Zu sehen sind mehr als 80 Werke – 60 Gemälde, fünf Skulpturen sowie ein Konvolut von Arbeiten auf Papier – von französischen, belgischen, russischen, ukrainischen, österreichischen und deutschen Künstlerinnen und Künstlern aus den ersten beiden Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts.

Parallel dazu werden in einer zweiten Ausstellung mit dem Titel „David und Vladimir Burliuk – Meister der Experimente“ mehr als 40 Werke der für die ukrainische Kunstgeschichte höchst bedeutenden Burliuk-Brüder gezeigt. Die Bilderschau mit Werken aus den Jahren 1909 bis 1949 ist die erste Übersichtsausstellung der Brüder in Deutschland.

Damit erinnert das westfälische Hagen an die große Tradition des Folkwang-Museums. Bereits zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts fanden in der Stadt am Rande des Ruhrgebiets Künstlerinnen und Künstler der europäischen Avantgarde einen Fixpunkt. Im Jahr 1902 wurde dort mit dem Folkwang-Museum, dem heutigen Osthaus Museum, das weltweit erste Museum für zeitgenössische Kunst eröffnet. Kunstmäzen und Museumsgründer Karl Ernst Osthaus, der eine umfassende Sammlung mit Gemälden und Skulpturen von u.a. Paul Cézanne. Henri Matisse. Éduard Manet. Vincent van Gogh.  Auguste Renoir, Kees van Dongen zusammengetragen hatte, kam mit der Gründung des Museums seiner Vision, „die Schönheit wieder zur herrschenden Macht im Leben“ werden zu lassen, ein ganzes Stück näher.

Tayfun Belgin, Direktor des Museum Osthaus, betont: „Wir haben hier den Folkwang-Impuls aufgenommen, denn wir erinnern uns: Karl Ernst Osthaus hat bereits 1907 die damals völlig unbekannten Brücke-Künstler ausgestellt. Nächstes Jahr wäre der Privat-Sammler Osthaus hundertfünfzig Jahre alt geworden. Diese Ausstellung ist eine Hommage an unseren Museumsgründer. Ihm zuliebe haben wir diese große Ausstellung mit viel Aufwand realisiert.“

Mit der Doppelausstellung ermöglicht das Osthaus Museum nicht nur einen westlichen Blick auf die Europäische Avantgarde, sondern zeigt die Avantgardebewegungen des beginnenden Zwanzigsten Jahrhunderts als ein gesamteuropäisches Phänomen.

Die Kunst der Avantgarde – Aufbruch in eine neue Zeit

Das beginnende zwanzigste Jahrhundert ist geprägt durch tiefgreifende gesellschaftliche Umbrüche. Dem versucht eine neue Künstlergeneration Rechnung zu tragen, die den vorherrschenden Geschmack durch eine neue Ästhetik überwindet.

Die künstlerische Avantgarde gilt als die Vorhut einer neuen Bewegung, die sich in verschiedenen Ausprägungen wie Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Suprematismus niederschlägt. Der Anspruch: nicht nur eine radikale Neuerung künstlerischer Formen und der einzelnen Künste zu bewirken, sondern zugleich eine gänzlich neue Auffassung von Kunst und eine neuartige Positionierung der Kunst in der Gesellschaft durchzusetzen.

Die Hagener Ausstellung bringt die unterschiedlichen Positionen dieser Künstler zusammen und huldigt ihrer Wirkungsgeschichte. So haben, zum Beispiel, die Expressionisten spätere Generationen geprägt – bis hin zur wilden Malerei der 1970er und 1980er Jahre -, der Suprematismus hat in großer Dimension eine Renaissance in der US-amerikanischen Kunst gefunden.

Die Zeit der Avantgarden ist und bleibt ein wichtiges Kapitel in der Kunstgeschichte der Moderne und strahlt bis heute nicht nur in die Kunstwelt aus.

David und Vladimir Burliuk

Die Brüder David Burliuk, geboren 1882 im Gouvernement Charkiw, und Vladimir Burliuk, geboren 1886 ebendort, sind für die ukrainisch Kunstgeschichte von großer Bedeutung. Beide waren Avantgarde-Künstler, die nicht nur an Neuerungen interessiert waren, sondern diese auch durchsetzten. Wladimir, der im ersten Weltkrieg im Alter von 32 Jahren verstarb, ist bekannt als Neo-Primitivist und Kubofuturist, während David als Vater des russischen Futurismus gilt. Ab 1922 lebte David Burliuk in den USA, wo er großen Einfluss auf die amerikanische Kunstszene ausübte. Er starb 1967 auf Long Island.

Die beiden Ausstellungen werden ermöglicht durch die großzügige Unterstützung privater Leihgeber: zweier Sammler aus London, die ihre Anonymität wahren möchte, der Sammlerin Inna Bazhenova aus Monaco und des Sammlerehepaars Maya und Anatoly Bekkerman aus New York. 21 Werke, darunter auch Arbeiten der Burliuk-Brüder, befinden sich in der Sammlung des Museum Osthaus. Kuratiert werden beide Ausstellungen von Joseph Kiblitsky und Tayfun Belgin.

Über das Osthaus Museum

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdankte es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Weitere Informationen

Osthaus Museum: Weltklasse in Hagen
Europäische Avantgarde – Vision und Realität
David und Vladimir Burliuk – Meister der Experimente
29. September 2023 bis 07. Januar 2024

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Der Titel „Born to be Alive“ bedeutet in diesem Zusammenhang, dass jedes Lebewesen vom Moment seiner Geburt an das Recht hat, am Leben zu sein. Und das Recht auf Leben hat. Dies gilt selbstverständlich auch für Bäume. „Born to be Alive“ steht für eine Erfahrung, die wir alle als Menschen teilen: Die Verbindung zur Natur ist etwas, das jedem Menschen angeboren ist und das eine enge Beziehung zur Natur zu unseren Bedingungen ermöglicht.

In den Ausstellungsräumen werden wir einem fiktiven Krankenhaus mit Krankenzimmern begegnen, in dem der eigentliche Patient die Natur ist und in dem über die Ausbeutung der Ressourcen des Planeten berichtet wird. Diese Arbeit wird sicherlich einen Extremfall in einer musealen Situation darstellen. Wir werden Zeuge sein einer absurd wirkenden Situation. Castello, der seinem Vorbild Andy Warhol ähnlich an großgesellschaftlichen Ereignissen teilnimmt, erfährt durch diese Ausstellung auch eine Art Häutung im künstlerischen wie auch im gesellschaftlichem Sinn.

Ich hoffe, dass meine Kunst die Menschen inspiriert, sich einzumischen und positive Ansätze zu entwickeln, um die zukünftigen Generationen in ihren Bemühungen um einen besseren Planeten zu unterstützen. – Niclas Castello

Niclas Castello

Niclas Castello wurde 1978 in Neuhaus am Rennweg in Thüringen geboren. Der Fall der Berliner Mauer 1989 war für den 11-Jährigen ein nachhaltiges Erlebnis. Zum Ende der 1990er Jahren wurde er zum Star der Streetart-Szene in Ostdeutschland. Sein Interesse an der Kunst von Andy Warhol und Jean-Michel Basquiat führte ihn zunächst nach Paris, später, nach abgebrochenem Kunststudium in Deutschland, in die USA. Dort begann seine künstlerische Karriere, einen ersten Erfolg erhielt er mit seinen „Kiss“-Skulpturen.

Später entwickelte er seine „Cube-Painting-Sculpture. Das sind Gemälde in neoexpressionistischer Manier mit Texten und Zeichnungen, die jeweils in einer Performance zerstört werden. So wird der Rahmen gebrochen und die Leinwand zerknittert und in einen durchsichtigen Kubus eingezwängt.

Internationales Aufsehen erregte Niclas Castello 2022 mit seinem 50 cm × 50 cm × 50 cm großen Würfel von etwa 186 Kilogramm aus 24-karätigem Gold. Mit einem Materialwert von ca. 10 Mio. Euro. Dieser wurde zunächst im Central Park in New York ausgestellt.

„Die Vorstellung von so viel Gold an diesem Ort, auf dem Boden sitzend, wehrlos, kleiner als wir denken, übt einen seltsamen Zauber auf uns aus. Wir sind gleichzeitig abgeschreckt, angezogen und verunsichert“, sagte der bekannteste amerikanische Kunstkritiker Jerry Saltz. Nur zwei Monate später bestaunten Tausende Besucher den Castello-Cube auf der Biennale in Venedig.

Europäischen Kulturpreis 2022

Im Herbst 2022 wurde Niclas Castello in der Tonhalle Zürich für sein künstlerisches Schaffen mit dem renommierten Europäischen Kulturpreis ausgezeichnet. Der 2012 vom Europäischen Kulturforum ins Leben gerufen worden ist. Vor ihm erhielten den Preis bereits Gerhard Richter, Neo Rauch und Gottfried Helnwein. Geehrt werden damit alle zwei Jahre „Künstler, Kulturschaffende, Institutionen und Persönlichkeiten aus Politik, Wirtschaft und Medien“ für ihre „Leistungen von herausragender europäischer Bedeutung“ sowie „Leistungen von Künstlerinnen, Künstlern oder Institutionen, die der Kultur und dem friedlichen Zusammenleben in Europa entscheidende Impulse geben, die andere zu neuen geistigen Abenteuern inspirieren und Wegbereiter der Kultur sind.“ Auf Instagram hat der Künstler Niclas Castello über 620.000 Follower.

Heute lebt und arbeitet Castello in der Schweiz. Er reist für kreative Inspiration aber oft nach New York, Los Angeles und Beijing. Seine Arbeiten befinden sich in vielen Sammlungen  – weltweit, darunter die Sammlung Deutsche Bank, The Tomita Collection und das Los Angeles Country Museum of Art (Sheats Goldstein Residence, Teil von LACMA). Bedeutende Privatsammler seiner Kunst sind Top-Prominente wie u.a. die Familie Ecclestone, Katherine Schwarzenegger. Beyoncé, die Familie Hilton sowie das Designerlabel Dolce & Gabbana.

 

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Über das Osthaus Museum Hagen

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdankte es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität. Dabei vermittelt das Haus auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

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Titelbild: Entwurf für die Rauminstallation „Born to be alive“, (c) Niclas Castello

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In seiner Malerei begreift Mack „Farbe als Licht und Licht als Farbe“, was er in seinen Bildern zu erfassen und zu gestalten sucht. Farbintensität korreliert für ihn auch immer mit Lichtintensität, die sich als Farbraum ausbreitet. Das Osthaus Museum Hagen widmet dem Künstler, der kürzlich 92 Jahre alt geworden ist, vom 3. Juni bis zum 3. September 2023 eine große Ausstellung auf zwei Etagen.

Gezeigt werden rund 70 Arbeiten aus den Jahren 1958 bis 2023, darunter 43 zum Teil großformatige Gemälde, sogenannte „Chromatische Konstellationen“. Die Ausstellung konzentriert sich hierbei auf die neueren Arbeiten, die durch einige Referenzbilder aus den früheren Phasen ergänzt werden. Zudem werden Wandreliefs und Objekte, darunter einige Lichtreliefs aus Aluminium zu sehen sein, sowie Skulpturen, überwiegend aus Keramik, und eine Lichtstele.

Das Konzept von Struktur

Der Bildhauer und Maler Heinz Mack (*1931) gehört zu den weltweit bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten unserer Zeit. Die Jahre 1957-1963, die ZERO-Jahre, sind für den bildnerischen Werdegang Macks von besonderer Bedeutung. 1957 entschied sich Mack zunächst gegen eine Malerei der Farbe. Im Mittelpunkt stand damals das Konzept von Struktur. Es entstanden schwarz-weiße Bilder, die Mack als „Dynamische Strukturen“ betitelte.

Farbchromatiken

Nach 1960 entstanden allerdings mehrfarbige Strukturzeichnungen, die Mack selbst als „Farbchromatiken“ bezeichnete. Thema der Farbchromatiken ist das Kontinuum des Farblichts. Sowohl die Abfolge der Lichtfarbe ist hier von Bedeutung wie auch der zwischen den einzelnen Farben sich ausbildende Übergang, die Nuance. Mack überträgt in die Farbchromatiken die Spektralfarben nicht mit naturwissenschaftlichem Anspruch, denn dies bedeutet einen unkreativen, nicht künstlerischen Prozess einleiten. Es ist das jeweilige Bild selbst, welches seine Farben findet, nicht das Prisma hat die Bildfindung zu übernehmen.

Die Identität von Farbe und Licht

Mack gab 1963 die Tafelmalerei gänzlich auf. Zu Beginn der 1990er Jahre entstanden seine neuen Farbbilder, die er bis heute weiterführt. Befragt zu seinen Farbbildern äußerte sich der Künstler damals so: „Die Identität von Farbe und Licht … ist der Gegenstand meiner Malerei, es ist ihr einziger Gegenstand … Das Wesen der Farbe ist ihre Strahlung.“

Wir haben es bei diesen neueren Werken zu tun mit einer „malerischen Malerei“, deren Qualität die Nuance ist. Die Nuance, welche ein entscheidendes Prinzip der Chromatik ist, bezeichnet die Übergangszone von einer Farbe in die andere. Macks Begeisterung, vor allem für klassische Musik, hat eine Analogie zu seiner bis heute andauernden autonomen, vom Gegenständlichen freien Lichtmalerei: „Die Autonomie meiner Malerei muss die gleiche Bedeutung haben, die sie in der Musik hat. Ich vermute auch, dass meine Musikalität und mein Interesse an Klangfarben und Rhythmen meine Malerei beeinflusst. Alles, was ich mache, ist gegenstandfrei, in der Skulptur wie in der Malerei.“

Über den Künstler

1931 in Lollar, Deutschland, geboren, zählt der Maler und Bildhauer Heinz Mack, der an der Kunstakademie Düsseldorf Malerei studiert hat, zu den erfolgreichsten und bekanntesten deutschsprachigen Künstlern der Nachkriegszeit. Seine Arbeiten wurden in über 400 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt und sind in über 140 öffentlichen Sammlungen weltweit vertreten. Neben der Biennale Arte in Venedig (1970) war Mack auch auf der documenta II und III sowie auf der documenta 6 vertreten. 2022 wurden ausgewählte Werke Heinz Macks in der Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig als offizielles Collateral Event der Biennale Arte gezeigt.

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Kunstfreunde können sich auf eine spektakuläre Kunstperformance im Osthaus Museum Hagen freuen. Die Malperformance “Hommage an Joseph Beuys” ist ein weiterer Höhepunkt der großen Einzelausstellung “VASILY KLYUKIN – MIND SPACE” (Denkraum/Raum des Geistes). Die Performance von Vasily Klyukin findet am Freitag, dem 13. Januar 20233, ab 18 Uhr im Eingangsbereich des Osthaus Museums statt.

Die 1,50 х 1,28 х 0,55 m große aus verschiedenen Polycarbonat-Elementen zusammengesetzte Skulptur wird der Künstler mit Acrylfarben bemalen, die direkt aus der Tube aufgetragen werden.

VASILY KLYUKIN – MIND SPACE

Die Ausstellung “VASILY KLYUKIN – MIND SPACE” läuft darüber hinaus noch bis zum 29. Januar 2023. Die große Einzelausstellung umfasst über 250 Werke des Künstlers. Die ausgestellten Skulpturen beeindrucken durch ihre Größe, ihre Form und ihre Struktur. Die Skulpturen bestehen aus hunderten manchmal tausenden Lamellen, deren Dimension präzise berechnet und mit modernster Technologie, wie dem Laserschnitt, realisiert wurden.

Zudem wird der gerade erschienene Ausstellungskatalog (Neuer Folkwang Verlag) mit Beiträgen von Prof. Dr. Dieter Ronte und Dr. Tayfun Belgin, Direktor des Osthaus Museums Hagen sowie mit Fotografien des Ausstellungskurators Joseph Kiblitsky vorgestellt.

Vasily Klyukin & Joseph Beuys

Vasily Klyukin ist Bildhauer und Architekt. Er hat eine einzigartige Technik entwickelt, die es ihm ermöglicht, komplexe dreidimensionale Skulpturen ohne Befestigungselemente zu schaffen. Seine Kunstwerke sind in Museen und Privatsammlungen weltweit zu sehen u.a. vor Kurzem (6.-29.8.2021) im Kunstforum Wien. Der Künstler lebt und arbeitet in Monaco. Vertreten wird seine Kunst von der in London und New York ansässigen Simon Lee Gallery.

Vasily Klyukin hat dem Werk eines der größten deutschen Künstlers unserer Zeit und eines bedeutenden Theoretikers der Postmoderne – Joseph Beuys – stets besondere Aufmerksamkeit gewidmet. „Ich bewundere seinen innovativen Ansatz und seinen Mut, unkonventionelle Techniken, Materialien und Formen verwendet zu haben“, betont Klyukin,

2021 begann der Künstler damit, eine Beuys-Skulptur anlässlich dessen 100. Geburtstag (12. Mai 2021) anzufertigen und beschloss, die skulpturale Arbeit in der Heimat des Künstlers zu vollenden und dem Osthaus Museum Hagen als Schenkung zu überreichen.

Der Künstler verzichtet bewusst auf klassische bildhauerische Techniken wie Gießen, Schmieden oder Steinbearbeitung. Die Werke sind stattdessen – in der typischen, von Vasily Klyukin bevorzugten Technik – aus Hunderten von Polycarbonatplatten gefertigt.

Im Osthaus Museum Hagen ist Vasily Klyukin kein Unbekannter. Zwei Jahre waren zwei Leihgaben im Eingangsbreich des Museums platziert. Museumsdirektor Dr. Tayfun Belgin äußerte sich 2021 so: “Ich habe die Werke von Vasily Klyukin zum ersten Mal auf der Biennale von Venedig im Jahr 2019 gesehen und war sehr beeindruckt. Kurz darauf habe ich ihn auch persönlich kennengelernt. Wir sind sehr stolz, seine beeindruckenden Arbeiten hier bei uns zu zeigen.”

 

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Titelbild: Vasily Klyukin in seiner Ausstellung Mind Space. Credits: Oleksii Zakharov.

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Edward Bekkerman Ausstellung in Hagen: „Labyrinths of Love“ präsentiert über 40 Werke von Bekkermans frühen mythischen „Angels“ und „Guardians“ aus den 1990er Jahren bis hin zu seinen jüngsten expressiven Serien „Faces“, „Victories“, „Samurais“ und „Labyrinths of Love“.

Mit dynamischer Figuration, expressiver Abstraktion, Themen der Spiritualität, ursprünglichen, universellen Wahrheiten und Symbolen zeigt die Ausstellung Bekkermans Gabe des Geschichtenerzählens, die das Unsichtbare sichtbar macht. Seine Gemälde sind inspirierte, meisterhafte und göttliche Erkundungen des Unbekannten und beschwörend. Er ist ein zeitgenössischer Schamane, dessen mystische Abstraktionen eine kraftvolle, rohe, kosmische Energie, die Lebenskraft des Universums, nutzbar machen.

Die New Yorker Journalistin und Autorin Phoebe Hoban, die u.a. Biographien der Künstler Alice Neel und Jean-Michel Basquiat verfasst hat, betont: „Der Künstler Edward Bekkerman hat sich schon immer auf jenseitige Wesenheiten konzentriert: Engel, Geister, mythische, labyrinthische Liebespaare, mystische Figuren, die in Träumen auftauchen.“

„Edward Bekkermans Werk spielt mit unterschiedlichen Realitäts- und Bewusstseinsebenen, es lässt Zwischenwelten erahnen. Seine Arbeit regt dazu an, hinter die Fassade und unter die Oberfläche zu schauen“, schreibt Prof. Dr. Irene Daum, Wissenschafts- und Kulturjournalistin, im Vorwort des aufschlussreichen Ausstellungskatalogs.

Edward Bekkerman – Das Unsichtbare sichtbar machen

Es ist die erste museale Einzelausstellung von Edward Bekkermans Werk in Deutschland. Dr. Tayfun Belgin, Museumsdirektor des „Osthaus Museum Hagen“ sagt: „Das Osthaus Museum Hagen schätzt sich glücklich, eine Einzelausstellung des New Yorker Malers Edward Bekkermann in seinen Räumen zu präsentieren.“ Er fährt fort: „Seine Arbeiten haben eine enigmatische Dimension. Es sind zugleich diese rätselhaften Bildleistungen, die uns zu einer intensiven Beschäftigung anregen, ja gleichsam eine Diskussion einfordern.“ Er ergänzt: „In unserer Ausstellung sind wichtige Beiträge aus nahezu allen Bildserien der letzten Jahre zu sehen.“

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit wissenschaftlichen Essays von Prof. Dr. Irene Daum, Düsseldorf u.a. Redakteurin der Zeitschrift w/k – Zwischen Wissenschaft und Kunst, und der amerikanischen Journalistin und Autorin Phoebe Hoban.

Edward Bekkerman

Der 1958 geborene Edward Bekkerman studierte an der 1875 gegründeten renommierten Kunsthochschule Art Students League in New York, an der u.a. Jackson Pollock, Alexander Calder, Man Ray, Louise Bourgeois, Roy Lichtenstein, Norman Rockwell, Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Robert Rauschenberg und Frank Stella studierten. Edward Bekkermans Werke befinden sich in der ständigen Sammlung des Staatlichen Russischen Museums in St. Petersburg, des Moskauer MOMA und in vielen bedeutenden Privat- und Unternehmenssammlungen weltweit.

Weitere Infos: https://www.edwardbekkermanart.com/

Osthaus Museum Hagen

Das Osthaus Museum Hagen setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für seine Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Weitere Informationen

Titelbild: Edward Bekkerman(c)ABA Gallery New York

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Nach Sylvester Stallone hat das Osthaus Museum Hagen es geschafft, einen weiteren Weltstar zu einer Zusammenarbeit zu bewegen. Die Fotoausstellung „Exposed“ von Bryan Adams eröffnete bereits am 20. Februar, jetzt,  am 13. März war der Künstler jedoch persönlich anwesend.

Fotokunst von Bryan Adams

Den meisten bekannt als Rockmusiker hat der Kanadier in der Fotografie seine 2. Leidenschaft gefunden. Die Ausstellung im Osthaus Museum Hagen beeindruckt durch Vielfältigkeit und Intimität. Seine intensiven Bilder von Prominenten, Kriegsopfer und Heimatlosen erzählen eine beeindruckende Geschichte und geben oft Einblicke in die Seele der fotografierten Personen.

Nach kurzem Fototermin mit der Presse gab es eine Podiumsdiskussion, in der Adams mit viel Einfühlungsvermögen und Witz über seine Arbeit als Fotograf erzählte und interessiert Fragen des Publikums beantwortete. Er gab sich seinen Zuhörern offen zugewandt und die Unterhaltung hatte persönlichen Tiefgang.

Ein internationaler Künstler mit dem Herz an der richtigen Stelle.

So widmete er die Aufmerksamkeit auch den Ereignissen in der Ukraine und hielt fest, dass er das Gefühl habe, dass jedes Mal, wenn er ein neues Album veröffentlicht, irgendwo auf der Welt ein neuer Krieg ausbricht. Auf die Frage, ob in solchen Zeiten Musik zu machen nicht unangemessen sei, könne er nur antworten: „Nein. Musik wurde erschaffen, um unseren Geist zu heben.“ Das gilt nicht nur für ihn, sondern wie er hoffe, für viele Menschen.

Die Sinnlosigkeit von Krieg

Bryan Adams ist selbst der Sohn eines Berufssoldaten, vielleicht hat er deshalb die Gabe, die Sinnlosigkeit von Kriegen in seinen Fotos festzuhalten, ohne dabei die abgebildeten verwundeten „vorzuführen“. Der Fotokünstler Bryan Adams stellt unter Beweis, dass es möglich ist, mehrere Talente zu haben – ohne das Klischee zu bedienen, ohne großen Aufwand – nur schnell eine weitere Einnahmequelle generieren zu wollen. Hinter den Aufnahmen von Bryan Adams steckt eine Menge Aufwand und die Voraussetzung, sich lange mit einem Projekt auseinanderzusetzen – keine der Fotografien von Adams, wirkt wie ein zufälliger Schnappschuss.

Die Ausstellung bietet aber nicht nur „harte Kost“ – eher werden die bewegenden Fotos der Kriegsopfer als Stilmittel genutzt. Sie bilden einen Kontrast zu den anderen ausgestellten Aufnahmen von Hollywoodstars. Der sozialkritische Ansatz von Bryan Adams wird spätestens deutlich, wenn man einen Blick auf den dritten Themenblock wirft. In dem Bereich wurden Obdachlose fotografiert, dabei gibt er dieser gesellschaftlichen Randgruppe ein Gesicht – wieder ohne die Betroffenen dabei vorzuführen.

Einblick in die Bryan Adams Ausstellung

Einen starken Kontrast zu der vorherigen Aufnahme bildet unter anderem dieses Porträt von der Model-Ikone Kate Moss.

Aber nicht nur Schwarz/Weiß-Fotografien werden gezeigt, sondern auch großformatige Abzüge in Farbe – beispielsweise aus dem Pirelli-Kalender. Unter anderem dieses Foto der Künstlerin St. VINCENT. Bryan Adams scherzte bei der Ausstellungseröffnung darüber, dass er diese Aufnahmen vorher noch nie so groß gesehen habe.  Für den Pirelli-Kalender 2022 standen Bryan Adams noch weitere Top-Stars Modell – wie Oscar-Preisträgerin Jennifer Hudson oder die Sängerin Grimes.

Mehr über den Pirelli-Kalender 2022, finden Sie unter anderem hier: Pirelli-Kalender 2022: STERN.de

Weitere Informationen

Die Ausstellung ist noch bis zum 24. April geöffnet und wir empfehlen Freunden der Kunst und- oder der Fotografie einen Besuch. Mehr über die Ausstellung: Adams im Osthaus Museum Hagen

Mehr über die Fotografien von Bryan Adams: http://bryanadamsphotography.com/

Weitere Informationen über die Ausstellung: Osthaus Museum Hagen

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POPKULTPUR widmet sich im Regelfall eher Filmen, Serien und Büchern – ein guter Schnittpunkt, wenn es sich um eine Ausstellung eines Schauspielers handelt, von dem die wenigsten wissen, dass dieser sich bereits seit über 50 Jahren mit der Malerei beschäftigt. Dass POPKULTPUR kein „gelernter“ Kunstkritiker ist, bringt eine ganz eigene Note mit sich und zeigt die Ausstellungseröffnung mit anderen Augen und Worten. Dinge die ein studierter Fachmann vielleicht gar nicht wahrnehmen kann – oder will.

Weitere Fotos und Videos der Ausstellungseröffnung finden sich auf den Instagram-Kanal von POPKULTPUR: @popkultpur

Sylvester Stallone Retrospektive

Ein Beitrag von POPKULTPUR im Auftrag von ARTTRADO.

Für mich sind solche Veranstaltungen immer schwierig. Ich freue mich über die Inhalte – hier aber besonders auch auf den Künstler, welcher exklusiv seine Werke vorstellt und die Ausstellung persönlich eröffnet. Worauf ich mich nie freue, sind die Gäste, denen man dort begegnet. Ich bin gerne alleine mit mir und meinen Gedanken. Wie sich später noch rausstellen sollte, teilt jemand Anderes diese Eigenschaft mit mir.

Meine Betrachtungsweise in Bezug auf Kunst findet oft auf einer Meta-Ebene statt. Ich beschäftige mich mit der Person, die dahinter steckt, meist nur oberflächlich.

Bei Stallone ist das anders. Fast jeder kennt ihn und hat sich zwangsläufig mit ihm beschäftigt. In seinen 75 Jahren auf dieser Erde hat er viel erreicht und ist ein Begriff für etliche Generationen von Menschen. Auch wenn ich selbst kein großer Fan von Rocky oder Rambo bin, so zolle ich Tribut vor dem, was er als Schauspieler, Regisseur – und auch als Maler – geschaffen hat. Dass er ein Maler ist, war mir persönlich bislang nicht bewusst. Ich interessiere mich sehr für Kunst, befasse mich aber primär mit der Barockzeit und düsterer Kunst, als mit moderner, abstrakter oder surrealer Kunst, in die ich Stallones Werke einordnen würde. Und dennoch gefiel mir, was ich entdecken konnte.

Ein Talent für die Malerei, die er seit seiner Kindheit vollzieht, ist unverkennbar. Bereits 1966 entstanden seine ersten Werke. Oftmals stehen bei seinen Arbeiten Verlierertypen im Rampenlicht, aber auch Träume, der Tod, die Zeit und ihre Wunden, als auch ihre Vergänglichkeit, finden immer wieder Platz auf seinen Leinwänden. Stallones Kunst ist nahe am Graffiti und er selbst sagt, dass die Malerei die ehrlichste und reinste aller Künste sei. So steht bei ihr kein Team von etlichen Personen an der Seite des Schaffenden, sondern einzig der Künstler mit all seinen Charakterzügen und Gedanken.

In jungen Jahren zog Stallone sich gerne zurück und war alleine. Als er durch seinen Vater anfing zu malen, erzielte er kurz darauf schon erste Erfolge, mit denen er fünf Dollar für Werke erhielt, die seine notwendigen Busfahrten finanzierten. Später fand er immer wieder den Antrieb durch Angst, von der er sich nicht einnehmen lassen wollte. Dennoch treibt sie ihn stets an. Also malte er, entwickelte sich aber stets weiter – wenn ihn ein Stil nicht mehr forderte, suchte er sich einen Neuen und ging unbekannte Wege. Immer im Hinterkopf, dass man ruhig versagen darf, baut er sich ein sicheres Fallnetz, denn ohne zu versagen gibt es keinen Fortschritt. Viele Äußerungen von ihm gingen mir nahe. So auch die Antwort auf die Frage, ob es schwer für ihn sei als Maler ernstgenommen zu werden. „Natürlich ist dies schwer. Die Menschen stecken dich in Schubladen. Das ist völlig normal und auch in Ordnung. Ich kenne Comedians, die sind die tiefgründigsten Menschen der Welt und sie würden sich hervorragend in ernsten Rollen wiederfinden können. Das Publikum möchte dies allerdings nicht, da es sich nicht um ihren `richtigen` Beruf handelt und sie solche Hobbys dann nicht unterstützen wollen oder können.“

Was mir nicht gefiel, war das Publikum. Selbsternannte Kunstspezialisten, die im Anzug über 2 Millimeter große Striche auf 5 Meter großen Werken debattieren und sich die Deepness der Weltanschauung Stallones detailliert zu Gemüte führen.

Ihr Pfeifen, das ist einfach nur ein Strich. Ohne weiteren Hintergrund. Wie der Arbeitsplatz eurer Töchter.
Denkt doch mal weniger über Dinge nach, die ungesagt sind, als viel mehr über das, was offensichtlich ist: Stallone ist ein Typ mit geraden Gedanken, Aussagen und Werken. Da gibt es nichts zwischen den Zeilen. Und wenn ihr das nicht erkennt, dann habt ihr euch den falschen Beruf ausgesucht. Die Welt besteht oft weniger aus Gedanken sinnfreien Menschen, als viel mehr aus den Handlungen und Ergebnissen Vieler, die einfach ihr Ding durchziehen und Gutes tun. Das ist auch meine Essenz dieses Tages. Mehr Gutes tun, weniger Schlechtes verbreiten.

Erwähnenswert ist für mich allerdings am Ende dieses Beitrags noch, dass dies eine Veranstaltung mit ausschließlich hellhäutigen Menschen war. Schade, dass POC keine Ahnung von Kunst und Kultur haben.

Fazit: Für Fans und für Menschen, die moderne Kunst oder Graffiti mögen, ist die Veranstaltung einen Besuch wert. Wer unentschlossen ist, kann sich einige Werke vor ab z.b online anschauen: Artist – Sylvester Stallone Art – und wer es lieber klassisch mag, wird vermutlich keinen großen Reiz in den Werken sehen.

Anmerkung: Wenn Sie sich auch eine offene und ehrliche Kritik zu ihrer Ausstellung wünschen, nutzen Sie unseren Kontakt.

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Mehr über die Ausstellung im Osthaus Museum Hagen: Künstlerische Seele hinter harter Aktion

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Nach verschiedenen Museumsausstellungen in Europa zeigt das Osthaus Museum Hagen, anlässlich des 75. Geburtstags von Sylvester Stallone, eine umfassende Retrospektive seiner Werke. Beleuchtet wird das Gesamtwerk von den späten sechziger Jahren bis heute sowie die verschiedenen künstlerischen Phasen des Actionstars. Zu sehen sind mehr als 50 Bilder, darunter Selbstporträts und noch nie zuvor gezeigte frühe Arbeiten.

Stallones Bilder sind einerseits „action-geladen“ und ausdrucksstark wie seine Filme und andererseits feinnervig und vielschichtig in ihren Aussagen. Der kunstaffine Hollywoodstar nutzt kenntnisreich verschiedene Kunstformen wie Surrealismus, Expressionismus und Abstraktion als Ausdrucksformen. Die Malerei ist seit 55 Jahren ein enger und konstanter Bestandteil der kreativen Ausdrucksformen von Sylvester Stallone, wobei sein künstlerisches Schaffen sein filmisches Schaffen befruchtet und umgekehrt.

Sylvester Stallone: „Das ist es, was ich an der Malerei liebe, sie ist die einzig wahre Kommunikation, die man haben kann. Schreiben kann man manipulieren, Malen ist der schnellste und reinste Übersetzer des Unterbewusstseins. Wenn etwas in einem vorgeht und man auf die Leinwand trifft, ist es schwer, es zu fälschen. Der Künstler auf der Leinwand ist für mich die Nummer eins, wenn es darum geht, seine Gefühle zu vermitteln.“

Stallones berühmteste Filmfigur ROCKY entstand lange vor dem Film Script zuerst auf der Leinwand und ist als «Finding Rocky“ von 1975 in der Ausstellung zu sehen.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher zweisprachiger Katalog, herausgegeben von Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen.

Sylvester Stallone – seine Kunst

Bereits in jungen Jahren entdeckte Stallone die Liebe zur Malerei. Seine frühen Werke, die er mit Mike Stallone signierte, waren sehr experimentell. Aus finanziellen Gründen arbeitete er jedoch als Autor und begann seine Schauspielkarriere. In den siebziger Jahren und bis Ende der Achtziger Jahre schuf er düstere, ausdrucksstarke Werke, in denen er unter anderem den Tod seiner Managerin und weitere Schicksalsschläge verarbeitete. Zu dieser Zeit arbeitete Stallone vor allem mit illustrativen graphischen Linien und grellen Farben.

1989/90 zeichnete sich ein Wandel ab: Sylvester Stallone beschäftigte sich intensiv mit zeitgenössischer Kunst und studierte Künstler wie Picasso, Gerhard Richter oder Anselm Kiefer. Er setzte sich mit den abstrakten Werken von Mark Rothko auseinander und entwickelte seinen ganz eigenen Stil. Es entstanden zahlreiche expressionistische Werke, teils als verfremdete Selbst-Porträts, teils auch mit Sprache spielend.

Sylvester Stallone – Jüngste Museumsausstellungen

2013 State Russian Museum St. Petersburg
2015 Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nizza

Osthaus Museum Hagen

In der westfälischen Industriestadt Hagen öffnete im Sommer 1902 das Folkwang-Museum seine Pforten. Seine Gründung verdanke es einem kunstsinnigen, vermögenden Mann: Karl Ernst Osthaus. Das Folkwang erlangte bald den Ruhm als weltweit erstes Museum für zeitgenössische Kunst.

Dr. Tayfun Belgin, Direktor Osthaus Museum Hagen: „Das Osthaus Museum existiert, um anhand seiner ganz besonderen Geschichte sowie seiner heutigen Ausstellungspraxis zu zeigen, dass leidenschaftliches Engagement für Kunst und Kultur Freude bereitet, Lebensqualität erzeugt und Menschen zusammenbringt. Unser Museum bietet dynamische Erlebnisse, die die Kraft und dauerhafte Bedeutung von Kunst in der heutigen globalen Gesellschaft beleuchten.“

Im Osthaus Museum Hagen wird Kunst zum Genuss und Sinnenfreude zum Erlebnis. Als Ort der Inspiration, des sinnlichen Genusses und der kommunikativen Auseinandersetzung agiert das Osthaus Museum publikumsnah und besucherorientiert.

Das Museum setzt sich zum Ziel, die Menschen in Südwestfalen, im Ruhrgebiet und deutschlandweit für das Osthaus Museum, seine bedeutende Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst sowie für ihre Sonderausstellungen zu interessieren und zu begeistern. Daher bietet das Osthaus Museum eine hohe Aufenthaltsqualität und vermittelt auf unterhaltsame und lebendige Weise ein Bewusstsein für Kunst und die konstitutive Rolle der Betrachterinnen und Betrachter.

Weitere Informationen

Titelbild: Finding Rocky – Copyright: courtesy Galerie Gmurzynska artwork Sylvester Stallone

Mehr über das Museum Osthaus: Osthaus Museum Hagen

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Karl Ernst Osthaus, verstarb am 27. März 1921 in Meran, Südtirol. „In Meran verschied nach schwerem Leiden am Ostersonntag der Gründer und Leiter des Museums Folkwang Dr. Ing. h.c. et phil. Karl Ernst Osthaus“, so lautete die Todesanzeige in den lokalen und überregionalen Nachrichten im März 1921. Osthaus gilt als einer der wichtigsten Kunstmäzene und Kunstsammler am Anfang des 20. Jahrhunderts.

Aktionen zur Erinnerung an Karl Ernst Osthaus

„Ich freue mich sehr, dass so viele Institutionen in Hagen und über die Stadtgrenzen hinaus an den 100. Todestag von Karl Ernst Osthaus erinnern, einem besonderen Anlass im Jahr unseres Stadtjubiläums“ hält der Oberbürgermeister der Stadt Hagen, Erik O. Schulz, fest.

Das Osthaus Museum Hagen wird sobald Museen wieder öffnen dürfen, mit der Ausstellung „Folkwang-Reflexe“ in der historischen Brunnenhalle den Namensgeber würdigen.  Nach dem Tod von Osthaus wurde die Folkwang-Sammlung zwar an die Stadt Essen verkauft. Trotzdem befinden sich noch einige Werke aus der ursprünglichen  Folkwang-Sammlung im Besitz des Osthaus Museums Hagen. Darunter Gemälde und Grafiken von Christian Rohlfs, der „Schwanenteppich“ von Otto Eckmann und der „Kuss“ von Peter Behrens.

Museum Folkwang in Essen

Auch das Museum Folkwang in Essen erinnert an Karl Ernst Osthaus. Essens Oberbürgermeister Thomas Kufen betont:  „Mit dem Grundstein, den Karl Ernst Osthaus für das heutige Museum Folkwang gelegt hat, hat er nicht nur dem Haus, sondern Essen zu internationaler Strahlkraft verholfen“ Im Jahr 2020 wurde das Museum als Museum des Jahres ausgezeichnet, es bewahrt weiterhin die Tradition Osthaus´.

Das Grabmal

Osthaus verweilte bis zu seinem Tod in Meran. Seine Ärzte raten ihm zu diesem Schritt zur Behandlung seiner Kehlkopftuberkulose. Er wurde auf dem Evangelischen Friedhof zu Meran beerdigt. Der damals junge Bildhauer Auerbach fertigte im im Auftrag ein monumentales Grabmal an. Die Skulpturen thematisieren das Leben und den Tod von Karl Ernst Osthaus. 1971 ließ die Stadt Hagen das Grabmal versetzen. Es liegt nun im Garten des Hohenhofs, im Blickfeld des ehemaligen Arbeitszimmers von Osthaus.

Broschüre zum Grabmal

Das Osthaus Museum veröffentlicht zusätzlich  zu diesem besonderen Anlass eine Broschüre über das Grabmal. Eine bebilderte Publikation gibt Einblicke in die Entstehung und erklärt dargestellte Skulpturen. Die Broschüre „Die Osthaus-Kapelle am Hohenhof. (Gebühr 4,50 Euro)

Weitere Informationen

Titelbild: Ausschnitt Karl Ernst Osthaus. Gemälde von Ida Gerhardi (1903).
Das Gemälde ist ausgestellt im Osthaus Museum Hagen.

Mehr über das Osthaus Museum Hagen: www.Museum-Hagen.de

Mehr über das Folkwang Museum Essen: https://www.museum-folkwang.de

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