Ein Teich vor einem Altar ist zunächst einmal ein starkes Bild. Man muss nicht viel über zeitgenössische Kunst wissen, um zu spüren, dass diese Begegnung irritiert – und gerade deshalb Aufmerksamkeit erzeugt. In der Namen-Jesu-Kirche in Bonn installiert die Künstlerin und Professorin Ulrika Eller-Rüter einen von Gras umgebenen Teich im Altarraum. Das Wasser ist grün gefärbt und mit Salz angereichert. Während es nach und nach verdunstet, bleibt das Salz zurück und beginnt zu kristallisieren. Die Installation verändert sich damit zwangsläufig über die Dauer der Ausstellung.

Genau darin liegt der zentrale Gedanke von „Gezeiten“: Die Ausstellung erzählt nicht nur von Zeit und Vergänglichkeit. Sie lässt die Zeit tatsächlich am Kunstwerk arbeiten.

Ein Teich vor dem Altar

Die Ausstellung „Gezeiten“ beschäftigt sich mit Ebbe und Flut, mit dem rhythmischen Wechsel des Wassers und mit den großen Kreisläufen der Natur. Zugleich geht es um Vergänglichkeit, Leben und Tod. Wasser als Symbol für Leben, Reinigung, Tod und Wiedergeburt ist in Kunst und Religion tief verankert. Der entscheidende Reiz der Ausstellung liegt deshalb weniger in der Symbolik selbst als in ihrer konkreten räumlichen und materiellen Umsetzung.

Unmittelbar vor dem Altar entsteht eine künstliche Wasserfläche. Natur trifft auf Architektur, ein vergänglicher Prozess auf einen Sakralraum, der Beständigkeit und Dauer ausstrahlt. Eller-Rüter übersetzt die abstrakte Vorstellung von Zeit damit in einen sichtbaren Vorgang: Das Wasser nimmt ab, während sich an seiner Stelle neue Strukturen bilden.

Wenn das Kunstwerk langsam verschwindet

Das zentrale Werk funktioniert vor allem deshalb, weil sein Zustand nicht vollständig kontrollierbar ist. Das Wasser verdunstet, das Salz kristallisiert und die lebendigen Materialien verändern sich. Was zu Beginn der Ausstellung wie eine geschlossene Wasserfläche erscheint, wird im Laufe der Wochen ein anderes Bild ergeben. Aus einer zunächst statisch wirkenden Installation entwickelt sich so ein fortlaufender Prozess.

Gerade in einer Zeit, in der Kunst häufig über spektakuläre Bilder, monumentale Formate und Instagram-taugliche Inszenierungen vermittelt wird, besitzt dieser langsame Wandel eine gewisse Eigenwilligkeit. „Gezeiten“ fordert nicht nur den Blick auf ein fertiges Objekt, sondern Aufmerksamkeit für eine Veränderung, die sich erst über einen längeren Zeitraum vollzieht. Darin liegt möglicherweise der stärkste Gedanke der Ausstellung: Zeit ist hier nicht nur Thema, sondern Material.

Wasser zwischen Weihwasser und zeitgenössischer Kunst

Auch der Ausstellungsort ist Teil der Arbeit. Die Namen-Jesu-Kirche ist ein historischer Sakralraum in der Bonner Innenstadt und dient heute als Bischofskirche der Alt-Katholischen Kirche in Deutschland. Zugleich wird sie als offener Kulturort für Konzerte und Ausstellungen genutzt. Eller-Rüters Installation macht diese doppelte Funktion besonders deutlich.

Am Eingang befindet sich das Weihwasserbecken. Im Altarbereich folgt eine weitere Wasserfläche – diesmal grün gefärbt und als zeitgenössische Kunstinstallation inszeniert. Der Vergleich drängt sich auf, ohne ausführlich erklärt werden zu müssen: Hier begegnet das Publikum ritualisiertem Wasser, dort Wasser als künstlerischem Material und Träger eines natürlichen Veränderungsprozesses.

Der Kirchenraum ist damit keine bloße Kulisse, sondern ein aktiver Bestandteil der Ausstellung. Die Arbeiten könnten vermutlich auch in einem klassischen White Cube bestehen. In der Kirche erhalten sie jedoch eine zusätzliche religiöse, räumliche und zeitliche Bedeutungsebene.

Warum gerade Grün?

Eine weitere Ebene der Ausstellung bildet die Farbe Grün. Eller-Rüter verweist auf unterschiedliche religiöse und kulturelle Bedeutungen der Farbe. Im Islam wird Grün unter anderem mit dem Paradies verbunden, im Christentum kann es für Hoffnung, Wachstum und neues Leben stehen. Auch in anderen religiösen Traditionen finden sich Verbindungen zu Natur, Leben, Tod und Erneuerung.

Solche Bedeutungen lassen sich nicht zu einer einzigen universellen Farbsymbolik zusammenfassen. Als visuelles Element funktioniert das Grün jedoch unmittelbar. Das künstlich gefärbte Wasser wirkt zugleich unnatürlich und organisch. Es erinnert an Algen, Vegetation und lebendige Gewässer, während seine intensive Farbigkeit zugleich deutlich macht, dass es sich um eine künstlerische Setzung handelt. Zusammen mit dem echten Gras entsteht eine irritierende Verbindung aus künstlicher Farbe und lebendigem Material.

Tusche, Wasser und Zufall

Neben der Installation im Altarbereich zeigt Ulrika Eller-Rüter großformatige Papierarbeiten in den Seitenschiffen der Kirche. Diese entstehen unter anderem durch das Zusammenspiel von Tusche, Flüssigkeit, Pigmenten und weiteren Substraten. Wasser wird dabei nicht lediglich abgebildet, sondern beeinflusst unmittelbar die Entstehung der Bilder.

Eller-Rüter interessiert sich für Prozesse, deren Ergebnis sich nicht vollständig vorausplanen lässt. Flüssigkeiten verlaufen, Pigmente reagieren miteinander und Materialien verändern sich. Die Künstlerin setzt diese Vorgänge in Gang, muss anschließend jedoch akzeptieren, dass das Material einen Teil der gestalterischen Entscheidung übernimmt. Damit berührt ihre Arbeit eine Frage, die weit über das Motiv des Wassers hinausweist: Wie viel Kontrolle braucht Kunst – und was geschieht, wenn die Künstlerin einen Teil davon an natürliche Prozesse abgibt?

Ulrika Eller-Rüter und die Suche nach dem „Bild im Wasser“

Seit 2019 beschäftigt sich Eller-Rüter intensiv mit Wasser. Auf ihren Reisen sammelt sie Proben aus Flüssen, Meeren, Brunnen und anderen Gewässern. Diese untersucht und archiviert sie unter anderem mithilfe mikroskopischer Verfahren. Unter dem Mikroskop entdeckt die Künstlerin Strukturen, die sie als eine Art individuelle Signatur des jeweiligen Gewässers versteht. Aus diesen Beobachtungen entwickelt sie weitere Arbeiten zwischen Malerei, Installation, Performance und künstlerischer Forschung.

Der Ansatz wirkt zunächst naturwissenschaftlich, führt jedoch nicht zu einer objektiven Erklärung. Stattdessen dient die Untersuchung dazu, neues visuelles und materielles Ausgangsmaterial für die Kunst zu gewinnen. Wasser wird dadurch gleichzeitig Gegenstand, Werkzeug und Bildproduzent.

Ein ungewöhnlicher Ort für zeitgenössische Kunst in Bonn

Dass „Gezeiten“ in einer Kirche stattfindet, ist mehr als eine dekorative Entscheidung. Der barocke Kirchenraum steht für Beständigkeit, Tradition und wiederkehrende religiöse Rituale. Eller-Rüters Installation setzt ihm einen Prozess entgegen, der sich nicht anhalten lässt: Das Wasser verschwindet, das Salz bleibt zurück und bildet neue Strukturen. Die Papierarbeiten wiederum entstehen durch Abläufe, die sich nicht vollständig kontrollieren oder identisch wiederholen lassen.

Man könnte sagen: Die Kirche liefert die Vorstellung von Ewigkeit, das Wasser die Erfahrung von Zeit.

Darin liegt eine überzeugende Spannung. Ob die weiteren Arbeiten dieselbe Wirkung entwickeln, wird sich vor allem in ihrem Zusammenspiel mit dem Kirchenraum zeigen. Der zentrale Teich besitzt jedoch das Potenzial, mehr zu sein als ein spektakuläres Pressebild. Gerade seine Veränderlichkeit könnte dafür sorgen, dass sich „Gezeiten“ nicht bereits mit dem ersten Blick vollständig erschließt.

„Gezeiten“ von Ulrika Eller-Rüter in Bonn

Die Ausstellung „Gezeiten“ von Ulrika Eller-Rüter ist vom 18. September bis zum 5. November 2026 in der Namen-Jesu-Kirche, Bonngasse 8, 53111 Bonn, zu sehen. Die Vernissage findet am 18. September 2026 um 19:30 Uhr statt. Organisiert wird die Ausstellung von der Galerie Geißler Bentler.

Öffnungszeiten der Namen-Jesu-Kirche

Dienstag und Mittwoch: 11:30–14:30 Uhr
Donnerstag bis Samstag: 11:30–17:30 Uhr
Sonntag: 11:30–17:30 Uhr
Montag: geschlossen

Ausblick

Der überzeugendste Gedanke von „Gezeiten“ liegt im realen Veränderungsprozess. Eller-Rüter behandelt Vergänglichkeit nicht nur als Symbol: Das Wasser verdunstet, das Salz bildet neue Strukturen und die Installation entzieht sich damit einem endgültigen Zustand.

Gerade im auf Dauer und Kontinuität angelegten Kirchenraum gewinnt dieser Prozess zusätzliche Spannung. Ulrika Eller-Rüter muss Vergänglichkeit nicht bloß behaupten. Sie lässt sie stattfinden.

Weitere Informationen

Titelbild: Work in Progress – v.l.: Ulrika Eller-Rüter und Jenny Geißler-Bentler. (c)Galerie Geißler-Bentler.

Mehr über die Künstlerin: https://ulrika-eller-rueter.de/

Liebhaber*Innen von Urbaner Kunst dürfen sich im September 2024 auf die zweite Urban Streetart Gruppenausstellung in Bonn freuen!
Von Freitag, 06.09.24 bis zum Sonntag 15.09.24 pr‰sentieren nationale und internationale Künstler*Innen urbane Kunst in unterschiedlichen Stilrichtungen und Facetten. Unter dem Ausstellungstitel „Street Legacy Vol.3“ stellen 20 Künstler*Innen ihre Werke im LOVE YOUR LOCAL STORE, Breite Strasse 28, 53111 Bonn. aus und bieten diese auch zum Kauf an.

Die „Street Legacy Vol.3“ zeigt eine abwechslungsreiche Werkschau mit Arbeiten von beliebten Streetart-Künstler*Innen. Die Ausstellung ist eine Bestandsaufnahme zu aktueller Streetart und urbaner Kunst. Begleitend zur Ausstellung bietet ein Kunstshop den Besuchern preiswerte Kunst direkt zum Mitnehmen. Der Love Your Local Store dient hierbei als passender Ausstellungsort für Kultur und Begegnung – mitten in der Bonner Altstadt. Getränke werden ebenfalls angeboten.

Lineup: Adultremix, Andrea Wycisk, B4K3R, Cinderella Bones, Cuts and Pieces, Dropix, Dan Driftwood, Hellfire, Heroart, Kalaa Baar, Metraeda, Mittenimwald, Neon Ones, Planet Selfie, R.F.Art, SeiLeise, Strassenmaid, Sweetsnini, VctrPlnt, XXXhibition.

Tipp – Zur Street Legacy Vol.3 findet auch eine Kunsttour statt!

 

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Ausstellungszeiten:
Freitag, 06.09.24: Vernissage ab 18h
Samstag, 07.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Sonntag, 08.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Montag, 09.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Dienstag, 10.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Mittwoch, 11.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Donnerstag, 12.09.24: 14:00 – 19:00 Uhr
Freitag, 13.09.24.: 14:00 – 19:00 Uhr
Samstag, 14.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr
Sonntag, 15.09.24: 12:00 – 19:00 Uhr

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Die Street Legacy Vol.2 Ausstellung präsentiert eine abwechslungsreiche Werkschau mit Arbeiten von beliebten Urban Streetart Künstler*Innen und ist darüber hinaus eine Bestandsaufnahme aktueller Streetart und urbaner Kunst in der Region Köln/Bonn. Begleitend zur Ausstellung bietet ein Kunst Shop den Besuchern preiswerte Kunst direkt zum Mitnehmen. Der Love Your Local Store dient hierbei als passender Ausstellungsort für Kultur und Begegnung – mitten in der Bonner Altstadt.

Erste urban Streetart Ausstellung in Bonn

Es handelt sich um die erste Urban Streetart Ausstellung in Bonn – mit dabei ist auch die MYSTREETARTGALLERY, die erstmalig original Werke, sowie autorisierte Repro-Prints von Tiny Art Studio, Only_Abrahams, Holger Zimmermann und LT66ART anbietet.

Die Öffnungszeiten finden Sie hier: Street Legacy VOL.2 – mystreetartgallery

Tiny Art Studio by Tina Behnstedt

Schweres Schicksal als Kraftquelle für Kunst

Künstlerisches Arbeiten war für Tina Behnstedt schon immer ein wichtiger Bestandteil in ihrem Leben. Schon in jungen Jahren nutzte die in Konstanz wohnende Künstlerin die Malerei als Kraftquelle im Umgang mit ihrem schwerbehinderten Bruder. Durch die Kunst habe sie schon immer die Möglichkeit, Gedanken und Gefühle fließen zu lassen, sagt die gefragte Künstlerin heute über sich. Zudem sind ihre Werke – geprägt von ihrer Lebensgeschichte – voller Erfahrungen und Emotionen.

Nach dem Auszug der einzigen Tochter spürte Tina Behnstedt einen neuen Schwung an Energie und konzentrierte sich voll und ganz auf die Verwirklichung und Umsetzung ihrer Kreativität. Schnell stieß sie damit auf internationales Interesse und konnte bereits erste Collagen für vierstellige Beträge verkaufen.

Hinzukamen erste Ausstellungen im In- und Ausland sowie Anfragen für weitere Einzelausstellungen in den kommenden Monaten. Ihre Werke bedienen sich dabei den Einflüssen aus Expressionismus, Comic Art, Pop-Art, Street Art, Realismus und Kubismus. Die Collagen und Malereien sind für die gefragte Künstlerin eine Hommage an das Besondere und Außergewöhnliche im Menschen. Damit hat Tina Behnstedt einen Nerv getroffen und erfreut sich immer größerem Interesse eines internationalen Kunstpublikums.

Mehr über die Künstlerin: www.tiny-art.studio

Only_Abrahams

Only_Abrahams wurde 1971 in Sittard, Niederlande geboren. Der MixedMedia Künstler arbeitet mit Markern, Lackspray, Stiften und Tinte. Sein Stil ist eine Mischung aus Streetart, PopArt, Porträts und Illustrationen.

„Only_Abrahams“ – mystreetartgallery

 

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LT66ART

Lee Tokely aka lt66 ist ein autodidaktischer Künstler, der mit Sprühfarbe auf Vintage-Zeitungen arbeitet. Eigenen Angaben nach ist der Künstler immer auf der Suche nach neuen Musen. Nachdem der Londoner Künstler sich bereits in seiner Heimatstadt London einen Namen gemacht hat, folgten auch Städte wie Paris oder Köln. In Köln ist auch die MYSTREETART GALLERY von Thorsten Landré ansässig, der natürlich nicht lange gebraucht hat, um auf den Ausnahmekünstler aufmerksam zu werden.

 

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Face The New Pop“ lautet der auffordernde Titel der Einzelausstellung von Cuts and Pieces.  Der Titel der Urban Art Ausstellung im Kunstkabinett Stefan Moll beschreibt schon immanent einen wesentlichen Fokus, den die Kunstwerke setzen werden. Denn haben sich die Werke des Kölner Künstlers bisher schon meist in der changierenden Schnittstelle von Street- und Pop-Art bewegt, beweist Cuts and Pieces mit den aktuellen Werken eine neuartige Hinwendung zu diesen beiden Genren der Kunst, die eine frische und äußerst dynamische Ästhetik visualisiert.

Die aktuellen Arbeiten von Cuts and Pieces zeigen eine noch deutlichere Hinwendung zum Thema Comic und Collage, als auch dessen Freude am Experiment sowie sein beständiges, signifikantes und vor allem gesprühtes Bekenntnis zur Kunst der Straße.

Das Kunstkabinett Stefan Moll in der Friesdorfer Straße 100, 53173 Bonn ist mittwochs bis freitags 15.00 bis 18.00 Uhr und nach Vereinbarung geöffnet.

Mehr über die Ausstellung finden Sie auf der Webseite des Kunstkabinetts: www.kunstkabinett-moll.de

 

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Francesco Mario Petta ist ein aufstrebender Künstler aus Siegburg, der abstrakt-expressionistische und figurative Gemälde kreiert. Doch hinter seinen Werken verbirgt sich eine tiefere Bedeutung, die durch einige schwere Schicksalsschläge inspiriert wurde. Der Künstler, verwandelt seine Schmerzen in Kunst und inspiriert dazu, über die eigene Sterblichkeit und den Platz, den wir in der Welt einnehmen, nachzudenken.

Eine Verkrümmung der Wirbelsäule, Morbus Scheuermann genannt, gepaart mit einer Skoliose, erforderte zwei schwere Operationen, die zu einer versteiften Brustwirbelsäule führten. Nachdem sich zusätzlich nach Jahren eine Anschlussinstabilität des Lendenwirbelbereichs entwickelt hatte, verlor Francesco Mario Petta seine Arbeitsstelle und kämpfte mit chronischen Schmerzen. Doch die Kunst gab ihm seine Lebensfreude zurück und er fand in ihr eine Form der Medizin für seine Seele.

Während er seine Schmerzen auf die Leinwand bannte, wurde Francesco Mario Petta von einem weiteren schweren Schicksalsschlag getroffen: der Tod eines guten Freundes. Dieser Verlust führte ihn zu einer tiefen Auseinandersetzung mit dem Thema Sterblichkeit und der Frage, was vom Menschen nach dem Tod bleibt.

Francesco Mario Petta begann, sich intensiv mit diesem Thema auseinanderzusetzen und sich selbst und sein Umfeld zu hinterfragen. Als Künstler fragte er sich, was von ihm als Mensch und als Künstler nach seinem Tod bleiben würde. Diese Überlegungen fanden Ausdruck in seinen Werken, die nun noch tiefer in die menschliche Seele eindringen und die Betrachter dazu einladen, über ihr eigenes Leben und ihre Sterblichkeit nachzudenken.

Seine Kunstwerke sind einzigartige Interpretationen von Schmerz, Freude, Leben und Sterblichkeit. Jedes Bild trägt einen Teil seiner Schmerzen in sich, die sich in seinen Werken verewigen. Seine Kunstwerke haben eine universelle Bedeutung und sprechen Menschen jeden Alters und jeder Herkunft an.

 

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„Menschen die meine Kunst betrachten, sollen sich verlieren dürfen. Ja, auch fürchten. Ich möchte, dass der Betrachter sein Handeln und Dasein überdenkt und gleichzeitig mit all seinen Fehlern, dankbar sein darf, er selbst zu sein. Ich denke, es ist unfassbar wichtig, sich im Klaren darüber zu sein, dass man eventuell irgendwann vergessen werden könnte. Zu wissen, dass jedoch ein Stück Lebenseinstellung, sowie Kunst seiner selbst über den Tod hinaus bleibt, ist gleichzeitig unfassbar erfreulich.“

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Mehr über die Brotfabrik-Bonn: Kulturzentrum (brotfabrik-bonn.de)

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Kunst in Bonn: Heike Weber ist Trägerin des Luise-Straus-Preises des LVR. Diese Auszeichnung wird an im Rheinland lebende und arbeitende Künstlerinnen vergeben, deren Werk eine herausragende Position in der zeitgenössischen Kunst darstellt.

Die 1962 in Siegen geborene Künstlerin Heike Weber hebt sich seit vielen Jahren mit ihren spektakulären Rauminstallationen und ihren differenzierten Arbeiten in der Kunstwelt hervor. Ihre Kunstwerke befinden sich in vielen öffentlichen Sammlungen  und zählen dort zu den wichtigen Arbeiten künstlerischer Rauminstallationen. Heike Weber hinterfragt in ihren Installationen unser Raumverständnis, indem sie die zeichnerische Linie in die dritte Dimension überführt und diese in die Ausstellungsräume hineinwachsen lässt. Man kennt ihre Arbeiten dauerhaft installiert wie z.B. im Kunstmuseum in Bonn oder im Außenraum präsentiert wie ganz neu in den U-Bahn-Zugängen am Bonner Hauptbahnhof.

Heike Weber AMBIOPIA Ausstellung

Für die Ausstellung hat die Künstlerin Heike Weber mehrere Installationen konzipiert. Die sich metaphorisch mit dem Phänomen der Doppelsichtigkeit – „Ambiopia“ – beschäftigen. In diesen Installationen setzt sich Heike Weber mit dem subjektiven Phänomen der Wahrnehmung auseinander. Was wir sehen und was unser Verstand eigentlich sehen möchte; unsere Reaktion auf die changierenden und sich ständig bewegenden visuellen Eindrücke um uns herum.

In ihren aus der Linie heraus entwickelten Werken aus unterschiedlichen Materialien, die Heike Weber eigens für die Räumlichkeiten des LVR-LandesMuseum konzipiert hat, bezieht die Künstlerin die Besucher*innen mit ein. Durch die Bewegung im Raum werden die Besuchenden Teil der Werke und treten in einen Dialog mit den Installationen. In einer interaktiven Klangskulptur, die in Zusammenarbeit mit Walter Eul entstand, können die Besucher*innen beispielsweise durch Berührung von Kugeln eine eigene Soundlandschaft kreieren.

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Titelbild: scrub, 2019. Modularer Papierschnitt, mehrlagig Acrylfarbe auf rotem Fotokarton. silhouettes and shadows, Kerava Art Museum, Helsinki. 420 x 950 cm. Foto: Pekka Elomaa, Helsinki

Mehr über die Künstlerin: http://www.heikeweber.net/

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Trotz neuer Missbrauchsvorwürfe hält die Bundeskunsthalle an ihrer geplanten Michael-Jackson-Ausstellung fest. Die Schau behandele nicht das Leben des Popstars, sondern seinen Einfluss auf die zeitgenössische bildende Kunst, teilte das Museum am Mittwoch in Bonn mit. Es sei «keine Hommage auf die Person Jackson». – Von dpa

Die kontroverse Diskussion um die Filmdokumentation «Leaving Neverland» die zur Zeit läuft wird intensiv verfolgt. «Die darin erhobenen Vorwürfe sind schockierend, das Verfahren ist jedoch nicht abgeschlossen und gestaltet sich seit dem Tod Michael Jacksons auch um einiges schwieriger», so die Bundeskunsthalle. Trotzdem sei eine Distanzierung zur Ausstellung sei «zum jetzigen Zeitpunkt nicht gegeben».

Die Schau zeigt unter anderem Werke von Andy Warhol, Jeff Koons und Paul McCarthy. Sie startet am 22. März und war zuvor schon in London und Paris zu sehen.

Vor einigen Tagen hatte die Fernsehdokumentation «Leaving Neverland» für aufsehen in den Medien gesorgt. Die beiden Männer James Safechuck (40) und Wade Robson (36), erzählen dass der 2009 gestorbene Sänger sie als Kinder missbraucht habe.In den USA gab es geteilte Reaktionen. Einige Zuschauer verteidigen Jackson, andere wollen seine Musik nun nicht mehr hören.

Wir sind gespannt auf die Ausstellung!

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