichen Raum entdecken, können gerne Kontakt zu uns aufnehmen, um die Tour immer aktuell zu halten.

Weitere Informationen

Mehr über Theodoros Nikolaidis auf seiner Webseite: www.theo-nikolaidis.com

Ausgewählte Werke von Theodoros Nikolaidis finden Sie auch bei uns im Shop!

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Mit einem abwechslungsreichen Programm will metavier unterschiedliche künstlerische Sichtweisen auf den Tod, Auseinandersetzungen mit der Vergänglichkeit und Vorstellungen vom Jenseitigen präsentieren. Die wechselnden Ausstellungen zeitgenössischer Kunstpositionen werden von verschiedenen wiederkehrenden Veranstaltungsformaten gerahmt:

Jede Ausstellung wird von einem »Leichenschmaus« begleitet, bei welchem eine künstlerisch gestaltete Tafel dazu einlädt, einen offenen Umgang mit Trauerkultur zu (er)leben. Der »Leichenschmaus« soll den formalen Rahmen für einen zwanglosen Austausch bieten und auch Begegnungen mit innovativen oder unkonventionellen Formen der Trauerkultur ermöglichen.

In Ergänzung zu den einzelnen Ausstellungen werden darüber hinaus jeweils passende Workshops oder Vorträge angeboten, welche eine vielseitige Auseinandersetzung mit den präsentierten Themen garantieren.

Zusätzlich zu dem Ausstellungsprogramm beherbergt metavier jeden ersten Donnerstag im Monat das Deathcafe. „Uns alle verbindet die Sterblichkeit. Und besonders verbunden fühlen wir uns nicht nur darin, sondern auch und besonders beim gemeinsamen Speisen und Trinken. Susanne Benze von „Reden des Herzens” lädt dazu herzlich in die Räume der metavier – Galerie vom Anfang und Ende ein. Gerahmt von den Exponaten der laufenden Ausstellungen wird bei Kaffee und Gebäck über die eigene Vergänglichkeit, den Tod und das Sterben geplaudert.“

Veranstaltungen im Herbst 2023

Buchlesung von Armin Nagel

07.10. 18:00 Uhr in der Galerie:

Armin Nagel liest aus seinem neuen Buch „Schöner Warten – Über den Umgang mit einem unvermeidlichen Zustand“. Samstag,

Das Buch zu dem facettenreichen Thema „Warten“ verspricht eine abwechslungsreiche, wissenswerte und humorvolle Lesung zu werden. Armin Nagel ist Servicekünstler, Redner und Autor; ihm ist es mit „Schöner Warten“ gelungen, eine ganze Fülle sehr unterschiedlicher Betrachtungsweisen zusammenzutragen. Mit Beiträgen von u.a. Frank Berzbach, Jürgen Becker, René Borbonus, Matthias Brodowy, Reiner Calmund, Sven Friedrich Cordes, Vera Deckers, Holger Ehrich, Dirk von Gehlen, Michael Gerharz, WaitGPT, Michael Greifenberg, Matthias Günther, Bernhard Hoëcker, Aletta Jaeckel, Khalil Khalil, Boris Nikolai Konrad, Heinrich Kürzeder, Dörte Maack, Birgit Mager, Thomas Poppe, Guido Rohm, Monika Scheddin, Carsten Schneider, Heino Trusheim, Yann Ubbelohde, Yevgeni Viktorov, Stefanie Voss, Marc Wallert, Andrea Wehling, Ursula Wintgens, Marc Wittmann.

Weitere Informationen zu Armin Nagel und der Publikation: https://warteberater.de

 

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Save the Date: Frida Rådlund – Sjung för mig en sista gång

Save the Date! Samstag, 21.10., 18:00 Uhr. Frida Rådlund – Sjung för mig en sista gång. Vernissage:

Frida Rådlund ist eine Textilkünstlerin, die in ihrem Werk Themen wie Beziehungen, Tod sowie Erinnerungen behandelt und insbesondere die durch sie hervorgerufenen intensiven Gefühle künstlerisch erforscht.

TOD. HIER LIEGEN SIE RICHTIG.

Brodowy und Gäste: TOD. HIER LIEGEN SIE RICHTIG. Dienstag, 31.10, 20:15 Uhr im Apollo-Kino, Limmerstraße 50, 30451 Hannover.

Kabarettist und Comedian Matthias Brodowy lädt in Desimos Spezial Club im Apollokino zu der Vorführung „Brodowy und Gäste“ ein. Am Tag der Toten präsentiert er unter dem passenden Titel „TOD. HIER LIEGEN SIE RICHTIG. Wir feiern das Leben“ ein Programm, das zwischen bunter Lebensfreude und schwarzem Humor oszilliert und zu dem auch unser Galerist und Bestatter Sven Cordes einen Beitrag beisteuern darf. Genaueres zu der Veranstaltung ist zu finden unter:

Weitere Informationen: https://www.spezialclub.de/

Death Café mit Susanne Benze

Donnerstag, dem 2.11. von 18:00 Uhr bis 20:00 Uhr bei metavier, Minister-Stüve-Str. 14, 30449 Hannover

Uns alle verbindet die Sterblichkeit. Und besonders verbunden fühlen wir uns nicht nur darin, sondern auch und besonders beim gemeinsamen Speisen und Trinken. Susanne Benze lädt dazu herzlich in die Räume der metavier – Galerie vom Anfang und Ende ein. Gerahmt von den Exponaten der laufenden Ausstellungen wird bei Kaffee und Gebäck über die eigene Vergänglichkeit, den Tod und das Sterben geplaudert. Mit sich, Bekannten und Fremden in den Dialog gehen und das Dasein hochleben lassen ist das Ziel dieses Formates. Das Death Café findet an jedem ersten Donnerstag im Monat statt. Die Teilnahme ist kostenfrei – Spenden sind natürlich möglich 🙂

Susanne Benze ist Drehbuch-/Autorin, freie Rednerin und Dozentin und bietet neben den Gesprächskreisen und Death Cafés, Workshops und Seminare sowie persönlichen Austausch und (Sterbe-)Begleitung an. Mehr dazu unter: www.susannebenze.de

Día de los Muertos – Eduardo Villaneva

Save the Date: Día de los Muertos. Samstag, 4.11. ab 13:00 Uhr bei metavier.

Anlässlich des Dia de los Muertos ergänzt der aus Mexico stammende Künstler Eduardo Villaneva die Ausstellung von Frida Rådlund zusätzlich mit der temporären Installation eines mexikanischen Totenaltars und ermöglicht so eine ganz praktische und kreative Form des Gedenkens der Toten und der Begegnung mit den eigenen Gefühlen.

Die Galerie freut sich auf ein abwechslungsreiches Programm, das uns das Warten des Lebens doch ein Stück erträglicher macht und schließt ihre Veranstaltungsankündigung mit einem Zitat aus Armin Nagels Buch:

„Warten heißt, in der Gegenwart zu sein – gutes Warten heißt, gerne in der Gegenwart zu sein.“ – Dirk von Gehlen, Journalist

 

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Seit der Gründung von Universitäten in der Frühen Neuzeit wurden anatomische und medizinische Präparate für wissenschaftliche und künstlerische Studienzwecke gesammelt. Die in diesen wissenschaftlichen Sammlungen archivierten Exponate sollen, für die Ewigkeit konserviert, Studierenden als Anschauungs- und Studienobjekte dienen. Die Ausstellung „Konserviert für die Ewigkeit“ von Andreas Tolxdorf thematisiert und reproduziert diese Praxis anhand von Fotografien, die der Künstler im Rahmen seines eigenen Studiums angefertigt hat.

Als Student des grafischen Designs an der Hochschule Hannover hat Andreas Tolxdorf eine Fotoserie in der anatomischen Sammlung und der Pathologische Abteilung der Medizinischen Hochschule Hannover angefertigt, die er anschließend im Rahmen einer Semesterarbeit in einem Buch präsentierte. Die Exponate erfahren durch die künstlerische Fotodokumentation zusätzliche Ebenen, sowohl der Konservierung, als auch der Ästhetisierung. Der Umstand der Individualität und Vergänglichkeit wird bei den Präparaten in einen Zustand der Objektivität und Haltbarkeit überführt. Die Fixierung auf dem Foto und das anschließende Layout und der Druck im Buch sorgen dafür, dass die jeweiligen Objekte erneut konserviert und archiviert werden.

metavier präsentiert mit „Konserviert für die Ewigkeit“ das Buch und die Aufnahmen von Andreas Tolxdorf erstmals im Rahmen einer Galerie und führt anhand der festgehaltenen Momentaufnahmen die Allgegenwärtigkeit von Vergänglichkeit auf eindrucksvolle Weise vor Augen. Die Ausstellung gibt Einblicke in die sonst verborgenen Orte der Anatomie und Pathologie und eröffnet Begegnungen mit nicht alltäglichen Ansichten, die uns unsere eigene Vergänglichkeit vergegenwärtigen.

Mit freundlicher Unterstützung vom Kulturbüro Hannover.

Andreas Tolxdorf

Die Ausstellung „Konserviert für die Ewigkeit“ stellt den hannoverschen Künstler Andreas Tolxdorf und sein vielfältiges Schaffenswerk erstmals im Rahmen einer Ausstellung vor und bietet einen abwechslungsreichen Beitrag innerhalb der freien Kunstszene Hannovers. Die Fotoserie und das Buch repräsentieren ein frühes Werk, das Tolxdorf im Rahmen seines Studiums an der Hochschule Hannover angefertigt hat und das in seiner Form der fotografischen Dokumentation und Archivierung prägend für die Arbeitsweise und das spätere Werk werden sollte.

Andreas Tolxdorf zeichnet Comics, produziert Hip Hop und sammelt Pilze. Tolxdorf nutzt für all diese zunächst offensichtlich sehr unterschiedlichen Tätigkeitsbereiche die Fotografie als Mittel der Dokumentation und Archivierung eines visuellen Wissens, aus dem er seine gezeichneten Welten zusammensetzt oder sein Kenntnis der Natur verinnerlicht und es für seinen eigenen Nutzen konserviert. Wie für die ausgestellte Fotoserie durchforstet Tolxdorf auch für seine musikalischen Kompositionen alte Sammlungen und Archive analogen Materials, das er anschließend nach eigener Ästhetik sortiert und neu anordnet. Sowohl in Musik als auch im gezeichneten Bild bildet Tolxdorf die Welt ab, filtert sie durch die Mittel der Kunst und erzählt Geschichten mit ihnen. In seiner Tätigkeit als Pilzführer begegnet er der Natur und ihrem Kreislauf auf unmittelbare Weise und als Pilzsachverständiger entscheidet seine Expertise gar über Leben und Tod.

Die Metavier Galerie

Der Initiator Sven Friedrich Cordes ist Bestatter – mit Leib und Seele. Seine Kunstgalerie widmet sich naheliegend dem Thema Tod. Ein Thema, was uns alle angeht.

Die Galerie verändert den Blick auf den Tod ein Stück bzw. bringt ihn zurück in unseren Alltag – auch um uns die eigene Sterblichkeit und Vergänglichkeit wieder bewusst zu machen.

Die Leichtigkeit der zeitgenössischen Kunst ermöglicht dem Thema Tod ohne Furcht oder dramatisch zu begegnen.

 

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Weitere Informationen

Ausstellung: 02.09. – 20.10.2023: jeweils sonntags von 13 – 17 Uhr

Vernissage: 01.09.2023, 18 – 21  Uhr
ZINNOBER: 02.09. & 03.09.2023, 12 – 19 Uhr
Leichenschmaus: 23.09.2023, 18 – 21 Uhr
Finissage: 20.10.2023, 18 – 21 Uhr

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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