Mit der Premiere der „Nacht der Künste“ erhält Düsseldorf am 18. April 2026 ein neues kulturelles Großformat. Als Nachfolgerin der etablierten „Nacht der Museen“ vereint die Veranstaltung rund 40 Orte der Stadt, die ab 19 Uhr mit Ausstellungen, Performances und interdisziplinären Projekten bespielt werden. Einer der zentralen Programmpunkte des Abends verspricht dabei eine besonders immersive Erfahrung: „Synergetics“ – ein künstlerisch kuratiertes Club-Event im The Eight.

Verantwortlich für das Konzept ist der international tätige Künstler Maxim Wakultschik, der für seine genreübergreifenden Arbeiten bekannt ist. Mit „Synergetics“ verfolgt er einen Ansatz, der klassische Grenzen zwischen Kunst, Performance und Nachtleben bewusst auflöst. Statt passiver Rezeption steht das aktive Erleben im Vordergrund: Besucherinnen und Besucher werden nicht nur Teil des Publikums, sondern selbst zu Akteur:innen einer sich ständig wandelnden Inszenierung.

Synergetische Nächte: Wenn Kunst auf Clubkultur trifft

„Synergetics ist ein interaktives Experiment“, erklärt Wakultschik. „Ich wünsche mir, dass sich die Gäste in lebende Skulpturen verwandeln.“ Um diese Transformation zu unterstützen, stellt das Team vor Ort verschiedene Accessoires bereit, die das individuelle Eintauchen in die künstlerische Atmosphäre fördern sollen.

Begleitet wird die Nacht von einem elektronischen Line-up mit Acts wie Nicole da Silva, Lion Kay und Adele.Be. Ihre Sounds bilden das akustische Fundament für ein Zusammenspiel aus Licht, Bewegung und Rauminszenierung, das die Grenzen zwischen Bühne und Tanzfläche verschwimmen lässt. So entsteht eine synästhetische Umgebung, in der sich visuelle Kunst und Clubkultur gegenseitig verstärken.

Auch für Gastgeberseite markiert das Event einen besonderen Moment. Clubbetreiber Erik Ludwig hebt die künstlerische Dimension hervor: „Ich freue mich auf den kreativen Input und eine neue, ‚arty‘ Facette des Düsseldorfer Nightlife.“

The Eight Düsseldorf

Das The Eight selbst bietet dafür die passende Kulisse: Direkt an der Rheinuferpromenade gelegen, kombiniert die Location modernes Design mit vielseitigen Nutzungsmöglichkeiten – von Clubnächten bis hin zu kulturellen und geschäftlichen Events.

Mit „Synergetics“ wird die Nacht nicht nur verlängert, sondern neu gedacht. Kunst wird hier nicht ausgestellt, sondern erlebt – kollektiv, körperlich und in ständiger Bewegung. Damit setzt das Format ein starkes Zeichen für die Zukunft urbaner Nachtkultur: weg von starren Formaten, hin zu offenen, interaktiven Erlebnisräumen.

SYNERGETICS – Nacht der Künste Aftershow

Künstlerische Leitung: Maxim Wakultschik.
Datum: Samstag, 18. April 2026.
Einlass / Beginn: ab 22:00 Uhr.
Ort: The Eight, Rathausufer 8, Düsseldorf.
Eintritt: ab 15 €.
Mindestverzehr: ca. 10 € (entfällt mit Nacht-der-Künste-Bändchen).
Line-up: Nicole da Silva, Lion Kay, Adele.Be
Kontext: Offizielle Aftershow der „Nacht der Künste“ (Start stadtweit ab 19:00 Uhr).

Weitere Informationen

Mehr über die Nacht der Künste finden Sie hier: https://nachtderkuenste.de/

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Frauen haben die Geschichte des Landes Nordrhein-Westfalen entscheidend mitgeprägt. Sie waren Pädagoginnen und Politikerinnen, Müllerinnen und Malerinnen, Widerstandskämpfer- innen und Wissenschaftlerinnen, Kirchenfrauen und Kriegsberichterstatterinnen. Dennoch wurden sie lange Zeit von der Geschichtsschreibung übergangen. Informationstafeln machen diese Frauengeschichte nun sichtbar und würdigen ihre Leistungen. So auch in Solingen.

Dort gibt es seit 2024 einen FrauenOrt NRW! Er erinnert an das Leben und Wirken der Künstlerin Bettina Heinen-Ayech. Ausgewählt wurde sie als herausragende Künstlerin. Als wichtigste Protagonistin der Solinger Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ und für ihr Engagement als Botschafterin der Völkerverständigung zwischen Orient und Okzident.

Der FrauenRat NRW – ein Zusammenschluss von rund 50 Frauenverbänden und Gruppen – zeichnet mit den FrauenOrten NRW“ Frauenpersönlichkeiten aus. Frauen, die Geschichte des Landes Nordrhein-Westfalen entscheidend mitgeprägt haben, die Großes bewirkt und wegweisende Leistungen erbracht haben. Mit dem Projekt FrauenOrt NRW wurden bis Ende 2024 57 Frauen-persönlichkeiten aus über 1000 Jahren Geschichte an 52 Orten in Nordrhein-Westfalen ausgezeichnet. Das Projekt wird getragen vom FrauenRat NRW e. V. und gefördert durch das Ministerium für Kinder, Jugend, Familien, Gleichstellung, Flucht und Integration des Landes Nordrhein-Westfalen.

Besuchen Sie die Poster Ausstellung im Foyer des Landtags NRW in Düsseldorf und informier- en Sie sich über die bedeutesten Frauen Nordrhein-Westfalens vom 06. bis 27. März 2025.

ÜBER BETTINA HEINEN-AYECH

Bettina Heinen-Ayech (1937-2020) ist die Tochter des Journalisten und Dichters Hanns Heinen und von Erna Heinen-Steinhoff, die in den Häusern der Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ ihren Kunst- und Literatursalon unterhielt. Aufgewachsen in einem freigeistigen und intellektuellen Milieu in Solingen, in dem das Gefühlte und Gedachte besonders wichtig war, hatte sie die besten Voraus- setzungen und Bedingungen, um ihr beeindruckendes Talent zu entfalten.

Hier lernte Bettina auch ihren wichtigsten Lehrer und Mentor kennen, den Maler Erwin Bowien (1899-1972). Sie blieb ihm ein Leben lang verbunden und unternahm mit ihm zahlreiche Kunst- reisen durch ganz Europa. Vor allem aber waren es ihr Mut. Ihre unstillbare Neugier und ihr ungestümer Enthusiasmus, die sie die Welt von Norwegen bis Sylt, von Paris bis Algerien immer wieder neu sehen und malerisch erfassen ließen. Gemeinsam mit Bettina Heinen-Ayech und später Amud Uwe Millies gründete der Kosmopolit Erwin Bowien die Solinger Künstlerkolonie Schwarzes Haus. Die drei Maler der Künstlerkolonie bildeten das Solinger Malertrio.

Schon das 1951 im Alter von 14 Jahren entstandene „Selbstbildnis“, eine Collage in flächig freier Form- und Farbgebung, lässt erahnen, warum Bettina Heinen-Ayech auch als „Wunderkind“ bezeichnet wurde. Obwohl die wilde Emotionalität ihrer Arbeiten manchem Zeitgenossen mehr als ungewöhnlich erschien, wurde sie bereits mit 17 Jahren als ordentliche Studentin an den Kölner Werkschulen aufgenommen. Kein Geringerer als Karl Schmitt-Rottluff gab der 18-Jährigen wenig später den legendären Rat: „Bettina, bleib dir selbst treu!“

Deutsche Kunst der Gegenwart 1955-1956

Entdeckt hatte Bettina Heinen-Ayech übrigens die Frankfurter Galeristin Hanna Bekker vom Rath, eine Vertraute Schmitt-Rottluffs. Die Galeristin nimmt sie später auch in die weltweit beachtete Ausstellung „Deutsche Kunst der Gegenwart 1955-1956″ auf.

Damit katapultiert sich die junge Bettina in die erste Liga der zeitgenössischen Kunstwelt. Sie stellt neben Karl Schmidt-Rottluff, Paul Klee, Max Beckmann, Max Ernst, Ernst Ludwig Kirchner und Käthe Kollwitz aus. Ausgerechnet in Paris, der Stadt der Liebe, wo sie mit ihrem Lehrer und Weggefährten Erwin Bowien im ‚Jardin du Luxembourg‘ „pleinair“ malt, lernt die 23-Jährige ihren späteren Ehemann, den algerischen Unternehmer Abdelhamid Ayech, kennen.

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„Mein Atelier in Portugal ist ein Ort, an dem ich mir anders selbst begegne. Ich empfinde dort eine spezielle Einsamkeit, ein anderes bei mir sein als draußen. Genau das möchte ich mit meinen Bildern darstellen und fühlbar machen.“ So zeigen seine Arbeiten die Welt in ihm, innere Landschaften, bevölkert von schemenhaften Gestalten. Dahinter spiegeln sich seine Themen wider: Menschen, Freiheit, Weltoffenheit. Galeristin Antonia von Fraunberg betont: „Ich habe Leon kennengelernt, als er, gerade 17 Jahre jung, das erste Mal in meiner Galerie saß. Seitdem hat er seine Position in der Kunstwelt stark gefestigt, sowohl durch Ausstellungen in Museen und renommierten Galerien im In- und Ausland, als auch durch Kunstmessen Beteiligungen. Er hat zudem wichtige Preise bekommen, wie den Ernst-Barlach-Preis 2023. Sein Malstil ist ausgeprägter und seine authentische Position stößt gleichermaßen auf Begeisterung bei Sammlern und jungen Kunstinteressierten.“

Sie fährt fort: „Seine aktuellen Arbeiten weisen auch eine zarte, poetische Richtung auf, die den Betrachter in die Gedankenwelt des Künstlers eintauchen lässt. Mit seinen Arbeiten möchte er sichtbar machen, was hinter dem Horizont, hinter dem Sichtbaren liegt. „Wo das ist, was ich bin“, so Leon.

Die Eröffnung findet am Freitag, dem 14. März 2025 um 19:00 Uhr statt. Die Begrüßungsrede hält Bürgermeiser Josef Hinkel, im Anschluss findet ein kurzer Dialog mit dem Künstler statt. Die von fraunberg art gallery bittet um Anmeldung.

Leon Löwentraut – ultra-contemporary

Leon Löwentraut (Jahrgang 1998) hat mit seinem markanten und ausdrucksstarken Stil schnell Aufmerksamkeit erregt. Seine spürbar energievollen Arbeiten schweben zwischen Figuration und Abstraktion. Mit beeindruckender Geschwindigkeit hat sich der junge Künstler einen Namen in der internationalen Kunstwelt gemacht.

Leon Löwentraut begann bereits in jungen Jahren zu malen und entwickelte schnell einen eigenen Stil. Inspiriert von Künstlern wie Picasso, Basquiat und Keith Haring, vermischt er Einflüsse aus Street Art, Expressionismus und abstrakter Kunst zu dynamischen und provokanten Kompositionen.

Er gilt als Vorreiter einer jungen Künstler- und Sammlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht, sie förmlich erfrischt. Auf Instagram hat der 27-jährige Ausnahmekünstler mehr als 1,2 Millionen Follower.

Die Arbeiten des in der Nähe von Düsseldorf und hauptsächlich in Portugal lebenden und arbeitenden Künstlers wurden bereits in internationalen Museen wie u.a. dem Kunstforum Wien, dem Palazzo Medici Riccardi in Florenz, der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, dem Bayerischen Nationalmuseum in München, dem Osthaus Museum in Hagen, dem Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie in Galerien, u.a. in New York, Miami, London, Madrid, Ibiza, Kopenhagen und Zürich gezeigt.

Auch auf wichtigen Kunstmessen wie u.a. in Miami, Zürich, Madrid und Toronto sind seine Arbeiten präsent.

Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst

Die Ernst Barlach Gesellschaft verlieh Leon Löwentraut 2023 den Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst. Der Preis ehrt Künstler für besonders innovative Positionen. In seiner Laudatio erklärte Dr. Jürgen Doppelstein, Museumsdirektor und Vorsitzender der Ernst Barlach Gesellschaft: „Leon Löwentraut zeigt den modernen Menschen in seiner ganzen Isolation und Zersplitterung. Und diesen Menschen macht er zugleich zu einem großen Geheimnis. … Oftmals wirken seine Figuren wie maskierte Einsame. Damit berührt er einen Nerv der Gegenwart und begeistert besonders jüngere Menschen für seine Kunst.“

Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn 2021 unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren). Damit gehört der Düsseldorfer laut Forbes zu den jungen Deutschen, die 2020 Herausragendes geleistet haben und daran arbeiten, die Gesellschaft zum Besseren zu verändern.

2022 ist im teNeues Verlag eine großformatige Leon-Löwentraut-Monographie erschienen, die der Verlag auf der Frankfurter Buchmesse 2022 in Anwesenheit des Künstlers präsentierte.

Die Hochschule Kaiserslautern erteilte dem Düsseldorfer Maler für das Wintersemester 2021/2022 einen Lehrauftrag im Studiengang Virtual Design. Thema „Future Exhibition Design“. Ziel war es, intelligente Inszenierungsformate für den Kunstsektor zu entwickeln, um analoge Kunst mit digitalen Möglichkeiten greifbarer zu machen. Für das gemeinsam entwickelte Projekt „Volar“ gab es vom Art Directors Club (ADC) Gold.

Hintergrund: Im ADC Wettbewerb werden jährlich die kreativsten Arbeiten im deutschsprachigen Raum ausgezeichnet.

Von fraunberg art gallery

von fraunberg art gallery beschäftigt sich hauptsächlich mit contemporary art. Die Galerie konzentriert sich auf „junge Kunst“. Präsentiert werden hier sowohl „young fine artists“ als auch renommierte internationale Künstler.

 

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Zur Webseite der Galerie: https://vonfraunbergartgallery.com/

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Am Freitag, dem 07. März 2025, lädt der Künstler Maxim Wakultschik ab 22 Uhr zum Kunst-Happening „Synergetics“ in die Rudas Studios im Düsseldorfer Medienhafen ein. Die Besucher können sich auf eine Symbiose aus Musik, Theater, Varieté, Performance, Schauspiel, Kunst, Mode, Design und neuen Technologien freuen. Licht und Schatten, Farben und Formen, Klang und Bewegung verschmelzen mit dem interaktiven Publikum zu einem besonderen Erlebnis. Der Gast ist nicht nur Zuschauer – er wird Teil der Kunst-Show.

Maxim erklärt: „Synergetics ist ein interaktiver Event – ein großes Experiment. Es wird eine immersive Erfahrung, in der Musik, Performance und Kunst zusammenkommen. Ich wünsche mir, dass sich die Gäste in lebende Skulpturen verwandeln.“

Um das zu ermöglichen, wird eine Auswahl verschiedenster Accessoires für die Gäste bereitgestellt. Musikalisch werden Deep House, melodische elektronische Beats und symphonische Instrumente miteinander verwoben.

Interaktion mit dem Publikum und Gruppenfeelings

Interaktion mit dem Publikum ist dem Düsseldorfer Künstler Maxim Wakultschik auch in seiner Kunst ein Anliegen. Seine aus bis zu 100.000 Holzstäbchen in bis zu 1.500 verschiedenen Farbtönen zusammengesetzten Optical Portraits, die oft sphärisch-schöne Frauenantlitze zeigen, wachsen in den Raum hinein, flirren und flimmern, scheinen zu leben. Im Spiel mit Licht und Schatten, Farbkontrasten, Position und Ausrichtung eröffnet jeder Perspektivwechsel neue Blickwinkel, die überraschen und spielerisch zur Neubetrachtung und damit zur Bewegung auffordern.

„Synergetics“ soll diese „flirrende“ Kunst visualisieren.

„Der Urknall meiner Kunst soll sichtbar gemacht werden. Die in meiner Seele geborene Kunst wird in ihre Moleküle zerlegt, die sich im nächsten Moment wieder verdichten, um erneut zerlegt zu werden“ –  Maxim.

Mit seinem Performance-Event kreiert der Düsseldorfer Künstler ein Gesamtkunstwerk. „Ich möchte Talente um mich versammeln, die sich kreativ austoben. Jeder hat die Freiheit, sich emotional und schöpferisch auszudrücken und zu performen. Innovation ist Gesetz. Keine Wiederholungen, keine Klischees. Trends werden hier geboren, nicht kopiert. Was andere tun, ist für mich tabu. Das Unerwartete ist mein Standard“, erklärt der Künstler. „Ich wünsche mir ein kreatives, intellektuelles Publikum. Und ich möchte, dass wir gemeinsam ein großartiges Erlebnis kreieren. Ich denke an eine Symbiose aus Alice im Wunderland und Andy Warhols Factory. Die Gäste sollen lachen, staunen, euphorisch sein.“

Freigeister und Lebenskünstler willkommen. Die Metamorphose kann beginnen – Gruppenfeeling garantiert!

Synergetics by Maxim Wakultschik

Freitag, 07. März, ab 22 Uhr – Ende offen.
Rudas Studios, Zollhof 11, 40221 Düsseldorf
Eintritt: Abendkasse 20 Euro / für Studenten 15 Euro.
Für geladene Gäste bis 24 Uhr freier Eintritt, ab 24 Uhr 15 Euro.
Dress Code: Elegant, bold, creative—dress to impress!

 

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Maxim Wakultschik

Der 1973 in Minsk geborene Maxim Wakultschik studierte unter Prof. Jannis Kounellis und Prof. Beate Schiff an der Kunstakademie Düsseldorf. Bereits in Minsk, damals noch Sowjetunion, erhielt er eine intensive Ausbildung in klassischer Kunst – eine Grundlage, die bis heute seine kreative Arbeit prägt.

Nach seinem Kunststudium erklärte er die Rheinmetropole zu seiner Wahlheimat. Von Düsseldorf aus hat sich Maxim Wakultschik international einen Namen gemacht und stellt weltweit aus, u.a. in Basel (VOLTA Art Fair), New York (VOLTA Art Fair), Miami (Art Miami), Wien, Madrid, Turin, Amsterdam, Istanbul, Seoul und Abu Dhabi (Abu Dhabi Art Fair).

Eine Auswahl seiner nächsten Ausstellungen:

März. 07 – 9, 2025: Art Fair Tokyo, Japan with HOFA Gallery
Mar 07 – 30, 2025: Farben des Lichts, Essenheim, Germany, Essenheimer Kunstverein
März 7 – Apr 19, 2025: Anya’s Eye (Group), Houston, USA, Anya Tish Gallery
Mar 26 – 30, 2025: Art Central Hong Kong, China with HOFA Gallery
Mar 30 – Apr 30, 2025: Retrospektive, Düsseldorf, Germany, Burkhard Eikelmann Galerie
Sep 20 – Dec 27, 2025: Solo for Nit de l’Art, Gerhardt Braun Gallery, Palma de Mallorca, Spain

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Von der Poesie des Alltags erzählen die eindringlichen und melancholischen Schwarzweiß-Fotografien der polnisch-amerikanischen Künstlerin Eva Rubinstein – Tochter des weltberühmten Pianisten Artur Rubinstein. Bereits zum zweiten Mal ehrt die Düsseldorfer Galerie Clara Maria Sels die in New York lebende Künstlerin mit einer Einzelausstellung.

Die Themen der heute 91-Jährigen: Liebe, Tod und Vergänglichkeit. Ihre Fotografien fangen sowohl die Schönheit als auch die Melancholie des Daseins ein und zeigen gewöhnliche Momente, deren besondere Anmut unserer Wahrnehmung oft entgeht. Als „lautlose Melancholie“ bezeichnet Kunstexpertin Helga Meister in der Rheinischen Post die Werke der Fotokünstlerin (Fotografien von Eva Rubinstein in der Düsseldorfer Galerie Sels). Eva Rubinstein sagt: „Ich habe keinen Zweifel daran, dass die Fotografie aufgrund ihrer Fähigkeit, Informationen in Hundertstelsekunden ‚aufzunehmen‘ und dann als Zeuge zu bleiben, ein einzigartiges Instrument ist, das uns erlaubt, über die Oberfläche unseres Lebens hinaus zu sehen.“

Schwerpunkt der 40 Arbeiten umfassenden Bilderschau sind Fotografien aus den 1970er und 1980er Jahren, die u.a. in Lodz, dem Geburtsort ihres Vaters, in Warschau, Minnesota, Italien und Paris entstanden sind.

Eva Rubinstein, die zunächst als Tänzerin und Schauspielerin Karriere machte, fand in der Fotografie eine Möglichkeit, ihre Umgebung und das, was sie „die dritte Dimension“ nennt, zu erforschen. Galeristin Clara Sels erklärt: „Unter ‚dritter Dimension‘ versteht Rubinstein das Ergebnis der Verschmelzung unserer äußeren Realität, wie wir sie wahrnehmen, mit unserer eigenen, inneren Gefühlswelt und unseren Reaktionen auf die äußere Realität.“

​Noch bis zum 25. Februar 2025 ist die Ausstellung „Brief Encounters“ in der Galerie Clara Maria Sels in der Poststraße 3 in Düsseldorf zu sehen.

Eva Rubinstein

Eva Rubinstein wurde 1933 während einer Konzerttournee ihres Vaters in Buenos Aires geboren. Gemeinsam mit ihren Geschwistern wuchs sie in Paris auf, bevor die Familie im Oktober 1939 nach Ausbruch des Zweiten Weltkriegs in die USA (Hollywood) flüchtete, wo derzeit auch Ingrid Bergmann, Thomas Mann und Albert Einstein lebten. 1946 nahm die Familie die amerikanische Staatsbürgerschaft an. In den USA begann sie ihre Karriere als professionelle Balletttänzerin und Schauspielerin.

​Ende der 1960er Jahre eignete sie sich das Medium der Fotografie an, inspiriert und ausgebildet von renommierten Zeitgenossen wie Robert Frank und Diane Arhus. Schon bald machte sie sich einen Namen als international anerkannte Fotografin.

Besonders in den 1980er Jahren verbrachte Rubinstein mehrere längere Aufenthalte in Lodz, Polen, dem Geburtsort ihrer Vaters Artur Rubinstein. Dort unterrichtete sie Fotografie an der Film School of Lodz, die ihr 2023 den Doktor Honoris Causa verlieh.

Die Arbeiten von Eva Rubinstein wurden international ausgestellt und befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen wie dem Metropolitan Museum of Art, New York, USA, dem Kiyosato Museum of Photographic Arts, Hokuto (Japan), und dem Museum Ludwig, Köln.

 

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Galerie Sels

Die Galerie Clara Maria Sels wurde 1989 eröffnet und konzentrierte sich zunächst auf die zweite russische Avantgarde. Heute zeigt sie ein breit gefächertes Spektrum an Fotografie und Malerei und ist auf internationalen Kunstmessen vertreten. Weitere Infos: https://www.galerie-claramariasels.de

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Anna Lena Straube begegnet in diesem Malereizyklus den Herausforderungen unserer Zeit mit einem bejahenden und anmutigen Farbspektrum. Sie setzt den Bedrohungen und den globalen Herausforderungen des 21. Jahrhunderts eine Farbigkeit gegenüber, die uns als Betrachter*innen in eine freundliche aktive Gegenwart ruft.

„Ich verstehe den Zyklus als Einladung tiefer zu schauen und zu empfinden, was das Leben an Fülle bereit hält und blicke neugierig darauf, welche Form des Tätigseins und des Miteinanders die Malerin hier vorschlägt.  Ich fühle mich gemeint als Tanzende, als Zauberin, als Spazierende, ich gehe Verbindungen ein mit Gefährtinnen und spüre die Kraft der Bilder durch die Verbundenheit ihrer Protagonistinnen untereinander.“ – Sandy LA S. Schwermer, Berlin

 

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30 Jahre Galerie Bengelsträter

Seit 30 Jahren vertritt die Galerie Bengelsträter zeitgenössische Kunst mit den Schwerpunkten Malerei und Skulptur. Ihr thematischer Fokus liegt auf der Neuen Figuration der 1980er und 1990er Jahre. Diese wurden durch einige der von ihnen vertretenen Künstler auch entscheidend mitgeprägt. Seit über einem Jahrzehnt kümmert sich die Galerie zusätzlich verstärkt um junge Künstler, die wir mit viel Engagement und Aufwand von den ersten Anfängen bis hin zum internationalen Niveau aufbauen.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: wwwbengelstraeter.com

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: www.anna-lena-straube.de

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Am 18. und 19. Mai 2024 präsentieren sich über 25 Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region mit der ganzen Vielfalt ihrer künstlerischen Arbeiten. Ihr gemeinsamer Nenner: Die Überzeugung, dass es heute nicht mehr ausreicht, nur in eigenen gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Und das Vielfalt bereichert und Spaß macht.

Und das spiegelt sich deutlich im Aufgebot des zweiten Loft of Art WEEKENDs wider: Die 25 KünstlerInnen zeigen ein vielfältiges Portfolio aus Malerei, digitalen Collagen, Fotografie, Illustrationen, Steet-Art, ASCII Art, Upcycling Mode, Schmuckdesign, Wohnkultur und vielem mehr – alles, außer Mainstream. Alles zum Mitnehmen.

Neben einem vielfältigen Aussteller-Mix legen die OrganisatorInnen, selbst KünstlerInnen, großen Wert auf ein kreatives Rahmenprogramm. Im Fokus: Ein buntes musikalisches Line Up von Singer/SongwriterInnen über Indie Rock, Hip Hop, Elektro und Live-Djanes und Djs.

Darüber hinaus sind kreative Side-Events von Schreibmaschinen-Poesie bis Kreativ-Workshops, Teil des WEEKENDs. Und an der Bar gibt es kühle Drinks für die wunderschöne Terrasse der Spieloase.

„Kunst kennt viele Formen. Das Loft of Art WEEKEND ist ein Format, das die Sinne auf vielen Ebenen anspricht und Begegnungen zwischen interdisziplinären Kunstschaffenden und Interessierten in einem unkonventionellen Rahmen und in entspannter Atmosphäre ermöglicht“. – Carolin Herzberg, Mitorganisatorin des Loft of Art WEEKENDs

Loft of Art WEEKEND Eröffnung und Tickets

Das Loft of Art WEEKEND öffnet am Samstag, dem 18.05.2024 um 15:00 Uhr in der Spieloase, Brunnenstrasse 65a in Düsseldorf-Bilk. Live-Musik gibt es ab 15:30 Uhr. Am Sonntag, dem 19.05.2024 sind die Türen dann von 15:00 – 20:00 Uhr inklusive Live-Djs geöffnet.

Der Eintritt ist frei – wer will, kann und darf vor Ort spenden.

Tickets und weitere Infos über das Line Up gibt es hier: https://rausgegangen.de/events/loft-of-art-weekend-0/

Über Loft of Art:

Loft of Art – das sind Carolin Herzberg, Matthias Diebels, Vernice Collet, Lotta Krickel, Gerrit Jansen und Alexandra Lehmberg.

Wir sind Düsseldorfer KünstlerInnen aus Leidenschaft. Ohne Kunsthochschulabschluss. Wir teilen die Überzeugung, dass es mehr denn je darauf ankommt, Horizonte zu erweitern, neue Perspektiven zu entdecken, offen und neugierig zu sein und zu bleiben. Dass es nicht mehr
ausreicht, nur in gewohnten Grenzen zu denken – weder in der Kunst noch in der Gesellschaft. Dafür veranstalten wir regelmäßig unregelmäßig das Loft of Art WEEKEND – je vielfältiger, desto besser. Mit immer neuen KünstlerInnen aus unterschiedlichen Genres. Immer selbstfinanziert und auf Spendenbasis. Alles für die Kunst.

Dabei verstehen wir unser Konzept als Plattform für weniger etablierte und interdisziplinäre Kunstschaffende, Kreative und MusikerInnen aus Düsseldorf und der Region. Wir wollen uns miteinander vernetzen, voneinander lernen und gemeinsam wachsen. Als Ausstellungsorte dienen uns wechselnde Düsseldorfer Locations, so durchziehen wir die Stadt und hinterlassen überall unsere Spuren.

 

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Über die Spieloase:

Die „Spieloase in Bilk“ ist ein Kooperationsmodell mit der Stadt Düsseldorf, Amt für Soziales und Jugend und wurde 1985 von Trude Kraus ins Leben gerufen. Seither engagieren sich die MitarbeiterIinnen aus Kindertreff und Verein „Spielen und Leben in Bilk e.V.“ für das Leben im Stadtteil Bilk und bieten für Jung & Alt, Kinder wie Eltern viele tolle, kreative Angebote und Events.

Ein Einblick in die Künstler:

Die MYSTREETARTGALLERY aus Köln, ist gleich mit zwei Künstlern im Rahmen der Veranstaltung präsent. Unser letztes Interview mit dem Gründer Thorsten Landré und mehr über die MYSTREETARTGALLERY finden Sie hier: Kunst in Köln: MYSTREETARTGALLERY – Gründer Thorsten Landré im Interview

Holger Zimmermann

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Die Sammlung Peters-Messer verbindet bekannte Positionen der internationalen Gegenwartskunst wie Kader Attia, John Bock, Andrea Bowers, Sophie Calle und Thomas Hirschhorn mit Werken junger Künstler*innen, darunter Harry Hachmeister, Henrike Naumann und Sophia Süßmilch.

Florian Peters-Messer hat von Anfang an vor allem gesellschaftspolitische Arbeiten gesammelt, die die Umbrüche unserer Zeit kritisch aufgreifen – mal mit beklemmender Direktheit, mal mit expressivem Gestus oder mit konzeptueller Klarheit. Neben den drängenden gesellschaftlichen Herausforderungen liegt ein weiterer inhaltlicher Fokus auf den Themen Gender, Sex und Identität.

„Die Sammlung von Florian Peters-Messer stellt eine wunderbare und ausgesprochen wichtige Ergänzung für den Kunstpalast dar. Ich bin überaus dankbar, dass uns diese anvertraut wurde! Es sind irritierende, aufwühlende und herausfordernde Arbeiten, die durch Peters-Messers Schenkung in unsere Bestände gelangen. Wir schließen durch diese Sammlung eine Lücke. Mit Blick auf die gesellschaftlichen Entwicklungen halte ich es für besonders wichtig, dass wir durch dieses Konvolut in Zukunft noch pointierter aktuelle Themen reflektieren können“, zeigt sich Felix Krämer, Generaldirektor Kunstpalast, erfreut.

310 Werke museal angelegt

Peters-Messers rund 310 Werke umfassende Schenkung ist museal angelegt: Neben Malerei, Zeichnung und Fotografie beinhaltet sie viele Video- und Medienarbeiten sowie großformatige Installationen, die den institutionellen Charakter unterstreichen. Entsprechend hat der Sammler auch in der Vergangenheit die Werke viel und weitreichend ausgestellt – beispielsweise an der Bremer Weserburg, der Miettinen Collection, Berlin, der Werkschauhalle, Leipzig, oder dem Marburger Kunstverein. Peters-Messer ist dem Kunstpalast schon lange verbunden. 2020 kuratierte er hier gemeinsam mit Linda Peitz die Ausstellung Empört Euch! Kunst in Zeiten des Zorns, die in den Fokus nahm, wie Künstler*innen mit ihren Werken auf die Krisensymptome der Gesellschaft reagieren. Seit vier Jahren engagiert sich der Sammler außerdem als Schatzmeister im Verein der Freunde des Kunstpalastes.

„Den Kunstpalast und seine Sammlung kenne ich bereits seit meiner Kindheit sehr gut. Da war es naheliegend, auch großen Teilen meiner Sammlung hier ihr neues Zuhause zu geben, wo ich sie in guten Händen weiß“, erklärt Florian Peters-Messer.

„Ich habe nie bloß für mich selbst gesammelt, es war immer mein Ziel, die von mir als wichtig erachteten Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen, sie dauerhaft für diese zu bewahren und zugänglich zu machen. Kunst ist dazu da, gezeigt zu werden, um andere Sichtweisen auf die Welt zu ermöglichen und Denkräume zu öffnen. Nicht nur einem einzelnen, der ein Kunstwerk erwerben konnte, sondern allen, die es interessiert.“ – Florian Peters-Messer

Felicity Korn, Leiterin der Sammlung Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts am Kunstpalast, unterstreicht die Bedeutung der umfangreichen Schenkung: „Die Sammlung Peters-Messer umfasst viele Positionen, die in der Erwerbungspolitik des Kunstpalastes in den letzten Jahrzehnten wenig Berücksichtigung gefunden haben. Von einem so wichtigen Künstler wie Thomas Hirschhorn haben wir beispielsweise bisher keine Werke in unserer Sammlung gehabt und sind nun Dank dieser Schenkung im Besitz eines umfangreichen Bestandes seiner Arbeiten.“

Eine Werkauswahl der Sammlung wird von 28. August 2024 bis 5. Januar 2025 in der Ausstellung Too Much Future. Schenkung Florian Peters-Messer am Kunstpalast zu sehen sein.

Weitere Informationen

Titelbild: Quelle

Mehr über das Ausstellungshaus: https://www.kunstpalast.de/

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Licht ins Dunkel brachte jetzt die Podiumsdiskussion „Kunst als Invest – Taugt Kunst als Wertanlage?“ von DIE FAMILIENUNTERNEHMER und DIE JUNGFEN UNTERNEHMER vor mehr als 80 Gästen im Industrie-Club Düsseldorf.

Auf dem prominent besetzten Podium saßen Daniel von Schacky (Auktionshaus Grisebach), Alexander Sies (Galerie Sies + Höke), Dr. Tayfun Belgin (Museumsdirektor, Osthaus Museum Hagen, das weltweit erste Museum für zeitgenössische Kunst), die Kunstberaterin Anna Deilmann (ART CONCEPTS) sowie die Kunstsammler Gil Bronner und Michael Zimmer. Sachkundig moderiert wurde die Diskussionsrunde von Stefan Kobel, der den Kunstmarkt seit 20 Jahren als Experte begleitet.

Nach einführenden Worten von Lothar Grünewald, der die Veranstaltung initiiert hat, ging es direkt zur Sache: Daniel von Schacky erklärte, dass Kunst als Invest attraktiv sei und hob dabei besonders die emotionale Komponente hervor. Kunstsammler Michael Zimmer pflichtete ihm bei und erklärte, dass er mit Immobilien handle, aber Kunst sammle.

Sammler Gil Bronner hob einen entscheidenden Vorteil von Kunstwerken gegenüber Immobilien als Wertanlage hervor. So habe man mit Kunstwerken keinen Ärger wie bisweilen mit Mietern, und auch der Renovierungsaufwand sei gering. Darüber hinaus gebe ein Kunstwerk einem auch persönlich etwas. Gleichwohl solle man Kunst nur aus Überzeugung kaufen.

Museumsdirektor Tayfun Belgin wies in diesem Zusammenhang auf die neutrale Stellung der Museen hin. „Aufgabe der Museen ist es, den Markt zu sondieren und vor allem auch, neue Künstler zu entdeckten und zu unterstützen“, erklärte Belgin. „Das belebt den Job und den Kunstmarkt“, betonte Belgin, machte aber deutlich, dass auch Museen Teil des Kunstmarktes seien.

Auf die Frage, ab welchem Budget es sich lohne, in Kunst zu investieren, riet Alexander Sies zum Erwerb der hochpreisigen Klassiker – damit gehe man auf Nummer sicher. Moderator Kobel gab zu bedenken, dass die Rendite in diesem Fall überschaubar sei. Dennoch: Junge Kunst zu kaufen, sei ein Risiko.

Einig waren sich die Podiumsteilnehmer in dem Punkt: Künstler zu sein ist ein schwieriges Geschäft. Erfolgreich seien sie nur dann, wenn sie über Jahrzehnte diszipliniert dranblieben. Kunstberaterin Anna Deilmann fügte hinzu, dass sie auch deshalb nur mit Künstlern zusammenarbeite, die sich weiterentwickeln, und empfahl allen Kunstsammlern, sich kompetent beraten zu lassen.

Fazit: Kunst als Invest lohnt sich vor allem, wenn man Spaß an Kunst hat. Umso besser, wenn sie dann auch noch im Wert steigt.

DIE FAMILIENUNTERNEHMER

DIE FAMILIENUNTERNEHMER folgen als politische Interessenvertretung der Familienunternehmer den Werten Freiheit, Eigentum, Wettbewerb und Verantwortung. Die Mitgliedsunternehmen erwirtschaften einen Jahresumsatz von ca. 460 Mrd. Euro (Vgl. BIP Deutschland: rund 3.025 Mrd. Euro). Über 90 Prozent der Unternehmen in Deutschland sind eigentümergeführte Familienunternehmen.

DIE JUNGEN UNTERNEHMER sind das Forum für junge Familien- und Eigentümerunternehmer bis 40 Jahre. Unter dem Motto Freiheit, Eigentum, Wettbewerb und Verantwortung bezieht der Verband klar Stellung für eine wettbewerbsorientierte und soziale Marktwirtschaft sowie gegen überflüssige Staatseingriffe. Die Verbandsmitglieder sind Inhaber oder Gesellschafter eines Unternehmens.

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Foto: v.l.n.r.: Michael Zimmer, Gil Bronner, Tayfun Belgin, Alexander Sies, Anna Deilmann, Daniel von Schacky, Martina Grünewald-Ernst, Lothar Grünewald, Stefan Kobel

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Innerhalb von nur einem Jahr hat Nuhr, der an der Essener Folkwang-Schule Kunst und Fotografie studierte, seine Arbeiten im renommierten Osthaus Museum in Hagen, im geschichtsträchtigen Museum Correr am Markusplatz in Venedig und in einem der wichtigsten Museen Afrikas, dem IFAN-Museum in Dakar, gezeigt.

Nun geht es für Nuhr und seine Werke weiter ins weltbekannte MAXXI – dem Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo in Rom, wo am 2. Mai seine Ausstellung „Surrounded by Faraway“ eröffnen wird. Darüber hinaus widmet ihm das hochkarätige Ludwig Museum in Koblenz im Oktober ebenfalls eine Einzelausstellung – und zwar auf zwei Etagen.

Für 2024 stehen weitere berühmte Museen im In- und Ausland auf der Agenda. Doch ganz so weit muss man derzeit nicht reisen, um die Werke des Künstlers live zu erleben: Vom 20. April bis 26. Mai zeigt die Galerie Geuer & Geuer, Düsseldorf, unter dem Titel „Dieter Nuhr. Ent-fernte Welt“ aktuelle Arbeiten des Künstlers. Über 25 mit digitalen Mitteln übermalte Fotografien und geschaffene Zeichnungen in unterschiedlichen Formaten geben Einblick in das Werk des Künstlers.

Fotografie oder Malerei?

Ist es Fotografie oder Malerei?, fragt sich der Betrachter bei Ansicht der Werke von Dieter Nuhr, denn Nuhr, der seine Motive auf Reisen in ferne Länder findet, verarbeitet das mit der Kamera Aufgenommene mit selbst programmierten digitalen Pinseln.

Was er fotografisch festhält, wird in seinen Bildern gleichermaßen verschleiert und enthüllt. Indem er seine Motive, überwiegend Landschaften, aber auch Menschen oder Bauwerke, mit Farbschichten überlagert und verwebt, hebt er sie aus der realen Welt heraus und verleiht ihnen eine neue subjektive Dimension. Die Bilder werden fiktionalisiert, poetisch aufgeladen und ähneln am Ende eher langsam zerfallenden Erinnerungen als fotografischen Dokumenten. Das Reale verschwindet im Malerischen.

Die Bilder werden in romantische Seelenlandschaften transzendiert, die sich in der Innen- und Außenwelt begegnen und überlagern.

Bei Nuhrs Werken handelt es sich ausschließlich um Unikate. Er lässt jedes digital gefertigte Werk nur ein einziges Mal in physischer Form produzieren und signiert es dann per Hand.

In einigen seiner neuen Arbeiten verlässt Nuhr sogar das Medium der Fotografie gänzlich und kehrt zur rein zeichnerisch-malerischen Aneignung der Welt zurück. Nuhr zeichnet Personen, denen er auf Reisen begegnet ist, Figuren aus der Kunstgeschichte und aus seiner eigenen Biografie, zeigt uns Fremde und Freunde, die sich auf Augenhöhe begegnen.

 

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Dieter Nuhr & Geuer und Geuer

„Dieter Nuhr überzeugt mit seiner Kunst derzeit Kunstsammler, Museumsdirektoren und Jurys auf der ganzen Welt“, so Galerist Dirk Geuer. Er fügt hinzu: „Während man hierzulande den Künstler fast noch ausschließlich als Kabarettist wahrnimmt, zeichnen seine Erfolge und Verkäufe im Ausland ein ganz anderes Bild von Dieter Nuhr, der, das sollte man nicht vergessen, schon seit über 40 Jahren als Künstler erfolgreich tätig ist.“

Geuer bilanziert: „Nuhr hat eine ganz eigene künstlerische Handschrift mit hohem Wiedererkennungswert entwickelt. Seine neue Bildsprache, die mit den Mitteln der neuesten Technologie entsteht und die Nuhr mit seinen zeichnerischen und malerischen Qualitäten ausbaut, wird in zahlreichen bedeutenden Museen als neue Interpretation der zeitgenössischen Fotografie geehrt.“

Dieter Nuhr sagt: „Von der Galerie Geuer&Geuer vertreten zu werden, ist ein großer Glücksfall für mich. Ich kann mich ganz auf meine Arbeit konzentrieren und weiß, dass die Organisation meiner Ausstellungen und die Betreuung der Sammler in besten Händen ist. Dirk Geuer ist mehr als ein Galerist für mich, ein Mitstreiter und Freund.“

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