Die Kunstzeitschrift „Monopol“ bezeichnete Otto Zitko einmal als „Herrscher der Linie“. Er selbst sagt: „Ich habe irgendwann Ende der 1980er Jahre begonnen, eine Linie zu malen und nie damit aufgehört“. Diese Linie zieht sich seither gewissermaßen durch alle seine Werke. Er malt sie auf Leinwände, Aludibond-Tafeln, Wände, Decken. Er lässt ihr intuitiv freien Lauf, je nachdem, wie er sich fühlt und was er gerade verspürt.

Wie ein Seismograph hält Zitko mit dieser nie enden wollenden Linie fest, was er aus seiner Umgebung, seinem Umfeld oder dem Weltgeschehen aufnimmt. Auf diese Weise entstehen faszinierende, flirrende Geflechte, die den Betrachter in ihren Bann ziehen, emotional berühren und nicht loslassen.

In der Ausstellung „So What“ zeigt Otto Zitko besonders einprägsame Arbeiten, die er in den letzten 30 Jahren geschaffen hat und die ihm persönlich viel bedeuten – bis hin zu aktuellen, neuen Arbeiten, in denen „seine“ Linie einen Ausweg aus den Irrungen und Wirrungen unserer Zeit zu suchen scheint.

Otto Zitko

Otto Zitko, geboren 1959 in Linz, lebt und arbeitet in Wien. Bedeutende Institutionen wie der Hamburger Bahnhof, Berlin, die Secession, Wien, das National Art Museum of China, Peking, und die Deichtorhallen, Hamburg, haben ihm umfassende Einzelausstellungen gewidmet. 2004 erhielt er den Preis der Stadt Wien für bildende Kunst und 2017 den Kulturpreis für bildende Kunst des Landes Oberösterreich.

Seine vollständige Vita und weitere Informationen finden Sie auf der Webseite des Künstlers: https://www.ottozitko.com/de/biografie

Weitere Informationen

DAUER DER AUSSTELLUNG | EXHIBITION ON VIEW: 22. Februar bis 24. April 2025 | February 22 till April 24, 2025

ÖFFNUNGSZEITEN | OPENING HOURS Dienstag bis Samstag, 11 bis 18 Uhr | Tuesday to Saturday, 11 am to 6 pm

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Es ist dem österreichischen Künstler MaLo Magic-Blue eine große Ehre und Freude, Teil eines einzigartigen Kunstfestivals in der deutschen Stadt Emmerich am Rhein zu sein. Organisiert wurde das Event von Raimund Seidl von der Artfactory Graz. Eine Künstlergruppe, der auch MaLo angehört. Das Kunst-Festival findet noch bis zum 3. September 2023 statt. Vertreten ist MaLo mit seinen aktuellen Großformaten „Healing Touch Of L.O.V.E.“ und „Speedy Spiral – The Climate Roller Coaster“, passend zum Ausstellungsthema Umwelt-, Klima- und Artenschutz.

„Speedy Spiral“ wechselte auch „Vollmond über Graz“ als Markenzeichen des aufstrebenden Künstlers  ab! 

 

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KUNSTFESTIVAL: PAN-Museum in Emmerich

Das PAN-Kunstforum in Emmerich ist vor 20 Jahren in einer Halle der Lohmann-Schokoladenfabrik entstanden. Im Sommer hat es sich mit dem Künstlerkollektiv „Art Factory“ aus Graz zu einem Art-Festival zusammengetan.

Unter anderem berichtete der WDR über das Event, die Empfehlung von Eva Karnofsky finden Sie hier!

Auf dem YouTube-Kanal von MaLo findet sich ein Video zur Eröffnung der Veranstaltung!

MaLo Magic-Blue

Mario Lorenz tritt seit 10 Jahren unter dem Künstlernamen „MaLo“ in Erscheinung. Zu seinen Ausdrucksformen zählen Grafik und Malerei, wobei die Acrylmalerei im Vordergrund steht. Er absolvierte erfolgreich die Studiengänge Rechtswissenschaften und Pädagogik. Im Hauptberuf gibt er sein Wissen als Volksschullehrer in Graz weiter. Wenn MaLo zwischen seinen eigenen Ausstellungen noch die Zeit findet, gibt er auch gerne Malkurse für junge Künstler oder widmet sich seiner zweiten Leidenschaft – der Musik. Seine beliebte Freiluftvernissage, die jährlich in geschlossener Gesellschaft ausgerichtet wird,  ist eine beliebte Veranstaltung für Hunderte Kunstliebhaber und Sammler.

Unser letztes Interview finden Sie hier:

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Dagmar Schauer wurde 1968 in St. Pölten geboren. 1999 bis 2006: Studium an der Wiener Kunstschule. 4 Semester Malerei und 5 Semester Druckgraphik. Im Februar 2006 dann der Abschluss des Kunststudiums mit Diplom. Seit 2006: Freischaffende Künstlerin mit Lebensmittelpunkt in Waidhofen/Ybbs. Das Credo der Künstlerin lautet – „Keine Dekogegenstände sondern Kraftquellen“.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Kunst aus Waidhofen/Ybb – Dagmar Schauer im Interview.

Werk der Woche #94

Das Kunstwerk „Gericht der Tiere“ entstand 2023. Die Acrylbilder haben das Format 30 x 24 cm. Der Preis für das Triptychon beträgt € 4.900,–

Dagmar Schauer über ihr Werk

Vor ein paar Wochen waren mein Mann und ich auf Besuch bei einem meiner Brüder, Günter und seiner Frau. Sie wohnen mitten am Land. Man glaubt, Idylle pur, aber was mir mein Bruder dann erzählt hat, hat mich sehr betroffen gemacht.

Er erzählte, dass es einen bestimmten „grausamen Bauern“ bei ihnen im Dorf gibt, der seine Kühe schlecht behandelt. An manchen Tagen hören sie die Tiere sogar schreien…. Die Kälber gewöhnt er nicht langsam von der Milch auf das Heu, sondern gibt ihnen viel zu verfrüht nur mehr Heu, sodass manche Kälber das nicht überleben und sterben.

Das hat mich im Innern so erschüttert, dass gleich am nächsten Tag, das war ein Montag, das erste Bild des Triptychons aus mir heraus erstand. Zur Erklärung: ich bin jetzt nicht hergegangen und habe beschlossen, so jetzt male ich ein Triptychon mit diesem Thema.

Nein, ich stelle mich innerlich ein, und durch meine derzeitige Herangehensweise beim Malen entsteht das Bild. Ich kann die Vorgehensweise noch einmal kurz schildern:

Ich habe ein ungefähres Thema im Kopf und male einfach drauflos. Nach einiger Zeit muss ich dann das Bild wegstellen und aus der Ferne betrachten, und zwar so lange, bis ich spüre, wie ich weiterarbeiten soll.  Nach und nach sehe ich dann, was entstehen will.

Von 4 Stunden „Malen“ schaue ich davon mindestens 2 Stunden das Bild an.

Die Erklärung für jedes Bild will ich nur grob, mit einem Satz umreissen:

Auf dem linken Bild ist der Mensch dargestellt als Henker, als Henker der Tiere.

Auf dem mittleren Bild sieht man, wie diese, von der Pein „erlösten Tiere“ nach dem von einem Menschen verursachten „grausamen Tod“ nach oben schweben, denn sie sind unschuldige Wesen. Der Mensch ist nicht unschuldig, er muss das vorher auf Erden noch „ausbaden“, was er sich da an Schuld in Bezug auf das Tier aufgeladen hat.

Das Bild rechts gibt aber trotzdem noch Zuversicht für den Menschen, lässt vieles offen und schwebt!

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In ihrem Atelier in Waidhofen an der Ybbs, wo sie seit 2006 ihren Lebensmittelpunkt hat, fertig Dagmar Schauer Aquarelle, Graphiken in Bleistift, Buntstift, Pastell, Tusche und Tinte in Schraffurtechnik an; seit den letzten 2 Jahren malt Sie hauptsächlich Arbeiten in Acryl.

Das künstlerische Schaffen Dagmar Schauers ist nach reiflicher Überlegung und dem Zusammenfassen ihres bisherigen Lebenswerkes auf sowie abseits des Papieres wie folgt zu beschreiben: „Willst du das Unsichtbare kennenlernen, ergib dich mit ganzem Herzen dem Sichtbaren“ (ein Zitat des 1950 verstorbenen Malers Max Beckmann). Die Malerin und Grafikerin möchte mit ihren Werken dem Betrachter nichts vorgeben, sondern ihn zur intensiven und ständigen Auseinandersetzung einladen.

Dagmar Schauer im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Ich arbeite, wenn es das Wetter zulässt, im Garten draußen auf der Terrasse in Waidhofen/Ybbs. Ich habe gerade ein Triptychon fertiggestellt mit dem Titel „Gericht der Tiere“. Es sind drei Acrylarbeiten im Format je 30 x 24 cm.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und kommt es auch einmal vor, das Sie mit einem Werk unzufrieden sind? Was passiert mit solchen Arbeiten?

Da ich schon über 20 Jahre künstlerisch tätig bin, hat sich einiges an Arbeiten angesammelt. Ich habe davon viele Arbeiten auf Papier, die ich in Mappen abgelegt habe. Da wiederum sind etliche Mappen mit „nicht fertigen Arbeiten“ dabei, die ich aber teilweise zu einer späteren Zeit fertigzeichne oder male (Großteils Aquarelle), oder auch als Teilvorlage für ein neues Bild verwenden kann.

Wichtig ist mir, dass ich meine Arbeiten datiere. So bin ich schon draufgekommen, dass zwischendurch mal ein „Highlight“ entsteht, meist aber erst nach einigen „durchschnittlichen“ Arbeiten. z.B. auf einem Blatt ist zuviel, auf dem anderen „zu wenig“ oben, und dann „zack“ kommt ein „Highlight“ raus.

Bei den Acrylarbeiten ist das was anderes. Die übermale ich dann halt. Ich habe ein paar „Highlights“ bei den Acrylarbeiten, die ich aber bis zu 3-mal übermalt habe. Eigentlich sollte ich da auch den 3-fachen Verkaufspreis verlangen. 🙂

Um auf die Anzahl der Arbeiten zu kommen: Also auf der Homepage befinden sich 123 Bilder, ca. 64 Acrylbilder (plus 10 Acrylbilder werden über eine Madrider Galerie „van Gogh Art Gallery“ gehandelt. 

Fertige Arbeiten auf Papier habe ich noch weit über 100. Dann gibt es – wie gesagt – noch viele unfertige Arbeiten auf Papier, die nicht für die Öffentlichkeit bestimmt sind, dann habe ich auch noch genügend Arbeiten auf Papier, die nicht für den Verkauf bestimmt sind, ich daran auch nichts mehr ändern kann, weil es Aquarelle sind.

Ich schaue die Arbeiten in regelmäßigen Abständen durch und einige davon werden dann früher oder später von mir in Stücke gerissen.

Wann und wie haben Sie überhaupt zur Kunst gefunden?

Das Thema Kunst war eigentlich sehr präsent in unserer Familie. Zwei meiner Brüder waren auch sehr talentiert im Zeichnen, der um 14 Jahre ältere Bruder, Erich hat auch eine Aufnahmeprüfung an der Hochschule gemacht, wurde aber nicht genommen. Er wurde dann Schauspieler.

Mein um zwei Jahre älterer Bruder Wolfgang besuchte eine höhere Graphiker-Lehranstalt und studierte dann Malerei in Linz und Wien. Wir beide verbrachten als Kinder Stunden damit, leere Blätter vollzuzeichnen.

Wie hat ihr Umfeld reagiert, als Sie gesagt haben – das Sie den Weg der Kunst gehen möchten?

Ich habe als junger Mensch noch das gemacht, was mir meine Eltern geraten haben. Ich habe die 3-jährige Handelsschule absolviert und habe dann als Büroangestellte gearbeitet. Aber in den letzten Jahren meiner beruflichen Tätigkeit habe ich im Sommer schon regelmäßig Ölmalkurse und Aktzeichenkurse im Waldviertel besucht, bis in mir dann der Wunsch so übermächtig wurde, mich ganz auf die künstlerische Laufbahn zu begeben.

Erst auf dem zweiten Bildungsweg habe ich die Wiener Kunstschule absolviert und mit 38 Jahren abgeschlossen.

Seitdem ist viel passiert; was war bisher das schönste Feedback?

Jemand hat einmal zu mir gesagt: „Früher hat es mir genügt, wenn ich mir hübsche, dekorative Bilder an die Wand gehängt habe, heute möchte ich Bilder, aus denen ich Kraft schöpfen kann. Und aus Deinen Bildern kann ich das.“

Oder ein Bruder hat erst vor ein paar Tagen, als ich ihm meine neuesten Arbeiten zeigte, gesagt: „Ein Bild muss kein großes Format haben, um „monumental“ zu sein.“ Da hatte ich Tränen in den Augen!

Und die härteste Kritik? 

Im Jahr 2010 habe ich in unserer Raiffeisenbank in Waidhofen ausgestellt. Und die Sekretärin dort hat mir ein blaues Aquarell abgekauft und vertraute mir dabei an, dass ein Kollege von ihr gesagt haben soll, dass meine Bilder „alle gleich ausschauen“.

Das hat mich momentan schon ein bisschen getroffen. Von dieser Sekretärin habe ich aber auch wieder ein sehr schönes Kompliment bekommen. Sie erzählte mir, in der Dienstzeit ging sie immer wieder an diesem Bild vorbei und sie meinte, dass das Bild immer anders für sie „aussah“. Eigentlich handelte es sich um einen Landschaftsausschnitt, wo sich Bäume einander zuwenden. Von weiter weg sieht es wirklich wie eine Art Tür oder Tor aus.

Sie meinte, sie schaut hin und „einmal ist das Tor offen, ein anderes Mal ist das Tor zu!“.

Und ich höre oftmals von Leuten, die mir Bilder abgekauft haben, dass sie immer wieder „was Neues“ in meinen Bildern entdecken. Und das ist für mich ein Riesenkompliment, sagt es mir doch, dass eine Lebendigkeit in den Bildern ist, auf das ich hinauswill.

Worauf möchten Sie denn hinaus, bzw. was möchten Sie mit Ihrer Kunst erreichen?

Das Optimalste für mich wäre natürlich, so, wie eine Schwester von mir gesagt hat, dass sie aus meinen Bildern Kraft schöpfen kann. Das ist für mich als Künstlerin das schönste Kompliment.

Nur selbst kann ich das schwer beurteilen, da braucht es Kommentare von außen. Welche Arbeitsweise sich bei mir in den Jahren durchgesetzt hat, kann ich in den folgenden 3 Zitaten von berühmten Männern zum Ausdruck bringen:

„Das Ziel der Kunst ist es, nicht die äußere Erscheinung der Dinge darzustellen, sondern ihre innere
Bedeutung.“ – Aristoteles.

Oder: „Everyone discusses my art and pretends to understand, as if it were necessary to understand, when it is simply necessary to love.“ – Claude Monet.

Und aus einem Zitat von Emil Nolde: „ …Auf eine naturalistische Wiedergabe der unmittelbaren Eindrücke kam es Nolde dabei nicht an. Er war der Meinung, dass es keine Kunst sei, die Natur nachzubilden, sondern dass der Maler sie <umwerten> müsse, <unter Hinzugabe des eigenen Seelisch-Geistigen>;. Erst dadurch werde die Arbeit zum Kunstwerk.“

Wie lange arbeiten Sie an einem Werk und wie kann man sich den Entstehungsprozess vorstellen?

Der Entstehungsprozess ist unterschiedlich. Als erstes Beispiel:

Ich habe ein ungefähres Thema im Kopf und male einfach drauflos. Nach einiger Zeit muss ich dann das Bild wegstellen und aus der Ferne betrachten, und zwar so lange, bis ich spüre, wie ich weiterarbeiten soll. Nach und nach sehe ich dann, was entstehen will.

Dazwischen mache ich auch mal eine Bleistiftzeichnung vom noch nicht fertigen Bild. Ich bekomme durch die Konturen der Zeichnung mehr Klarheit und Struktur. Das Ganze ist dann doch ein längerer Prozess. Obwohl das Format 30 x 24 cm relativ klein ist, bekomme ich in einer Woche höchstens 2 Bilder, manchmal auch nur ein Bild fertig.

Noch ein wichtiger Aspekt: Von 4 Stunden Malen schaue ich davon mindestens 2 Stunden das Bild an. Gut, wenn man das „Schauen“ so wie ich schon im Namen hat, was bleibt einem anderes über?

Als zweites Beispiel: Ich habe bereits ein Thema, wie „Wir halten Wache“ z. B. in einer anderen Technik, wie z. B. in Tusche laviert, seriell verarbeitet. Diese Serie habe ich zwar schon verkauft, aber ich habe eine Kopie davon in Bleistift schraffiert gemacht. Ich versuche das dann in Farbe mit Vorzeichnung auf die Leinwand umzusetzen.

Das Thema „Wir halten Wache“ war eine geraume Zeitlang sehr präsent bei mir. Diese Bilder mit diesem Thema sind immer wieder gekommen. Und das ist auch gut so.

Was ich zu meiner Malvorgangsweise noch sagen will:

Durch die vielen Arbeiten nach der Natur, in der Natur, durch Aktstudien, durch Porträtstudien, die ich in den 19 Jahren davor gemacht habe, entwickelte ich eine eigene Formensprache, die jetzt in diesen Acrylarbeiten zum Ausdruck kommen.

Es gibt hierfür aus dem Zen-Buddhismus ein treffendes Zitat:

„Entwickle eine unfehlbare Technik und ergib dich der Gnade der Inspiration!“

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Ich persönlich glaube nicht, dass Kunst alles darf und dass es sehr wohl Grenzen gibt. Jede Form von Aktionismus verstehe ich persönlich nicht und hätte auch nicht das Bedürfnis, mich so auszudrücken. Ich persönlich drücke mich nur über die bildnerische Gestaltung aus.

Gibt es etwas, was Sie auf dem Kunstmarkt gerne ändern würden?

Wichtig wäre es für mich darauf hinzuweisen, dass junge Künstler vom Staat gefördert werden sollten, damit sie einmal in Ruhe was Eigenes entwickeln können. Für manche Kunstwerke werden horrende Preise bezahlt, wenn man von diesen Millionenbeträge einige Prozente dafür abzweigt, das wäre optimal.

Warum sollten Menschen Kunst kaufen? Oder sich überhaupt mit der Thematik auseinandersetzen?

Menschen sollten deshalb Kunst kaufen, weil es nichts anderes gibt, was Kunst ersetzen kann. Wenn es ein „wirkliches“ Kunstwerk ist, dann spricht es zu dem Menschen, spendet Trost und Zuversicht.

Nach Dutzenden Ausstellungen in Österreich, werden nun auch Projekte und Veranstaltungen in Deutschland angestrebt – gibt es sonst noch weitere Länder, die Sie für eine Ausstellung reizen würden?

Sagen wir, das kommende Jahr einmal Deutschland, wenn sich dazwischen was ergibt, gern auch ein anderes europäisches Land, auch USA, warum nicht. Ich möchte da ziemlich offen sein.

Vielen Dank für Ihre Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin finden Sie auf der Webseite: https://www.dagmarschauer.com/

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In einer Einzelausstellung mit dem Titel Sacred Planet werden Rita Sabos Arbeiten in einen Dialog mit Wand- und Deckengemälden von Tizian, Tintoretto und Veronese gesetzt.

Vom 24. Juni bis 23. Juli 2023 präsentiert die weltberühmte Biblioteca Nazionale Marciana, die Werke der in Wien lebenden Künstlerin Rita Sabo. Unter dem Titel „Sacred Planet“ werden in den geschichtsträchtigen Monumentalsälen (Sale Monumentali) 11 großformatige Gemälde gezeigt. Der Ausstellungsort liegt direkt am Markusplatz in Venedig. Darüber hinaus wird eine beeindruckende Skulptur, die den „Sacred Planet“ als solchen zeigt, zu sehen sein.

Inhaltlich wie auch formal umkreist Sabo in all den dort ausgestellten Werken das Thema der Nachhaltigkeit, in dessen Mittelpunkt die Erde als heiliger und damit unantastbarer Planet steht. So können Sabos kaleidoskopartigen, farbenfrohen Werke als ein künstlerischer Appell verstanden werden, der Erde als Lebensraum wieder mehr Respekt zu zollen und sich gegen ihre Ausbeutung und Verschmutzung zu engagieren.

Die Arbeiten der Künstlerin verbinden sich mit den opulenten Räumlichkeiten der Biblioteca Nazionale Marciana in einem enigmatischen Umfeld voller vibrierender Farben und Dimensionen. Die Künstlerin lädt dabei alle Besucher:innen ein, in ihre immersiven MultiWelten einzutauchen und dabei gedanklich um den „Sacred Planet“ zu kreisen. Zugleich treten die Arbeiten Rita Sabos in einen fruchtbaren Dialog mit bedeutenden Werken der Renaissance von Tizian, Tintoretto, Veronese und anderen großen Meistern.

Ebenfalls ausgestellt wird ein ganz besonderes Gemälde, eine persönliche Hommage der Künstlerin an Venedig in ihrer ganz eigenen Interpretation.

Die Ausstellung wird von der Association for Art in Public Dirk Geuer gefördert und organisiert.

„Bedeutende Künstler mit ihren Werken in renommierten Museen weltweit sichtbar zu machen, ist mein Bestreben und meine innigste Leidenschaft. Der persönliche und vertrauensvolle Kontakt mit den Künstlern ist für mich dabei die wichtigste Voraussetzung“, so ihr Geschäftsführer Dirk Geuer über das Zustandekommen des Projekts.

 

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Rita Sabo

Rita Sabo wuchs u.a. in Jerusalem und später in Basel und Zürich auf. Wo sie zunächst die örtlichen Kunstschulen besuchte, bevor sie ein Studium der Malerei an der Invers Schule für Gestaltung in Olten in der Schweiz absolvierte. Dies führte sie wenig später ans renommierte Central Saint Martin’s College of Art and Design in London. Dort studierte sie Kunst und Design.

Die junge Künstlerin, die multilingual aufgewachsen ist, setzt sich in ihrer Bildsprache mit der Bedeutung alter Symbole im Kontext unserer heutigen Zeit auseinander. Und gesteht diesen in ihrem Werk eine Neuinterpretation im Sinne einer künstlerischen Aktualisierung zu. In Form eines neuen Symbollexikons, das die künstlerische Handschrift Sabos trägt, finden die mystischen bis religiösen Zeichen aus der Vergangenheit eine gegenwärtige und zukunftsorientierte künstlerische Aufarbeitung. Viele der Symbole, die heute als überholt gelten, werden von Sabo künstlerisch neu interpretiert. Und in ihrem Symbolwert für das 21. Jahrhundert wiederverwertbar gemacht.

The Sacred Planet – ein zeitgemäßes Symbol globaler Nachhaltigkeit

Der „Sacred Planet“, ein von Rita Sabo erschaffenes und aussagekräftiges Symbol, das die Würde und Unantastbarkeit der Erde in Form eines Planeten zeigt, umfasst von zwei Ringen, welche den kontinuierlichen Energiefluss symbolisieren. So bringt sie ihre Vision von einer ganzheitlich gelebten, globalen Nachhaltigkeit zum Ausdruck. Damit hat sie ein zeitgemäßes Symbol mit großer Relevanz und Aktualität geschaffen. Aus hochwertigen und nachhaltigen Materialen gefertigt, steht der „Sacred Planet“ als Ikone eines neuen Bewusstseins in der Kunst an der Schwelle globaler Veränderung. Die Heiligsprechung der Erde als einen Planeten. Der nicht mehr verschmutzt und ausgebeutet, sondern als biodiverser Lebensraum wieder an Schutz und Respekt gewinnen soll, ist das zentrale Thema Sabos künstlerischen Appells.

Über den Veranstaltungsort

Die 1468 gegründete Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig zählt zu den wichtigsten und größten Bibliotheken Italiens. Ihr Bestand umfasst bedeutende Sammlungen griechischer, lateinischer und orientalischer Handschriften. Insgesamt beherbergt der Speicher des Wissens über eine Million Objekte, darunter Inkunabeln, Drucke, Landkarten und ca. 13.000 Handschriften.

Zu den zahlreichen historischen Schätzen und Kostbarkeiten der Bibliothek gehören u.a. das Testament des berühmten venezianischen Abenteurers und Entdeckers Marco Polo. Sowie zwei Ausgaben von Homers Ilias aus dem 11. und 12. Jahrhundert. Zudem glänzt die Bibliothek durch ihre prachtvollen „Monumentalen Säle“ mit Wand- und Deckengemälden der Renaissancekünstler Tizian, Veronese und Tintoretto. Früher ein Ort des Studiums und der Meditation, finden in dem einst von großen Gelehrten, brillanten Strategen und gekrönten Häuptern genutzten Saal, der über das Museo Correr zu erreichen ist, heute Ausstellungen statt.

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Künstlerisch absolvierte Küstner-Pohl eine Ausbildung in der freien Akademie der bildenden Künste in Klagenfurt. Zusätzlich Privatunterricht bei Milan Baltic in Klagenfurt, sowie bei Thomas Beecht aus München. Zurzeit absolviert die aufstrebende Künstlerin die Meisterausbildung in der Leonardo Kunstakademie in Mattsee bei Salzburg, bei Herrn Professor Hannes Baier.

Interview mit Karin Küstner-Pohl

Wo sind sie gerade, wie geht es ihnen und woran arbeiten sie aktuell?

Ich habe in letzter Zeit viel gemalt, hatte sogar im Urlaub auf Lanzarote 6 Leinwände mit. Ich bereite mich für 2 Ausstellungen hier in Österreich vor. Und ich bin gerade dabei, meine Rolle zu wechseln und ich merke, wie ungewohnt es ist, Fragen zu beantworten und meine eigenen Bilder zu analysieren und beschreiben. Sonst bin ich immer diejenige, die fragt und Bilder von anderen Menschen analysiert.

Aber es gefällt mir immer besser, mich mit mir und meiner Kunstwerke auseinander zu setzen.

Fangen wir einmal ganz vorne an! Wie sind sie überhaupt zur Kunst gekommen?

Ich hab zu malen begonnen, als meine Kinder, die heute schon 40 und 41 Jahre alt sind, noch klein waren. Begonnen habe ich mit Bauernkästen und Truhen bemalen. Als ich dann wieder ins Berufsleben eingestiegen bin, hatte ich keine Zeit mehr.

Einige Jahre vor der Pensionierung hab ich wieder begonnen und ich wollte es dann noch intensiver lernen und besuchte die Kunstakademie. Ich arbeite zwar noch in eigener Praxis, aber kann selbst entscheiden, wie aufwendig ich das betreibe.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und wie viele verkauft? Stehen überhaupt alle zum Verkauf? Waren sie auch schon einmal mit einem Werk unzufrieden und was machen sie in dem Fall mit so einer Arbeit?

Ich hab schon unzählige Bilder- an die 200 gemalt, ich hab sogar ein zusätzliches Lager gemietet. So um die 50 Bilder hab ich schon verkauft. Meine Anfangswerke, die mir jetzt nicht mehr gefallen, hängen im Lager. Jetzt bin ich auch bereit, sie zu übermalen, was technisch kein Problem ist, im Gegenteil, die Bilder haben mehr Struktur.

Ja, es gibt auch Bilder, die ich nicht verkaufen oder verschenken möchte, die hängen in meiner Wohnung. Einige Bilder von mir hängen als Geschenk von mir bei Freunden und Verwandten in der Wohnung.

Sie lassen ihre Kunst auch in ihre psychotherapeutische Tätigkeit einfließen, wie kann man sich das vorstellen und wie weit ist die Kunst in diesem Bereich hilfreich?

Bei Traumapatienten ist das Trauma der Klienten meistens ganz tief verdrängt, sodass sie es mit Worten niemals ausdrücken könnten, aber unbewusst kann es durch ein Bild an die Oberfläche kommen. Man braucht es dann auch nicht zerreden.

Dann kann man durch ein Ritual (verbrennen, zerreißen oder übermalen) die schrecklichen Bilder loslassen. Wenn sie es dann schaffen, eine positive Zukunftsvision zu malen, kann man annehmen, dass sie dabei sind, das Trauma zu verarbeiten.

Ihr Werk Zukunftsvision wurde von uns als Werk der Woche ausgezeichnet, dieses vermittelt eine spannende und wichtige Botschaft. Ist in jedem ihrer Werke eine weitere Ebene zu finden?

Die Botschaft des Bildes ist „Hinschauen und achtsamer sein“. Diese Botschaft gehört zu meiner täglichen Arbeit als Therapeutin, indem ich die Klienten dabei unterstütze, hinzuschauen, was passiert ist und ich motiviere sie achtsamer mit sich und anderen sowie mit der Welt umzugehen.

Nicht in jedem meiner Werke ist diese Botschaft zu finden. Malen war für mich immer ein Ausgleich zu meiner Arbeit, wo ich immer wieder mit schrecklichen Bildern konfrontiert werde.

Meine Bilder dürfen auch schön sein, ästhetisch sein und sprichwörtlich nicht aus dem Rahmen fallen.

Ihre Werke sind dem Expressionismus zuzuordnen, aber auch realistische und surrealistische Bilder, sowie die naive Malerei und kubistische Malereien finden sich in ihrem Portfolio.

Ja, ich hab vieles ausprobiert, nachgeahmt. Der Expressionismus liegt mir am nächsten. Ebenso hab ich die Spachteltechnik für mich als Methode gefunden, um die Farben sehr kräftig, sehr expressiv darzustellen.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess eines ihrer Werke vorstellen. Wissen sie vorher schon, was auf die Leinwand kommt, oder entsteht es beim Schaffen?

Unterschiedlich, wenn ich figurative, expressive Bilder male, zeichne ich grob mit Kohle oder Kreide vor, male mit Acryl. Nachdem Acrylfarben nicht so leuchtend wie Ölfarbe sind, spachtle ich noch einmal pastos darüber, sodass
eine reliefartige Fläche entsteht.

Bei diesen Bildern ist das Motiv vorher klar, natürlich gibt es oft kleine Abänderungen. Bei einer anderen Methode wird unbewusst Farbe auf die Leinwand gespachtelt, getrocknet, wieder darüber gespachtelt, Farbe darauf geschüttet, mit dem Föhn verblasen usw.

Zwischendurch schau ich das Bild immer wieder an und irgendwann sehe ich etwas darin und dieses Motiv wird dann oft mit Pinsel und Spachtel herausgearbeitet.

Es fällt mir schwer ein Bild abstrakt zu belassen- ich muss dann doch wieder Ordnung in dieses Chaos bringen. Das bin ich mit meiner kleinen Neurose, und das darf auch in die Öffentlichkeit kommen.

Ihre letzte Ausstellung ging am 8. März 2023 im Cafe Seerose am Aichwaldsee zu Ende, wie war das Feedback und sind schon weitere Ausstellungen geplant?

Die Ausstellung hat Mitte Jänner begonnen und ich hatte das Glück, dass der kleine See zugefroren war und das Cafe stark frequentiert durch die Eisläufer war. Persönlich erhielt ich von mehreren Menschen ein positives Feedback, ebenso wurde durch die Presse eine gute Kritik geschrieben. In der nächsten Zeit sind noch 2 weitere Ausstellungen geplant, im Finkensteinerhof und in der Römertherme in Bad-Kleinkirchheim.

Aktuell sind sie in der Meisterausbildung in der Leonardo Kunstakademie bei Herrn Professor Hannes Baier. Wie lange geht diese Ausbildung und wann haben sie angefangen?

Als Voraussetzung für die Meisterausbildung machte ich ein 8 semestriges Kunststudium in der Kunstakademie in Klagenfurt. Die Meisterschule beende ich im Juli 2023, wobei das Zeugnis erst Ende Oktober mit einer Ausstellung überreicht wird. Sie dauert dann insgesamt 4 Semester.

Darf Kunst alles, oder gibt es Grenzen?

Für mich gibt es sicher Grenzen in dem Sinn, dass ich grausame, brutale Bilder oder Bilder die mit Körpersäften und Ausscheidungen gemalt sind, nicht in der Öffentlichkeit zeigen würde. Obwohl es im therapeutischen Sinn hilfreich sein kann.

Gibt es etwas, was sie auf dem Kunstmarkt gerne ändern würden?

Ich finde es eine gute Idee, so wie sie das machen, junge Künstler (ich meine natürlich Künstler im Anfangsstadium , weil jung kann ich von mir nicht behaupten) zu unterstützen, dass sie gesehen werden.

Es ist ja schwer in offiziellen Galerien oder Messen auszustellen. Man lernt im Studium auch nicht unbedingt wie man sich verkauft. Es wäre schön, wenn es mehr solche Möglichkeiten europaweit gäbe und vor allem, dass man leichter Zugang zu diesen Möglichkeiten hat.

Haben sie schon einmal gedacht, den Pinsel an den Nagel zu hängen? Und falls ja, wie motivieren sie sich in solchen Phasen selbst?

Ich denke eher daran, meine berufliche Tätigkeit an den Nagel zu hängen um mehr Zeit zum Malen zu haben. Natürlich gibt es auch Zeiten, wo ich den Pinsel zur Seite lege, ich brauche ja auch Zeit um wieder Bilder in meinem Kopf entstehen zu lassen.

Es passiert dann schon, dass ich mal eine Nacht nicht schlafe, weil mich ein bestimmtes Bild im Kopf beschäftigt. Ich hab zwar eine schlaflose Nacht, aber es motiviert mich, mich nächsten Tag wieder zur Staffelei zu setzen.

Stellen sie sich vor, wir wären ein großes Magazin- die New York Times, oder Ähnliches. Was würden sie der Welt gerne noch sagen?

Sag trotzdem „JA“ zum Leben, egal in welcher Situation du bist. Es geht um deine Einstellung zur Situation. Wenn ich krank im Bett liege, habe ich Bilder im Kopf, die ich dann später hoffentlich wieder auf die Leinwand bringen kann. Wenn nicht, stell ich mir das Leben so vor, wie es mir gefällt.

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: www.karins-malwerkstatt.at

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Das unbändige Verlangen zu malen, seine inneren Bilder auf der Leinwand für andere Menschen sichtbar zu machen, steht im Mittelpunkt der künstlerischen Tätigkeit von MaLo. Wenn Sie durch seine Bilder neugierig, verträumt, magisch berührt, verspielt, erheitert, friedlich, ruhig, energiegeladen, aufgeregt, kreativ und lebensfroh werden, dann haben diese ihren Zweck erfüllt.

Nachdem der Künstler im letzten Jahr 10-jähriges Jubiläum feierte, ist es für MaLo an der Zeit neue Wege zu gehen, bzw. seine Ausdrucksstärke noch mehr auszuspielen, was auch das neue Aushängeschild „Speedy Spiral“ unterstreicht.

„Wir müssen die Augen offen halten, unsere Trägheit ein- für allemal ablegen und jetzt aktiv werden, um unseren
fantastischen Planeten mit all seinen wunderbaren Geschöpfen für uns selbst und die Nachwelt in lebens- und
liebenswerter Form zu erhalten.“ – MaLo

SPEEDY SPIRAL – DIE KLIMA-ACHTERBAHN

Die KLIMA-ACHTERBAHN – SPEEDY SPIRAL entstand 2023 und gehört damit zu den neuesten Werken des Künstlers. Das großformatige Bild entstand in einer Mixed Media Technik mit hochqualitativen Acrylfarben. Die Leinwand misst  100 x 160 x 4 cm und gehört damit auch gleichzeitig zu den größten Arbeiten des Künstlers. Das MaLo sich bei dem Werk entschied, es als Aushängeschild zu verwenden, lässt auch erahnen in welche Richtung die zukünftigen Arbeiten gehen.

Wenn man Speedy Spiral dem plakativen Werk Vollmond über Graz gegenüberstellt, sieht man selbstverständlich auch die Entwicklung, des Künstlers in den letzten 10 Jahren.

Das Original fand bereits kurz nach seiner Fertigstellung einen glücklichen Käufer, wird aber dennoch vom 3. Juli bis 3. September 2023 in der „Save The World“ – Ausstellung im PAN-Museum in Emmerich am Rhein zu sehen sein.  Im Museums-Shop werden auch exklusive Poster im A2-Format erhältlich sein.

MaLo über Speedy Spiral

Technisch gesehen ist es mein bisher aufwändigstes Werk. In insgesamt fast 200 Stunden Arbeitszeit entstanden zunächst unzählige Skizzen, dann das 160×100 cm große Mixed-Media Leinwandgemälde mit zahllosen Lasuren aus verdünnter Acrylfarbe, die den Himmel in vielen Farbschattierungen schimmern lassen, mit dreidimensional wirkenden, gemalten Schienen aus rotem Metall und mit etlichen zeichnerischen Details mittels Kohle, Kreide und Rötel.

Ergänzen kann ich noch, dass das Werk bisher nur von einem exklusiven, kleinen Kreis meiner Newsletterabonnenten im Original gezeigt, bevor es für seine Ausstellung im Sommer (PAN-Museum) verpackt und an die Artfactory Graz abgegeben wurde. Bei diesen Tagen der offenen Tür gab es nicht nur staunende Blicke sondern auch rege Diskussionen zum Klimathema. Unglaublich interessant, was die Menschen alles im Bild entdeckten oder in dieses hineininterpretierten!

MaLo Magic-Blue

MaLo lebt und arbeitet in der steiermärkischen Landeshauptstadt Graz und heißt mit bürgerlichem Namen Mario Lorenz. Nach zwei abgeschlossenen Studien – Rechtswissenschaften und Pädagogik – begann er zeitgleich seinen Hauptberuf als Volksschullehrer und seine Tätigkeit als freischaffender Künstler mit dem Schwerpunkt Acrylmalerei, die er sich autodidaktisch aneignete.

MaLos Leidenschaft zu zeichnen und zu malen zeigte sich schon in frühester Kindheit. Mit vier Jahren sah er sich bereits als Künstler, mit fünf Jahren gewann er seinen ersten Malwettbewerb. Im Jugendalter wechselte er zur Musik. Sein Schaffensdrang galt nunmehr dem Schreiben und Singen seiner eigenen Songs, bis er im Jahr 2012 zur Malerei zurückkehrte.

In zehn Jahren entstanden in MaLos Atelier knapp 100 Acrylbilder, von denen die meisten verkauft sind. Eigenständigkeit und Originalität zeigen sich in der Auswahl der durch Träume und Eingebungen inspirierten Motive ebenso wie in der Technik, die der Künstler stets weiterentwickelt und verfeinert.

Wenn Sie mehr über den Künstler erfahren wollen, schauen Sie sich gerne das Folgende Interview an! Ausgewählte Werke des Künstlers finden Sie auch bei uns im Shop!

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Karin Küstner-Pohl ist hauptberuflich als Psychotherapeutin tätig. Künstlerisch absolvierte Küstner-Pohl eine Ausbildung in der freien Akademie der bildenden Künste in Klagenfurt. Zusätzlich Privatunterricht bei Milan Baltic in Klagenfurt, sowie bei Thomas Beecht aus München. Zur Zeit absolviert die aufstrebende Künstlerin die Meisterausbildung in der Leonardo Kunstakademie in Mattsee bei Salzburg , bei Herrn Professor Hannes Baier. Ihre Kunst, also Bilder und auch das Malen an sich, integriert die Künstlerin auch in ihre psychotherapeutische Tätigkeit. Das Atelier und Galerie befindet sich in Villach in der Widmanngasse 24.

Zukunftsvision von Karin Küstner-Pohl

Das Kunstwerk Zukunftsvision ruft zu mehr Achtsamkeit auf und möchte die Botschaft vermitteln, genauer hinzuschauen. Die Leinwand misst 110cm * 80cm und wurde mit hochqualitativen Acrylfarben kreiert. Es ist dem Abstrakten Expressionismus zuzuordnen.

Der Hintergrund wurde abstrakt gespachtelt und die Künstlerin hat die Farben fließen lassen. Im Anschluss wurden die Köpfe herausgearbeitet, vor allem die Augen, die sehr achtsam sind. Die Gesichter sind bewusst nicht real gemalt (verzerrte Lippen, verschobene Augen, spitze Nasen). Die goldene Figur (Blattgold) im linken Teil des Bildes hat kein Gesicht, wodurch Küstner-Pohl ausdrücken möchte, dass wir in unserem Wohlstand nicht vergessen sollten, die Augen zu öffnen, hinzuschauen, um unsere Welt nicht zu zerstören. Fast das ganze Bild ist mit Köpfen, die sich sehr nahe sind ausgefüllt. Es ist in braun-rot-gelb- und Blautönen gehalten.

 

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Mehr über die Künstlerin: www.karins-malwerkstatt.at

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Eine der ersten Nachrichten im neuen Jahr über MaLo Magic-Blue war der Artikel über das Benefiz Kunstprojekt der VS Rosenberg. Wobei der österreichische Künstler sich zusammen mit zwölf aufgeweckten Kindern mit einem bunten Tulpenbild beteiligte. Das Projekt war sehr erfolgreich – die Tulpen für Äthiopien brachten € 440,– ein.  Der Gesamterlös aus der Kunstauktion, bei der viele einmalige Werke der Schülerinnen und Schüler ersteigert wurden, betrug gar 7965€. Mit diesem Geld wird der Bau der Ginchi-Schule in Äthiopien unterstützt. Alle Beteiligten bedanken sich von Herzen und wünschen viel Freude mit den Werken der Kinder!

MaLo wird Teil des Artfestival in Deutschland

„Immer, wenn ich für ein paar Wochen von Instagram, Facebook, YouTube & Co. verschwinde, werde ich gefragt, ob ich mir eine „Auszeit“ von der Kunst genommen habe. Ich versichere: Das genaue Gegenteil ist der Fall! 😉 In den letzten Wochen habe ich wie besessen an zwei Bildern gearbeitet, die die wichtigsten meiner bisherigen Laufbahn sind.“ – teilt MaLo seinen Sammlern, Kunstfreunden und Interessenten in seinem Newsletter mit.

Weiter führt er fort: „Da ich die beiden Großformate (jeweils 160×100 cm) schon nächste Woche dem Veranstalter des Artfestivals im deutschen Emmerich am Rhein abliefern muss, und nicht wissen kann, ob sie nach der Mega-Ausstellung im Sommer zu mir zurückkehren werden, lade ich alle Interessierten zum gemütlichen Beisammensein und Besichtigen der Werke diesen Freitag und Samstag ein. Natürlich gibt es auch alle anderen neuen Bilder zu sehen, die ich seit der letzten Freiluftvernissage gemalt habe.

Das Artfestival in Deutschland hat mehrere Kategorien. Mit meiner Teilnahme wollte ich zur SAVE THE WORLD-Ausstellung beitragen, die sich um die brisanten Themen Umwelt-, Klima- und Artenschutz dreht. Da ich unglaublich inspiriert, ja beseelt von den beiden Bildideen war, für die ich mich entschieden hatte, konnte ich in kurzer Zeit zwei Bilder schaffen, die in jeder Hinsicht außergewöhnlich sind. Beide Werke sind dem Surrealismus zuzurechnen, sehr intensiv und geben eine dramatisch-hoffnungsvolle Stimmung wieder. Eines zeigt die Klima-Achterbahn, das andere die Magie von Mitgefühl und Liebe, die nur ein kleines Kind mit reinem Herzen bewirken kann.“

Wer gerne mit dem tiefgründigen und wortgewandten Künstler einen Kaffe trinken und dabei mehr über die SAVE THE WORLD-Bilder erfahren möchte, kann nach Anmeldungen an einem der folgenden Tage im PAINT THE DREAM-Studio in Graz vorbeikommen. MaLo freut sich über Voranmeldungen, aber auch Spontanbesuche von Kunstfreunden sind willkommen!

Freitag, 3. Februar 2023, 15.00 -19.00 Uhr.

Samstag, 4. Februar 2023, 15.00 – 19.00 Uhr.

Interview mit MaLo Magic-Blue

Wir haben uns Ende letzten Jahres mit dem Künstler in Berlin getroffen und ein Interview geführt, welches auf dem YouTube-Kanal von MaLo zu finden ist. Der erste Teil ist bereits online, wer den zweiten Teil nicht verpassen möchte – sollte den frischen Kanal des Künstlers abonnieren. Ausgewählte Arbeiten von MaLo finden Sie ebenfalls bei uns im Shop!

Weitere Informationen

Titelbild: *MaLo 2023/2 HEALING TOUCH OF L.O.V.E., 160×100 cm, Acryl Mixed Media

Mehr über den Künstler und die Anmeldung zum Newsletter finden Sie hier: https://www.malo-magic-blue.com/

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Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

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Jasna Lehpamer lebt und arbeitet heute in Wien. In ihrem Heimatland Kroatien hat sie Rechtswissenschaften studiert und parallel die Hochschule für Film & Fernsehen absolviert. Praktische Erfahrungen sammelte Lehpamer bereits auf vielen verschiedenen Fernsehstationen, sowohl im Inland als auch international – und das seit bereits 30 Jahren. Aktuell ist Lehpamer beim österreichischen Rundfunk tätig, gleichzeitig erschafft sie unter dem Namen Jasoehl seit geraumer Zeit Kunstwerke.

Jasna Lehpamer im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Ich habe über das Wochenende grade eine Fernsehproduktion. Für mich ist es faszinierend, wie Menschen sich immer neu finden. Seit ich mich erinnern kann, habe ich immer gemalt und wilde Konstruktionen skizziert, aber dass das ein wichtiges Teil meines Lebens wird, habe ich mir ehrlich nicht gedacht.

Gerade jetzt habe ich eine „ Linien“ Phase. Ich male meine Motive aktuell in Linien und lege sehr viel Wert auf die Strichführung.

Seit rund 3 Jahren sind Sie aktiv auf dem Kunstmarkt präsent, wie sind Sie zur Kunst gekommen? … und was war der Moment, das Sie entschieden haben, Ihre Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Abstrakte Dinge zu zeichnen habe ich von meinem Vater, er hat selber sehr viel gemalt und auch Ausstellungen gehabt. Der Moment, wann ich so zu sagen öffentlich in der Szene aufgetreten bin, war spontan. Ich habe in meinen Schneideraum auf meinem Desktop als Hintergrund ein Bild, die ich einfach spontan auf dem PC gemalt habe. Jeder, der zu mir in den Schnitt gekommen ist, war faszinierend von diesem Bild. Und noch mehr überrascht, wenn ich gesagt habe, dass das Werk von mir ist.

Also habe ich auch angefangen, anderen Leuten meine Bilder zu zeigen. Das positive Feedback hat mir Mut gegeben, auch an Öffentlichkeit zu gehen und meine Werke zu präsentieren. Und ja, da bin ich!

Sie haben mit „Jasoehl“ eine Marke geschaffen, statt sich für einen Künstlernamen zu entscheiden. Wofür steht der Name?

Ja, das stimmt. Der Name „Jasoehl “ ist mit viel Fantasie eine Kombination aus den Buchstaben meines Namens. Und „O“ ist einfach da, weil ich glaube, ein o kommt immer in einem Wort gut an.

Fertigen Sie ausschließlich digitale Kunstwerke oder arbeiten Sie auch mit anderen Materialien?

Ich muss mich outen als totaler Technikfreak und Digitales ist absolut meins. Aber ja, ich habe auch schon Pastellmalereien auf Leinwand gefertigt. Zum Beispiel, als ich in meine neue Wohnung gezogen bin, wollte ich natürlicherweise Bilder und Gemälde für meine Wände, aber zu diesem Zeitpunkt habe ich keine passenden gefunden und so habe ich meine eigenen Bilder gemalt … mittlerweile ist davon nur noch ein Rest übergeblieben. Die meisten habe ich guten Freunden geschenkt. Mein Fokus liegt auf der digitalen Malerei.

Sind die Kunstdrucke Ihrer digitalen Werke dann immer limitiert?

Großteils ja, aber ein Teil ist auch unlimited zu haben. Für die Leute, die vielleicht nicht so direkt Sammler sind, aber trotzdem ein Kunstwerk von mir haben wollen.

Eines meiner Lieblingswerke von Ihnen ist das Kunstwerk „TOP“, wie lange arbeiten Sie an einem solchen Werk und wie kann man sich den Entstehungsprozess vorstellen?

TOP ist eines von meinen ersten Werken. Ich arbeite unterschiedlich lang an meinen Kunstwerken. Hier muss ich zugeben, das ich bei vielen am Anfang noch nicht weiß, was es wird. Ich ziehe eine Linie oder mache ein Punkt oder Kreis und dann immer weiter und so entsteht was Besonderes, obwohl es am Anfang „nur ein Punkt „ war.

Und was ich auch nie mache, obwohl es in der digitalen Malerei schon möglich ist. Ich lösche oder radiere nichts. Für mich ist jede Bewegung und jede Linie, die zu sehen ist, wie der Teil eines Lebens. Beim Geben und erschaffen, kann ich nicht einfach löschen. Manchmal sind manche Linien oder Strukturen nicht ganz perfekt, aber was ist schon perfekt? Auch Fehler sind einmalig und das macht sie besonders.

Ein Bild kann eine halbe Stunde oder mehrere Tage dauern. Es geht um Emotion, aber das bedeutet nicht, dass die Werke, die kürze brauchen, weniger emotional sind.

 

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Sie haben Jus studiert, parallel die Hochschule für Fernsehen und Film absolviert. Praktische Erfahrungen auf verschiedenen Fernsehstationen – im Inland als auch international -als Videoeditor gesammelt. Aktuell tragen Sie Verantwortung beim Österreichischen Rundfunk. Wie viel Zeit bleibt da für die eigene Kreativität?

Ich finde zwischen Videoschnitt, was auch sehr viel mit Bildgestaltung zu tun hat, ist ein sehr schmaler grad zur Malerei, zumindest für mich. Sicher, ich arbeite in meinem Hauptberuf nicht wenig, aber trotzdem, ich finde immer Zeit und besser gesagt, ich nehme mir die Zeit, Bilder zu malen, das ist mein Ventil, wo auf eine andere Art und Weise Emotionen dargestellt werden. Das macht mich glücklich und erfüllt und für so was gibt es immer Zeit, ich finde, es ist sehr wichtig.

Sie haben mir in einem Vorgespräch bereits gesagt, das Sie schon einige Herausforderungen gemeistert und überstanden haben , sei es nun Krieg, konfliktäre Situationen in der Arbeitswelt, als auch private Schicksalsschläge. Wie weit spiegelt sich das Erlebte bzw. Ihre Erfahrungen in Ihren Kunstwerken wieder?

Interessanterweise übertrage ich auf meine Kunstwerke nie Themen wie Tod, Krankheit oder Verlust. Trotz vielen aus dem Krieg und anderen erlebten Schicksalen bin ich ein sehr positiver Mensch und spiegle das in meinem Werken.

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin, wie die New York Times oder Ähnliches, was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

Es klingt klischeehaft aber, ich habe ein Krieg hinter mir, wo auch auf mich geschossen wurde. Ich kann nur sagen es bringt nichts, nur Trauer sonst wirklich nichts. Stop the war make peace.

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin: https://www.jasoehl.at/

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