Der Titel der Ausstellung Maikäfer flieg! bezieht sich auf das bekannte deutsche Volks- und Kinderlied. Im Laufe der Zeit eigneten sich Schriftsteller, Künstler und Musiker das Stück immer wieder von neuem an. Aufgrund der Gräueltaten des Zweiten Weltkriegs erlangte es traurige Berühmtheit. 1963 las Paul Celan aus den verhängnisvollen Zeilen »winzige Garben Hoffnung«. 1974 bezog Anselm Kiefer das Lied auf Adolf Hitlers »Nerobefehl«. Das Fundament der Malerei von André Butzer bilden nicht nur die künstlerischen Umwälzungen seit dem 19. Jahrhundert, sondern auch all die Schrecken und Versprechungen, die die industrielle Revolution und die Moderne hervorgebracht haben. Dazu gehören die nationalsozialistische Massenvernichtung ebenso wie die Prämissen des kapitalistischen Massenkonsums, Friedrich Hölderlin ebenso wie Henry Ford, Walt Disney oder Coca-Cola.

Seit 1999 entwickelt André Butzer den Science-Fiction-Expressionismus als sein ganz persönliches Bilduniversum, in welchem sich der grundlegende Konflikt der menschlichen Existenz manifestiert – die Untrennbarkeit von Gut und Böse. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft treffen aufeinander und lassen eine fiktive, wenngleich von der Realität und persönlichem Empfinden durchdrungene Bildwelt entstehen. In dieser stehen alles Schöne und Hässliche, Glück und Unglück, alle Liebe und aller Hass, Freude und Leid als von der menschlichen Existenz untrennbare Teile gleichwertig nebeneinander.

Neben vier Aquarellen hat der Künstler drei monumentale Gemälde eigens für den Kunstverein geschaffen. Die Bilder speisen sich aus persönlichen Erfahrungen wie einer Reise ins polnische Kołobrzeg 2003 sowie der Auseinandersetzung mit Edvard Munchs Zeit in Warnemünde 1907 bis 1908. Es sind seriell angelegte Bilder eines von Butzers ikonischen Charakteren, des »Schandemann«. Dieser verkörpert sowohl die ureigene Widersprüchlichkeit der menschlichen Existenz als auch die Zerrissenheit, die die Moderne hinterlassen hat. Auf der Suche nach Frieden und einem Platz in der Welt wird er zum Wanderer.

André Butzer

André Butzer ist 1973 in Stuttgart geboren, lebt in Berlin-Wannsee.

Institutionelle Einzelausstellungen: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; Kunstverein Friedrichshafen (2023); Friedrichs Foundation, Weidingen/Bonn (2022); YUZ Museum, Shanghai; Museum of the Light, Hokuto (2020); IKOB Musée d’Art Contemporain, Eupen (2018); Växjö Konsthall, Växjö (2017); Bayerisches Armeemuseum, Ingolstadt; Neue Galerie Gladbeck (2016); Kunstverein Reutlingen (2015); Künstlerhaus – Halle für Kunst und Medien, Graz (2014); Kestnergesellschaft, Hannover; Kunsthistorisches Museum / Theseustempel, Wien (2011); Kunsthalle Nürnberg (2009); Kunstverein Ulm (2005); Kunstverein Heilbronn (2004)

Ausgewählte öffentliche Sammlungen: Art Institute of Chicago; Carré d’Art-Musée d’Art Contemporain, Nîmes; Children’s Museum of the Arts, New York; Deichtorhallen Hamburg; Friedrichs Foundation, Weidingen/Bonn; Hall Art Foundation, Reading/Derneburg; IKOB Musée d’Art Contemporain, Eupen; Kupferstichkabinett, Staatlichen Museen zu Berlin; LACMA, Los Angeles; Marciano Collection, Los Angeles; MOCA, Los Angeles; Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; Nationalgalerie/Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin; Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen; Pinakothek der Moderne, München; Rubell Museum, Miami; Sammlung zeitgenössische Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Bonn; YUZ Museum, Shanghai.

Weitere Informationen

Titelbild: © André Butzer / Kunstverein Friedrichshafen, 2023 Fotograf: Kilian Blees  

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Jan Zöller gestaltet in intensiven Farben und mit klaren Formen fantastische Welten, die doch nie den Bezug zur Realität verlieren. In seinen Arbeiten reflektiert der 1992 geborene Künstler die Beziehungen und Abhängigkeiten zwischen Menschen und Systemen, sozialen und gesellschaftlichen Dynamiken und ökonomischen Kreisläufen. Dabei nutzt er seine eigene Ikonografie immer wiederkehrender Motive.

Urbane Strukturen treten in Form von Brunnen, Mauern und Straßenlaternen in Erscheinung, Natur als Bäume und Büsche oder stilisierte Elstern und Raben. Immerzu tauchen auch Hosenbeine auf, die rastlos durch die Bilder laufen. Mal sind sie körperlos, mal bestehen ihre Oberkörper aus Brunnenbecken oder den besagten Vögeln. Sie sind Personifikationen des Menschlichen. Alles ist in Bewegung, ja geradezu in Hektik versetzt, wodurch sich das eigentliche Thema von Zöllers Werken offenbart: die Einbindung des Individuum in eine spätkapitalistische Verwertungs- und Leistungsgesellschaft, aus der es kein Entkommen gibt. Auch nicht in oder mit der Kunst. Und so thematisiert Zöller auch immer wieder den Kunstbetrieb mit seinen Produktions-, Präsentations- und Rezeptionsprozessen, Gepflogenheiten und Codes.

For every thing that is shown, some thing is hidden

Obwohl Ausstellen auch gleichzeitig Zeigen bedeutet, löst er in For every thing that is shown, some thing is hidden das, was im Titel bereits angedeutet ist, auch ein. Bereits beim Betreten der Ausstellung läuft man auf eine große Wand zu, auf der lediglich eine kleine Papierarbeit mit der Aufschrift „NOTHING TO SEE HERE“ zu sehen ist.

Geht man trotz diesem Irritationsmoment weiter, verstellt eine riesige Wand aus blauem Styrodur Eintritt und Einsicht in den Ausstellungsraum. An der gegenüberliegenden Wand zieht sich ein zur Raumecke hin ansteigender Pfad aus Erde entlang. Erst danach gelangt man in den großen Ausstellungsraum, in dem dann doch noch Bilder zu sehen sind.

Eine Treppe führt in das obere, kabinettartige Geschoss, an dessen Stirnseite eine wandfüllende Leinwand hängt. Dem Bild gegenüber steht eine Installation, die an ein Schwimmbecken erinnert oder eben an jene Brunnen, die zu Zöllers charakteristischen Motiven gehören. Überall verteilen sich in den Ausstellungsräumen kleine Erdhügel. Wie in einem performativen Akt verteilen die Besucher die Erde in den Räumen und hinterlassen so als Protagonisten der Ausstellung ihre Spuren.

Unweigerlich wird man in diesen raumgreifenden Ensembles selbst zu den rastlosen Hosenbeinen, Elstern und Raben, die Jan Zöllers Bilder bevölkern. Damit geht einher, dass die Ausstellung auch gleichzeitig ein Bühnenbild für ein Theaterstück ist. Das Zöller mit seinem Kindheitsfreund Felix Baumann zurzeit entwickelt. Die Installation der Ausstellung ist bereits der erste Akt der Kollaboration und dient der Erprobung, wie Elemente der Bildenden und Darstellenden Kunst miteinander kombiniert werden können und in einen Austausch treten.

Die Kuratorin der Ausstellung ist Hannah Eckstein.

 

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Der Künstler Jan Zöller

Jan Zöller (*1992 in Haslach im Kinzigtal) lebt und arbeitet in Karlsruhe. Er hat an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Leni Hoffmann und Marijke van Warmerdam sowie an der École nationale supérieure des Beaux-Artes bei Jean Marc Bustamante studiert. Er erhielt 2017 den Postgraduiertenpreis der Kunstakademie Karlsruhe, wurde 2018 mit dem 24. Bundespreis für Kunststudierende der Bundeskunsthalle Bonn, und 2021 mit dem Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds ausgezeichnet.

Seine Werke wurden in Einzelausstellungen in der Städtischen Galerie Ostfildern, bei Meyer Riegger (Karlsruhe), Robert Grunenberg (Berlin), der Galerie Ehrhardt Flórez (Madrid), Spazio Buonasera (Turin), DINAMIKA (Moskau) und in Gruppenausstellungen u.a. in der Bundeskunsthalle Bonn, der Baumwollspinnerei (Leipzig), dem Kunstverein Heidelberg, Coherent (Brüssel) und der Osnova Gallery (Moskau) gezeigt.

Mehr über den Künstler finden Sie hier: www.janzoeller.com

Weitere Informationen

Titelbild: Courtesy: Jan Zöller und Kunstverein Friedrichshafen Fotograf: Kilian Blees

Mehr über den Kunstverein Friedrichshafen finden Sie hier: www.kunstverein-friedrichshafen.de

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Vom 21. April bis zum 15. Mai findet am Bodensee die internationale Kunstausstellung See(h)arte statt. Eine der ausstellenden Künstler ist Petra Wenski-Hänisch, sie präsentiert ihre vielseitige und tiefgründige See-Häsin. Eine vollständige Liste, der über 40 präsenten Künstler aus den Bereichen Malerei, Fotografie, Pop-Art und Skulpturen finden Sie hier: See (h) arte 2022- Ausstellerverzeichnis.

Die See-Häsin bei der see(h)arte 2022

Die Künstlerin Petra Wenski-Hänisch hat die Phantasiefigur „See-Häsin“ erfunden. Sie ist inspiriert von dem Namen der Bahn am Bodensee „Seehas“, der auch in verschiedenen Bodenseegeschichten vorkommt. Der Oberkörper Hase ist Symbol für das Licht, das von Osten kommt und von der Oestra-Lichtgöttin abgeleitet ist – der Unterkörper Fisch ist Symbol für Glück, Fülle und der Fisch, der die Wahrheit der Liebe ans Licht bringt – und die menschlichen Attribute für die Sichtbarkeit der Weiblichkeit. Die Kunst-Kultur-Figur mit der Verkörperung der Liebe im Licht, ist von der Künstlerin in Gemälden, Skulpturen in Bronze, im Silberschmuck und als Buch mit Energie-Geschichten ausgedehnt.

Eine ausführliche Interpretation der Fantasiefigur finden Sie in unserer Kategorie „Werk der Woche“. Werk der Woche #37 – See-Häsin von Petra Wenski-Hänisch. Ausgewählte Variationen der Skulptur und See-Häsin-Gemälde finden sich auch bei uns im Shop! 

Mehr über die See-Häsin auf der see(h)arte 2022: See (h) arte – See-Häsin 

Beispiel für das Wachsausschmelzverfahren

Am Beispiel der „See-Häsin“, die von der Künstlerin und Diplom-Designerin Petra Wenski-Hänisch erfunden wurde, wird Schritt für Schritt dargestellt, wie eine Bronzeskulptur im Wachsausschmelzverfahren entsteht!

Tag der offenen Tür

Wer einen Besuch der Kunstmesse zeitlich nicht einrichten kann, hat auch am Tag der offenen Tür im Atelier der Künstlerin, die Gelegenheit mehr über die See-Häsin zu erfahren. Die „Tage der offenen Tür“ finden im Atelier in
Konstanz-Dingelsdorf, Fließhornstr. 40 statt.

Das nächste mal über das Muttertagswochenende vom 6.-8. Mai 2022. Geplant sind Ausstellung, Lesungen und Workshops: Gemälde, Skulpturen, Schmuckkunst, Kunst/Energie-Literatur, Kunst- und Energie-Workshops.

Öffnungszeiten: Fr. 6. Mai: 14-21 Uhr, Sa. 7. Mai: 11-18 Uhr, So. 8. Mai 2022: 11-18 Uhr.

Mehr über die Tage der offenen Tür bei Petra Wenski-Hänisch finden Sie auf ihrer Webseite. Oder nehmen Sie direkt Kontakt über beispielsweise Instagram auf!

 

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