Zuletzt zog Kadée mit dem Werk „Cernunnos“ die Aufmerksamkeit auf sich. Dieses Kunstwerk wurde erstmalig auf der ARTe Sindelfingen 2022 veröffentlicht und von uns als 54. „Werk der Woche“ ausgezeichnet.

Aus gegebenem Anlass hat der Künstler zu diesem Zeitpunkt einen Artikel über Kunstmessen und Galerieausstellungen geschrieben. Den 11. Teil aus der „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Serie finden Sie hier:
Kunst- und Künstlermarketing #11: Galerien und Kunstmessen

Aktuell ist es aus zeitlichen Gründen nicht möglich, die Serie in gleich- bzw. regelmäßigen Abständen  zu veröffentlichen. Umso mehr freuen wir uns, wenn der Künstler die Zeit findet, sich dem Schreiben zu widmen und unter anderem Tipps für Künstler und Kulturschaffende festhält.

Kunst- und Künstlermarketing Teil 12: Vergütungsgesellschaft (VG) Bild-Kunst

Vergütungen für Ausstellungen, Illustrationen und Bilder im Internet.

Ein Gastbeitrag von Kadée:

Die meisten Künstler/innen haben bedauerlicherweise oft mehr Ausgaben als Einnahmen.

Eine Möglichkeit ein kleines Plus bei den Einnahmen zu erzielen sind die Verwertungsgesellschaften, die allgemeine Verträge mit Kunstverwertern (Verlage, Industrie etc.) schließen und die Gesamteinnahmen unter ihren Mitgliedern aufteilen. Für bildende Künstler/innen ist die VG Bild-Kunst zuständig.

Im Jahr 2020 lagen die Erlöse der Verwertungsgesellschaft Bild-Kunst bei insgesamt rund 109,7 Millionen Euro. Die VG Bild-Kunst verwaltet für bildende Künstler/innen die Vergütungen aus Folgerechten, Reproduktionsrechten, Senderrechten, Onlinerechten sowie die Rechte aus Weitersendevergütungen und Kopievergütung, was für einzelne Kunstschaffende so gut wie unmöglich ist.

Die VG Bild-Kunst hat insgesamt 65.172 Mitglieder (Stichtag: 31.12.2020). Davon gehören 23 Prozent der Berufsgruppe I (bildende Kunst), 58 Prozent der Berufsgruppe II (Foto, Illustration Design) und 19 Prozent der Berufsgruppe III (Film) an.

Quelle: https://mmm.verdi.de/medienwirtschaft/hoehere-ausschuettung-bei-vg-bild-kunst-73295

Mitglied und somit Bezugsberechtigte können alle werden, die einen Mitgliedsantrag stellen, der dann von der VG Bild-Kunst geprüft und bei Erfüllung der Kriterien auch angenommen wird. Daraufhin bekommt man eine Urhebernummer zugeteilt, die dann in Verbindung mit einem Passwort bei der jährlichen Meldung von Ausstellungen und im Internet zu sehenden Bildern die Berechtigung ausweist.

► Die Mitgliedschaft bei der VG Bild-Kunst ist kostenlos. ◄.

Wie läuft das ab?

Zunächst muss man sich registriere. (siehe FAQs/Registrierung)

Einen Antrag stellen können Künstler/innen, Bildautor/innen und Filmschaffende mit Hauptwohnsitz in Deutschland, die freiberuflich tätig sind und in 2020 ein maximales Einkommen von EUR 60.000,- erzielt haben. Im Antrag wird eine Beschreibung des künstlerischen Werdegangs verlangt (Textfeld im Portal, maximal 1.200 Zeichen) mit Angaben zur künstlerischen Ausbildung, zu Ausstellungen, Pressemeldungen, Mitgliedschaften in Kunstvereinen etc. – also quasi die Künstlervita. Entsprechende Nachweise müssen bei Antragstellung digital vorliegen.

Siehe dazu auch auf der Website von VG Bild-Kunst: https://www.bildkunst.de/vg-bild-kunst/neustart-kultur-antragsportal-geschlossen/faq/antragstellung

Wer sich also seine Rechte für 2021 sichern und seine Anteile in 2022/2023 ausbezahlt haben möchte, kann sich sofort registrieren lassen. Die von den Berechtigten jährlich zu erstellende Meldung ist bis zum 30.06. jeden Jahres für das Vorjahr fällig und wird online ausgeführt.

Was kann gemeldet werden?

► Einzelbilder auf Webseiten: Bis zu 200 einzelne Abbildungen eigener Werke, die 2021 auf deutschen Webseiten gezeigt wurden – inklusive der eigenen Webseite (maximal 200 auf allen Webseiten insgesamt!)

Das sieht z.B so aus:

Einfach die URL der Website kopieren, auf denen eigenen Bilder zu sehen sind und Anzahl eintippen. Das Zählwerk zählt in roten Zahlen mit, wie viele Werke noch gemeldet werden können. Wenn noch keine 200 erreicht sind, EINTRAG HINZUFÜGEN. Danach JETZT MELDEN anklicken – fertig. Wenn etwas nicht meldefähig ist, bekommt man in der Regel eine E-Mail von der VG Bild-Kunst.

► Digitale Verlagsprodukte und Printausgaben der Presse: Zusätzlich können 200 einzelne Abbildungen eigener Werke melden, die in digitalen Verlagsprodukten veröffentlicht wurden (Onlineausgaben von Presseprodukten). Werke, die es in die Printausgaben der Presse geschafft haben, können in unbegrenzter Anzahl gemeldet werden. Hierzu zählen auch kleine Lokalzeitungen und Kunstzeitschriften.

► Werkpräsentationen (also Ausstellungen): Pro Jahr können bis zu 12 Werkpräsentationen / Ausstellungen in Deutschland gemeldet werden.

► Bücher: Wenn Ihre Werke in Büchern verwendet wurden, können Sie diese Bücher unter Angabe der Anzahl der dort verwendeten eigenen Werke melden. Museumskataloge lohnen sich besonders, denn dafür erhalten Sie eine Zusatzausschüttung! Außerdem ist es möglich, Bücher fünf Jahre rückwirkend zu melden – jetzt also ab dem Erscheinungsjahr 2017

► Honorare: Verwalten Sie Ihre Urheberrechte selber, so können Sie erzielte Lizenzhonorare melden. Achtung: Es geht hier nicht um Verkaufserlöse für Kunstwerke, sondern nur um Honorare für Nutzungsrechte, die Sie z.B. an Fotografien, Illustrationen oder Werken der bildenden Kunst eingeräumt haben!

Wie kann man melden?

Die Meldungen können bequem über das elektronische Meldeportal der Bild-Kunst eingereicht werden. Wenn es nur um wenige Meldungen geht, kann man auch von der Webseite der Bild-Kunst die Formulare herunterladen, ausdrucken, ausfüllen, scannen und per E-Mail oder per Post an die Geschäftsstelle schicken. Die Nutzung des Meldeportals vereinfacht der Geschäftsstelle die Arbeit sehr.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

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Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Der Airbrush-Artist Kadée schrieb vor einiger Zeit eine 10-teilige Serie für ARTTRADO, in der er seine „Gedanken zum Kunstmarkt“ mit unseren Lesern teilte und auch Tipps bzw. Herangehensweisen, um auf dem Kunstmarkt wahrgenommen zu werden, erläuterte.

Aktuell ist es aus zeitlichen Gründen nicht möglich, die Serie regelmäßig  zu veröffentlichen. Vielleicht folgt eine regelmäßige Fortsetzung, aber erst einmal wollen wir den ungeplanten Teil #11  niemanden vorenthalten.

Zuletzt zog Kadée mit dem #54. „Werk der Woche“ die Aufmerksamkeit auf sich. Dieses Kunstwerk wurde erstmalig auf der ARTe Sindelfingen 2022 veröffentlicht, aus gegebenem Anlass hat der Künstler nun einen Artikel über Kunstmessen und Galerieausstellungen geschrieben.

Kunst- und Künstlermarketing – Teil 11

Ausstellungen in Galerien und Kunstmessen

Ein Gastbeitrag von Kadée:

Kunst braucht Öffentlichkeit und unsere Mitmenschen brauchen und wollen Kunst um sich herum – über alle Genregrenzen hinweg.

Die Darstellung von Kunstwerken der bildenden Künste auf Internet-Plattformen ist meist schlecht möglich, weil es Farbveränderungen gibt, die Größe nicht wirklich wahrgenommen werden kann und kein persönlicher Kontakt zu Werk und Künstler/in entsteht.

Für bildende Künstler/innen ist daher die Teilnahme an Ausstellungen unterschiedlicher Art unabdingbar. Wer seine Karriere beginnt, sollte jede Möglichkeit nutzen: Schaufenster, Geschäftsräume von Firmen, Kunstmärkte etc. Auf diese Weise lernt man, wie Kunstwerke präsentiert werden können, wie Hängungen und Pressearbeit funktionieren und welche Unterlagen auf Veranstaltungen von den Betrachter/innen gern mitgenommen werden
(Visitenkarten, Leporellos, Künstlervita etc.).

Es sind die Grundvoraussetzungen dafür, dass sich irgendwann eine Galerie für die Kunstschaffenden und deren Werke interessiert, denn ohne nachgewiesene Erfahrungswerte und Öffentlichkeitsarbeit ist die Chance leider gleich Null.

Bedauerlicherweise sinkt seit Jahren die Zahl der Galerien, die Corona-Pandemie hat die Situation noch verschärft. Der Großteil aller noch bestehenden Galerien sind sogenannte „Bezahlgalerien“, die von den Ausstellenden mehr oder weniger hohe Gebühren für die Nutzung ihrer Wände verlangen. Hier ist Vorsicht geboten, denn welche Motivation hat der/die Galerist/in noch die Kunstwerke zu verkaufen, wenn das Geld schon in der Kasse ist?

Meine Erfahrungswerte sind, dass in solchen Galerien nur sehr selten Bilder verkauft werden und die Publikumsfrequentierung eher gering ist.

Die beste Möglichkeit für bildende Künstler/innen innerhalb kurzer Zeit möglichst viele kunstaffine Menschen zu erreichen sind die inzwischen zahlreichen lokalen und regionalen Kunstmessen wie z.B. ARTe, Discovery Art-Fair,  artmuc, NC Incorpoarating Art fair und andere.

Auf diesen Messen können Kunstschaffende auch ohne Galeriebegleitung einen Stand mieten. Ein nicht ganz billiges Vergnügen, zumal es keinerlei Garantien für den Verkauf der Bilder gibt.  Für die öffentliche Wahrnehmung als ernsthafte und professionell auftretende Künstler/in sind diese Messen jedoch von hohem Wert. (siehe dazu auch den Artikel Kunst- und Künstlermarketing Teil 3 » ).

Wer daraufhin eine professionelle, große Galerie findet, hat dann Zugang zu den größeren Kunstmessen, wie ART COLOGNE, art KARLSRUHE  oder gar die weltweit renommierteste Art Basel.

Ebenso wichtig wie Ausstellungen und Messen selbst ist die Nachbearbeitung. Aus den Fotos z.B. lässt sich schnell ein kurzes Video zusammenstellen, das man in die Medien posten kann. Programme sind oft in den Kameras installiert, bei YouTube verfügbar oder online zu erwerben. Die Bedienung ist meist schnell erlernt. Hier zwei Beispiele, die ich mit unterschiedlichen Programmen erstellt habe:

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Kadée war unter anderem Zeitsoldat bei einer Fallschirmjägereinheit; Profi-DJ; – Moderator beim Privaten Rundfunk sowie auf Messen und Bühnen, Seminarleiter und Trainer für Moderation und Gründer und Präsident der Künstlervereinigung Fundus Artifex. Vor allem ist er aber eins – Künstler.

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 9. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil widmete sich Kadée; Emotionen auf dem Kunstmarkt. Diesmal teilt der Airbrush-Künsler Kadée seine Gedanken zum Kunstmarkt über „Die Kriterien der Wertermittlung bei Kunstwerken“. Dabei erläutert er die wichtigen Begriffe; Sujet, Provenienz, Marktfrische und Werkphase.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Teil 10

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Einerseits melden die großen Auktionshäuser Christie’s oder Sotheby`s Millionenumsätze beim Verkauf von Kunstwerken, andererseits können abertausende Werke gar nicht verkauft werden. Wie kommt das zustande?

In ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso & Co ein Vermögen aufbauen“ schreibt Dr. Franziska Ida Neuman dazu: „Neben der Größe des Kunstwerks und dem Bekanntheitsgrad des Künstlers zählen besondere Parameter wie die Attraktivität des Motivs (Sujet), die Herkunft des Objektes (Provenienz), die sogenannte Marktfrische sowie die Werkphase, in welcher das Kunstwerk entstanden ist, zu den Eckpfeilern der Wertermittlung.“ Vier Fachbegriffe, die es sich lohnt genauer unter die Lupe zu nehmen.

Zu 1.) Sujet

Das französische Wort „sujet“ [syˈʒɛ] steht für ein künstlerisch verarbeitetes Thema, also das Motiv eines Gemäldes. Für Galeriebetreiber/innen und Sammler/innen zählt hierbei ob und wie viele Gedanken sich der/die Kunstschaffende bei der Erstellung des Werkes gemacht hat. Besondere Bedeutung haben dabei neue, innovative und frische Ideen. „Sieht-so-aus-wie-Kunstwerke haben keine Chance auf eine nachhaltige Wertschätzung am Kunstmarkt, obwohl sie kurzfristig zahlreichen Kunstsammlern schmecken könnten“ erklärt dazu der Galerist und Kunstsachverständige Dr. Wolfram Völcker. Harald

Szeemann, Schweizer Museumsleiter, Kurator und Ausstellungsmacher stellt klar: „Den Betrachter des Kunstwerkes interessiert nämlich nicht das, was er schon weiß, sondern das Unbekannte, das Unglaubliche, das noch nie Gesehene, die Sensation, die dieses eigene Wissen übersteigt oder in verdichteter Form neu sichtbar werden lässt.“ Wolfram Völcker fasst zusammen: „Wir können also sagen, ein Kunstwerk hat eine hohe Qualität, wenn seine Wirkung auf den Betrachter besonders intensiv ist“.

Zu 2.) Provenienz

Provenienz ist aus dem Lateinischen hergeleitet von „provenire“ (entstehen, hervorkommen, geboren werden) und bezeichnet in der Kunstszene die Herkunft und verschiedenen Besitzverhältnisse eines Kulturguts. Die Verbindung zum Kunstmarkt erklärt die Provenienzforscherin Isabel von Klitzing: „Seit jeher spielt die Herkunft eines Werkes (Provenienz) für den Handel eine große Rolle.

Wie einem guten Wein ist eine einwandfreie Herkunft aus „erster Lage“ auch bei einem Kunstwerk ein Gütesiegel für Qualität, das Schlüsse auf die Echtheit eines Objektes zulässt und seinen Wert bezeugt.“ Zur einwandfreien Herkunft eines Kunstwerkes gehört insbesondere die Frage wer es geschaffen hat. „Der Name des Künstlers spielt im Bewertungsvorgang zur Erstellung des Handelswertes eine zentrale Rolle. Denn der Name ist gleichermaßen ein Zeichen der Herkunft und der Authentizität“, sagt der Kulturmanager Prof. Dr. Dirk Boll und ergänzt:

„Durch die Signatur des Künstlers wird das einzelne Werk gewissermaßen beglaubigt“ Auch in unterschiedlichen Berechnungsmodellen für Werke der bildenden Kunst wird der Künstlerfaktor als besonders preisrelevant angegeben, wie Prof. Boll bestätigt: „Für den Künstler- oder Kunstfaktor sind die Bekanntheitsgrade einer Künstlerin / eines Künstlers ausschlaggebend, die Beteiligung an wichtigen Ausstellungen, Art und Zahl von Stipendien und Preisen oder die Erwähnung in Feuilletons“ […] „War es früher so, dass der künstlerische Wert den Großteil des Handelswertes bestimmte, und damit Fragen der kunsthistorischen Legitimierung und der Seltenheit des Werkes den Preis bestimmten, so wurde die Bandbreite von Kriterien um Breitenwirkung, Provenienz, Marktgeschichte und Wertentwicklung erweitert“.

Zu 3.) Marktfrische

Werke der Gegenwartskunst werden zusätzlich auch nach ihrer Marktfrische beurteilt. Es wird die Frage gestellt: Wie oft wurde das Werk in den letzten Jahren öffentlich zum Verkauf angeboten – und nicht verkauft? Bei Ladenhütern, die schon in der zehnten Ausstellung und auf der fünften Messe gezeigt wurden, sinkt der Preis. Ein Faktor dabei ist auch ob in diesen Werken der sich regelmäßig ändernde Zeitgeist eingefangen und ausgedrückt wurde.

Zu 4.) Werkphase

Während der vielen Jahre künstlerischen Schaffens entwickeln sich Künstler/innen in der Regel weiter. Diese Werks- oder Schaffensphasen können zeitlich (z.B. Werke zwischen 1952 und 1961), räumlich (z.B. Pariser Arbeiten) oder thematisch (z.B. grüne Periode) gegliedert sein. Diese Einteilungen sind meist Zuschreibungen durch etwa Kunsthistoriker/innen oder Biograf/en/innen. Die Kunstwerke werden auch häufig in „frühes -“, „mittleres -“ oder „spätes Werk“ unterteilt. Häufig findet man im Zusammenhang mit dem Spätwerk Begriffe wie „abgeklärt“, „gereift“ o.Ä. Als Beispiel kann hier Pablo Picasso dienen:

Naturalistisches Frühwerk (1898–1901)
Rezeption des Post-Impressionismus (1901–1902)
Blaue Periode (Herbst 1902–1904)
Rosa Periode (1904–1906)
Frühkubismus (1907–1908)

Allgemein gilt was Prof. Wolfram Völcker sagt: „Neben der Authentizität und der Glaubwürdigkeit muss sich […] immer eine Eigenständigkeit ausmachen lassen“, womit sich der Kreis zum Sujet schließt. Fazit: Um auf dem Kunstmarkt sichtbaren und spürbaren Erfolg zu haben, reicht es leider nicht aus „einfach nur zu malen“ und zu glauben „meine Bilder sprechen für sich“ sondern es gilt sehr komplexe Vorgänge und Zusammenhänge zu kennen und darauf zu reagieren.

Der Kunsthistoriker, Kunstpublizist und Herausgeber der Fachzeitschrift KUNSTFORUM, Dr. Martin Seidel, sieht es so: „Erfolgsfaktoren sind weder die – nicht messbare – Qualität von Kunst noch Preise und Umsatzerfolge. Sondern die Wahrnehmung von Künstler/innen, die Zahl ihrer repräsentativen Einzel- und Gruppenausstellungen, die Ankäufe großer Museen und die Erwähnung in Feuilletons und Kunstmagazinen“.

„Ein fast ebenso wichtiger Erfolgsfaktor wie Reichtum und Vermögen ist das soziale Kapital: das Eingebundensein in familiäre und lokale Netzwerke und Berufsorganisationen, die Vernetzungsfähigkeit, Kontaktfreudigkeit, Liebenswürdigkeit und die charismatische Wirkung“ meint der Kunsthistoriker Dr. Christian Saehrendt und stellt weiter fest: „Unabhängig von materiellen und sozialen Startvorteilen sind psychische Stabilität und Eigenschaften wie Resilienz (also die psychische Widerstandskraft und Fähigkeit, schwierige Lebenssituationen ohne anhaltende Beeinträchtigung zu überstehen [Anm. Kadée] ) Beharrlichkeit und Zielstrebigkeit von Bedeutung“.

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Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 5. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“, in dem er sich der Wichtigkeit der Pressearbeit von Künstlern gewidmet hat. Das aktuelle Thema: Kunst- und Künstlermarketing. Heute geht der Künstler einer wichtigen Frage auf den Grund; Wer kauft überhaupt Kunst? – und aus welcher Motivation heraus werden Kunstwerke gekauft? Dem ein oder anderen Künstler kann Kadée mit seiner Erfahrung garantiert noch weiterhelfen.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler Kadée finden Sie hier:
Kadée im Interview &#8211; Normal ist langweilig

Wer kauft Kunst? –  und warum?

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Es ist wohl unstrittig, dass Menschen, unabhängig von Alter, Geschlecht, Herkunft oder gesellschaftlichem Status, Kunst um sich herum brauchen, um seelisch gesund zu bleiben. Musik und Tanz, Geschichten als Buch, Film oder Vorführung und die optisch ästhetische Gestaltung ihrer Umgebung ist ein inneres Bedürfnis, das von der Kindheit bis zum Alter erlebt und umgesetzt wird. In welchem Ausmaß das geschieht ist allerdings von der Erfüllung einiger Grundbedürfnisse abhängig.

Der amerikanische Psychologe Abraham Herold Maslow hat diese grundlegenden Bedürfnisse erforscht und in der „Maslowschen Bedürfnispyramide“ zusammengefasst. Seine achtstufige Fassung von 1970 habe ich als Grundlage für meine Betrachtung in Bezug zum Kunstmarkt genommen.

Solange also die Grundbedürfnisse des akuten und auch zukünftigen Überlebens nicht gesichert sind, besteht in der Bevölkerung kaum ein Interesse an einem Kauf von hochwertigen Kunst-Unikaten. Der Frage, weshalb Menschen überhaupt Kunstwerke kaufen, hat sich die FAZ (Frankfurter Allgemeine Zeitung) angenommen und als Statistik veröffentlicht. Ich habe zum besseren Verständnis die Verbindung zu den Stufen der Maslowschen Bedürfnispyramide eingefügt.

Dr. Franziska Ida Neumann schreibt dazu in ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso § Co. ein Vermögen aufbauen“: „Die im Mai 2018 erschienene Grafik zeigt deutlich, dass sich weder die Jagd nach einer attraktiven Rendite noch die Portfolioversifikation unter den drei am häufigsten genannten Gründen wiederfinden. Vielmehr geben ideelle und gesellschaftliche Motive den Ausschlag zum Kunstkauf.“ Und sie ergänzt: „Dass es die dekorativen Gründe auf Platz eins geschafft habe, ist wenig verwunderlich. Gerade in Europa und Nordamerika richtet sich nahezu jeder private Haushalt mit Kunstwerken im weitesten Sinne ein.“

In den öffentlichen Medien, die aus Gründen der Auflagenerhöhung zu Schlagzeilen mit Sensationsmeldungen neigen, kann der Eindruck entstehen, dass ausschließlich Multimillionäre den Kunstmarkt beherrschen. Für die Werke aus den TOP 100 des Kunstkompass mag das zutreffen. „Kunstbesitz ist so ziemlich die einzige anständige und von gutem Geschmack erlaubte Art, Reichtum zu zeigen“ sagte der Kunsthistoriker Max Jacob Friedländer schon vor über 60 Jahren, als die Preislevel noch deutlich unter dem heutigen Niveau lagen. Robert Fleck, Professor für Kunst und Öffentlichkeit an der Universität Düsseldorf, stellte 2013 fest: „Die Anzahl der mittleren und größeren Sammler, die zeitgenössische Kunst um mehrere hunderttausend Euro oder mehr pro Jahr erwerben, nahm in den letzten 15 Jahren deutlich zu.“

Dieser Trend hält trotz Corona-Pandemie offensichtlich weiter an. „Kunst wird zu einem erweiterten Statussymbol; der Eigentümer zeigt nicht nur seine finanzielle Potenz, sondern dass er über die ökonomischen Unterschiede hinaus über intellektuelle Fähigkeiten verfügt, die der Mehrheit abgehen“ wird der Kulturmanager und Präsident (EMEA) des Auktionshauses Christie’s, Prof. Dr. Dirk Boll, im Buch „Was kostet Kunst?“ zitiert.

Für die Werke der Künstler/innen auf den Plätzen 101 bis 10.000 des Kunstkompass’ stellt Professor Fleck etwas andere Bedingungen fest: „Die besondere konkurenzielle Situation unter Sammlern auf dem Kunstmarkt der letzten Jahre ist eine Erklärung dafür, dass viele Sammler eine aktive Kooperation mit den Künstlern suchen, für die sie sich interessieren.“

Die Kunstjournalistin Claudia Herstatt hat dazu für ihr Buch „Fit für den Kunstmarkt“ Sammler/innen befragt und sieht hier eine andere Seite. „Große Namen zu Spitzenpreisen zu kaufen ist nicht angesagt. Mit neuer Kunst umzugehen ist wie Roulette; Entdeckungen zu machen ist der Spaß des Sammlers“ sagt Inge Rodenstock, Sammlerin aus Grünwald bei München und Harald Falckenberg, Sammler aus Hamburg, meint: „Der Reiz für einen Sammler wie mich liegt darin, Neues zu entdecken“ Zu einem ähnlichen Ergebnis kommt auch Dr. Ida Franziska Neumann: „Gesammelt wird, was gefällt. Oder was thematisch in die Kollektion passt. Kunstsammler sind passionierte Kunstjäger, immer auf der Suche nach dem nächsten Objekt. Anders als finanzorientierte Investoren liegt die Befriedigung des Kunstsammlers nicht in der Rendite beim Wiederverkauf, sondern vielmehr darin, ein originelles, seltenes oder besonders begehrtes Objekt erstanden zu haben“

Die Betrachtungen sind hier breit gefächert, wie Professor Boll feststellt: „Der Käufer möchte durch den Erwerb eines Kunstwerkes einen Nutzen realisieren: Rezeption und Kunstgenuss, Dekoration des häuslichen Umfeldes, Prestigegewinn als ästhetischer -, Kapitalanlage als finanzieller Nutzen“.

Was bedeutet dies alles nun für die Künstler/innen, die sich auf dem Kunstmarkt behaupten wollen? Sowohl die Maslowsche Bedürfnispyramide wie auch die Umfragestatistiken zeigen, dass 62% also nahezu 2/3 aller preislich relevanten Verkäufe (über 1.000,- €) in den Bevölkerungsgruppen stattfinden, bei denen ein sicherer Wohlstand vorhanden ist und es kaum Zukunftsängste gibt. Das ist die definierte Zielgruppe für professionelle, ernsthafte Künstler/innen. Es sind meist Menschen im mittleren oder gehobenen Management, selbständige Unternehmer/innen oder auch Erben größerer Vermögen. Sie verfügen über ausreichend finanzielle Mittel und sind auch grundsätzlich am Ankauf von Kunstwerken interessiert. Meist aber fehlt es ihnen an ausreichend Zeit nach für sie geeigneten Werken zu suchen. Sie besuchen die zahlreichen Kunstmessen und Biennalen, wo hunderte von Galerien tausende Kunstwerke ausgewählter Künstler/innen zeigen.

„Nur in Kinofilmen schwärmen Sammler aus, um Gemälde von heruntergekommenen Künstlern zu kaufen. Mit sehr wenigen Ausnahmen wollen die meisten Sammler Arbeiten von Künstlern kaufen, die auf dem Weg nach oben sind“ gibt die amerikanische Kunstjournalistin und Kolumnistin Carole Katchen zu bedenken. „Selbst der Käufer, dem Kunst als Investition egal ist, der bloß ein schönes Bild will, um es über das Sofa zu hängen, möchte das Gefühl haben, dass das Bild von einem Künstler gemalt wurde, der es ‚zu etwas bringen wird‘ “.

Um diesen Anforderungen zu entsprechen, sollte es für die kaufinteressierte Kundschaft neben einem hohen Gestaltungsniveau der Kunstwerke zusätzlich auch eine aussagekräftige Künstlervita und umfangreiches Begleitmaterial von und über die Kunstschaffenden geben.

In 14 Tagen kommt der 7. Teil der Serie – Wann ist man ein/e Künstler/in – ein differenzierter Blick auf Kunstschaffende.

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Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

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Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den ersten Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“ mit dem Thema Kunst- und Künstlermarketing. Heute veröffentlichen wir  die Fortsetzung. Der dritte Teil folgt am 18.07.2021. Ein Interview mit dem Künstler finden Sie hier: https://arttrado.de/news/kadee-im-interview-normal-ist-langweilig/
 

Kunst- und Künstlermarketing #2

 
Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Künstler/innen gelten bei uns als Personen des öffentlichen Lebens. Wer sich entschließt, mit und auch von der Kunst leben zu wollen, sollte sich im Klaren darüber sein, dass Marketing Bestandteil von allem ist, was ein/e ernsthafte/r Künstler/in beruflich unternimmt. Zusammengefasst entsteht so mit der Zeit die tabellarisch angelegte Künstler-Vita.

Angefangen mit der künstlerischen Ausbildung bis zu Mitgliedschaften in Kunstvereinen sollte sich jeder einzelne Punkt auf der Vita nach Möglichkeit auf kunstrelevante Themen beziehen, damit sich z.B. Kunstsammler/innen und Galerist/innen einen kurzen Überblick verschaffen können. Wenn die steigende Zahl der Ausstellungen nicht mehr auf auf die Seite passt, sollten die weniger relevanten gestrichen werden.

„Für Galeristen und ernsthafte Kunstkäufer ist die Aufzählung von Schulpreisen und Straßenausstellungen ein Zeichen dafür, dass Sie keine gewichtigeren Referenzen haben und sie könnten den Eindruck bekommen, dass Sie kein Künstler sind, den man ernst nehmen sollte“, sagt die amerikanische Kunstjournalistin und Kolumnistin Carole Katchen, denn, so führt sie fort: „Kunstkäufer wollen Referenzen. Wenn Sie ihnen Referenzen bieten können, haben Sie einen großen Schritt gemacht, um zu beweisen, dass Sie ein Profi sind.“
 

„Marketing ist immer. Nutzen Sie jede Gelegenheit mit Ihrer Kunst aufzufallen, auf Ihre Kunst hinzuweisen und letztlich auch Ihre Kunst anzubieten.“ – Günter Weiler, Autor, Kurator, bildender Künstler aus dem Buch „Lust auf Erfolg?“ (2020)

 
Der von der Zeitschrift „Capital“ einmal jährlich herausgegebene Kunstkompass definiert die Ziele die „oben“ gelten: „Mit Punkten bewertet werden…folgende Kriterien: > Einzelausstellungen in einem der über 300 renommierten internationalen Museen wie dem MoMA in New York; Teilnahme an einer der jährlich 100 Gruppenausstellungen wie der Documenta in Kassel; Rezensionen in renommierten Kunstmagazinen; Ankäufe durch namhafte Museen; Ehrungen mit Auszeichnungen wie dem Turner-Preis in London; und bei Skulpturen außerdem Aufstellungen im Außenraum.“

Nur wenige Künstler/innen erreichen die Top 100, aber alle Zwischenschritte sind möglich und erstrebenswert. Ausstellungen in Galerien und auf Kunstmessen sowie Nennungen auf den Kulturseiten von Tageszeitungen und in Kunstmagazinen sind jedoch mit einem gewissen Einsatz und einer konsequenten Marketing-Strategie durchaus erreichbar. Ein paar Jahre dauert es allerdings schon.
 

„Um am Kunstmarkt erfolgreich zu sein, braucht es Zeit, Geld, ein dickes Fell und Durchhaltevermögen“ – Der Innspiratoor aus „Was ist Kunst?/Was ist ein Künstler“

 

 

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Am letzten Sonntag veröffentlichten wir ein Interview mit dem Künstler Klaus – Kadée – Eberhardt und kündigten „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“ bereits an. Heute geht es um Kunst- und Künstlermarketing.  In 14 Tagen, am Sonntag veröffentlichen wir die Fortsetzung.

Kunst- und Künstlermarketing – Teil 1

Es wäre wie im Schlaraffenland, wenn wir Kunstschaffenden uns vollständig darauf konzentrieren könnten, unsere Werke zu kreieren und uns um nichts weiter kümmern zu müssen. Wir alle wissen aber, dass das Schlaraffenland zu unserem Leidwesen nur in der Fantasie existiert.

Um als Künstler/in von und mit der jeweiligen Kunst leben zu können, braucht es eine Methode, die es ermöglicht, die geschaffenen Werke zu angemessenen Preisen an den Mann oder die Frau zu bringen. Eine Marketing-Strategie kann hier zum Ziel führen. Dazu schauen wir uns zunächst einmal an was Kunst- und Künstlermarketing eigentlich alles beinhaltet.

Es gibt tausende bildende Künstler/innen in Deutschland, die ihre Bilder verkaufen möchten. Um sich aus der Masse hervorzuheben, bedarf es verschiedener Maßnahmen, die viel weitreichender sind als die meisten Kunstschaffenden glauben.

Neben professionell erstellten Kunstwerken sind in der Kunstszene Bekanntheitsgrad und Image von zentraler Bedeutung. Beides ist nicht einfach da, sondern gilt, geschaffen zu werden. „Was auch immer Sie noch tun, um für Ihre Kunst zu werben, fangen Sie mit einem sehr positiven Erscheinungsbild an“, schreibt die amerikanische Kolumnistin und Kunstjournalistin Carole Katchen in ihrem Buch „Kunst erfolgreich verkaufen“. Weiter schreibt sie: „Selbst der Käufer, dem Kunst als Investition egal ist, der bloß ein schönes Bild will, um es über das Sofa zu hängen, möchte das Gefühl haben, dass das Bild von einem Künstler gemalt wurde, der es „zu etwas bringen wird“.

Marketing schafft keine Kunst und keine Künstler, aber es macht sie sichtbar. – Dr. Ina Ross, Dozentin für Kulturmanagement, 2013

Im Zeitalter der ständigen Sichtbarkeit in Social Networks ist es daher sinnvoll, darauf zu achten, dass alle geposteten Fotos professionell erstellt sind und erkennen lassen, dass man Künstler/in ist, somit eine Person des öffentlichen Lebens. Am besten beauftragt man einen professionellen Fotografen damit. Da es inzwischen auch viele sehr gute Kameras in Privatbesitz gibt, findet sich meist schnell jemand im engeren oder weiteren Bekanntenkreis, der mit euch mal einen Tag ein Fotoshooting im Künstler-Outfit machen würde.

Die Fotos mit einer Auflösung von mindestens 300 dpi könnt ihr dann auf der Website, bei facebook, Instagram, LinkedIn etc. sowie für eure Drucksachen (Vita, Flyer , Leporellos)verwenden.

Der allgemeine Trend geht inzwischen weiter zu kurzen Video-Clips. Hierbei ist darauf zu achten, dass es keine Wackel-Handy-Videos sind, wenn ihr darin professionell wirken wollt.

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Aktuell sammeln wir Spenden für das Tierheim Herzsprung, unter allen Spendern verlosen wir ein Kunstwerk im Wert von ca. 2000€ Alle Information zur Teilnahme: Aktion: Tierheim Herzsprung spenden und Kunstwerk gewinnen |