Das Kunstwerk SCARS INSIDE von V.F aus der Schweiz misst 21cm * 30cm auf Papier und wurde bereits gerahmt. Die Zeichnungen der Schweizer Künstlerin V.F sind teilweise als Biografie zu verstehen, auf dem Papier teilt die Künstlerin tiefe Einblicke in ihre Gefühlswelt – jenseits der Kunstwerke möchte sie aber anonym bleiben. Nicht nur als Werbegag oder Marketingmasche – sondern, weil sie die Reaktionen auf ihre Kunstwerke sehen möchte, nicht auf ihre Persönlichkeit.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Schweizer Künstlerin V.F – Anonyme Zeichnungen

Der Blick ist verschlossen, im Inneren spielen die Gefühle ein Chaos. Die Böse Gedanken überschlagen sich und zerfressen sie. – V.F über Scars Inside

Werk der Woche #106 SCARS INSIDE

Das genaue Entstehungsdatum von SCARS INSIDE ist nicht bekannt. Muss aber zwischen 2022 und 2023 entstanden sein. SCARS INSIDE kann als Altersdiptychon verstanden werden. Es ist eine Kunstform, bei der ein Bild aus zwei Teilen besteht und das gleiche Porträt einer Person in verschiedenen Lebensphasen oder Altersstufen auf beiden Seiten zeigt. Es ermöglicht dem Betrachter, einen visuellen Vergleich der Veränderung im Laufe der Zeit zu ziehen.

So lässt sich die Zeichnung des Mädchens links mit lebend und rechts mit Tot gleichsetzen. Aufgrund des Titels wäre allerdings auch eine Interpretation möglich, dass links das Mädchen zu sehen ist, wie es nach außen wirkt und rechts, wie es sich innerlich fühlt – was für den Betrachter aber sonst unsichtbar – im Verborgenem bleibt.

An der Stelle, wo bei dem Mädchen links schöne lange Haare angedeutet sind, findet sich rechts eine Schlange, die über den knochigen Schädel zu gleiten scheint. Schlangen sind in der Kunst eine häufige Symbolik – die auch als kulturelle oder mythologische Aspekte ausgelegt werden können. Beispielsweise in Erinnerung, an Medusa, der ebenfalls Schlangenhaare nachgesagt werden.

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V.F ist in der Blüte Ihres Lebens, die Künstlerin zeichnet bereits seit über 12 Jahren – trotzdem wissen privat die wenigsten davon. Es würde die Reaktionen auf Ihre Kunstwerke verfälschen, wenn sie Feedback von Freunden oder Bekannten bekommt, die Ihre Arbeiten aufgrund Ihrer Person loben oder kritisieren. V.F möchte auch nicht, das Kritiker sagen können, das Ihre Kunstwerke gehandelt werden, weil Sie Person XY ist. Ihre Zeichnungen sind zutiefst persönlich und können auch biografisch verstanden werden – aber Ihre Kunst steht im Vordergrund, nicht die Person. Zuletzt war V.F im Sommer 2023 über die Pashmin Art Gallery Hamburg präsent.

Die Pashmin Art Gallery schrieb über V.F: „… dringt mit ihren psychologischen Schwarz-Weiß-Kunstwerken tief in die menschliche Psyche ein. Mit akribischer Liebe zum Detail deckt Fernandes die Feinheiten menschlicher Emotionen auf und hinterlässt beim Betrachter eine tiefgreifende Reflexion über die Komplexität des menschlichen Daseins.“

V.F lebt in den Schweizer Bergen, treibt sehr gerne Sport und liebt es mit ihrem Hund und ihrer Katze Zeit zu verbringen. Sie liest und hört gerne Musik. Doch die meiste Zeit beschäftigt sie sich mit ihren Zeichnungen. Eine ganz normale Frau von nebenan, deren tiefgründigen Zeichnungen im mittleren dreistelligen Bereich gehandelt werden – größere Arbeiten beginnen im 4-stelligen Bereich.

Im Interview wollen wir mehr über die Künstlerin und über ihre Arbeitsweise und Kunstwerke erfahren.

Zwischen Anonymität und „Seelenstriptease“ in den Zeichnungen – V.F im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Grade bin ich in der Schweiz, aber meistens gehe ich für 3-4 Monaten ins Ausland. Ich reise sehr gerne und lerne neue Kulturen kennen. Sonst bin ich zu Hause und mache viel Sport oder gehe gerne mit meinem Hund spazieren. Überall wo ich gehe, nehme ich meinem Bleistift und leere Blätter mit. Ich zeichne jeden Tag, oft mehrere Stunden. Zeichnen ist wie meine persönliche Therapie, welche mich beruhigt, und wo ich meinem Herz leeren kann.

Wie hast du überhaupt zur Kunst gefunden?

Ich zeichne seit ich 13 Jahre alt bin. In einen von vielen schwierigen Lebensabschnitt habe ich das Zeichnen für mich entdeckt. Zeichnen war und ist für mich die beste Art mich auszudrücken. Ich muss nicht sprechen oder was erklären. Auf einem Blatt Papier mit einem Bleistift kann ich meine Gefühle freien Lauf lassen und verschiedene Gedanke verarbeiten. Zeichnen ist für mich mehr als ein Hobby,
es ist ein Hauptbestandteil meines Lebens.

Gab es einen bestimmten Moment für den Entscheid deine Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Das war ein Schritt welche ich mir lange nicht zugetraut habe. Einerseits weil meine Zeichnung sehr persönlich sind und meine Erfahrungen und Emotionen zum Teil 1:1 beschreiben und anderseits, weil Zeichnen für mich etwas Privates war. Etwas was ich in aller Ruhe in meinem Zimmer gemacht habe und mit niemandem Teilte. Es war lang mein Geheimnis.

Den Entscheid meine Kunst mit der Öffentlichkeit zu teilen war nicht einfach… Meine Familie hat mich dazu motiviert und gezeigt, dass ich Talent habe und, dass es schade wäre, wenn ich meine Zeichnungen nur für mich behalte. So habe ich mir den Schritt zugetraut und probiere jetzt Fuß zu fassen und mit meiner Kunst Menschen zu erreichen und Ihnen die Schönheit die sich hinter aller Art von Gefühle verbirgt zu zeigen.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von deinen Werken vorstellen?

Es ist in meinem Augen einer sehr natürlichen Prozedere… Da das Zeichnen so eine Art Verarbeitungskanal für meine Gefühle ist. Ich spüre, dass ich was zeichnen will – und muss – um mich gerade besser zu fühlen. Die Ideen kommen… sprudeln schon bevor ich den Zeichnungsblock rausnehme. Und dann lasse ich meinen Gefühlen und der Hand freien Lauf.

Meine Zeichnung reflektieren zu 100% persönliche Erfahrungen. Meine Zeichnung sind immer ein Spiegel, meiner momentanen Gefühlslage oder einen bestimmten jetzigen oder frühere Ereignis. Es gibt kein Filter und ich denke überhaupt nicht beim zeichnen. Deshalb habe ich mich dazu entschieden anonym zu bleiben, auch ein bisschen um ein Schutzschild für meine Gefühle aufzubauen, da meine Zeichnungen so Intim und persönlich sind und gleichzeitig, ist das Feedback von Betrachtern auf die Kunstwerke so ehrlicher.

Wie hältst du die Balance zwischen dem Wunsch nach Privatsphäre und der Welt deine Kunst zu präsentieren?

Es ist ein innerlicher Kampf für mich. Einerseits will ich meine Zeichnungen sogar für mich behalten, da wie erwähnt – sie sehr Intim sind – und meine Seele dort schwarz auf weiß liegt. Anderseits freue ich mich, wenn andere Freude an meiner Kunst haben. Wenn sich vielleicht sogar jemandem darein versetzen oder sich darin sehen kann… Meine Kunst hat auch viel mit der Psyche zu tun und vielleicht können sich auch manche damit identifizieren oder andere können eventuell besser verstehen was für ein Gefühlschaos in einem drinnen sein kann… und wenn es jemand nicht versteht, dann lädt Kunst zur Diskussion ein.

Inwiefern ist Anonymität ein Mittel, um dich von Gesellschaftlichen Erwartungen zu befreien?

Ich würde nicht sagen um mich von Erwartungen zu befreien, doch eher um mich von Erklärungen zu schützen. Gespräche über meine Werke fallen mir auch schwer, weil sie in mir immer gewisse Gefühle, Schmerz oder genaue Emotionen hervorrufen und ich eher ein Einsamer Mensch bin der gerne für sich selber ist.

Deine Kunst spricht für sich selbst, während viele Künstler ihre Persönlichkeit in ihre Werke integrieren, bzw. über diese Aufmerksamkeit generieren – hast du es dadurch schwerer, mit dem Betrachter in Kontakt zu treten?

Es ist mir wichtig, dass auf meinen Zeichnungen auch passende Texte dazu stehen. Manchmal höre ich ein Lied und die Texte beschreiben
mich, meine Gefühle in dem Moment, der Zeichnung ganz genau. Vielleicht ist es eine Art zwischen dem Betrachter
und mich eine Bindung zu schaffen. Ich hoffe, das man sich durch diese Art der Kommunikation besser in meine Werke einfinden kann.

Ist der Dialog zwischen deiner Kunst und dem Betrachter mölich, wenn deine persönliche Geschichte im Dunklen bleibt?

Ich glaube durch meine Zeichnung kann sich der Betrachter einen relativ genaues Bild von mir und meiner Geschichte machen. Denn Rest überlasse ich der Phantasie des Betrachters. Das ist in meinen Augen noch spannender, da es den Betrachter dazu verleitet, sich eine Person hinter den Bildern vorzustellen.

Gibt es eine spezielle Botschaft oder Emotion, die du durch deine Zeichnungen vermitteln möchtest?

Ich würde sagen meine Zeichnungen können den Menschen einen Einblick in die Menschliche Psyche eingeben. Und sicherlich können sie auch vermitteln, dass man immer wieder aufstehen kann, auch in den schwierigsten und aussichtslosen Augenblicken.

Wieso sind deine Zeichnungen immer ohne Farbe?

Meine Zeichnungen sind immer schwarz-weiß. Ich habe das Gefühl, der Betrachter kann sich darin seine eigenen Farben vorstellen. Ich glaube, meine Zeichnungen sind so für jeden Einzelnen am ehrlichsten. Maximal durch Schatten und Kontraste gebe ich meinen Bildern
eine gewisse Farbe.

Welche Herausforderungen begegnen dir häufig beim Zeichen und wie gehst du damit um?

Meine Bilder zeigen sehr intensive Gefühle. Ich bin gezwungen, mich damit auseinander zu setzen. Es ist eine sehr präzise Arbeit welche von viele Stunden Detailarbeit erfordert. Aber genau das brauche ich um meine Emotionen zu verarbeiten.

Welche Rolle spielt die Natur in deinen Zeichnungen?

Sicher auch eine große Rolle. Tiere, Landschaften, Blumen, Sonne… der Mond… All diese Elemente sind ein wichtiger Teil meiner Zeichnungen und ich inspiriere mich gerne an der Natur.

Wie beeinflusst generell deine Umgebung und dein Lebensstil deine zeichnerische Kreativität?

Wo ich mich gerade im Leben befinde, hat für mich eine große Bedeutung. Meine Zeichnungen leben von Ereignissen meiner Kindheit aber auch mein Erwachsenes Leben. Ich lasse auch gerne die Umgebung in welche ich mich gerade befinde auf mir einwirken und in meiner Zeichnungen mit einfließen. Auch Lieder die ich höre haben einen Einfluss auf das Endergebnis.

Gibt es spezielle Rituale oder Gewohnheiten, die deine zeichnerische Produktivität fördern?

Musik hören ist ein wichtiger Bestandteil des Entstehungsprozesses meiner Werke. Musik beruhigt und inspiriert mich. Mein alltägiges Leben und meine Gedanken helfen mir dabei neue Motive und Hintergründe für meine Zeichnungen zu kreieren. Doch das Alleine sein ist mir auch sehr wichtig. Zeit für mich zu haben und auf mich selbst zu hören, mich so konzentrieren und fokussieren zu können, ist auchein Ursprung für die Entstehung meiner Werke.

In welcher Weise möchtest du, dass deine Zeichnungen auf die Betrachter wirken oder sie inspirieren?

Das ist für mich noch schwierig zu sagen… Ich will sicherlich, dass der Betrachter meine Bilder verstehen kann. Dass er die Emotion darin sieht, der Schmerz, das Glück, die Angst… und all das zusammen auf sich wirken lässt. Das die Menschliche Psyche viel komplexer und Tiefgründiger ist, sollte auch in meinen Bilder dargestellt werden.

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Titelbild: Wrong direction ( B.24cm, L.32cm.) von V.F

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Betty Steinmair (Betty Art ist eine rätselhafte radikale Malerin. Sie hat ihre Kunst als kathartisches Mittel genutzt, um die Komplexität ihrer turbulenten Beziehungen und wilden Vergangenheit zu bewältigen. Mit einem kreativen Geist und dem Talent, Emotionen auf Leinwand zu bannen, hat sie in ihrer Kunst gewissermaßen einen Katalysator gefunden. Bis heute sind über 400 Werke entstanden.

Die ausdrucksstarke Künstlerin spielt zwar gerne mit der Kamera, ist Interviews gegenüber jedoch eher abgeneigt – da Sie sich lieber durch ihre Werke ausdrückt. Umso mehr freuen wir uns, das wir Sie für ein Interview gewinnen konnten.

Betty Steinmair im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich bin momentan in Zürich und arbeite zurzeit an diversen Bildern weiter, die noch nicht fertiggestellt sind. Gleichzeitig habe ich  auch neue Ideen, die ich verfolge, also ich bin grade an mehreren, verschiedenen Arbeiten dran.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke vorstellen? Arbeitest du mit Skizzen? Oder bringst du die Idee direkt auf die Leinwand? Und wie lange arbeitest du in der Regel an einem Werk?

Sowohl als auch – aber Skizzen mache ich so gut wie gar nicht. Es kommt sofort auf die Leinwand, oder auf den Bristolkarton. in der Regel arbeite ich mit Kohle und Acryl. Farbe, sowohl auch Spray – aktuell immer mehr mit Spray. Selten verwende ich Pinsel – eher mit den Händen oder Messern. Ich ritze auch gerne – also die Bilder, nicht mich selbst. Ich bringe meine Gefühle auf die Leinwand, also es ist nicht so, das ich bei dem Kreativprozess lange überlege..

Die Zeit, wie lange ich an einem Werk arbeite ist schwierig zu sagen. Einige sind in 30 Minuten fertig, andere wiederum sind nie fertig und ich nehme sie erst später wieder aus meiner Mappe und mache weiter, also hier kann ich keine Zeitangabe machen.

Gibt es ein ungewöhnliches Material oder eine ungewöhnliche Ressource, mit der du gerne in deinen Kunstwerken arbeiten würdest? Bzw. bist du experimentierfreudig?

Also Alles kann ich dir natürlich nicht mitteilen – weil illegal, aber grundsätzlich, erfinde ich mich immer wieder selbst und bleibe nicht stehen an einem Punkt, wo ich denke ich habe es geschafft, oder jetzt habe ich die Technik oder das Material und bleibe dann mit allen Arbeiten in diesem Muster. Kunst ist immer wieder neu. Es kommt etwas dazu, es geht etwas weg. Also experimentierfreudig bin ich in jedem Fall.

Gibt es eine bestimmte Emotion, die du in deinen Kunstwerken verkörpern möchtest? Wenn ja, welche und warum?

Es gibt diverse Emotionen. Eine ganze Palette ist wohl in meinen Kunstwerken vorhanden. Hauptsächlich
arbeite ich mit Wut, Hass, Destroyer, natürlich nicht nur. Aber die Kunst ist für mich ein emotionaler
Blitzableiter, bzw. eine Art Therapie und so entstehen die Bilder meistens auch aus und in sehr kanalisierten emotionalen Momenten… es ist für mich ein Ventil. Andere gehen zum Sport oder machen sonst irgendwelche Sachen… ich male.

Gibt es ein Kunstwerk eines anderen Künstlers oder ein Künstler, der dich beeinflusst und warum?

Aktuell gar nicht. Ich bin von der Musik her aus dem Punkrock beeinflusst, auch aus den 80er Jahren, aber Künstler als Vorbild nehmen oder nennen kann ich nicht. Da gibt es schon mehr „nonames“ die bei mir einen bleibenden Eindruck hinterlassen – also ich schaue natürlich auch bei anderen hin – aber meine Inspiration kommt aus dem puren Leben.

Wenn du eine Zeitmaschine hättest und zu jeder Epoche reisen könntest, welche Zeit und Ort würdest du wählen, um deine Kunst zu präsentieren und warum?

Zurück in die Zukunft – weil geil. Keine andere Epoche, es ist genau richtig jetzt! Und da will ich weder nach vorne noch zurück, es ist jetzt und jetzt passt.

Wenn du die Möglichkeit hättest, mit einem verstorbenen Künstler zusammenzuarbeiten, wer wäre es und warum? Bzw. kannst du dir überhaupt vorstellen mit anderen zusammenzuarbeiten?

Wer wäre so ein Traum…, es kein ist Maler eher eine Band. Mit 12 Jahren hat mir Nirvana sehr geholfen – also wenn dann Kurt Cobain, er rockt die Gitarre, ich mal dazu. Genau, das wäre der einzige Künstler, der mir jetzt gerade einfällt… oder, Kinski, nein, ich glaube doch nicht, der hatte immer so Wutanfälle…

Gibt es eigentlich ein bestimmtes Ereignis oder eine spezielle Erfahrung in deinem Leben, das du dich entschieden hast deine Kunst mit der Öffentlichkeit zu teilen, bzw. wie hast du zur Kunst gefunden?

Grundsätzlich habe ich das selbst nie fokussiert. Aber für die Filmgeschichte hat der Kontakt mit Markus Fischer eine große Rolle gespielt.

Stell dir vor, du könntest in einem Kunstwerk leben. Welches Kunstwerk würdest du wählen und wie sähe dein Leben darin aus?

Der Schrei. Aber in einem Kunstwerk würde ich vermutlich nicht lange leben wollen, aber mal kurz in die Hölle eintauchen und wieder zurück. Warum nicht.

Gibt es ein bestimmtes Kunstwerk von dir, das eine Geschichte oder eine Botschaft hat, die den Betrachtern oft entgeht?

Nein, es sind keine Geschichten. Reine Emotionen. Kunst ist dann Kunst, wenn man stehen bleibt und sich etwas nicht direkt erklären kann. Keine ausgeschmückte Geschichte – vielleicht eine Botschaft zwischen den Zeilen, sei und zeig wer du bist. Be yourself – ohne Facetten auszublenden. Natürlich Gesellschaftskonform, aber man muss nichts vertuschen. Sei jederzeit, das was du grade bist und fühlst.

Wie wichtig ist dir die Reaktion des Betrachters auf deine Kunstwerke? Möchtest du, dass sie eine bestimmte Botschaft verstehen oder fühlst du dich eher ermutigt, wenn sie ihre eigenen Interpretationen finden?

Eine feste Botschaft habe ich wie gesagt nicht, jeder soll die Botschaft für sich selbst erkennen. Schau hin und fühle – nur weil ein Kunstwerk in meinem Universum mit Gefühlen verbunden ist, heißt es nicht das es beim Betrachter die gleichen Emotionen wecken muss – oder kann.

Welche ungewöhnlichen Orte oder Umgebungen haben dich schon inspiriert, Kunst zu schaffen?

Es sind keine Orte – es sind immer die Menschen. Menschen sind das pure Leben und diese inspirieren am meisten.

Welche Rolle spielt Anstößigkeit in deiner Kunst? Glaubst du, dass Kunstwerke die Fähigkeit haben, Menschen zu triggern zu bringen und gleichzeitig eine ernsthafte Botschaft zu vermitteln?

Anstößigkeit spielt eine Rolle. Das Wort heißt ja schon „anstoßen“. Denkanstöße geben, aber nicht im Sinne von triggern. 

Es ist eher die Berechtigung, auch die Dinge, die im Leben vielleicht nicht so schön sind zu fühlen. Die Trauer, die Wut, die Angst, den Verlust, die Wut auszuleben. Meine Bilder können anderen natürlich auch Freude bereiten, aber die Gesellschaft neigt zu Selbstoptimierung, in der viele Gefühle ausgeblendet werden und keinen Platz haben. Kunst ist Freiheit und Liebe und Wut ist alles, was das Leben beinhaltet.

Wenn du einen Raum gestalten könntest, der deine Kunst perfekt repräsentiert, wie sähe dieser Raum aus? Welche Elemente und Atmosphäre würdest du darin schaffen?

Vielleicht eine verlassene Psychiatrie. Lost Places. Im dunkeln – flackerndes Licht. Meine Kunstwerke an die Wände projiziert. Drückend, kalt – aber gleichzeitig ein Hoffnungsschimmer. Eine Mischung aus Horror und Freude.

Wie wichtig ist dir das Feedback anderer Künstler?

Ich schätze Feedback – das muss auch nicht immer positiv sein.

Glaubst du, dass Kunst die Fähigkeit hat, die Welt zu verändern? Warum oder warum nicht?

Kunst ist ein Teil der Welt. Kunst bewegt die Welt der Menschen – aber das Kunst die Welt komplett verändert, im Sinne von Klimakleber weg und direkt eine bessere Atmosphäre – nein.

Wenn du eine Zeitkapsel für zukünftige Generationen gestalten könntest, welche Gegenstände oder Kunstwerke würdest du hineinlegen und welche Botschaft würdest du ihnen übermitteln wollen?

Vielleicht ein Bild, auf dem Gegenstände abgebildet sind, die die Finder nicht erkennen.

Hast du gelegentlich Kreativitätsblockaden? Falls ja, wie gehst du damit um? Hast du eine besondere Methode oder Strategie, um wieder in den kreativen Fluss zu gelangen?

Ich wirke dem nicht entgegen, ich warte auf die nächste kreative Welle. Und wen die See mal ruhig ist, dann nehme ich das hin – man kann Kreativität nicht erzwingen.

Hast du jemals Kunstwerke geschaffen, die du später bereut hast oder die du am liebsten vernichtet hättest?

Nein, ich habe bisher wenig bereut, ich bereue es manchmal, das ich Bilder verschenkt habe und nicht weiß, was mit diesen passiert ist. Aber etwas zu erschaffen habe ich noch nie bereut.

Welche Rolle spielen gesellschaftliche und politische Themen in deiner Kunst? Bist du bestrebt, Botschaften oder Kommentare zu aktuellen Ereignissen in deine Werke einzubeziehen?

Als die Taliban wieder an die Macht gekommen sind, habe ich eine kleine Serie gemacht – generell spielt die Unterdrückung der Frau eine große Rolle in meinen Arbeiten. Ich habe keinen Männerhass, aber in vielen Gebieten spielt Unterdrückung durch Religion oder altmodisches Denken noch eine große Rolle – auch in Deutschland. Ich sage nur, Pulp Fiction – die Vorherrschaft der bösen Männer. 😉

 

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Bettys Weg war geprägt von einer Reihe Begegnungen und schwieriger Erfahrungen in ihrem bisherigen Leben. Sie begegnete in den dunkleren Schattierungen des Lebens den Tod, sie hinterlässt auf den Bildern einen Abdruck ihrer Seele. Diese Begegnungen prägten ihre Wahrnehmung von Beziehungen und formten sie zu einer Malerin, die ihre Emotionen und Erfahrungen durch ihre lebendigen und eindrucksvollen Kunstwerke zum Ausdruck bringen wollte.

Mit jedem Pinselstrich versuchte Betty, die Verwicklungen ihrer dunklen Vergangenheit zu entwirren, ihren Schmerz loszulassen und ihn in visuelle Erzählungen zu verwandeln. Ihre Gemälde wurden zu Fenstern und enthüllten ein Geflecht von Emotionen, das von Verletzlichkeit, Stärke und Widerstandsfähigkeit geprägt war. Durch ihre Kunst nahm Betty ihre Vergangenheit mit offenen Armen auf.

Bettys Gemälde strahlen rohe Ehrlichkeit und Intensität aus und zeigen komplexe Beziehungen, unerwiderte Liebe und die sexuelle Machtdynamik, der sie begegnet ist. Ihre Verwendung kräftiger Farben und kontrastreicher Texturen spiegelt die widersprüchlichen Emotionen wider, mit denen sie zu kämpfen hatte, und schafft eine visuelle Sprache, die ihre innersten Gedanken und Gefühle wiedergibt.

Ihre Leinwände werden von Figuren bevölkert, die die Kämpfe und Triumphe ihrer eigenen Reise verkörpern. Durch diese Figuren erkundet Betty Themen wie Vertrauen, Sehnsucht, Verrat und Selbstfindung. Mit jedem Strich versucht sie, ihre Erfahrungen mit dem Wunsch nach Verbundenheit in Einklang zu bringen, und lädt den Betrachter letztlich dazu ein, sich auf seine eigene introspektive Reise zu begeben.

Sie hat ihren eigenen Schmerz in Stärke umgewandelt und sich die transformative Kraft der Kreativität zu eigen gemacht. Durch ihre Arbeit ermutigt sie andere, sich ihren eigenen emotionalen Landschaften zu stellen und im Selbstausdruck zu finden. Bettys Reise als Malerin ist zu einem Zeugnis zwischen Kunst und Vergangenheitsbewältigung geworden. Es gibt zwei Arten zu malen, die Außenwelt oder die Innenwelt. Sie hat das zweite gewählt.

Betty Steinmair Portfolio

Bis heute sind über 400 Werke entstanden. Viele der ausdrucksstarken Gemälde sind auf der Webseite der Künstlerin zu finden. Auf ihrem Instagramkanal gibt Betty Steinmair auch immer wieder Einblicke in ihre kreativen Schaffensprozesse. Die Videos sind für Social-Media-Plattformen zensiert und gekürzt, längere und unzensierte Versionen sind für die Besucher von Ausstellungen vorbehalten.

 

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Das letzte Werk der Woche können Sie hier noch einmal nachlesen! Sonja Crone wurde *1982 in Speyer,Deutschland geboren und lebt und arbeitet heute in Basel, in der Schweiz. Sie ist bildende Künstlerin, Lyrikerin und arbeitet auch als Lektorin. Ihre Bilder und Texte wurden bisher in zahlreichen Anthologien, auf Online-Plattformen und in Literatur- sowie Kunstzeitschriften veröffentlicht.

Sonja Crone zeigte schon früh große Begeisterung für den künstlerischen Ausdruck. Die abstrakte Malerei ist ihre Königsdisziplin. Die Künstlerin stellte schon in Spanien, Frankreich, der Schweiz und dem UK aus.

Horizont von Sonja Crone

Das Bild „Horizont“ ist aus monochromen Flächen und intuitiv gesetzten Linien entstanden. Es soll dabei nicht ein realer Horizont dargestellt, sondern ein Moment der Leichtigkeit und Offenheit spürbar werden. Wie in einem Gedicht, fügen sich die einzelnen Bildelemente spielerisch zusammen. Die abstrakte Komposition ist zugleich poetisches Spiel und Klang, der im Komplementärkontrast der roten und grünen Akzente zum Ausdruck kommt soll.

 

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Das Werk misst 60x110cm und wurde mit Acrylfarben auf Leinwand gefertigt. Der Preis liegt bei 2400€. Bei Interesse nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

Sonja Crone

Sonja Crone studierte Theaterwissenschaft, Germanistik und Allgemeine Literaturwissenschaft mit dem Schwerpunkt Gräzistik an den Universitäten in Basel, Bern und Leipzig. Sie ist Lyrikerin, bildende Künstlerin und zudem Lektorin von PRO LYRICA; im Rahmen dieser Tätigkeit gibt sie auch Lyrikcoachings.

Seit ihrer frühen Jugend schreibt sie Gedichte, mit denen sie sich seit 2016 auch vermehrt an die Öffentlichkeit wendet. Die Philosophie stellt eine grosse Inspirationsquelle für die Autorin dar.

Ihre Texte und Bilder wurden in zahlreichen Anthologien, zuletzt in Versnetze_14 und 15; auf Onlineplattformen, wie ehemals www.fixpoetry.com sowie in Zeitschriften, u. a. in Der Dreischneuß, Haller, Der Maulkorb, Kalmenzone, erostepost und stadtgelichter publiziert.

2021 gewann sie den 2. Preis beim Lyrikwettbewerb der Künstler-Gilde Esslingen.

Mehr über die Künstlerin: www.sonjacrone.art

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Zuletzt berichteten wir über das  Kunstwerk „Lightness“ von Jeannette Dietterle. In dieser Woche stammt unser „Werk der Woche“ von der Schweizer Künstlerin Kerstin Bühring. Wir sind über Instagram auf ihren „Falken“ aufmerksam geworden, und obwohl es sich dabei um eine digitale Zeichnung handelt, war es das Werk, was in den letzten Tagen am meisten Aufmerksamkeit auf unserer Seite weckte – vielleicht, weil es auch noch einmal unterstreicht, wie wichtig es ist, über den Tellerrand zu schauen und das auch digitale Kunst eine unbestreitbare Daseinsberechtigung hat.

Werk der Woche #66 – Falke im Sonnenlicht von Kerstin Bühring

Der Falke im Sonnenlicht entstand bereits im Jahr 2019 und beruht auf dem „ersten Falken“ der Künstlerin, der 2018 entstand. Somit existieren vom Falken zwei Versionen. Beide sind der Serie: „Animali – Digital Art“ von Kerstin Bühring zuzuordnen. Die original Größe beträgt 54.19cm x 72.28cm. Aktuell ist der „Falke“ im Pfäffikon SZ, Schweiz ausgestellt und der „Falke im Sonnenlicht findet sich im „Steg bei Zürich“ ebenfalls in der Schweiz.

 

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Beide Editionen sind als limitierte, nummerierte und signierte Kunstdrucke in verschiedenen Varianten, über die Webseite der Künstlerin erhältlich. https://www.kerstinbuehring.ch/

Kerstin Bühring

Kerstin Bühring, Jahrgang 1977, arbeitet als Künstlerin und leitet Kunstkurse. Inspiriert von Flora und Fauna, der Symbolik und der Mathematik schafft Kerstin Bühring figurative und konkrete Kunstwerke. Sie bedient sich unterschiedlicher Techniken und Materialien, arbeitet analog wie auch digital und verbindet Formen, Muster und leuchtende Farben zu einem Ganzen.

Bühring ist in den Bereichen Kunst und Gestaltung, Tanz und Gesang, aber auch technisch, mathematisch und betriebsökonomisch ausgebildet.

Über sich selbst sagt die Künstlerin: „Zeichnen ist für mich ein Grundbedürfnis, deshalb gehe ich auch nie ohne Stift, Papier und Tablet aus dem Haus. Ich liebe die Natur, bin aber auch gerne in meinem schönen Daheim. Ich bin allem, was schön, aber auch bizarr ist, zugetan. Bin detailverliebt, behalte aber dennoch immer den Blick fürs Ganze. Meine Denkweise ist kreativ und liberal. Wo andere Probleme sehen, sehe ich Herausforderungen. Ich mag keine Engstirnigkeit, keine Diskriminierung, kein sich Verstellen und kein sich Verkleiden. Auch Alkohol und anderen Drogen bin ich nicht zugetan, genau so wenig können Klatsch und Tratsch mein Herz erwärmen.

Ihre Spezialgebiete sind: Intuitives Zeichnen, Durchbrechen von Symmetrien, räumliches Denken und alles, was mit Zahlen zu tun hat.

Eine ausführliche Bilderauswahl finden Sie hier: Bilder von Kerstin Buehring | KBKunstdesign.

Ebenso gibt die Künstlerin kommende Ausstellungen auf ihrer Webseite bekannt. Kunstfreunde die nicht verpassen möchten, ist geraten den kostenlosen Newsletter direkt von der Künstlerin zu abonnieren.

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Ab 11. März 2022 zeigt das Neue Museum in zwei Sammlungsräumen Werke der Schweizer Künstlerin Miriam Cahn. Die Präsentation krieg & „Athener“ Raum wird am Donnerstag, 10. März 2022 um 18 Uhr eröffnet. Zur Begrüßung spricht Museumsdirektorin Simone Schimpf, Kurator Thomas Heyden gibt eine thematische Einführung. Der Eintritt zur Vernissage ist frei.

L’art pour l’art war noch nie Sache der 1949 in Basel geborenen Künstlerin Miriam Cahn. Ihr bildnerisches Œuvre zeichnet sich seit mehr als 40 Jahren durch eine drängende Intensität aus, mit der sie das Menschsein in all seiner seelischen und körperlichen Verletzbarkeit zum Thema nimmt.

Das Neue Museum widmet der international renommierten Künstlerin zwei Räume, die als Installationen angelegt sind: der durch Lucius Grisebach angekaufte Zyklus krieg (1999) mit 20 Bildern und der anlässlich der documenta 2017 in Athen gezeigte „Athener“ Raum mit 41 Zeichnungen und begleitenden Texten sowie weitere Gemälde.

Die Bilder suchen – auf Augenhöhe gehängt – das unmittelbare Gegenüber der Betrachterinnen und Betrachter. Auf diese Weise stellt Miriam Cahn nicht nur eindringlich den eigenen künstlerischen Kosmos vor, sondern zielt auf eine persönliche Resonanz hinsichtlich gesellschaftlicher Themen, wie Krieg, Flucht oder sexuelle Identität.

Der documenta-Raum wurde ermöglicht durch Dauerleihgaben der Sammlung Kerstin Hiller und Helmut Schmelzer. Regelmäßig präsentiert das Neue Museum Künstlerräume aus dem Besitz des Nürnberger Sammlerpaars.

ÖFFNUNGSZEITEN
Dienstag bis Sonntag: 10 bis 18 Uhr
Donnerstag: 10 bis 20 Uhr
Montag: geschlossen

EINTRITTSPREISE
Ausstellung inklusive Sammlung: 7 Euro
ermäßigt: 6 Euro
Sonntags Sammlung 1 Euro
Kinder und Jugendliche unter 18 Jahren frei

Weitere Informationen

Titelbild: Miriam Cahn, „krieg“, 1999 (C) Miriam Cahn · Foto: Galerie Lindig In Paludetto

Mehr über die Künstlerin https://miriamcahn.com/

Weitere Informationen über das Museum: Neues Museum Nürnberg (nmn.de)

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Der Künstler Que Zhinin sagt ihnen noch nichts? Macht nichts, das wird sich ändern. Strassenmomente rückt den Künstler in den Fokus und liefert eine ca. 10-minütige kostenlose Dokumentation über den Schweizer Künstler. Zhinin gibt Einblicke in seine Gedanken und Arbeitsweisen. Ebenso spricht er über seine Vorbilder und widmet sich dem Thema Marketing. Eine kurze, aber vielseitige Dokumentation, die es ermöglicht, den Künstler in wenigen Minuten kennenzulernen.

Que Zhinin

Zhinin ist ein Künstler, der aus dem Nahen Osten, Europa und dem amerikanischen Kontinent um die Welt gereist ist. Seine Werke werden in verschiedenen Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt. Er weckt die Faszination von Galeristen, Sammlern und Kunstmessen und begeistert private Sammler.

Que Zhinin schreibt auf seinem Instagram-Kanal zur Veröffentlichung der Dokumentation folgendes: „The art of…“ many companies & books use that sentence to prove excellence. I am an artist, creating objects…. but I aim to give them life. Because art is more than just creating aesthetic objects, art is life, art is freedom, art is celebrating ideas, views and much more. Share your thoughts on the documentary „giving objects life“ about myself.

Übersetzt:

Viele Unternehmen und Bücher verwenden den Satz „Kunst von…“ um sich zu profilieren. Zhini sieht sich als Künstler, der Objekte erschafft… aber er möchte ihnen Leben geben. Er ist der festen Überzeugung, dass Kunst mehr ist als nur ästhetische Objekte zu schaffen. Kunst ist Leben, Kunst ist Freiheit, Kunst feiert Ideen, Ansichten und vieles mehr. Der Künstler freut sich, wenn sie ihre Meinung zu der Dokumentation mit ihm teilen. Besuchen sie dazu einfach einmal seine Webseite oder seine Social-Media-Präsenzen.

Dokumentation von Strassenmomente:

Wir sind gespannt auf die kommenden Projekte des Künstlers.

Weitere Information

Zur Webseite des Künstlers: https://quezhinin.com/

Zhinin auf Instagram: • Instagram-Fotos und -Videos

Einen Gastbeitrag von Strassenmomente finden Sie hier: Who is Nat Tate? Ein Künstler, ein Hype, ein Aprilscherz

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